Le Dossier Maldoror de Fabrice du Welz

Au mitant des années 1990, la région de Charleroi est frappée par la mystérieuse disparition de deux fillettes. Le choc a d’autant plus d’écho que les forces de l’ordre échouent à trouver la moindre trac et sont régulièrement mises en cause par les médias. Jeune chien fou de la gendarmerie, Paul Chartier croit en son instinct. Il obtient de participer à une opération confidentielle mais constate très vite qu’elle est bridée par une guerre des polices, les ambitions personnelles de ses supérieurs ainsi que des intérêts qui le dépassent. Défiant l’autorité, il s’entête et se retrouve seul, au bord de la folie et de la vérité. Donc de l’horreur…

S’il est admis que les auteurs de science-fiction s’avèrent les plus clairvoyants lorsqu’il s’agit de prévenir leurs contemporains des dérives potentielles de la société — en tout cas, davantage que les apprentis-sorciers de la tech et les politiciens —, il faut également reconnaître aux maîtres du roman noir ainsi qu’aux réalisateurs de films dits “de genre” la plus parfaite acuité pour rendre compte des événements les plus turpides affectant l’humanité. À cet exercice, Fabrice du Welz s’imposait fatalement pour donner une vision à la fois réaliste et intransigeante de la pire histoire criminelle qu’ait connue la Belgique à la fin du XX^e siècle : l’affaire Dutroux.

Haute tension

Film-somme sur les errements et les errances de la police, Le Dossier Maldoror recrée d’une façon troublante le contexte de l’époque. Pas seulement par la reconstitution visuelle classique : au-delà du décor, c’est la texture de l’image ou la physionomie des personnages — Anthony Bajon arbore une incroyable “gueule des années 1990” — qui donnent la sensation d’être totalement immergé dans l’ambiance carolo d’alors. Tout cela permet de partager, dans l’illusion du présent, le vortex où va s’abîmer Paul Chartier. Sans être à 100% subjectif puisqu’il livre quelques séquences extérieurs à sa vie et à son enquête, le film s’attache le plus possible au jeune gendarme, la caméra le collant aux basques accroissant l’effet de paranoïa qui va gagner ce franc-tireur, seul par choix et par nécessité.

Avec une mise en scène ne cédant jamais rien à la complaisance, du Welz montre cette étrange diffusion d’un mal polymorphe, de ses petites mains aux grandes huiles, chacun ayant sa responsabilité dans l’abjection. Nerveux et conservant sa pleine tension sur sa durée — une gageure pour un film de 2h35 — Le Dossier Maldoror est de ces grands films opératiques transcendant leur registre pour atteindre à l’épopée universelle. Un thriller élégiaque servi par des comédiens habités, emballé par une bande originale somptueuse, qui devrait marquer les esprits et son temps.

Le Dossier Maldoror de Fabrice du Welz (Bel.-Fr., 2h35) avec Anthony Bajon, Alba Gaia Bellugi, Alexis Manenti, Sergi López, Laurent Lucas, David Murgia, Béatrice Dalle, Lubna Azabal, Jackie Berroyer… En salle le 15 janvier 2025.

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Mémoires d’un escargot de Adam Elliot

Nés jumeaux, Grace et Gilbert sont séparés après la mort de leur père. Si Gilbert est envoyé à l’autre bout de l’Australie dans une famille d’accueil sectaire, Grace échoue chez un couple plus occupé à vivre sa vie qu’à s’occuper d’elle. Se renfermant sur elle-même, la jeune fille s’abandonne à la mélancolie et à la collectionnite d’escargots. Heureusement, la présence d’une vieille voisine saugrenue, Pinky, lui permet de sortir un peu de sa coquille…

Révélé au monde par Mary et Max (2009) — un premier long métrage autour de la relation épistolaire entre deux personnages cabossés, ayant la particularité d’être un chef-d’œuvre de sensibilité mais aussi de minutie puisque tourné en stop-motion avec de la pâte à modeler — l’Australien Adam Elliot avait décroché le Cristal à Annecy. Mêmes motifs, même sanction quinze ans plus tard pour Mémoires d’un escargot, où il s’intéresse à des marginaux malmenés par l’existence en recourant à sa forme artistique de prédilection si singulière pour un public adulte.

