C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart 

Si Fred et Marguerite se sont jadis mariés à l’église et sont devenus les parents de Léa, ils ont depuis divorcés et refait leur vie — enfin, pour Marguerite qui vit désormais avec Sofiane, le père de sa seconde fille Raphaëlle. Mais voilà que Fred souhaite épouser Chloé, chrétienne fervente, qui n’envisage pas d’union sans passer devant un prêtre. Pour pouvoir convoler selon ses désirs, il n’y a qu’une option : obtenir l’annulation solennelle des noces entre Fred et Marguerite. Une démarche très sérieuse loin d’être une formalité, qui va remuer tout un passé commun et conduire les requérants à plaider jusqu’au Saint-Siège…

Si l’on réduit la comédie à un enchaînement de gags ou de situations destinées à provoquer le fou-rire,  C’est quoi l’amour ? peut faire figure de Grand Prix inattendu pour le Festival de la comédie de l’Alpe d’Huez. En réalité, il semble conforme à la ligne se dégageant des palmarès (et donc des sélections)  précédents puisqu’on y suit l’aventure rocambolesque d’une famille qui ne l’est pas moins — mais toutes le sont un peu — parvenant à une réconciliation général au terme d’un voyage ou d’un road trip. Comme si le besoin d’apaisement, de concorde dans le premier cercle était devenu le nouveau graal. Voilà qui en dit long sur l’état d’un monde si plein de bruit et de fureur qu’il enjoint de se replier sur ses fondamentaux.

Tout juste

La famille, justement, Fabien Gorgeart ne l’aborde pas en dilettante : elle se trouve au cœur de ses trois longs métrages, à travers le rapport à la gestation, à la parentalité et désormais au couple comme à la recomposition du noyau familial. Sa définition n’est pas restrictive aux liens du sang, mais ouverte, et généreuse. Ici, il invente même le concept de “comédie de démariage” pour parvenir à exalter la force des liens choisis, complémentaires de ceux reçus par l’hérédité. Ou comment la formalisation officielle  d’une séparation permet de formuler l’indicible de l’attachement : n’est-ce pas là la meilleur réponse à la question posée par le titre ?

Mais ce qui rend surtout cette histoire attachante, c’est l’adéquation entre la troupe et la “méthode” du réalisateur qui laisse à ses comédiens suffisamment d’espace de jeu pour habiter leurs personnages et donner l’illusion d’un naturel non frelaté. Cela fonctionne d’autant mieux avec des interprètes prompts à spontanéité (telle Laure Calamy) ou à l’intranquillité (comme Vincent Macaigne). L’association des deux est féconde ; quant aux scènes de (grands) groupes, rares sont les metteurs en scène à savoir les mener avec un tel brio. Cette vérité à l’écran n’est pas le fruit du hasard, mais diablement travaillée ; elle a le mérite d’offrir cet inestimable sensation au spectateur : la justesse.

C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart (Fr., 1h48) avec Laure Calamy, Vincent Macaigne, Lyes Salem, Mélanie Thierry, Céleste Brunnquell, Saül Benchetrit, Grégoire Leprince-Ringuet, Jean-Marc Barr, Aurélia Petit… Sortie le 6 mai 2026.

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Mon grand-frère et moi de Ryōta Nakano 

Riko apprend par téléphone la mort brutale de son grand-frère, avec lequel elle avait rompu les ponts depuis des années. Bien que peu émue, elle se résout à partir exécuter les formalités funéraires. En compagnie de son ex-belle sœur, elle accomplit une somme de corvées rituelles qui, peu à peu, la rapprochent de son frère défunt mais aussi du fils de ce dernier qu’elle ne connaissait pas…

Révélé au grand public français par la comédie douce-amère La Famille Asada (2020) — portrait de groupe d’une tribu fantasque valsant entre les périodes, les petits tiraillements du quotidien et les grandes ruptures de l’existence — Ryōta Nakano revient en terres de connaissance : cet intime universel de la famille qu’il chronique à merveille, à l’instar de ses compatriotes Kōji Fukada ou Hirokazu Kore-eda. S’il suit ici le cheminement très formel de l’organisation de funérailles ainsi que les tâches concrètes et/ou administratives que Riko doit accomplir pour solder la “présence terrestre” de son frère, son film propose en parallèle une trajectoire moins orthodoxe, empruntant à l’imaginaire. 

Apaisés

Paradoxalement, c’est en effet grâce à l’absence de son aîné que Riko peut renouer avec lui, en explorant ses souvenirs. Le ressentiment n’ayant plus lieu d’être, elle laisse de côté les travers de l’adulte inconséquent pour exhumer certains hauts faits accomplis à son endroit par l’enfant qu’il fut. D’ailleurs, les surgissement fantomatiques du défunt dont elle est témoin sont autant des pieds-de-nez goguenards du défunt que des incitations à aller chercher au-delà des apparences, à ouvrir les yeux différemment sur le réel. Conte métaphorique sur des réconciliations post-mortem scintille de délicatesse autant que de sororité fraternelle. De la résilience pure mise en images, avec en sus un dénouement surprenant.

