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“La Bataille De Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom”, L’Étrangère”, “Seuls les rebelles”, “Maspalomas” en salle le 24 juin 2026

Vincent RAYMOND — Sat, 27 Jun 2026 14:45:05 +0000

La fin d’un combat, des réfugiés, un retraité remisé au placard sont à l’affiche en cette semaine de Fête du Cinéma. Entre autres…

La Bataille De Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom de Antonin Baudry

1943. Leclerc s’illustre en Libye, Jean Moulin, alias Rex unifie à grand peine les différentes branches de la Résistance à Lyon. Pendant ce temps, De Gaulle n’en finit pas de ferrailler contre les Alliés qui renâclent toujours à considérer ce général têtu comme un interlocuteur valable. Notamment Roosevelt, qui lui préfère Giraud, plus malléable, pour diriger les forces armées françaises. Giraud est aussi bien souple avec les vichystes, ce qui révulse ce résistant de la première heure qu’est De Gaulle. Dans la dernière bataille, il doit donc le mettre sur la touche afin s’imposer comme le seul chef de la France libre…

J’écris ton nom permet enfin d’embrasser dans son ensemble l’approche de Baudry sur le parcours de De Gaulle durant la Seconde Guerre mondiale. Fatalement complémentaire du premier volet, il est aussi “structurellement“ différent. Pour mémoire L’Âge de fer narrait les débuts isolés du rebelle exilé à Londres, ses maigres ralliements, l’aide sinusoïdale de Churchill ainsi que ses premiers succès dans les colonies — grâce aux opérations de guérilla de Leclerc et à la percée de Kœnig lors du siège de Bir-Hakeim… mais consacrait un temps à peu près équivalent au futur martyr Ferdinand Bonnier de la Chapelle, jeune incarnation d’une Résistance embryonnaire sur ce qu’il restait du sol national.

Ruser avec Roosevelt

Dans cette seconde partie, De Gaulle apparaît la fois de plus en plus inébranlable en sa personne et sa mission : il ose même comparer son destin à celui de Jeanne d’Arc ! Il affirme donc son autorité et son primat au sein de son camp, mais passe davantage de temps à lutter à titre personnel contre l’ingérence étasunienne que contre les forces de l’Axe. Chef de guerre, il se mue ainsi en stratège politique — même si la fin de non-recevoir et le coup de force demeurent ses instruments diplomatiques préférés dans la négociation !

Roosevelt se montre quant à lui dédaigneux vis-à-vis de l’arrogant militaire dont il ne soupçonne ni l’intelligence ni le sens tactique. Giraud en sera pour ses frais, qui se fera évincer malgré ses grommellements de ganache — quelle bonne idée d’avoir rappelé Thierry Lhermitte, qui avait donné vie au Alexandre Taillard de Worms raide, obstiné et martial héros de Quai d’Orsay ! On découvre par ailleurs de Roosevelt une facette rarement dépeinte : celle de l’impérialiste opportuniste profitant de l’aubaine pour vassaliser l’Europe ; son successeur Truman le fera différemment, en usant du soft power grâce au plan Marshall.

Sur le front

L’action pure est ici dévolue à deux émissaires là encore complémentaires, comme peuvent l’être le glaive et l’esprit au combat : Leclerc et Moulin. Campé par Niels Schneider, le premier, figure romantique au patriotisme inflexible, investit l’essentiel des séquences héroïques et militaires (notamment la bataille épique de Ksar Ghilane, immersive au possible) ; on le voit également jouer au boutefeu face aux traitres vichystes — coucou Giraud ! Ces séquences soulignent que la Bataille de France s’est beaucoup jouée hors de l’Hexagone, et que le sang des colonies a coulé des déserts d’Afrique aux fronts européens durant la Libération.

Quant au second, Rex-Moulin, que joue Félix Kysyl, c’est moins dans les grands espaces ocres du désert que dans les salons feutrés, les ruelles obscures et l’urgence de la clandestinité qu’il mène ses actions pour fédérer les branches désunies de la lutte intérieure. Dans tous les cas, Baudry conforte son point de vue interne, côté Alliés : la personnification — osons dire “l’humanisation“ — de l’adversaire est réduite à la portion congrue. Les soldats de l’Axe et gestapistes sont au plus des silhouettes ; avec une exception notable pour les gendarmes français traquant les résistants gaullistes…

De la stature à la statue

La dimension humaine de De Gaulle, justement, clairement dessinée dans L’Âge de fer, s’estompe presque totalement : exit, la vie de famille ; au mieux le voit-on en pyjama sur son lit (mastiquant les chocolats préparés par son épouse Yvonne pour l’aider à prendre une grande décision) et l’œil embrumé lorsqu’il apprend la capture de Moulin. Le général n’a plus désormais de face privée, de corps physique ; il fait corps avec son aura historique, sa légende naissante…

La Bataille De Gaulle aurait, dit-on, coûté plus cher que prévu, son tournage n’ayant pas été une sinécure. Lorsque l’embargo commercial enveloppant ce double film s’évanouira, on connaîtra le fin mot de ses coulisses. Si Baudry et ses troupes ont sans doute eu à déplorer quelques pertes et consentir des défaites durant certaines batailles, on peut à la lumière de ces deux volets considérer qu’ils ont remporté leur guerre — cinématographique, s’entend.

La Bataille De Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom de Antonin Baudry (Fr., 2h40) avec Simon Abkarian, Niels Schneider, Anamaria Vartolomei, Félix Kysyl, Thierry Lhermitte, Karim Leklou, Loïc Corbery, Campbell Scott, Grégoire Colin, Stephen Campbell Moore, Pablo Cobo, Simon Russell Beale, Daniel Betts, Pip Torrens, Sami Améziane, Tom Mison… Sortie le 26 juin 2026.

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L’Étrangère de Gaya Jiji

Après avoir fui le régime syrien au péril de sa vie, laissant son mari Iyad et son fils Rami sur place, Selma est arrivée en Europe clandestinement. Parvenue à Bordeaux, elle survit grâce au secours de la diaspora et un travail au noir dans un restaurant. C’est dans ce cadre qu’elle fait la connaissance de Jérôme, un avocat à qui elle va demander de l’aide pour obtenir sa régularisation. Peu à peu, un lien intime naît entre eux, qui sera chamboulé par le retour du mari de Selma, miraculé des geôles d’Assad…

Chemin de croix administratif de réfugiée, histoire d’amour avec un bon samaritain, réapparition du mari-héros à l’acte III induisant un triangle amoureux et un conflit de loyauté insurmontables pour Selma… L’Étrangère aurait tout du film aux gros sabots mais il faut parfois, comme l’on dit fort trivialement, « laisser sa chance au produit ». Et si l’on voit venir de loin certaines situations (en redoutant in petto qu’elles n’adviennent pas), on est agréablement surpris par la manière dont
Gaya Jiji parvient à désamorcer ce qui semblait inéluctable, sans abandonner les rivages du réalisme… ni s’abandonner au confort d’un happy end absolu ou d’une tragédie grecque.

Semi-mélo

C’est grâce à ses personnages hantés par leur passé et à leurs évolutions inattendues que L’Étrangère finit par emporter le morceau. Selma, Jérôme ou Iyad ont tous leur part d’ombre, chacun doit s’accommoder avec sa vérité et trouver la meilleure manière de survivre à ce qu’ils ont éprouvé de leur côté. La séquence durant laquelle Iyad raconte sans détour sa réclusion à Jérôme, obligeant sa femme à traduire (et donc à entendre indirectement le récit de son calvaire) rappelle le procédé de la “Pomponnette“ dans La Femme du boulanger de Pagnol (1938) ; quant à la fin, aux airs de semi-mélo elle n’a rien à envier au cinéma iranien contemporain signé Panahi, Farhadi ou Roustayi — et la présence de Zar Amir n’a ici rien à y voir puisque Selma est syrienne.

Qui regarde qui ou quoi ? / Photo : © Tandem Films

Notons au passage l’interprétation extraordinaire de sensibilité du caméléon Amr Waked : dans le rôle du mari, il ne constitue pas l’opposé ni l’adversaire de l’avocat mais une alternative dans le fameux triangle amoureux. L’absence de rivalité masculine primaire est à mettre au crédit de ce film — comme souvent, les configurations dépourvues de surenchère viriliste ne se retrouvent que dans des œuvres écrites ou réalisées par des femmes cinéastes…

L’Étrangère de Gaya Jiji (Fr., 1h42) avec Zar Amir, Alexis Manenti, Amr Waked, Megan Northam, Grégoire Monsaingeon, Marine Berceaux, Saad Lostan, Samu Al Hindi… Sortie le 24 juin 2026.

Gaya Jiji (“L’Étrangère”) : « Il y a un côté un peu kafkaïen dans cette procédure de Dublin »

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Seuls les rebelles de Danielle Arbid

Le Liban, de nos jours. Suzanne veuve d’une soixantaine d’années travaillant dans un magasin de tissus croise la route d’un jeune Soudanais réfugié, Osmane. Une relation s’engage entre eux, qui suscite des relations mitigées dans leur entourage : on doute de la sincérité des intentions de l’un, de la raison de l’autre… Et si, dans le chaos général, Suzanne et Osmane avaient reconquis une forme de bonheur ?

Les remakes n’ont souvent de intérêt que lorsqu’ils apportent un éclairage différent, une transposition transcendant le simple exercice de moine copiste. Pour ne citer que quelques exemples, le Psycho (1998) conceptuel de Gus Van Sant, avec son cahier des charges “plan par plan“ présente davantage d’enjeu que chaque version locale de Bienvenue chez les Ch’tis ou l’énième reboot de Superman n’apportant en général dans la corbeille qu’une surdose de spectaculaire numérique réactualisé. Quant à Peter von Kant d’Ozon (2022), il propose une relecture à 180° de l’œuvre de Fassbinder en changeant le genre de sa protagoniste Petra von Kant, induisant donc de nouvelles problématiques sans pour autant trahir l’esprit — loin s’en faut.

Faux et pourtant vrai

Lui aussi inspiré de Fassbinder (Tous les autres s’appellent Ali, par ailleurs décalque lointain d’un Sirk, Tout ce que le ciel permet) Seuls les rebelles pourrait s’avérer une sage translation du motif original dans un autre pays et à une autre époque. Mais le fatum en a décidé autrement. Par une ironie tragique, la réalité s’est invitée dans la production et renforce le propos et le fond en contraignant sa forme. En effet, le film était prévu pour se tourner au Liban mais la situation politico-économique sur place a contraint l’équipe à trouver un dérivatif — en l’occurence, à effectuer les prises de vues en studio.

“Nous sommes faits de l’étoffe dont sont tissés les songes” (Shakespeare, La Tempête, Acte IV, Sc. 1) / Photo : © Easy Riders Films

Or tout l’intérêt de ce simulacre de Liban réside dans le fait qu’il ne cherche pas à tromper le spectateur : comme au théâtre, le décor est explicite : il suggère davantage qu’il reconstitue grâce à des incrustations vidéo, des fonds photographiques… Ajoutons qu’un message liminaire de la cinéaste explique la situation et que le dernier plan dévoile le dispositif technique de trucage. L’effet est troublant et va dans le sens du libre arbitre des personnages : si l’on a envie de croire à quelque chose que la majorité jugerait absurde, rien ne nous en empêche…

Seuls les rebelles de Danielle Arbid (Fr., 1h42) avec Hiam Abbass, Amine Benrachid, Sami Dekhissi… Sortie le 24 juin 2026.

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Maspalomas de Aitor Arregi & Jose Mari Goenaga

Après un AVC, Vicente est placé dans un EHPAD du Pays basque. Pour ce septuagénaire qui vivait son homosexualité au grand jour sur une île des Canaries, à Maspalomas, cela revient à retourner dans le placard par peur d’être stigmatisé. Commence un long cheminement pour se reconstruire physiquement mais aussi s’accepter tel qu’il est…

Bien sûr, il y a l’interprétation solide de José Ramón Soroiz en deux temps, voire en deux âges : le fêtard aux cheveux teints vêtu de couleurs vives faisant place au vieux monsieur chenu, recroquevillé sur ses souvenirs. Son Goya du meilleur interprète n’est pas volé — même si on ne comprend pas pourquoi le Sergi López de Sirāt n’était même pas cité parmi ses concurrents : étrange oubli de la par des votants espagnols. Il y a aussi là pertinence de la thématique : quid de la situation des seniors LGBT+ ? Après des parcours de vie souvent marqués par l’ostracisme ou la discrimination peuvent-ils espérer une fin d’existence plus sereine ?