Tristesse et beauté

Car malgré des décors ternes et des figures aux allures grotesques, le réalisme ni le propos ne sont ici jamais édulcorés, Handicap, misère affective, faillite des service sociaux, maltraitance enfantine, deuil précoce, sentiment de déréliction, intégrisme sectaire (et son hypocrisie), grand âge, maladie… Les sujets auquel Adam Elliot se (et nous) confronte frontalement n’ont rien d’anodin et l’histoire de Grace pourrait à peu de frais verser dans l’épouvantable tire-larmes, digne des pires mélos ou d’un conte noir — pensez donc : une pauv’ orpheline disgracieuse convoitée par un grand méchant loup déguisé en prince charmant ! 

Le cinéaste transforme pourtant ce matériau sinistre en quelque chose d’une insondable beauté puisqu’on en réchappe (davantage qu’on en sort) avec un élan incitant à l’optimisme. Mémoires d’un escargot peut ainsi s’apprécier comme un hymne paradoxal à la résilience, un conte de fées sans créature miraculeuse pour opérer les réparations nécessaires à une issue heureuse. Par ses personnages partageant son éternel regard triste, Elliot délivre un antidote à la tragédie et à la douleur en forme d’apaisement. Les premières cuillers sont certes amères, mais l’effet bénéfique s’avère indiscutable.

Mémoires d’un escargot (Memoir of a Snail) de Adam Elliot (Aus., 1h34) avec les voix (v.o.) de Jacki Weaver, Eric Bana, Sarah Snook… En salle le 15 janvier 2025.

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Jessica Palud (“Maria”) : « Faire un film dans le regard de Maria et ne pas le lâcher »

Spectateurs ! de Arnaud Desplechin

Spectateurs ! Faculté (ou qualité) de ceux qui assistent à un spectacle, notamment cinématographique, et prennent du plaisir à le partager. Au fil d’une déambulation ni strictement documentaire, ni uniquement fictionnelle, Arnaud Desplechin convoque ses souvenirs et ses personnages pour tenter de cerner ce qui fait la singularité d’un acte désormais centenaire : aller au cinéma. Et livre par le cinéma pour le cinéma un essai sur sa liturgie…

En présentant son film “là où le cinéma est né” — rue du Premier-Film lors du Festival Lumière, Arnaud Desplechin expliquait ne pas savoir « faire de documentaire ». Une assertion un peu étonnante de la part de celui qui a pourtant déjà signé L’Aimée (2007) ; que l’on comprend toutefois s’il s’agit de comprendre le genre documentaire restreint à une construction à la Depardon ou à la Wiseman — comme un dispositif de “capture du vivant“. L’approche de Desplechin se révèle plus hybride et moins orthodoxe : un collage entre des reconstitutions de moments fondateurs en salle “fictionnalisés” pour son alter ego Paul Dedalus de l’enfance à l’âge d’homme ; des extraits de films divers empruntés à son panthéon personnels ; des interviews de grands témoins (Shoshana Felman, Kent Jones…) ainsi que de spectateurs lambda partageant leurs affects

Cette “proposition de cinéma”, pour reprendre le terme godardien, en dit plus long sur celui qui la formule que sur l’objet dont il traite. Cet autoportrait du cinéaste en spectateur, dans sa recherche de l’instant décisif où l’alchimie amoureuse est advenue entre lui et la toile, ne s’ouvre qu’à la marge sur la problématique identique des autres spectateurs. En définitive, ce film au titre s’exclamant vigoureusement masque une interrogation beaucoup plus profonde lorsqu’il est renvoyé à chacun de ceux qui sont invités à le découvrir : à eux, à travers le voyage de Desplechin, d’élucider leur propre cheminement, de fouiller dans leur mémoire et de retrouver la sensation originelle. Plaisir d’égoïste fait pour être partagé, Spectateurs ! ne saurait mieux résumer la raison d’être de la salle : être seul devant un film, mais ensemble.