Mon grand-frère et moi (兄を持ち運べるサイズに) de Ryōta Nakano (Jap., 2h07) avec Ko Shibasaki, Joe Odagiri, Hikari Mitsushima, Himeno Aoyama, Yota Mimoto… Sortie le 6 mai 2026.

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Héléna Klotz (“La Vénus d’argent”) : « Je n’ai vu que Pomme pour le personnage »  

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Sauvons les meubles de Catherine Cosme 

Photographe indépendante épousant tous les clichés du parisianisme, Lucille est appelée au chevet de sa mère dont la santé est préoccupante. Sur place, dans son village d’enfance, elle y retrouve Paul, son frère, et découvre non seulement que sa mère est à l’article de la mort mais que, surendettée, elle a des années durant escroqué sa famille. Se posent alors de douloureuses questions morales et affectives, qu’il va falloir trancher avant qu’il ne soit trop tard…

Parce qu’il induit inconsciemment on ne sait quel second degré souriant, le titre ne rend pas forcément justice à ce film penchant du côté dramédie, et abordant des thèmes plutôt repoussoirs. Entre la préparation au deuil de ses ascendants, la découverte du fait qu’ils ont menti et/ou abusé de leurs enfants et la nécessité d’intenter une action en justice pour se protéger d’eux, on frôle le sublime question tabous sociétaux. Imaginez le concentré de dilemmes personnels, de rancœurs réciproques et de jalousies susceptibles d’être alimentés par cette mécanique ; vous serez encore en-dessous de la vérité.

Compte sur moi !

Sans doute cela tient-il à la discordance émotionnelle subie par les personnages confrontés à deux situations réclament des réactions contradictoires : d’un côté l’agonie de la mère exigea de l’apaisement ; de l’autre la découverte anthume de son “héritage” empoisonné exacerbe les tensions. Déjà paradoxale car faite du vivant de la principale concernée, cette veillée mortuaire ressemble à ces films famille se déroulant à Noël où les commensaux s’écharpent autour de la dinde. Là, c’est moins glamour puisqu’il c’est en épluchant des traites à la pelle et une comptabilité défaillante.

Dans ce drôle de film pas drôle, la distribution contribue à maintenir cet équilibre étrange : outre le père débonnaire et fuyant campé par Jean-Luc Piraux, Yoann Zimmer en Paul lunatique, il y a Vimala Pons, impeccable comme toujours. Au départ pimbêche arty de la captiale, Lucille se défait progressivement de ses oripeaux pour retrouver sa vraie identité. Certes, la charge est un peu lourde, mais elle est à l’aune du du portrait fait en retour de certains des villageois, bien croquignolets. À noter en ouverture la participation inattendue de Benoît Hamon.

Sauvons les meubles de Catherine Cosme (Fr.-Bel.-Sui, 1h26) avec Vimala Pons, Yoann Zimmer, Guilaine Londez… Sortie le 6 mai 2026.

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Cinque secondi de Paolo Virzi 

Pourquoi Adriano, avec ses airs de hobereau, a-t-il choisi de s’installer à l’écart de tout, dans la dépendance délabrée d’une demeure ayant connu de meilleurs jours ? Avocat de renom miné par un drame intime, il s’inflige une repentance dans une solitude qu’une communauté vient troubler en s’installant dans la maison de maître voisine. À sa tête, Matilde, héritière en titre de ce domaine abandonné qu’elle entend bien faire revivre malgré l’expropriation. Entre l’homme cabossée et l’aristocrate libertaire, un modus vivendi s’établit…

La partition est connue : un vieil ermite enfermé dans sa douleur ou son aigreur, trouve enfin la paix grâce à l’impétuosité d’une jeunesse plus ou moins insolente. Trois couleurs : Rouge (1994) de Kieslowski, À la rencontre de Forrester (2001) de Gus Van Sant, Grand Torino (2008) de Clint Eastwood ne racontent pas autre chose. Histoire d’une culpabilité et d’une résilience en apparence impossible,  Cinque secondi dissimule la raison de l’exil intérieur d’Adriano au plus profond du film au point qu’elle en devient, sinon secondaire, presque annexe. Virzi montre que l’on ne peut réduire ce personnage en quête de rédemption au drame familial indicible dont il est le responsable — drame qui s’est joué à cinq secondes.