Clásico

Mais la pertinence d’un sujet ne condamne pas nécessairement à le traiter de manière aussi scolaire, en enfilant chaque item comme une perle, au risque de rendre prévisibles la survenue de certains personnages annexes (le voisin de chambre à l’EHPAD du genre mascu, l’aide-soignant gay) ou de truffer la narration de rebondissement purement utilitaires dont les conséquences sont bien vite évacuées. Ainsi en est-il de l’AVC initial dont Vicente se remet en quelques séquences et sans séquelles (tant mieux pour lui) ; ou de la survenue de la pandémie du Covid, qui est presque abordée comme une vague anecdote.

Et surtout, ne pas oublier de s’hydrater / Photo : Tandem Films

Sans l’ombre d’un doute, Arregi & Goenaga sont pétris de bonnes intentions ; ils livrent toutefois une œuvre lisse n’ayant rien à envier aux films-dossiers les plus académiques. Une vie à l’écran a besoin d’inattendu pour être émouvante et captivante, non de suivre des balises.

Maspalomas de Aitor Arregi & Jose Mari Goenaga (Esp., 1h55) avec José Ramón Soroiz, Nagore Aranburu, Kandido Uranga… Sortie le 24 juin 2026

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“La Bataille De Gaulle : L’Âge de fer”, “Le Garçon qui faisait danser les collines” en salle le 3 juin 2026

Vincent RAYMOND — Wed, 03 Jun 2026 14:06:49 +0000

Cette semaine dans les salles, deux rebelles : l’un faisant la guerre depuis Londres, l’autre de la musique en Macédoine. Entre autres…

La Bataille De Gaulle : L’Âge de fer de Antonin Baudry

Juin 1940. Le marasme de la Drôle de Guerre et surtout l’armistice qu’il refuse conduisent le Général de Gaulle à partir pour Londres afin de poursuivre le combat au nom d’une France résistante. Sur place, il se heurte à l’attitude mi-goguenarde, mi-paternaliste des Anglais à son endroit et aux hésitations de Churchill qui, s’il apprécie en lui le soldat, peine à lui accorder une confiance absolue et les moyens nécessaires à son entreprise. Pourtant, bien qu’isolé au départ, De Gaulle va convaincre quelques grognards, puis de plus en plus de fidèles de poursuivre le combat en France et en Afrique. Entre Paris et Alger, le jeune Ferdinand Bonnier de la Chapelle en fait partie…

Quel est le plus grand homme d’État français ? De Gaulle, hélas ! Pourrait-on dire pour paraphraser lointainement Gide et tenter d’expliquer pourquoi, quatre-six ans après la débâcle de 1940, on s’intéresse encore à la silhouette hiératique de “l’homme qui a dit non”. Mais la nostalgie seule ne saurait suffire à comprendre les motivations d’Antonin Baudry. La Bataille De Gaulle n’a en effet rien à voir avec la flopée de films sur la Résistance ou la Seconde Guerre mondiale en France tournés avant le choc du documentaire Le Chagrin et la Pitié d’Ophüls (1969). Il faut aussi voir ce voyage en terres d’Histoire à l’aune de notre époque contemporaine.

Histoires et Histoire

Il n’aura en effet échappé à personne que le monde connaît actuellement une crise du récit d’autant plus aiguë que la démarcation entre vérité (objective) et fiction tend à devenir illisible. Cela, depuis qu’une certaine sphère médiatico-politque revendique sans vergogne une “vérité alternative”, facilitée par la production d’images contrefaites, l’amplification par les réseaux sociaux et la crédulité ambiante. Créant toutes les conditions pour opérer d’étranges renversement de valeurs.

De son côté, le cinéma occidental traverse sa propre crise systémique. Un assèchement narratif qui conduit à la multiplication des suites, franchises, remakes et histoires dérivées, épuisant jusqu’à la trame de la corde les récits à la notoriété déjà installée. L’esprit humain ayant besoin de son carburant imaginaire et de héros pour modèles, chaque territoire cinématographique s’en va donc les piocher dans son cosmos. En découle cette avalanche de films de super-héros étasuniens et de néo-adaptations dumaso-hugoliennes en France se taillent la part du lion parmi les nouvelles productions à grand spectacle.

“La Bataille De Gaulle – Partie 2 : J’écris ton nom”, L’Étrangère”, “Seuls les rebelles”, “Maspalomas” en salle le 24 juin 2026

L’homme seul

Et puis il y a ce moment zéro du XX^e siècle qu’est la Seconde Guerre mondiale, toujours point de référence de la géopolitique actuelle et de la plupart des équilibres — pour combien de temps ? Si beaucoup de films lui ont déjà été consacrée, nombreux sont ceux qui ont brossé une vision parcellaire, conventionnelle, convenue et complaisante : de l’Histoire officielle aseptisée, où les vainqueurs ôtaient ce qui était susceptible d’assombrir l’éclat de leur aura, au nom de la réconciliation, de la reconstruction etc. Où les alliés étaient indéfectiblement unis et leur victoire irrésistible du fait de la justesse de leur engagement moral. Une légende dorée oxydée peu à peu par les travaux des historiens.

Le film de Baudry s’appuie justement sur la biographie de l’un d’entre eux, Julian Jackson, pour révéler non la figure messianique de chef de la France Libre ramenant irrésistiblement son pays défait dans le camp des vainqueurs de 1945 mais le parcours d’une machine à résilience. Droit dans ses bottes, encaissant quantité de camouflets sans dévier de son idée fixe — « La France » — tout en étant tiraillé par la solitude, miné par les échecs et les défections ; tenté parfois par le suicide. Un Don Quichotte avec une armée de vent pour les Anglais et les Américains. Le film accepte et donne à voir ses (rares) fragilités.

Londres et l’ombre

Mais ce qui étonne surtout dans l’approche de Baudry, c’est la quasi égalité de traitement entre deux personnages aux destins liés : l’homme de Londres (De Gaulle) et l’homme de l’ombre (Fernand Bonnier de La Chapelle). Le Chef et le Résistant lambda en apparence, avers et revers de la même médaille. Le premier ne pouvant advenir comme “sauveur” sans le sacrifice du second, le second n’ayant eu l’impulsion de se lancer dans la combat sans l’étincelle du premier. Le choix de Fernand (excellemment campé par le fougueux Florian Lesieur) en contrepoint du marmoréen général (Simon Abkarian, comme une évidence) crée une dynamique qui prend son sens de manière tragique et spectaculaire à l’issue du film.

On en oublierait presque de mentionner le morceau de bravoure que constitue la reconstitution du siège de Bir-Hakeim défendu par Kœnig, les savoureuses escarmouches De Gaulle/Churchill dignes de Guitry ou de Coward, la guerre façon commando léger menée par Leclerc… où certains décors hurlant un peu trop le numérique avec leurs couleurs passées.

Geste et geste

Reste qu’il est difficile de juger du projet global du film qui, on le rappelle, est un diptyque — le second volet La Bataille de Gaulle : J’écris ton nom devant sortir le 3 juillet prochain. Il faudra donc attendre cette date pour apprécier le geste dans son ensemble. Ce que l’on peut d’ores et déjà percevoir, c’est ce qui interpelé Baudry dans cette saga : la geste gaullienne. En l’occurrence, un mélange de grandiloquence vieille France mêlée à un patriotisme absolu et idéaliste plus que chauvin, rehaussé par le sens du sacrifice. Autant de caractéristiques déjà présentes dans ses créations précédentes : les personnages de sa BD Quai d’Orsay (signée de l’alias Abel Lanzac) ou son film de sous-mariniers Le Chant du loup. À suivre, donc…

La Bataille De Gaulle : L’Âge de fer de Antonin Baudry (Fr., 2h40) avec Simon Abkarian, Simon Russell Beale, Florian Lesieur, Benoît Magimel, Mathieu Kassovitz, Loïc Corbery, Anamaria Vartolomei, Niels Schneider, Félix Kysil, Karim Leklou, Tom Mison, Kacey Mottet Klein, Thierry Lhermitte, Campbell Scott, Grégoire Colin, Daniel Betts, Pip Torrens, Stephen Campbell Moore, Anthony Calf… Sortie le 3 juin 2026.

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Le Garçon qui faisait danser les collines de Georgi M. Unkovski

Jeune berger nord-macédonien, Ahmet vit avec son père austère et son jeune frère, mutique depuis la mort de leur mère. Condamné à s’occuper des moutons alors qu’il aimerait étudier et surtout faire de la musique, il découvre à l’occasion d’un été le sentiment amoureux en côtoyant sa jeune voisine, revenue au pays pour se marier, et la techno en assistant par hasard à une rave party dans ses montagnes. Tout va se mélanger et changer plus qu’il ne l’aurait espéré le cours de son existence…

Ce roman d’apprentissage d’un jeune homme s’affranchissant de la tutelle autoritaire et rétrograde de son père en est également un pour le public occidental. Grâce à ce premier long métrage de Georgi M. Unkovski, il découvrira en effet ici à la fois un territoire cinématographique peu représenté (la Macédoine du Nord, fragment de l’ex- Yougoslavie) et la communauté Yörük, peuple turcophone jadis nomade qui y vit. N’était cette précision ethno-géographique, le film pourrait se faire passer pour une version anatolienne de Roméo et Juliette, agrémentée de beats techno… mais sans doute pas signée Nuri Bilge Ceylan !

Ses influences ? Entre Mi-chèvre Berger et Maxime le Forestier / Photo : © Cinemafutura

Et que chacun se mette à danser

S’il ne néglige pas la composante dramatique de son récit (poids effrayant des traditions et du patriarcat sur la jeunesse lui causant de lourds traumatismes ; querelles “d’honneur” promptes à se déclencher entre moustachus etc.), le cinéaste compose aussi un récit picaresque et coloré — à tout point de vue — pour accompagner l’émancipation difficile de ses héros grâce à la musique. Farci de séquences cocasses — chasse aux moutons en pleine rave ou au réseau Internet dans les collines, chorégraphies audacieuses face à un public pour le moins réfractaire, running gags autour des soucis informatiques d’un imam etc. —, Le Garçon… ressemble à une comédie de Pagnol transposée sous d’autres cieux et à une autre époque.

Preuve que certaines choses ne changent guère, mais aussi — surtout — que la pulsion (le beat) du changement finit toujours par se propager. À son rythme, plus proche de la vitesse du son (340m/s) que de la lumière (300 000 km/s). Mais c’est déjà ça.

Le Garçon qui faisait danser les collines (DJ Ahmet) de Georgi M. Unkovski (Mac. du N.-Rép.-Tch.-Serb.-Cro. ; 1h39) avec Miriam Garlo, Álvaro Cervantes, Elena Irureta… Sortie le 3 juin 2026.

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“L’Objet du délit” en salle le 27 mai 2026

Vincent RAYMOND — Sat, 30 May 2026 20:47:57 +0000

Les répétitions d’un opéra post #MeToo, différentes générations, des suspicions, des rumeurs et des méprises autour d’agressions sexuelles. Entre autres…

Jeune icône à la mode totalement novice en matière de mise en scène d’opéra, Mirabelle a été choisie par un “généreux” mécène pour monter Les Noces de Figaro. Durant les répétitions de cette grosse production réunissant poids lourds du lyrique et débutants, les tensions ne manquent pas entre artistes et techniciens venus d’horizons variés. Elles se cristallisent lorsque l’interprète du Comte Almaviva est accusé d’avoir eu la main baladeuse sur sa partenaire de jeu, provoquant une bronca parmi les membres de la troupe les plus engagés. En parallèle, Igor, le chef d’orchestre est suspendu à la prochaine révélation par une chanteuse lyrique d’une liste de professionnels impliqués dans des violences sexistes et sexuelles…

Il n’aura échappé à personne que les histoires filmées par Agnès Jaoui se déroulent volontiers à la lisière du monde du spectacle, au sens large : théâtre, musique, télévision… On y côtoie des personnages ayant l’habitude de se donner en représentation, endosser d’autres identités que la leur et se dissimuler sous un masque. Pourtant, la cinéaste s’intéresse moins à l’univers artistique (qui demeure un arrière-plan), qu’à la scène sociale où elle s’amuse à démasquer, avec une douceur mordante, tous les tartuffes évoluant sur les planches du quotidien. À sa manière, L’Objet du délit fait exception puisqu’il choisit comme cadre principal l’opéra ; il se montre encore plus féroce dans la satire des hypocrites, lâches et autres tempéraments excessifs à la ville.