Spectateurs ! de Arnaud Desplechin (Fr., 1h28) avec Mathieu Amalric, Dominique Païni, Clément Hervieu-Léger, Milo Machado-Graner… En salle le 15 janvier 2025.

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Je suis toujours là de Walter Salles 

Années 1970 au Brésil, pendant la dictature militaire. En apparence retiré de la vie politique, l’ancien député Rubens Paiva coule des jours paisibles en famille dans sa maison donnant sur Copacabana. Un jour pourtant, des hommes en civil viennent l’arrêter à son domicile ainsi que son épouse Eunice. Si celle-ci est libérée après une épouvante captivité et de nombreux interrogatoires, Rubens disparaît corps et bien. Pendant des décennies, Eunice ne va rien lâcher pour obtenir de l’Armée et de l’État qu’ils reconnaissent leur responsabilité dans son élimination…

Indéniablement, il y a quelque chose de touchant dans le nouveau long métrage de Walter Salles. Et le fait qu’il survienne aujourd’hui, à ce moment de sa propre existence et du renouveau démocratique du Brésil — en tout cas, après ce qu’il est convenu de voir comme la “parenthèse Bolsonaro”, funeste écho à la période de la dictature. 

Je suis toujours là est un biopic in absentia multiple : s’il raconte au premier plan l’inlassable parcours d’Eunice femme/épouse/mère courage contre le pot de fer bureaucratique, il dresse le portrait d’une famille se construisant année après année autour de la figure manquante du maris/père qui lui a été soustrait, mais dont le fantôme demeure omniprésent comme le titre le suggère. Ne s’auto-apitoyant jamais sur sa tragédie, la famille Paiva affiche même en public une crâne résistance en souriant sur les photographies, feignant la normalité, comme si de rien n’était. Ces sourires leur sont d’ailleurs reprochés et jugés obscènes parce qu’ils jurent avec la mine compassée attendues de la part de victimes endeuillées. Pourtant, c’est la disparition de Rubens qui est anormale et obscène.

Une absence déjà vue

C’est aussi en parallèle un auto-portrait en creux du cinéaste, témoin indirect de cet épisode historique puisqu’il connaissait la famille Paiva à l’époque du drame. En reconstituant le Rio de son enfance, tirant sur des teintes mordorées, baigné de musiques et d’une certaine forme d’insouciance malgré l’effroyable contexte politique, Walter Salles nous donne à partager un peu de sa nostalgie, voire de saudade. 

Revers de la médaille, cette exploration de l’intime à travers l’absence intéresse davantage que la quête opiniâtre d’Eunice, dont la trajectoire ressemble à tant d’autres veuves de guerre héroïsées (souvent à juste titre) par le cinéma. L’élégant classicisme de la réalisation n’est sans doute pas étranger non plus à ce sentiment de déjà vu, alors que le Brésil de cette période n’a pas beaucoup été traité au cinéma. Mais les disparitions dans les dictatures sud-américaines (They Shot the Piano Player de Trueba, Missing de Costa-Gavras et tous les films de Patricio Guzmán notamment) ont largement façonné l’imaginaire des spectateurs, donnant l’impression d’épuiser le sujet. Restent les comédiens et surtout Fernanda Torres, de retour chez Walter Salles, trente ans après Terre lointaine. Le souvenir de cette autre histoire commune ajoute à la dimension affective de ce film, où la fidélité est la clef.

Je suis toujours là (Ainda Estou Aqui) de Walter Salles (Br.-Fr., 2h15) avec Fernanda Montenegro, Fernanda Torres, Selton Mello… En salle le 15 janvier 2025.