Valierio e Valeria

Si un procès va occuper le dernier tiers du film, l’histoire dans son entièreté renvoie à la question du jugement. À l’importance de lutter contre les a priori ou au fait que des circonstances particulières puissent infléchir un verdict. Ainsi Adriano va-t-il finir par comprendre le mode de vie et le combat  mené par la squatteuse (voire lui prêter main forte à l’occasion) ; sans doute doute projette-t-il dans cette jeune femme davantage que ce qu’il veut bien l’avouer. Cinque secondi est un aussi un portrait des défenseurs (les avocats font profession de l’être) sans lesquels il ne peut y avoir de victoire ni de justice. Et surtout, de tous ces soutiens indéfectibles qui donne plus qu’ils ne reçoivent en échange.

Etonnamment moins diffusé dans les grands festivals étrangers que nombre de ses confrères ou consœurs transalpins, Virzi demeure un cinéaste passionnant ; ne serait-ce parce qu’il construit des personnages complexes, pétri de contradictions et de souffrances mais dont les failles sont autant de reliefs d’humanité. Et il n’est pas défendu de penser que leur épaisseur  doit à la relation de fidélité que le réalisateur a su créer avec ses comédiens fétiches, Valerio Mastandrea et Valeria Bruni Tedeschi. D’autant plus émouvants ici qu’ils forment un couple platonique (et encore, à sens unique).

Cinque secondi de Paolo Virzi (It., 1h45) avec Valerio Mastandrea, Galatea Bellugi, Valeria Bruni Tedeschi… Sortie le 6 mai 2026.

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Pour le plaisir de & avec Reem Kherici 

Depuis vingt ans, Fanny et Tom vivent heureux. Enfin, pas tout à fait puisque Fanny, sur les conseils de sa psy,  révèle à son époux éberlué qu’elle n’a jamais connu le plaisir physique. D’abord déconcerté, celui-ci réagit rapidement en décidant de fabriquer LE sex-toy idéal. Avec amour et acharnement, il se met au travail, enchaînant prototype sur prototype… au mépris du qu’en-dira-t-on. 

« Mon Dieu, quel bonheur ! D’avoir un mari qui bricole » chantait Patachou, sans se douter combien les paroles (de Brassens) auraient pu convenir au personnage interprété ici par Alexandra Lamy. Cela dit, celles de La Java des bombes atomiques de Boris Vian — « Mon oncle, un fameux bricoleur/Faisait en amateur des bombes atomiques/Sans avoir jamais rien appris/C’était un vrai génie question travaux pratiques » —  pourrait également habiller ce film composite. À la fois biopic (puisqu’il assume s’inspirer du parcours des inventeurs allemands du Womanizer) et comédie sentimentale au sous-texte didactico-militant, Pour le plaisir a certes des ambitions louables.

Sérieux comme le plaisir

Parler cru et cash de ces sujets en évitant la gaudriole lourdingue ou le pensum culpabilisant s’avère un défi en soi, Reem Kherici le relève avec élégance, bien aidée par ses interprètes dont l’investissement est manifeste. Et bien qu’un peu trop forcé, son portrait multigénérationnel s’avère assez opérant dans la mesure où il permet des situations de comédies fécondes. Toutefois, le scénario aurait pu s’abstenir de certaines scories telles que l’hypocondrie du personnage de Tom (sans intérêt ni utilité). Quant au traitement surexposé de l’image de type “fromage blanc“, il dessert globalement l’esthétique du film en lui conférant une atmosphère de mauvais soap tourné en studio. Un vrai tue-l’amour…

Pour le plaisir de & avec Reem Kherici (Fr, 1h35) avec également Alexandra Lamy, François Cluzet, Delphine Baril, Camille Aumont Carnel, Mitty Hazanavicius, Kyan Khojandi, François-Xavier Demaison… Sortie le 6 mai 2026.

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Pourquoi avoir situé cette histoire à Rouen ?

Fabien Gorgeart : C’est une ville que j’ai découverte pour le tournage et qui pourtant avait cette particularité d’être sur ma carte d’identité puisque j’y suis né. Mes parents y sont restés un mois et demi après ma naissance. Je n’ai donc jamais connu Rouen. Alors, quand on a eu l’aide de la Région Normandie et qu’il a fallu choisir où l’histoire se passait, j’ai foncé à Rouen, c’était une occasion de la découvrir et je savais que Rouen — comme Avignon — a été la Cité des Papes ; que c’était la ville aux cent clochers… C’était assez chargé. Tout de suite, j’ai visité l’église Jeanne d’Arc, où mes parents se sont mariés — on la voit dans le film. J’ai sauté sur cette occasion de renouer avec un passé que je ne connaissais pas.

Par rapport à La Vraie Famille, vouliez-vous davantage pousser les curseurs de la comédie ? 