Discordances

Certes, le contexte artistique permet de suivre l’édification bancale d’une production confiée pour de mauvaises raisons à une néophyte et d’assister au chemin de croix de cette pauvre bizuth — un peu comme le personnage de Pauline Clément dans De La Comédie-Française, bientôt à l’affiche. Mais il invite surtout à se focaliser sur la “troupe” en tant que micro-société, avec ses castes et sa hiérarchie : aristocratie du plateau (maestro, prima donna et divo d’un côté ; débutants et petites mains des coulisses de l’autre). Un concentré de monde vivant en vase clos, fermentant avec le stress de la création, parfait donc pour exacerber les tensions. Un monde ressemblant à celui du cinéma, également. Et comme le veut la formule, « toutes ressemblances etc. »

En brocardant les comportements répréhensibles de chacun — machos libidineux de l’ancienne génération confits dans leurs usages patriarcaux ou leur veulerie ; offensés professionnels de la nouvelle, prompts à s’imposer Fouquier-Tinville à la moindre suspicion et à convoquer des procès staliniens —, elle brosse un portrait juste mais aussi effrayant de notre époque. Où la hargne et la méfiance ont remplacé les échanges, et les anathèmes la discussion comme l’écoute — ce qui pose d’autant plus de problèmes dans un milieu musical, fait d’harmonie et de partage…

Humain, trop humain

Heureusement qu’Agnès Jaoui bénéficie d’une aura de respectabilité artistique et intellectuelle auprès de l’opinion publique ! Gageons qu’une autre personne qu’elle — et, pire encore, un réalisateur ! — aurait été mise à l’index par des épidermes fragiles pour avoir osé tourner en dérision ces sujets sensibles mêlant discriminations plurielles, féminisme et VSS. Sauf que ce ne sont pas lesdits sujets qui sont moqués ici, bien au contraire, mais les comportements de ceux qui ignorent l’évolution de la société ou ceux qui, parce qu’ils sont plus ou moins concernés par une question, s’auto-érigent comme seuls arbitres légitimes pour la traiter. Est-il permis de leur rappeler le vers de Térence, « Je suis Homme, et rien de ce qui est humain ne m’est étranger », où “Homme” est bien à comprendre dans l’acception “humain“ ?

Courageux, intelligent et drôle, L’Objet du délit est pour qui ne craint pas de réfléchir au-delà des dogmes ou du grégarisme confortable, ni de s’interroger sur soi-même, un précieux objet de délices..

L’Objet du délit de & avec Agnès Jaoui (Fr, 2h13) avec également Daniel Auteuil, Eye Aïdara, Claire Chust, Oussama Cheddar, Lucie Gallo, Vincenzo Amato… Sortie le 16 mai 2026.

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“L’Être aimé”, “Autofiction” en salle les 16 et 19 mai 2026

Vincent RAYMOND — Sat, 23 May 2026 11:25:35 +0000

Deux réalisateurs en proie aux affres de la création et aux relations complexes avec leur entourage. Comme un air de déjà-vu à Cannes. Entre autres…

L’Être aimé de Rodrigo Sorogoyen

Auréolé par la gloire de sa carrière outre-Atlantique, le réalisateur Esteban Martínez est de retour en Espagne afin de tourner son nouveau long métrage. À cette occasion, il propose au cours d’un déjeuner à Emilia — la fille qu’il a eue jadis avec la comédienne de son premier film mais n’a pas revue depuis treize ans — d’interpréter le rôle principal de cette superproduction. Partagée entre l’enthousiasme et le ressentiment vis-à-vis de ce père défaillant dont elle n’a pas conservé que de bon souvenirs, Emilia accepte. Commence une longue cohabitation, exacerbée par les tensions inhérentes au tournage…

Le point de départ L’Être aimé ressemble à s’y méprendre à celui de Valeur sentimentale de Joachim Trier — Grand Prix à Cannes l’an passé et espèce d’attrape-tout aux cérémonies internationales. C’est vrai que les films sur le cinéma plaisent. En tout cas, aux “professionnels de la profession”, surtout lorsque ces longs métrages montrent un envers du décor pas trop glorieux, où des tyrans à l’ego cathédralesque sont enfin mis à terre. Mais ils paient moins pour leur pratiques discutables sur le plateau que pour leur vie privée cahoteuse… laquelle interfère évidemment avec le tournage. Les smokings et les robes longues se donnent bonne conscience face à ces miroirs de leurs turpitudes ordinaires.

Quel cinéma !

Et puis, ça réconforte sans doute pas mal de nepo-babies de voir qu’on leur donne le beau à l’écran. Non seulement ils “tuent“ le père pour s’affirmer par leurs seuls mérites, mais aussi se mettre du côté de la nouvelle génération progressiste, #MeToo, contre tous les comportements toxiques du métier (violences psychologiques ou physiques) associés à leurs aînés. Une manière de régler son Œdipe et son syndrome de l’imposteur d’un coup, c’est tout de même mieux que de se faire reprocher sa naissance à tout bout de champ ou contrechamp.

L’Être aimé est un film moins sur que dans le cinéma et c’est peut-être là que le bât blesse. En dirigeant sa caméra sur son milieu, Sorogoyen ajoute un biais de lecture à son histoire ; une interférence qui détourne l’attention du vrai sujet : la relation entre un père absent et sa fille. Chercher des clef et des résonances avec le 7^e Art dessert plus le film qu’il ne lui apporte et l’on aurait pu imaginer le même rapport d’autorité professionnelle entre Esteban et Emilia dans une entreprise dont il aurait été le chef et elle un renfort ponctuel sur une mission capitale.

Si l’on oublie ce décor cinématographique prétexte, alors on retrouve ce qui fait l’intérêt du point de vue de Sorogoyen : les rapports de force et les conflits reposant sur des tensions ou des non-dits ayant fermenté des années durant — (re)voir As Bestas, Madre, Que Dios nos perdone, El Reino…

Il a l’air sympa, en vrai… / Photo : © Le Pacte

Un père et manque

Autre constante chez le cinéaste madrilène, le goût pour les colosses chahutés : après Denis Ménochet et Roberto Álamo, c’est Javier Bardem qui subit ici les foudres d’un scénario décidément peu amène pour les fortes statures — Sorogoyen aurait-il un compte à régler avec les baraqués ? Ce dernier livre enfin son traditionnel “morceau de bravoure” en termes de réalisation au sein de la séquence d’ouverture — en l’occurrence, un face à face en plan serré entre le père et sa fille posant les enjeux des retrouvailles et annonçant les lignes de fractures latentes.

S’il propose par la suite une séquence de crise pendant le tournage ou un effet stylistique à l’interprétation incertaine (de brefs passages au noir et blanc pouvant évoquer des instant de vérité sans fard ou des moments se gravant directement dans la mémoire, ce qui n’est pas incompatible), le reste n’atteint pas ce niveau de tension auquel il nous a habitués. Vivement le prochain, plutôt.

L’Être aimé (El ser querido) de Rodrigo Sorogoyen (Esp.-Fr, 2h15) avec Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Marina Foïs… Sortie le 16 mai 2026.

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Autofiction de Pedro Almodóvar

Cinéaste réputé, Raúl achoppe sur son nouveau script, où se projette dans le personnage d’Elsa une réalisatrice ayant elle aussi des difficultés d’écriture. Sa plume se libère lorsqu’il intègre à sa fiction (déjà, transposition de son quotidien) des bribes d’un drame touchant Mónica, sa plus proche collaboratrice. N’y a-t-il pas quelque obscénité à puiser dans les malheurs des autres pour en faire son miel ?

Après Histoires parallèles et L’Être aimé, voici donc un troisième film de la compétition cannoise (et encore, on n’a pas vu l’intégralité) à dévider le même fil : l’éternel rapport entre fiction et réalité. Au centre du jeu, la figure d’un créateur vampirisant la vie de ses proches en plus de la sienne propre (parfois à leur insu, parfois sans mauvaise intention apparente), pour servir un but plus grand que lui : son Œuvre. Cette raison impérieuse selon lui suffirait à légitimer ses razzias presque involontaires. À l’instar du scorpion piquant la grenouille dans la fable de M. Arkadin — et se justifiant d’un « c’est dans ma nature » — il faudrait même le plaindre !

Pauvre (riche) de moi !

Le plaindre et s’apitoyer, également, parce qu’il prétend négliger sa santé au profit de sa fameuse Œuvre ; refuse des ponts d’or du Qatar. Ou laisse un pourboire de près de 7 euros à un serveur qui aimerait surtout pouvoir fermer sa terrasse. Ou se comporte en “bon patron” en proposant à sa collaboratrice de longue date Mónica de la licencier au lieu d’accepter sa démission — ce qui revient à créer une fraude sociale au détriment de l’État… Quels exploits ! Autant d’actes d’héroisme du quotidien qui doivent, à ses yeux, lui donner un blanc-seing pour puiser dans la vie de Mónica.

L’artiste au travail dans son modeste pied à terre / Photo : © El Deseo. Photo by Iglesias Más

Drôle de spectacle que celui de cet auteur, double transparent d’Almodóvar, dévoilant les ficelles de son écriture, inscrit dans son univers graphique bariolé si identifiable, comme auto-muséifié. À cela s’ajoute cet orgueil un brin pathétique de se dépeindre comme un bonhomme pétri de défauts… dans le but de s’attirer l’indulgence rédemptrice (déjà acquise) d’un public d’idolâtres. Fausse modestie, coquetterie et égotisme prennent de plus en plus de place dans le cinéma du brave Pedro, qui ne prendra bientôt plus la peine d’engager des comédiens pour jouer son rôle. Après tout, n’était-il pas devant la caméra à ses débuts ?

Fan service

À l’instar de nombreux cinéastes vieillissants captivés par leur propre image — à moins qu’ils ne finissent par confondre réalité et fiction pour de bon ? —, il risque de franchir le Rubicond comme Lelouch, Moretti, Godard et de se retrouver à se filmer en train de filmer, livrant des emboîtements matriochkesques sans fin sur fond de péroraisons désabusées sur la difficulté de créer, conjuguée à l’angoisse d’être confronté à sa propre finitude comme au poids de son prestige. Cela pourrait s’appeler Douleur et Gloire… Ah non zut, il l’a déjà fait…

« Mon Dieu ! Nous sommes à rayures sur fond à rayures ! »/ Photo : © El Deseo

Sinon, il y a de belles images touristiques de Lanzarote, encore des villas onéreuses avec piscine, des intérieurs piochés dans des revues de déco ou des catalogues de designers avec des aplats tous plus vifs les uns que les autres, des scènes d’hôpital, des messieurs tout nus, une sylphide brune diaphane sur le point de calancher et du fan service à gogo. En somme, rien de neuf.

Autofiction (Amarga Navidad) de Pedro Almodóvar (Esp, 1h41) avec Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Patrick Criado, Victoria Luengo, Milena Smit, Rossy de Palma… Sortie le 16 mai 2026.