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Anora de Sean Baker

Issue d’une famille russophone de Brooklyn, la jeune Anora tire le diable par la queue — et pas que le diable — en travaillant comme strip-teaseuse dans un club. Lorsque Ivan le jeune fils d’un oligarque russe veut s’attacher ses services pour une virée quelques jours, l’effeuilleuse entrevoit l’occasion de se faire un joli pécule. L’escapade se métamorphosant en proposition de mariage, Anora croit vivre un miracle… jusqu’à ce que les parents d’Ivan décident de reprendre le contrôle par l’intermédiaire de leurs hommes de main. Seulement, Anora n’est pas du genre à se laisser faire…

On trouvera dans Anora ce que l’on s’attend à y découvrir. Surtout depuis que la caisse de résonance cannoise (et la Palme d’Or afférente) ont lancé la machine et révélé qu’il s’agissait d’une relecture modernisée du mythe de Cendrillon, recontextualisé dans le bling bling de Las Vegas et les néons des boîtes new yorkaises. Leur rouge vitaminé est d’ailleurs repris sur l’affiche comme dans la bande-annonce — laquelle met en avant le tempérament pétaradant de l’héroïne-titre, comme elle dévoile une séquence-clef du film (on y reviendra), au risque d’en tuer la surprise pour les spectateurs.

Sean Baker opte peut-être ici pour des décors plus luxueux et des plans moins statiques, il n’empêche : Anora s’inscrit dans la continuité de ses films précédents, qui sont autant des portraits que des tranches de vies de personnages issus de la frange inférieure de la société américaine. Peu enclin à la pudeur ou à la réserve, son cinéma affiche frontalement les addictions, les lâchetés, la misère… Toute cette réalité térébrante qu’une moitié de l’Amérique fantasmant sa gloire passée tente d’occulter en cherchant des boucs émissaires.

Bouquet final 

Anti conte de fées malgré son début idyllique, Anora tiendrait plus dans sa seconde partie de la farce noire à la After Hours pour sa course-poursuite nocturne à la poursuite du jeune marié ou de la comédie absurde façon Arizona Junior pour ses pieds nickelés chargés d’escorter l’épousée (avec un peu de Fargo, pour suggérer le froid). Le point de bascule s’effectue lors de cette fameuse séquence dévoilée par la bande-annonce, présentée par Baker lui-même comme le nœud du film. Son statut de “moment charnière” est en effet très, voire trop visible, à l’instar de son écriture dramatique, surcomposée quand le reste du film semble viser — malgré les excès inhérents aux personnages — une forme de réalisme. Baker eût affiché un carton : « attention, morceau de bravoure ! » qu’on n’eût pas été davantage surpris.

Le réalisateur n’est pas le seul à pratiquer ce genre de hameçonnage redoutablement efficace sur les jurys. Ruben Östlund ne doit-il pas ses deux (!) Palmes d’Or à des séquences-chocs ? Deux dîners durant lesquels il malmène des bourgeois : avec un acrobate singeant un primate dans The Square (2017) ; avec une tempête faisant vomir les passagers du paquebot de luxe de Sans Filtre-Triangle of Sadness (2022). S’il est un cache-misère bien commode pour certains, l’exercice de virtuosité que constitue ici la séquence centrale ne pas (heureusement) l’alpha et l’oméga d’Anora. Car au-delà de la trajectoire douce-amère de la strip-teaseuse, derrière l’écran des défaites et des désillusions, il y a ce que Baker réussit sans doute le mieux : montrer que malgré le cynisme et la brutalité triomphants subsistent des mains secourables et des cœurs purs — tel le personnage incarné par Willem Dafoe dans The Florida Project (2017). Celui d’Anora est moins visible de prime abord, il offre en tout cas au film un finale d’un dépouillement, d’une intensité et d’une tendresse indicibles. La grâce de cette simple scène de clôture, qui va à l’encontre des artifices du vaudeville médian, est de celles qu’on n’oublie pas.

Anora de Sean Baker (É.-U., 2h19) avec Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yuriy Borisov, Karren Karagulian… En salle le 30 octobre 2024.