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“Histoires parallèles” en salle le 14 mai 2026

Vincent RAYMOND — Sat, 16 May 2026 14:09:53 +0000

Une romancière un peu voyeuse, un sans-abri un brin voleur et des bruiteurs objets de leur attention sont en compétition à Cannes. Entre autres…

Histoires parallèles de Asghar Farhadi

Romancière vivant quasiment recluse dans ses souvenirs et son appartement, Sylvie s’inspire pour son nouvel opus de la vie de voisins travaillant dans un studio d’enregistrement en face de chez elle, qu’elle espionne au moyen d’un télescope. Sans le savoir, elle va transmettre sa curiosité et son goût pour l’écriture à son aide à domicile Adam, un jeune sans-abri. S’emparant de son manuscrit, celui-ci va provoquer la rencontre entre les personnages de fiction et ceux les ayant suscités. Sans imaginer les conséquences…

Même lorsqu’il tourne loin de chez lui, Asghar Farhadi emporte dans ses bagages ce qui fait l’essence de son cinéma : la question de la causalité et des conséquences. Ce film sur les échos (ou les confusions) entre l’imagination et les canaux qui l’irriguent dans le réel en offre quasiment à chaque plan une illustration visuelle, symbolique… ou référentielle. Ne serait-ce que parce qu’il trouve son origine dans une œuvre préexistante — en l’occurrence lLe Décalogue VI de (devenu en version longue Brève histoire d’amour) mentionné comme source d’inspiration au générique. Comment, en effet, ne pas voir en Sylvie une variation du héros kieslovskien, voyeur compulsif de sa voisine ?

Voleuse de vies

Le point de départ est identique mais le cinéaste iranien s’intéresse plutôt à l’interdépendance entre création et créateur, ainsi qu’à la manière dont la fiction peut contaminer ceux dont elle est issue à leur insu. En observant des silhouettes muettes vues de loin, l’écrivaine, fabule sur des vies et des personnages sans imaginer l’effet retour : en l’occurrence, que sa fiction, lue par ses “modèles” involontaires, agisse en révélateur de leur inconscient et induise chez eux des réactions dans leur existence — voire des rébellions. Farhadi met ainsi en scène la toute puissance de l’auteur (à l’instar de Resnais dans Providence ou de Broca dans Le Magnifique) comme la volonté “pirandellienne” du personnage de s’affranchir d’un fatum et d’avoir la main sur sa vérité.

À l’écran, Farhadi propose de multiples emboitements entre fiction, souvenirs et réalité. Il délivre une manière de mode d’emploi de l’écriture romanesque où l’on mesure les micro altérations d’événements vécus, les petites métamorphoses de faits empruntés à l’existant ; toutes ces variations du réel fondues ensemble pour faire œuvre et bâtir une “histoire parallèle” à la fois proche et lointaine de ce qui s’est effectivement passé dans le quotidien de Sylvie. Pour les amateurs, ce type d’exercice a donné lieu à un exceptionnel roman de Catriona Ward, Mirror Bay(2024), usant comme son nom l’indique des symétries et de la mise en abyme permanente avec un brio confondant.

Une scène de table / Photo : © Carole Bethuel

Haut, bas et intérieur

Comme son nom le suggère, Histoires parallèles matérialise géographiquement la symétrie comme les influences bijectives entre regardants et regardés. Sur le plan vertical, les deux appartements se font face telles des scènes énantiomères et complémentaires : dans l’un on épie par le regard, dans l’autre, par le son ; l’un est une résidence où l’on travaille ; l’autre est un lieu de travail où l’on réside occasionnellement. Et chaque intérieur semble physiquement interdit à un occupant de l’immeuble d’en face ; seuls quelques rares messagers ont le privilège de naviguer “entre les deux mondes”… ainsi que les images que les bruiteurs sonorisent et qui se retrouvent étrangement sur les écrans de Sylvie.

Quant au plan vertical, il est celui où les personnages (réels et de fiction) se rencontrent, au niveau de la rue ou sous terre : le métro permet à Adam — le facteur de désordre de l’histoire — d’apparaître dans la vie de Sylvie — et aux personnes joués par Virginie Efira d’effectuer ses transits.

Enfin il y a le “plan méta”, ou intertextuel, inévitable lorsque l’on fait appel à autant de têtes d’affiche. Asghar Farhadi a-t-il étudié les filmographies respectives de tous ses comédiens avant de composer sa distribution ? Si ce n’est pas le cas, le hasard s’avère un bon complice. Notamment pour la relation entre les différents personnages joués par Pierre Niney et Virginie Efira, faisant écho à leur couple de Vingt d’écart (2013) portant sur une autre simulation sentimentale dangereuse ; ou pour la confrontation entre les deux stars Deneuve et Huppert, qui convoque immanquablement leurs carrières respectives… et parallèles.

Montre voir

Histoires parallèles tient du brillant jeu pour l’esprit ; il enthousiasme pour le plaisir intellectuel qu’il procure et les dissections analytiques qu’il propose à ses spectateurs. Et c’est peut-être là que le bât blesse : sa découverte équivaut à l’observation d’un chef-d’œuvre d’horlogerie accumulant les complications et dont le boîtier serait transparent. Résultat ? La virtuosité apparente de la mécanique confisque les regards au point de masquer la vocation première de l’objet : donner l’heure. Ici, si l’on admire son travail de façonnage, l’artisan nous conduit davantage à valider les étapes d’un chemin programmatique qu’à ressentir (ou être transporté) par des émotions. Ironiquement, cette froideur rappelle l’insensibilité de Sylvie face à ses personnages et à ceux qui les inspirent. Ce n’est sans doute pas un hasard…

Histoires parallèles de Asghar Farhadi (Fr, 2h19) avec Isabelle Huppert, Virginie Efira, Vincent Cassel, Pierre Niney, Adam Bessa, India Hair, Catherine Deneuve… Sortie le 14 mai 2026.

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“La Vénus électrique” en salle le 12 mai 2026

Vincent RAYMOND — Thu, 14 May 2026 07:38:18 +0000

Cette semaine cannoise s’ouvre par une imposture, des histoires d’amour tragiques et une déception. Entre autres…

La Vénus électrique de Pierre Salvadori

Fin des années 1920 à Paris. Exploitée par un forain l’obligeant à s’électrifier pour une attraction, Suzanne se réfugie un soir dans une roulotte voisine — celle d’une voyante. Elle y trouve un homme éméché, Antoine, qui insiste pour obtenir une consultation en échange d’une forte somme d’argent. La jeune femme feint alors d’entrer en contact avec Irène, la dulcinée défunte d’Antoine. Bouleversé, ce dernier va réclamer d’autres séances. Suzanne va prolonger son imposture avec l’aide d’Armand, un ami d’Antoine pas si désintéressé que cela. Car depuis qu’il “parle“ à Irène, Antoine s’est enfin remis à peindre et Armand est son marchand. Seul hic : Suzanne va s’éprendre de son gogo…

De l’électricité, quelqu’un qui raconte des histoires et de la toile : voilà précisément les ingrédients à réunir pour fabriquer du cinéma, art à l’origine forain Autour de ce concept, il y avait sans doute matière à un joli film très symbolique et très “méta” mais il manque une indéfinissable étincelle à cette histoire pour embarquer totalement. Ou plutôt, disons qu’il y a quantité de petits détails perturbants au fil de la vision ; autant de grains de sable finissant, à force, par piquer les yeux.

Vertigo de l’amour

Passons sur le fait que Pierre Salvadori s’inspire (lontainement) de Planetarium de Rebecca Zlotowski dans lequel il jouait. Son histoire de spirite est ici surtout un prétexte à renouer avec son sujet de prédilection : celui des quiproquos et des mythomanes, où des individus jouent à endosser volontairement ou non des masques pour parvenir à concrétiser une idylle. C’est là sa signature, on ne lui en fera pas grief. En revanche, cette trame de veuf inconsolable retrouvant l’amour à travers une réincarnation forgée de toutes pièces par un complice joue un peu trop à la variation sur le thème de Vertigo. Du point de vue de Suzanne (la “Madeleine“ d’Hitchcock) certes, mais les similitudes de “l’hommage“ sont un peu outrées.

La femme au portrait, remake / Photo : © Les Films Pelleas

Thriller psychologique mélancolique et presque macabre, Vertigo avait choisi sa dominante à l’instar de Guillermo del Toro pour Nightmare Alley (2021) — qui se déroule, comme ici, dans un univers forain. Salvadori semble plus hésitant : amateur de comédies et de situations burlesques, il délaisse le potentiel promis par le cadre anxiogène de la foire. Même le “propriétaire“ de Suzanne, incarné par Gustave Kervern, ne dégage pas l’ombre d’une menace alors qu’il est censé être un réceptacle de cupidité, lubricité, violence et autres vices. Ce potentiel dramatique délaissé rend le film bancal ; quant à la happy end absurde, elle gâche franchement l’issue naturelle de cette histoire destinée à s’achever en tragédie. Quel financeur a-t-il pu exiger pareille aberration ? Car un scénariste normalement constitué ne peut pas imaginer une fin pareille.

La vie des morts

D’ailleurs, question financements, sans doute étaient-ils un peu justes pour les décors. Ce qui expliquerait la surabondance de plans rapprochés en extérieur, qu’on préfère sans équivoque aux (rares) plans d’ensemble hurlant le numérique. Côté costumes, on s’interroge sur le port ostensible et systématique du pantalon pour Suzanne (mais pas seulement elle), à une époque et dans des circonstances où celui-ci était encore prohibé. Ce n’est pas le seul anachronisme de ce film entre la vie et la mort, le pétillant et le muséal.

Au fond, La Vénus électrique est encore et toujours un film d’ouverture avec des zombies, ou si hanté par le passé que le présent s’en trouve compromis. S’en dégage une inclination à la nostalgie faisant écho à la tonalité donnée depuis quelques années par l’affiche du Festival de Cannes. Fini, le symbole ou l’abstraction du 7^e Art, place à une panthéonisation-glamour quasi systématique des idoles capturées dans leur prime jeunesse — quand la cinéphilie se fétichise… Il faudra sans doute s’interroger un jour sur ce goût manifeste pour une forme de nécrophilie mondaine risquant, à terme, de vitrifier la manifestation dans une forme d’auto-célébration aveugle et l’incapacité de produire autre chose qu’une succession de répliques idéalisées de sa propre légende…

La Vénus électrique de Pierre Salvadori (Fr.-Bel, 2h02) avec Pio Marmaï, Anaïs Demoustier, Gilles Lellouche, Vimala Pons, Gustave Kervern… Sortie le 12 mai 2026.

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“C’est quoi l’amour ?”, “Mon grand-frère et moi”, “Sauvons les meubles”, “Cinque secondi”, “Pour le plaisir” en salle le 6 mai 2026

Vincent RAYMOND — Wed, 13 May 2026 21:54:24 +0000

Des histoires de familles, de couples, des deuils et des naissances émaillent cette semaine pré-cannoise dans les salles. Entre autres…

C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart

Si Fred et Marguerite se sont jadis mariés à l’église et sont devenus les parents de Léa, ils ont depuis divorcés et refait leur vie — enfin, pour Marguerite qui vit désormais avec Sofiane, le père de sa seconde fille Raphaëlle. Mais voilà que Fred souhaite épouser Chloé, chrétienne fervente, qui n’envisage pas d’union sans passer devant un prêtre. Pour pouvoir convoler selon ses désirs, il n’y a qu’une option : obtenir l’annulation solennelle des noces entre Fred et Marguerite. Une démarche très sérieuse loin d’être une formalité, qui va remuer tout un passé commun et conduire les requérants à plaider jusqu’au Saint-Siège…

Si l’on réduit la comédie à un enchaînement de gags ou de situations destinées à provoquer le fou-rire, C’est quoi l’amour ? peut faire figure de Grand Prix inattendu pour le Festival de la comédie de l’Alpe d’Huez. En réalité, il semble conforme à la ligne se dégageant des palmarès (et donc des sélections) précédents puisqu’on y suit l’aventure rocambolesque d’une famille qui ne l’est pas moins — mais toutes le sont un peu — parvenant à une réconciliation général au terme d’un voyage ou d’un road trip. Comme si le besoin d’apaisement, de concorde dans le premier cercle était devenu le nouveau graal. Voilà qui en dit long sur l’état d’un monde si plein de bruit et de fureur qu’il enjoint de se replier sur ses fondamentaux.

Tout juste

La famille, justement, Fabien Gorgeart ne l’aborde pas en dilettante : elle se trouve au cœur de ses trois longs métrages, à travers le rapport à la gestation, à la parentalité et désormais au couple comme à la recomposition du noyau familial. Sa définition n’est pas restrictive aux liens du sang, mais ouverte, et généreuse. Ici, il invente même le concept de “comédie de démariage” pour parvenir à exalter la force des liens choisis, complémentaires de ceux reçus par l’hérédité. Ou comment la formalisation officielle d’une séparation permet de formuler l’indicible de l’attachement : n’est-ce pas là la meilleur réponse à la question posée par le titre ?

Comment te dire à Dieu… / Photo : © Deuxième Ligne Films PetitFilm France 3 Cinema

Mais ce qui rend surtout cette histoire attachante, c’est l’adéquation entre la troupe et la “méthode” du réalisateur qui laisse à ses comédiens suffisamment d’espace de jeu pour habiter leurs personnages et donner l’illusion d’un naturel non frelaté. Cela fonctionne d’autant mieux avec des interprètes prompts à spontanéité (telle Laure Calamy) ou à l’intranquillité (comme Vincent Macaigne). L’association des deux est féconde ; quant aux scènes de (grands) groupes, rares sont les metteurs en scène à savoir les mener avec un tel brio. Cette vérité à l’écran n’est pas le fruit du hasard, mais diablement travaillée ; elle a le mérite d’offrir cet inestimable sensation au spectateur : la justesse.

C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart (Fr., 1h48) avec Laure Calamy, Vincent Macaigne, Lyes Salem, Mélanie Thierry, Céleste Brunnquell, Saül Benchetrit, Grégoire Leprince-Ringuet, Jean-Marc Barr, Aurélia Petit… Sortie le 6 mai 2026.

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Mon grand-frère et moi de Ryōta Nakano

Riko apprend par téléphone la mort brutale de son grand-frère, avec lequel elle avait rompu les ponts depuis des années. Bien que peu émue, elle se résout à partir exécuter les formalités funéraires. En compagnie de son ex-belle sœur, elle accomplit une somme de corvées rituelles qui, peu à peu, la rapprochent de son frère défunt mais aussi du fils de ce dernier qu’elle ne connaissait pas…

Révélé au grand public français par la comédie douce-amère La Famille Asada (2020) — portrait de groupe d’une tribu fantasque valsant entre les périodes, les petits tiraillements du quotidien et les grandes ruptures de l’existence — Ryōta Nakano revient en terres de connaissance : cet intime universel de la famille qu’il chronique à merveille, à l’instar de ses compatriotes Kōji Fukada ou Hirokazu Kore-eda. S’il suit ici le cheminement très formel de l’organisation de funérailles ainsi que les tâches concrètes et/ou administratives que Riko doit accomplir pour solder la “présence terrestre” de son frère, son film propose en parallèle une trajectoire moins orthodoxe, empruntant à l’imaginaire.

Apaisés

Paradoxalement, c’est en effet grâce à l’absence de son aîné que Riko peut renouer avec lui, en explorant ses souvenirs. Le ressentiment n’ayant plus lieu d’être, elle laisse de côté les travers de l’adulte inconséquent pour exhumer certains hauts faits accomplis à son endroit par l’enfant qu’il fut. D’ailleurs, les surgissement fantomatiques du défunt dont elle est témoin sont autant des pieds-de-nez goguenards du défunt que des incitations à aller chercher au-delà des apparences, à ouvrir les yeux différemment sur le réel. Conte métaphorique sur des réconciliations post-mortem scintille de délicatesse autant que de sororité fraternelle. De la résilience pure mise en images, avec en sus un dénouement surprenant.

Mon grand-frère et moi (兄を持ち運べるサイズに) de Ryōta Nakano (Jap., 2h07) avec Ko Shibasaki, Joe Odagiri, Hikari Mitsushima, Himeno Aoyama, Yota Mimoto… Sortie le 6 mai 2026.

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Sauvons les meubles de Catherine Cosme

Photographe indépendante épousant tous les clichés du parisianisme, Lucille est appelée au chevet de sa mère dont la santé est préoccupante. Sur place, dans son village d’enfance, elle y retrouve Paul, son frère, et découvre non seulement que sa mère est à l’article de la mort mais que, surendettée, elle a des années durant escroqué sa famille. Se posent alors de douloureuses questions morales et affectives, qu’il va falloir trancher avant qu’il ne soit trop tard…

Parce qu’il induit inconsciemment on ne sait quel second degré souriant, le titre ne rend pas forcément justice à ce film penchant du côté dramédie, et abordant des thèmes plutôt repoussoirs. Entre la préparation au deuil de ses ascendants, la découverte du fait qu’ils ont menti et/ou abusé de leurs enfants et la nécessité d’intenter une action en justice pour se protéger d’eux, on frôle le sublime question tabous sociétaux. Imaginez le concentré de dilemmes personnels, de rancœurs réciproques et de jalousies susceptibles d’être alimentés par cette mécanique ; vous serez encore en-dessous de la vérité.

Compte sur moi !

Sans doute cela tient-il à la discordance émotionnelle subie par les personnages confrontés à deux situations réclament des réactions contradictoires : d’un côté l’agonie de la mère exigea de l’apaisement ; de l’autre la découverte anthume de son “héritage” empoisonné exacerbe les tensions. Déjà paradoxale car faite du vivant de la principale concernée, cette veillée mortuaire ressemble à ces films famille se déroulant à Noël où les commensaux s’écharpent autour de la dinde. Là, c’est moins glamour puisqu’il c’est en épluchant des traites à la pelle et une comptabilité défaillante.

Dans ce drôle de film pas drôle, la distribution contribue à maintenir cet équilibre étrange : outre le père débonnaire et fuyant campé par Jean-Luc Piraux, Yoann Zimmer en Paul lunatique, il y a Vimala Pons, impeccable comme toujours. Au départ pimbêche arty de la captiale, Lucille se défait progressivement de ses oripeaux pour retrouver sa vraie identité. Certes, la charge est un peu lourde, mais elle est à l’aune du du portrait fait en retour de certains des villageois, bien croquignolets. À noter en ouverture la participation inattendue de Benoît Hamon.

Sauvons les meubles de Catherine Cosme (Fr.-Bel.-Sui, 1h26) avec Vimala Pons, Yoann Zimmer, Guilaine Londez… Sortie le 6 mai 2026.

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Cinque secondi de Paolo Virzi

Pourquoi Adriano, avec ses airs de hobereau, a-t-il choisi de s’installer à l’écart de tout, dans la dépendance délabrée d’une demeure ayant connu de meilleurs jours ? Avocat de renom miné par un drame intime, il s’inflige une repentance dans une solitude qu’une communauté vient troubler en s’installant dans la maison de maître voisine. À sa tête, Matilde, héritière en titre de ce domaine abandonné qu’elle entend bien faire revivre malgré l’expropriation. Entre l’homme cabossée et l’aristocrate libertaire, un modus vivendi s’établit…

La partition est connue : un vieil ermite enfermé dans sa douleur ou son aigreur, trouve enfin la paix grâce à l’impétuosité d’une jeunesse plus ou moins insolente. Trois couleurs : Rouge (1994) de Kieslowski, À la rencontre de Forrester (2001) de Gus Van Sant, Grand Torino (2008) de Clint Eastwood ne racontent pas autre chose. Histoire d’une culpabilité et d’une résilience en apparence impossible, Cinque secondi dissimule la raison de l’exil intérieur d’Adriano au plus profond du film au point qu’elle en devient, sinon secondaire, presque annexe. Virzi montre que l’on ne peut réduire ce personnage en quête de rédemption au drame familial indicible dont il est le responsable — drame qui s’est joué à cinq secondes.

Valierio e Valeria

Quelques secondes avant les cinq secondes / Photo : © Indiana Production

Si un procès va occuper le dernier tiers du film, l’histoire dans son entièreté renvoie à la question du jugement. À l’importance de lutter contre les a priori ou au fait que des circonstances particulières puissent infléchir un verdict. Ainsi Adriano va-t-il finir par comprendre le mode de vie et le combat mené par la squatteuse (voire lui prêter main forte à l’occasion) ; sans doute doute projette-t-il dans cette jeune femme davantage que ce qu’il veut bien l’avouer. Cinque secondi est un aussi un portrait des défenseurs (les avocats font profession de l’être) sans lesquels il ne peut y avoir de victoire ni de justice. Et surtout, de tous ces soutiens indéfectibles qui donne plus qu’ils ne reçoivent en échange.

Etonnamment moins diffusé dans les grands festivals étrangers que nombre de ses confrères ou consœurs transalpins, Virzi demeure un cinéaste passionnant ; ne serait-ce parce qu’il construit des personnages complexes, pétri de contradictions et de souffrances mais dont les failles sont autant de reliefs d’humanité. Et il n’est pas défendu de penser que leur épaisseur doit à la relation de fidélité que le réalisateur a su créer avec ses comédiens fétiches, Valerio Mastandrea et Valeria Bruni Tedeschi. D’autant plus émouvants ici qu’ils forment un couple platonique (et encore, à sens unique).

Cinque secondi de Paolo Virzi (It., 1h45) avec Valerio Mastandrea, Galatea Bellugi, Valeria Bruni Tedeschi… Sortie le 6 mai 2026.

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Pour le plaisir de & avec Reem Kherici

Depuis vingt ans, Fanny et Tom vivent heureux. Enfin, pas tout à fait puisque Fanny, sur les conseils de sa psy, révèle à son époux éberlué qu’elle n’a jamais connu le plaisir physique. D’abord déconcerté, celui-ci réagit rapidement en décidant de fabriquer LE sex-toy idéal. Avec amour et acharnement, il se met au travail, enchaînant prototype sur prototype… au mépris du qu’en-dira-t-on.

« Mon Dieu, quel bonheur ! D’avoir un mari qui bricole » chantait Patachou, sans se douter combien les paroles (de Brassens) auraient pu convenir au personnage interprété ici par Alexandra Lamy. Cela dit, celles de La Java des bombes atomiques de Boris Vian — « Mon oncle, un fameux bricoleur/Faisait en amateur des bombes atomiques/Sans avoir jamais rien appris/C’était un vrai génie question travaux pratiques » — pourrait également habiller ce film composite. À la fois biopic (puisqu’il assume s’inspirer du parcours des inventeurs allemands du Womanizer) et comédie sentimentale au sous-texte didactico-militant, Pour le plaisir a certes des ambitions louables.

Une juste récompense / Photo : © Marie-Camille Orlando HD

Sérieux comme le plaisir

Parler cru et cash de ces sujets en évitant la gaudriole lourdingue ou le pensum culpabilisant s’avère un défi en soi, Reem Kherici le relève avec élégance, bien aidée par ses interprètes dont l’investissement est manifeste. Et bien qu’un peu trop forcé, son portrait multigénérationnel s’avère assez opérant dans la mesure où il permet des situations de comédies fécondes. Toutefois, le scénario aurait pu s’abstenir de certaines scories telles que l’hypocondrie du personnage de Tom (sans intérêt ni utilité). Quant au traitement surexposé de l’image de type “fromage blanc“, il dessert globalement l’esthétique du film en lui conférant une atmosphère de mauvais soap tourné en studio. Un vrai tue-l’amour…

Pour le plaisir de & avec Reem Kherici (Fr, 1h35) avec également Alexandra Lamy, François Cluzet, Delphine Baril, Camille Aumont Carnel, Mitty Hazanavicius, Kyan Khojandi, François-Xavier Demaison… Sortie le 6 mai 2026.