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Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau de Gints Zilbalodis

Dans une nature où subsistent les vestiges d’une civilisation humaine, un chat mène une existence solitaire, entre routines et prudence. Sa quiétude va être mise à mal par la soudaine submersion des terres. Contraint d’embarquer sur un bateau à la dérive, il doit partager son esquif avec d’autres animaux pas toujours amicaux. Mais entre ce salut flottant et sa peur maladive de l’eau, son choix est vite fait… 

Rares, hélas, sont ceux qui avaient découvert Ailleurs (2020, trop mal sorti pendant la période Covid), le premier long métrage du cinéaste letton. Ce tour de force visuel empruntant aux jeux vidéos de quête dans un univers post-apocalyptique avait pourtant de quoi séduire par son esthétique 3D épurée. Sans qu’on le sache, ce coup d’essai — et déjà authentique réussite — préparait à une nouvelle aventure immersive d’un calibre encore plus saisissant. Car si Flow reprend les fondamentaux d’Ailleurs (l’idée d’un voyage-fuite immersif en direction d’une hypothétique “issue”, le tout dans une absence totale de dialogue), la réalisation — à la fois la mise en scène et la “facture artistique” de l’ensemble – opère ici un saut qualitatif prodigieux. 

Nouvelle vague

On a certes l’habitude de s’ébaudir sur les miracles de la technologie ; Flow ne vise toutefois pas la surenchère mimétique pratiquée par Le Roi Lion version Favreau dans la contrefaçon de la réalité. Ici, c’est la fluidité du vivant qui épouse la pureté d’un trait ne cherchant pas masquer son origine artistique, jouant sur l’aspect “presque réel“ de la ligne claire ou du flat design. Cet espace laisse justement tout l’espace à l’interprétation poétique. D’autant que Flow est aussi une fable : avec cet nef embarquant des animaux ontologiquement distants ou concurrents, la référence à l’Arche de Noé ou à L’Odyssée de Pi est évidente. Ce qui change ici, c’est l’évacuation totale de l’Homme et la préservation des caractéristique propres à chacune des bêtes. Sans aller jusqu’à dire qu’il s’agit d’un film anti-spéciciste, Flow incite les spectateurs à éprouver le ressenti de chaque espèce, et non à partager des affects copiés sur les humains par l’habituel (et confortable) anthropomorphisme.

Impossible de finir sans évoquer le sous-texte écologique de cette fable montrant une nature regagnant ses droits avec violence. Elle pourrait en soi servir de leçon ou d’avertissement mais c’est avec la toute fin que l’on prend la pleine mesure de sa morale faisant de surcroît un écho terrible aux inondations frappant actuellement l’Europe.

Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau de Gints Zilbalodis (Let.-Fr.-Bel., 1h25) animation dès 8 ans… En salle le 30 octobre 2024.

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Sur un fil de Reda Kateb

Acrobate dans une troupe d’artistes de rue, Jo est victime d’un accident en plein spectacle. Blessée et sans ressources, elle effectue sa convalescence en se rapprochant d’une association de clowns d’hôpitaux spécialisés dans l’accompagnement d’enfants et de leur entourage. Encouragée par un partenaire de jeu, elle se lance dans l’aventure; Mais cette nouvelle discipline requiert peut-être encore plus d’équilibre et d’adresse que son ancien métier. Et Jo, malgré sa bonne volonté, commet quelques faux pas…

Marquant les premiers pas du comédien Reda Kateb dans la réalisation, Sur un fil est de ces films où le cinéaste fait preuve d’humilité en se plaçant derrière son sujet — doublement, pourrait-on dire, dans la mesure où il n’apparait même pas devant sa propre caméra. Valorisant la mission humaniste et sanitaire des clowns d’hôpital et le dévouement du personnel médical (versus les costumes-cravates en charge de la gestion comptable/administrative des établissements médicaux). il habille son plaidoyer d’un conte sur la reconstruction personnelle, mise en abyme aérienne de la guérison, en évitant les poncifs sur les clowns tristes. Lumineux et pudique, notamment grâce à Aloïse Sauvage, alias Jo.

Sur un fil de Reda Kateb (Fr., 1h56) avec Aloïse Sauvage, Philippe Rebbot, Jean-Philippe Buzaud… En salle le 30 octobre 2024.

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