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Ryōta Nakano (“Mon grand-frère et moi”) : « L’être humain n’est jamais uniforme »

Vincent RAYMOND — Sat, 09 May 2026 16:19:11 +0000

Après “La Famille Asada“, Ryōta Nakano est de retour avec l’histoire de Riko qui, marquée par un deuil, va paradoxalement se réconcilier avec son frère défunt. Bref échange avec le cinéaste nippon lors des Rencontres de Gérardmer…

À l’ouverture et à la clôture de votre film, on trouve cette phrase définissant la famille : « ça n’est pas un fardeau, c’est un refuge ». Si elle vaut pour celle de ***Mon grand-frère et moi*, ne se rapporte-t-elle pas à d’autres évoquées au fil de votre œuvre ?**

Ryōta Nakano : C’est vrai que cette phrase, je l’ai pensée pour cette famille en particulier. Il me semblait que c’est ce qui définissait le mieux leur relation. En même temps, je pense que c’est une phrase qui effectivement peut convenir à d’autres familles ; beaucoup peuvent probablement se retrouver dans cette phrase. Mais au départ, c’est vraiment quelque chose que j’ai pensé comme un cas particulier.

**Comme dans La Famille Asada, vous parlez beaucoup ici des apparences, de ce qu’on croit voir versus la réalité…**

Je crois que c’est parce que ça vient tout simplement de ce constat que je fais que l’être humain n’est jamais uniforme. On est toujours fait de plusieurs facettes, plusieurs dimensions : il y a l’apparence qu’on laisse percevoir et puis ce qu’on cache en nous. On a tous, je crois, une part d’ombre quelque part. Quand on s’attache à représenter l’être humain et qu’on veut vraiment essayer de le capter dans son intégralité, on est forcément amené à travailler sur cette dualité entre le devant et le derrière, l’extérieur et l’intérieur.

**L’héroïne n’apparaît pas comme particulièrement sympathique au départ, mais plutôt froide, distante. La formule est bizarre, mais ne gagne-t-elle pas en empathie grâce au deuil ?**

Le deuil l’amène en tout cas à traverser cette épreuve. Ça enrichit, ça épaissit aussi son personnage. Mais je crois que c’est aussi la structure du film qui veut qu’au départ, on ne voie d’elle que cette facette là et que, progressivement, à mesure que le film avance, on ait de la sympathie pour elle — parce qu’on la connait mieux, aussi.

Au départ, c’est quelqu’un qui n’a pas tellement confiance en son frère, qui a probablement du ressentiment envers lui. Donc la “première couche” de son personnage, ce qu’elle montre immédiatement, c’est cette réaction spontanée de rejet qu’elle a par rapport à son frère. Et puis on réalise qu’elle est aussi quelqu’un qui se démène, qui fait des efforts, qui se débat… Ça attire davantage la sympathie quand on voit qu’elle est elle aussi aux prises avec une espèce de conflit intérieur. Le film est construit de telle sorte qu’on ne le comprend que petit à petit.

Ce deuil permet aussi de découvrir le vrai parcours du frère…

J’ai pensé le film pour que le spectateur ait le même regard que l’héroïne. Riko, la petite sœur. Au départ, elle a surtout du ressentiment, elle est très insupportée par ce frère. De fait, quand on le découvre, nous aussi on le trouve assez insupportable. Et puis, elle apprend à le connaître et au fur et à mesure des rencontres et de ce qu’elle traverse — et nous avec elle — notre regard change aussi petit à petit. On épreuve progressivement plus d’empathie pour lui ; à la fin, on finit presque par le trouver attachant et touchant. C’est parce qu’on est vraiment à peu près au même niveau que le regard de Riko.

Le frère semble atteint d’un syndrome de Diogène, ou en tout cas d’une affection psychiatrique…

Je ne crois pas qu’il soit atteint d’un syndrome ; en tout cas je ne l’ai pas imaginé malade. Quand on est un homme père célibataire et qu’on fait ce qu’on peut pour éduquer son fils tout seul, petit à petit, peut-être il y a une négligence : c’est-à-dire qu’on n’arrive pas à tout gérer et il y a des choses qui commencent à s’accumuler. Je l’ai plus imaginé comme un passage du temps et une accumulation progressive plutôt qu’une maladie mentale — en tout cas pour moi le personnage n’est pas atteint d’une maladie psychiatrique..

“C’est quoi l’amour ?”, “Mon grand-frère et moi”, “Sauvons les meubles”, “Cinque secondi”, “Pour le plaisir” en salle le 6 mai 2026

Faut-il voir une symbolique particulière dans l’heure indiquée par l’horloge — 11h — au début du film quand le jeune garçon entame la lecture du livre, heure identique à celle affichée sur la pendule de l’héroïne lorsqu’elle apprend la mort de son frère ?

Onze heures ne symbolise rien en particulier. En fait, au début, je voulais un peu brouiller les pistes et qu’on croie que d’un côté ce jeune homme qui lit, de l’autre Riko et sa famille, étaient des actions quasiment simultanées. Or, en réalité, plusieurs années se sont écoulées entre la séquence de l’annonce du décès dans la famille de Riko et ce jeune homme qui lit le livre. C’était un peu pour induire le public sur une fausse piste ; c’est pour ça qu’on a choisi volontairement de mettre la même heure sur les deux horloges. Mais en réalité, il n’y a pas de symbolique dans l’heure en elle-même…

Est-ce que vous vous êtes imposé une lumière et des optiques particulières ?

La seule envie que j’avais c’était d’utiliser des optiques plutôt anciennes pour avoir peut-être ce petit grain, mais sinon rien de particulier.

Le frère apparaît à l’écran comme un fantôme. Cherchez-vous par le cinéma à rendre vivants les morts ?

Pour moi ce qui est important, c’est de pouvoir montrer comment ceux qui restent, les survivants, continuent à vivre. Et continuer à vivre, ça veut dire aussi : comment est-ce qu’on gère son deuil et comment est-ce qu’on traite justement la mémoire de ceux qu’on a perdus ? Je crois que la valeur de ceux qui survivent, mais aussi ce qui peut être continuer de les définir et de les former, c’est comment est-ce qu’ils continuent aussi à penser à leurs morts. Donc je crois que c’est effectivement un thème que j’aime bien explorer.

Mon grand-frère et moi (兄を持ち運べるサイズに) de Ryōta Nakano (Jap., 2h07) avec Ko Shibasaki, Joe Odagiri, Hikari Mitsushima, Himeno Aoyama, Yota Mimoto… Sortie le 6 mai 2026.

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Reem Kherici (“Pour le plaisir”) : « Pourquoi s’interdire le plaisir, pourquoi le juger ? »

Vincent RAYMOND — Sat, 09 May 2026 16:06:13 +0000

Comédie sentimentale décalée greffée sur une trame de biopic, “Pour le plaisir” est un film hybride prenant des chemins détournés pour parler d’un sujet sérieux : le plaisir féminin. Derrière (et un peu devant) la caméra, Reem Kherici, croisée aux Rencontre du Sud et aux Rencontres de Gérardmer…

**Entre le désir d’une comédie sur un sujet de société et un biopic, quel a été le point de départ de Pour le plaisir ?**

Reem Kherici : Les deux sont liés. Le sujet sur les deux créateurs du Womanizer existait et on m’a proposé le fil. Mais à ce moment-là, ce sujet ne m’intéressait pas. J’ai décidé d’aller creuser plus en profondeur pour savoir quel pouvait être le lien et l’adéquation entre le sujet et moi. Evidemment, je suis une femme — pas une femme libérée, bien que j’aie fait ce film. Je suis assez pudique, issue d’une éducation assez conservatrice. Pouvoir avoir une réflexion sur ce sujet, et savoir à quel point il avait une résonance pour moi et mes sœurs, ça m’a donné l’envie de mettre le pied à l’étrier, de travailler le sujet, de comprendre qu’en fait, j’étais pleinement concernée. Non que je sois anorgasmique, mais parce que c’est un sujet tabou et nécessaire pour nous les femmes, pour vous aussi les hommes.

Je me suis demandée à quel moment j’allais pouvoir créer un pont élégant, sincère et drôle — parce que je pense que l’humour est un vecteur de transmission — qui dédramatise souvent les sujets profonds. C’était l’obligation absolue pour moi. D’une part parce que je suis maman et à aucun moment je n’ai envie que mes enfants un jour ne soient mal à l’aise parce que j’ai traité ce sujet — bien que je ne sois pas l’actrice principale. D’autre part, parce que je suis femme et qu’au nom des femmes, il était pour moi important de montrer une certaine forme de respect — donc de non “trashitude”. On parle de notre plaisir et ce n’est pas sale, ni honteux, ni malaisant.

C’est-à-dire ?

J’aurais été incapable de pouvoir filmer quelque chose de malaisant parce que ça l’aurait été pour le public. Or, je mets le public en premier lieu dans ma construction de personnage, dans l’empathie qu’on peut avoir. Je n’ai pas envie de mettre mon public mal à l’aise. Au contraire : ce film a pour but de libérer la parole. Et si ça met mal à l’aise, ça va entretenir un tabou. Alors que si on se rend compte qu’on est capable de parler de manière élégante et avec humour d’un sujet aussi important, un sujet millénaire, là, il y a un point intéressant pour moi en tant qu’artiste.

S’agit-il d’une forme d’éducation sexuelle pour adultes ?

On peut le voir comme une forme d’éducation sexuelle, je n’aurais pas cette prétention. Je dirais que c’est une forme de divertissement… allez, éducatif !

« C’est pourquoi, sur le fondement du plan 40/3, prise 4 de ce tournage, j’engage la responsabilité de la synchro.” / Photo : © Marie-Camille Orlando

Pourquoi n’interprétez-vous pas le rôle principal ?

J’avais envie de filmer la femme avec précision, amour et quand même de la sacraliser. Mon ego n’est pas assez démesuré pour me filmer dans ce genre de circonstances ! Malgré tout, j’ai aussi une certaine pudeur. Même si mon personnage n’est pas dénudé, je pense que jouer cela et être en même temps le metteur en scène du film m’aurait mise un peu mal à l’aise vis-à-vis de mes chefs de postes. Donc j’ai décidé de ne pas camper le premier rôle par pudeur, par précision et parce que j’avais envie vraiment de mettre mon actrice sur un piédestal. Ça aurait été peut-être un peu trop prétentieux si ça avait été moi.

Avez-vous eu du mal à convaincre vos deux comédiens principaux ?

Pas du tout. Quand j’ai proposé le rôle à Alexandra Lamy, elle a décroché le téléphone : « écoute, j’ai très envie de travailler avec toi, mais je suis prise jusqu’à 2026. » Je lui ai dit : « lis le scénario, il y a des histoires qui ne peuvent pas attendre d’être racontées. » Elle m’a appelée quelques heures plus tard : « On est dans la merde, il va falloir qu’on trouve une solution pour tourner très vite ! » François Cluzet, qui est un vrai féministe, a a tout de suite été interpellé par le sujet. Il a tout de suite senti qu’il il y avait quelque chose de moderne et de nécessaire. Sa femme, Narjiss Cluzet, a énormément appuyé en disant : « François, tu ne peux pas passer à côté de ce film qui est nécessaire en 2025 ».

Vous montrez la fille du couple plus coincée que ses parents. Est-elle représentative d’une génération moins à l’aise avec les choses du sexe ou bien gênée que ses parents accèdent à une forme de libération ?

Selon moi, peu importe l’âge qu’on a : on a tous une sexualité et une approche de la sexualité très différentes. Cela vient de l’éducation, de notre histoire personnelle… Dans le cas précis de Mitty Hazanavicius qui joue le rôle d’Elsa, elle est très mal à l’aise par rapport à ses parents. Même si on est clairement issu d’un rapport sexuel, on n’a pas envie d’avoir de détails.

À travers Pour le plaisir, j’ai voulu dresser plusieurs portraits de femmes et chaque femme dans le film a une sexualité différente : Camille, qui joue la caissière à la FNAC, est assez libérée, assez cool, pas vulgaire ; la sœur d’Alexandra Lamy, qui a pourtant reçu la même éducation qu’elle, s’est construite probablement en opposition à sa sœur ou à sa mère… En fait, on est chacun des individus et on a chacun notre forme de penser. C’était justement très important pour moi d’avoir des femmes de couleurs, d’origines, de sexualité et d’âges différents, Et c’est mon rôle en tant que metteur en scène de mettre en lumière les femmes dans leur beauté, leur différence, leur folie. Ce film est un joli portrait de femmes malgré tout, au-delà d’être le portrait d’un couple.

“C’est quoi l’amour ?”, “Mon grand-frère et moi”, “Sauvons les meubles”, “Cinque secondi”, “Pour le plaisir” en salle le 6 mai 2026

La mère du personnage joué par Alexandra Lamy apparaît par ailleurs très psychorigide…

Elle est conservatrice. Comme beaucoup de mamans, elle a voulu éduquer des filles de bonne famille — et “être de bonne famille“, ça veut dire que ce ne sont pas des “filles faciles“ — par extension, qu’elle devrait peut-être attendre le mariage pour coucher. En tout cas, on imagine que la mère est née en 1940, donc en 1960, c’était vraiment ces croyances et ce qu’elle va faire croire à ses filles. C’est un vrai sujet, la transmission : quelles sont nos croyances et comment on peut casser ces schémas.

Ça m’a beaucoup questionnée aussi sur ma liberté — et je ne suis pas libre. Je sais pas si je suis contente de pas être libre ; je sais pas si j’aurais pas préféré être un peu plus légère, avoir une éducation un peu plus cool, moins de prise de tête, plus dans le lâcher prise, dans le plaisir. En vrai. Pourquoi s’interdire le plaisir, pourquoi le juger ? C’est des vraies questions que je me suis posée en écrivant ce film et ce film m’a fait beaucoup de bien parce que je me suis vraiment moi-même remise en question sur mes propres croyances. Ça ne se fait pas en deux secondes ; ce n’est pas parce que j’ai envie d’y croire que je suis légère demain : ça prend du temps, ça prend un film, ça prend des débats avec vous….

Les personnes qui me connaissent bien arrivent à lire comme un livre ouvert dans mes films (…) je peux dire que ce sont mes bébés, je les aime profondément (…) Je peux être une lionne sur un plateau (…) ou en promo, où je veux accoucher de ces bébés et qu’ils soient beaux, aimés et respectés.
Reem Kherici

Construire et jouer un personnage de psy comme celui de Pour le plaisir doit être très jouissif…

La psy que je joue, c’est finalement la réalisatrice que je suis, c’est-à-dire quelqu’un qui va décider d’aborder un sujet, d’expliquer la thématique à un personnage qui est Alexandra — par extension, le public — et qui ne sait pas trop quel est le sujet. En campant le personnage de Victoria, qui dit qu’il faut que la parole se libère, qui explique pourquoi les femmes peuvent être anorgasmiques ou mal à l’aise avec ce sujet-là, c’est finalement moi, la réalisatrice, qui prend la parole.

En ayant quelque chose de complètement exubérant…

Mais je le suis dans la vie ! (sourire) Pour vous dire la vérité, dans chaque film, il y a des objets de décoration qui viennent de chez moi. Donc, chez la psy, il y en a beaucoup et je peux vous garantir qu’il y a des statues personnels… Les chefs déco débarquent chez moi tout le temps ; ils le savent, c’est ma manière de me sentir bien. Ils viennent avec des cartons, mon appart est vidé : des coussins ou des plantes partent… Je joue avec mon propre stylo à plume. Ça m’aide à être vraie. Je suis aussi assez animale ; c’est une manière de marquer mon territoire, probablement.

Tous mes films sont, d’une certaine manière, une sorte de thérapie. J’ai besoin d’infuser une histoire et elle doit avoir une résonance personnelle avec moi. Les personnes qui me connaissent bien arrivent à lire comme un livre ouvert dans mes films ; il y a des sous-textes tout le temps. C’est ce qui peut aussi créer la sincérité d’un propos et surtout l’envie de défendre un projet pendant 3, 4 ou 7 ans comme Chien et Chat. Il faut que ça vienne des tripes. C’est là que je peux dire que ce sont mes bébés, je les aime profondément. Comme pour mes fils, je peux être une lionne sur un plateau et me battre pour quelque chose. Ou en promo, où je veux accoucher de ces bébés et qu’ils soient beaux, aimés et respectés.

Avez-vous rencontré les créateurs du Womanizer, Michael et Brigitte Lenke ?

Probablement dans mes rêves, mais non, je ne les ai pas rencontrés. J’aurais bien voulu. mais l’occasion s’est pas présentée. Pour avoir vu leur interview, j’ai l’impression que ce sont des gens hyper cool, et qu’ils vont dire : « Scheiße, c’est vraiment drôle ! » Je serais curieuse de boire un café avec eux, de rien comprendre à ce qu’ils me disent, mais de sentir par le body language qu’ils sont contents. De toute façon, ça ne peut être que des gens très cool pour avoir créé cette invention.

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Fabien Gorgeart & Lyes Salem (“C’est quoi l’amour ?”) : « Faire un flashback qui n’en est pas un, ça m’amusait beaucoup déjà à l’écriture »

Vincent RAYMOND — Sat, 09 May 2026 15:36:35 +0000

Un couple depuis longtemps divorcé est contraint de renouer pour accomplir un chemin de croix devant l’administration catholique. Tel est le point de départ de “C’est quoi l’amour ?“, Grand Prix de l’Alpe d’Huez où Fabien Gorgeart retrouve Lyes Salem. Conversation aux Rencontres du Sud.

Pourquoi avoir situé cette histoire à Rouen ?

Fabien Gorgeart : C’est une ville que j’ai découverte pour le tournage et qui pourtant avait cette particularité d’être sur ma carte d’identité puisque j’y suis né. Mes parents y sont restés un mois et demi après ma naissance. Je n’ai donc jamais connu Rouen. Alors, quand on a eu l’aide de la Région Normandie et qu’il a fallu choisir où l’histoire se passait, j’ai foncé à Rouen, c’était une occasion de la découvrir et je savais que Rouen — comme Avignon — a été la Cité des Papes ; que c’était la ville aux cent clochers… C’était assez chargé. Tout de suite, j’ai visité l’église Jeanne d’Arc, où mes parents se sont mariés — on la voit dans le film. J’ai sauté sur cette occasion de renouer avec un passé que je ne connaissais pas.

Par rapport à La Vraie Famille, vouliez-vous davantage pousser les curseurs de la comédie ?

FG : Quand le sujet s’est présenté à moi, j’ai sauté sur l’occasion de le faire. Je me suis dit que ça allait me faire du bien d’aller vers la comédie lorsqu’on m’a parlé des procès en nullité de mariage. Mon producteur, qui me connaît bien, m’a dit de regarder ça de près. En explorant la question, en faisant ce travail d’enquête, en rencontrant des prêtres, des gens ayant fait cette démarche, des avocats, j’ai vu le potentiel de comédie à l’intérieur. Et puisque j’avais fait un mélodrame, c’était pas plus mal d’y aller.

La Vraie Famille était un film sur le déchirement. Là, c’est un film sur la conciliation
Fabien Gorgeart

Cela a-t-il été plus facile au niveau de l’écriture ?

FG : Il faudrait que j’en fasse plusieurs pour voir à la fin qui gagne ! J’ai mis deux ans et demi à l’écriture pour La Vraie Famille ; neuf mois pour celui-là. Il a donc été plus rapide. Je pense pas que ça soit lié au fait que ce soit une comédie mais à un moment donné où on est aligné avec son inspiration, où les choses nous paraissent plus évidentes, sur ce que ça raconte… C’est vrai aussi que la procédure, le procès, étaient un appui narratif.

Avez-vous rencontré des prêtres par souci de réalisme ?

FG : Complètement. J’ai eu la chance en plus de rencontrer le père Danto qui est le doyen en la faculté en droit canonique de Paris qui a été extrêmement généreux : j’ai passé des heures avec lui, j’ai encore ses enregistrements. Il avait à cœur de trouver comment ça pourrait marcher pour mon film. Lors de la première recherche que j’avais faite, j’avais rencontré des gens ayant effectué la démarche ; je m’étais un peu raconté des choses… Évidemment, j’avais très envie que ça aille jusqu’à Rome : ça m’amusait de fait, symboliquement ; surtout c’était intéressant. Ça devenait quasiment un film d’aventures : commencer dans un centre commercial pour finir à Rome ! Tous les procès en nullité n’y vont pas ; il y en a très peu en France. Et puis le système a changé.

C’est avec lui que je discutais : comment on fait, qu’est-ce qu’on met en place pour que ça puisse marcher ? D’ailleurs, c’est quelqu’un qui j’ai hâte de montrer le film ; peut-être qu’il ne sera pas content de certaines libertés que j’ai prises. En tout cas, c’était une procédure qui très inspirante par rapport à ce que j’avais envie de raconter. J’ai aussi rencontré trois avocates ecclésiastiques dont une avec qui j’ai tissé une super relation, à qui j’ai fait lire le scénario et qui m’a donné beaucoup dans tout ce qu’elle m’a dit. Sur la manière dont on pouvait interpréter telle ou telle loi, sur comment on réfléchit à la question… Avec des personnes, d’autres religions, elle participe à des réunions où chacun de s’interroge sur ce que c’est que l’amour, le couple et comment à l’intérieur de ça on inscrit sa foi.

Reverdy disait : « Il n’y a pas d’amour, il n’y a que des preuves d’amour ». Ici, il y a des preuves verbalisées — lors du discours final — et des preuves montrées via les images du premier mariage. Celui-ci n’est pas un flash-back classique mais une vidéo tournée comme une séquence d’archives…

FG : La chance que j’ai eue, c’est que Laure [Calamy, NDR] et Vincent [Macaigne, NDR] se sont mariés, donc c’est leur film de mariage [sourire]. Non, c’est pas vrai, j’adore faire cette blague. Pour moi, cette séquence (et ce qui l’enrobe), était le cœur du film. Dans la scène d’avant, ils sont sortis de chez l’avocate qu’ils se disent : « finalement, on s’est mariés comme ça, on s’est séparés comme ça, notre histoire n’était peut-être pas grand-chose, ça ne veut rien dire pour notre fille. » Et dans cette scène, ils regardent une trace — forte — de leur amour. Le film devait l’incarner à ce moment-là de manière très forte.

Tout le boulot de cette scène-là a été assez passionnant à faire. On l’a tournée en se mettant dans la situation d’un vrai mariage. Vous en voyez très très peu dans le film, mais on a tourné beaucoup : toute une journée a été prise pour ça : la scène de la cérémonie de l’église, la déambulation dans la ville, l’arrivée dans le bar… Moi, j’avais une caméra et je faisais comme si c’était le frère qui filmait le mariage ; la cheffe-opératrice allait choper plein de choses et on pouvait se compléter à deux. Et après, c’est ce que vous voyez dans le film.

Quels effets avez-vous utilisés pour obtenir le grain d’époque : du matériel vintage, du de-aging ?

FG : On avait fait des tests avec des effets spéciaux, qui m’inquiétaient un peu, parce qu’on avance très vite sur cette question : dans certains films, on voit qu’il y a un truc qui ne va pas sur le grain de peau. Ce que je savais, c’est que comme on utilisait des caméras dégueulasses, ça effacerait cette netteté-là. Et que ça marcherait. On a fait tout de suite des essais en prépa et on a vu que c’était quand même super : on avait juste à choisir quel degré de rajeunissement qu’on leur faisait pour que ça ne soit pas trop. En fait, c’est parce qu’elle se regarde elle-même qu’on prend la mesure du rajeunissement. Ça, pour moi, c’est une pure question de cinéma. Tout le film était concentré là : sur ce que le cinéma peut faire pour raconter le passé, le présent, par cette superposition d’eux deux. Et faire un flashback qui n’en est pas un, ça m’amusait beaucoup déjà à l’écriture.

Le choix de Laure Calamy pour incarner Marguerite était-il une évidence ?

FG : Au démarrage de l’écriture, j’ai écrit pour Lyes et Mélanie : j’ai très vite pensé à eux, leurs personnages me sont apparus évidents : il fallait qu’ils soient dans cette histoire. Ensuite, pour le couple Laure et Vincent, c’est quand je me suis dit : à quel vieux couple je crois dans le paysage des comédiens que je connaissais que j’ai pensé à eux très vite. Parce que Laure et Vincent c’est une sorte de vieux couple : ils ont fait Conservatoire ensemble ; Laure a joué dans les premières pièces de Vincent et surtout, je les ai découverts dans un très beau moyen métrage qui s’appelle Un monde sans femme de Guillaume Brac, qui raconte une histoire d’amour qui n’arrive pas à se faire. Ils sont devenus ce qu’ils sont devenus depuis et j’avais vraiment envie de ne pas avoir que l’un ou l’autre : c’était vraiment les deux. Donc j’ai eu la chance que les deux acceptent.

“C’est quoi l’amour ?”, “Mon grand-frère et moi”, “Sauvons les meubles”, “Cinque secondi”, “Pour le plaisir” en salle le 6 mai 2026

Lyes, qu’avez-vous apprécié dans le scénario lorsque Fabien vous l’a proposé ?

Lyes Salem : Ce qui m’a séduit au départ, c’est le fait qu’un ancien couple ait besoin de se replonger dans son histoire et fasse remonter la mémoire de son intimité charnelle, qui va déborder sur le présent. La proposition de cinéma que le scénario faisait était séduisante. Ensuite, il y avait une envie de continuer à travailler ensemble ; et finalement d’endosser les différents chemins que le metteur en scène, l’auteur vous propose.

Pour le personnage de Sofiane, ce que j’ai ressenti assez rapidement (et ce sur quoi on s’est mis d’accord au moment de travailler) c’est cette espèce d’acceptation qu’il allait avoir de ce qu’allait vivre sa compagne ; l’intuition rapide de ce par quoi elle allait passer. Non seulement il l’accepte, mais en plus, il l’accompagne jusqu’au moment où il ne peut plus. La porte d’entrée pour mon travail, c’était que le personnage devenait une des réponses possibles à la question que pose le titre.

Sofiane vit avec Marguerite depuis presque une quinzaine d’années — ils ont une fille de 14-15 ans. La prémisse, le contrat de ce que va être le film, c’est le personnage de Sofiane qui ouvre et qui lit la lettre [dans laquelle l’ex mari de Marguerite, Fred, lance la procédure pour obtenir la nullité de leur mariage, NDR] ; il est donc le premier à en prendre connaissance. Il a cette intuition qu’une zone de turbulence arrive. Alors il reste un peu retrait. Il comprend et accepte que Marguerite soit troublée par son passé mais ce qui lui pose problème, c’est qu’elle ne supporte plus le présent. C’est là-dessus que j’ai travaillé pour le personnage.

Travailler avec des personnes que l’on connaît, cela peut-il faciliter les choses ou bien inciter à mettre la barre plus haut pour déjouer l’habitude ?

LS : Il est évident qu’il y a des mécanismes, des réflexes qui se mettent en place, tout à fait nobles, qui peuvent faire avancer les choses très vite. Mais on peut aussi s’encroûter. Une image me vient en tête : je suis un passionné d’aérospatial et une compagnie comme Air France, par exemple, ne fait jamais voler un commandant de bord et un copilote trois ou quatre fois ensemble, parce qu’elle ne veut pas qu’ils prennent trop d’habitudes. Cela fait partie des choses où il faut être attentif l’un à l’autre : si l’on est trop en confiance avec l’autre, alors on ne fait pas attention et ça devient accidentogène.

Dans notre métier, il me semble qu’il y a un risque énorme, c’est la complaisance. Quand on est trop à l’aise, qu’on a trop l’impression que : « ah, ça va marcher. » Je m’en méfie beaucoup — je ne dis pas que c’est systématique, mais ça peut arriver quand on est toujours avec les mêmes personnes. Retravailler avec quelqu’un, c’est toujours se mettre dans un endroit de risque. L’artiste en a besoin. Ça ne veut pas dire que dans tout ce que je fais, il y a du risque ; ça va dépendre aussi de ce qu’on me propose. Mais dès qu’il y en a, ça me plaît beaucoup. Et travailler avec quelqu’un avec qui j’ai déjà travaillé c’est toujours intéressant.

Concernant mon cheminement avec Fabien : peut-être que ça va évoluer mais pour l’instant son univers c’est beaucoup la famille, un endroit que j’ai très envie de servir parce que ça fait partie de mes valeurs. Le compagnonnage comme acteur avec un auteur, c’est pour moi la plus importante des choses. Si je devais devais garder une seule chose de ce métier, je pense que ce serait ça.

Cela détermine-t-il vos choix de rôles ?

LS : Ça peut. Après, je le vis avec Fabien et puis avec un autre metteur en scène… Les gens dont je comprends la nécessité artistique et avec lesquels je me sens à l’aise, alors il n’y a aucune raison que je décline. J’ai plutôt envie d’abonder dans leur sens : ça fait partie du récit que j’ai envie de me faire en tant qu’artiste, en tant que comédien.

Ressentez-vous aussi le même sentiment chez les comédiens que vous dirigez lorsque vous êtes réalisateur ?

LS : Peut-être un tout petit peu différemment. Mon “sillon” de réalisateur est un peu plus chahuté. Il passe aussi par un autre territoire — le territoire algérien — et donc un autre imaginaire, et les choses, vous l’aurez compris, ne sont absolument pas simples en ce moment. Donc je dirais que j’ai un peu moins le choix ; je fais un petit peu avec ce qu’il est possible de faire…

Fabien, avez-vous fait répéter les comédiens en amont du tournage ?

FG : Non, ils étaient tous très pris. On a passé du temps à lire par exemple avec Lyes et Vincent. Laure était toujours en tournage c’était très compliqué : on a juste pu faire une sorte de lecture-répèt’ avec Jean-Marc Barr et elle. Après, j’avais confiance dans ces comédiens : on avait un plan de travail juste, mais dans la manière dont j’ai tourné — en laissant du temps aux scènes, en tournant sur la longueur… — j’avais confiance dans le système qu’on allait mettre en place pour que ça advienne sur le tournage. On a fait un peu de répétitions de danse pour la scène finale, mais c’était une demi-journée.

LS : Il y a eu à peu près la même chose sur le film précédent : la méthode de travail de Fabien c’est que les premières séquences qu’on tourne, on les fait dans la longueur. Pas forcément l’entièreté de la séquence mais en tout cas un plan où tout le monde est dans le cadre. Et ce plan-là en général va susciter beaucoup de prises. Un peu comme si on se mettait d’accord sur les règles du jeu. Fabien profite de ce moment-là pour amener les uns et les autres à l’endroit de jeu qui lui est nécessaire. On va mettre plus ou moins de temps à le trouver, mais une fois que tout le monde l’a trouvé, on s’est compris, les choses sont en place et on peut partir.

Est-ce lié au fait que vous êtes aussi metteur en scène de théâtre?

FG : Je suis d’abord metteur en scène de cinéma avant d’être metteur en scène de théâtre. Mais je n’ai pas encore beaucoup d’analyse et de recul sur comment l’un nourrit l’autre ; je sais pour l’instant que l’un me “lave” de l’autre. C’est-à-dire qu’il n’y a pas du tout le même rapport à l’image, au comédien, au travail… Donc ça me fait oublier et je suis très content de revenir : « ah, c’est vrai qu’un film, on le fait comme ça » Le temps qu’on passe dans un théâtre n’est pas du tout le même temps qu’on passe sur un plateau. Donc ça, c’est assez agréable pour moi. Le trait d’union étant le travail des comédiens.

Lyes, vous avez été à l’affiche des trois derniers Grand Prix du Festival de l’Alpe d’Huez. Est-ce un hasard ?

LS : Oh, un hasard, je ne pense pas. La comédie est quelque chose dans lequel je me sens très à l’aise. Et puis j’ai eu la chance d’avoir ces propositions et qui m’ont à chaque fois rendu très heureux.

FG : On a eu la chance qu’à chaque fois que Lyes est dans un film, il a un Grand Prix. C’est comme ça.

LS : Effectivement, on a eu le Grand Prix trois fois de suite. C’est vrai que la comédie est quelque chose qui me plaît beaucoup. Après, j’ai un film qui va arriver qui est tout l’inverse : Les Derniers Jours de R.M de Amin Sidi-Boumediène, avec qui j’avais fait avec qui j’avais fait Abou Leila il ya quelques années. On est totalement dans un autre univers, dans du Lynch… Comme acteur, tout me séduit à partir du moment où j’ai envie de suivre le ou la réalisatrice. Mais c’est vrai que je suis né dans la comédie.

**Finalement, Fabien, “C’est quoi l’amour ?”, est-ce une question que vous vous êtes posée tout au long de votre parcours ?**

FG : (sourire) En tout cas, tout au long de l’écriture de celui-là, c’est sûr ! D’une certaine manière, le film vient clôturer une sorte de trilogie sur l’amour — qui n’est pas que celui d’un couple. Sur comment une famille se dessine, aussi, avec des questions d’amour qui ne sont pas forcément les questions de lien ou du sang… J’avais aussi envie que le film commence comme une sorte de comédie de remariage et que plus on avance, plus la question s’élargisse. Pas qu’au couple, justement. Parce que c’est toute une famille qui se fait embarquer dans une histoire de couple. Un élargissement à l’image du personnage de Céleste qui commence dans un téléphone portable et finit par clôturer et redistribuer toutes les cartes.

Vous parlez de clôturer une trilogie. Pensez-vous réellement être arrivé « au bout de ce chemin », pour reprendre une réplique importante du film ?

FG : En tout cas, je sens que j’ai fait le tour d’une question. Peut-être qu’il faudra refaire un tour plus tard, mais pas tout de suite. J’ai besoin de rire, raconter d’autres histoires, d’aller m’interroger sur d’autres récits. Mais oui, j’ai eu ce sentiment-là. J’avais envie de terminer aussi sur une note plus légère par rapport au film d’avant La Vraie Famille, qui était un film sur le déchirement. Là, c’est un film sur la conciliation. En tout cas, je sens que, puisque je suis en train de faire le prochain, qu’il est temps que j’aille ailleurs.

Puisqu’au fur et à mesure de ces trois films, vous avez créé une troupe, une “famille de cinéma”, avoir clôturé ce chapitre vous permet-il d’en ouvrir d’autres avec cette même troupe ?

FG : Alors ça, c’est en plein questionnement, plein d’interrogations tout ça, puisque là je suis en cours d’écriture. J’espère plutôt que ça plante les graines. Il est hors de question de clôturer quoi que ce soit sur cette question-là. Est-ce que c’est sur le prochain, celui d’après, mais Lyes, Mélanie — il s’agit d’eux surtout, puisqu’ils étaient dans le film d’avant — sont des gens et des comédiens qui m’inspirent beaucoup. J’aime à dire comme une blague (mais c’est un peu vrai) que si j’étais un homme, j’aimerais bien être comme Lyes Salem. C’est la figure d’homme un peu incarnée qui, je pense, va continuer de m’inspirer.

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L’héroïne n’apparaît pas comme particulièrement sympathique au départ, mais plutôt froide, distante. La formule est bizarre, mais ne gagne-t-elle pas en empathie grâce au deuil ?

Ce deuil permet aussi de découvrir le vrai parcours du frère…

Le frère semble atteint d’un syndrome de Diogène, ou en tout cas d’une affection psychiatrique…

Faut-il voir une symbolique particulière dans l’heure indiquée par l’horloge — 11h — au début du film quand le jeune garçon entame la lecture du livre, heure identique à celle affichée sur la pendule de l’héroïne lorsqu’elle apprend la mort de son frère ?

Est-ce que vous vous êtes imposé une lumière et des optiques particulières ?

Le frère apparaît à l’écran comme un fantôme. Cherchez-vous par le cinéma à rendre vivants les morts ?

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**Comme dans La Famille Asada, vous parlez beaucoup ici des apparences, de ce qu’on croit voir versus la réalité…**

**L’héroïne n’apparaît pas comme particulièrement sympathique au départ, mais plutôt froide, distante. La formule est bizarre, mais ne gagne-t-elle pas en empathie grâce au deuil ?**

**Entre le désir d’une comédie sur un sujet de société et un biopic, quel a été le point de départ de Pour le plaisir ?**

**Finalement, Fabien, “C’est quoi l’amour ?”, est-ce une question que vous vous êtes posée tout au long de votre parcours ?**