FG : Quand le sujet s’est présenté à moi, j’ai sauté sur l’occasion de le faire. Je me suis dit que ça allait me faire du bien d’aller vers la comédie lorsqu’on m’a parlé des procès en nullité de mariage. Mon producteur, qui me connaît bien, m’a dit de regarder ça de près. En explorant la question, en faisant ce travail d’enquête, en rencontrant des prêtres, des gens ayant fait cette démarche, des avocats, j’ai vu le potentiel de comédie à l’intérieur. Et puisque j’avais fait un mélodrame, c’était pas plus mal d’y aller.

Cela a-t-il été plus facile au niveau de l’écriture ?

FG : Il faudrait que j’en fasse plusieurs pour voir à la fin qui gagne ! J’ai mis deux ans et demi à l’écriture pour La Vraie Famille ; neuf mois pour celui-là. Il a donc été plus rapide. Je pense pas que ça soit lié au fait que ce soit une comédie mais à un moment donné où on est aligné avec son inspiration, où les choses nous paraissent plus évidentes, sur ce que ça raconte… C’est vrai aussi que la procédure, le procès, étaient un appui narratif.

Avez-vous rencontré des prêtres par souci de réalisme ?

FG : Complètement. J’ai eu la chance en plus de rencontrer le père Danto qui est le doyen en la faculté en droit canonique de Paris qui a été extrêmement généreux : j’ai passé des heures avec lui, j’ai encore ses enregistrements. Il avait à cœur de trouver comment ça pourrait marcher pour mon film. Lors de la première recherche que j’avais faite, j’avais rencontré des gens ayant effectué la démarche ; je m’étais un peu raconté des choses… Évidemment, j’avais très envie que ça aille jusqu’à Rome : ça m’amusait de fait, symboliquement ; surtout c’était intéressant. Ça devenait quasiment un film d’aventures : commencer dans un centre commercial pour finir à Rome ! Tous les procès en nullité n’y vont pas ; il y en a très peu en France. Et puis le système a changé.

C’est avec lui que je discutais : comment on fait, qu’est-ce qu’on met en place pour que ça puisse marcher ? D’ailleurs, c’est quelqu’un qui j’ai hâte de montrer le film ; peut-être qu’il ne sera pas content de certaines libertés que j’ai prises. En tout cas, c’était une procédure qui très inspirante par rapport à ce que j’avais envie de raconter. J’ai aussi rencontré trois avocates ecclésiastiques dont une avec qui j’ai tissé une super relation, à qui j’ai fait lire le scénario et qui m’a donné beaucoup dans tout ce qu’elle m’a dit. Sur la manière dont on pouvait interpréter telle ou telle loi, sur comment on réfléchit à la question… Avec des personnes, d’autres religions, elle participe à des réunions où chacun de s’interroge sur ce que c’est que l’amour, le couple et comment à l’intérieur de ça on inscrit sa foi.

Reverdy disait : « Il n’y a pas d’amour, il n’y a que des preuves d’amour ». Ici, il y a des preuves verbalisées — lors du discours final — et des preuves montrées via les images du premier mariage. Celui-ci n’est pas un flash-back classique mais une vidéo tournée comme une séquence d’archives…

FG : La chance que j’ai eue, c’est que Laure [Calamy, NDR] et Vincent [Macaigne, NDR] se sont mariés, donc c’est leur film de mariage [sourire]. Non, c’est pas vrai, j’adore faire cette blague. Pour moi, cette séquence (et ce qui l’enrobe), était le cœur du film. Dans la scène d’avant, ils sont sortis de chez l’avocate qu’ils se disent : « finalement, on s’est mariés comme ça, on s’est séparés comme ça, notre histoire n’était peut-être pas grand-chose, ça ne veut rien dire pour notre fille. » Et dans cette scène, ils regardent une trace — forte — de leur amour. Le film devait l’incarner à ce moment-là de manière très forte.

Tout le boulot de cette scène-là a été assez passionnant à faire. On l’a tournée en se mettant dans la situation d’un vrai mariage. Vous en voyez très très peu dans le film, mais on a tourné beaucoup : toute une journée a été prise pour ça : la scène de la cérémonie de l’église, la déambulation dans la ville, l’arrivée dans le bar… Moi, j’avais une caméra et je faisais comme si c’était le frère qui filmait le mariage ; la cheffe-opératrice allait choper plein de choses et on pouvait se compléter à deux. Et après, c’est ce que vous voyez dans le film.

Quels effets avez-vous utilisés pour obtenir le grain d’époque : du matériel vintage, du de-aging ?

FG : On avait fait des tests avec des effets spéciaux, qui m’inquiétaient un peu, parce qu’on avance très vite sur cette question : dans certains films, on voit qu’il y a un truc qui ne va pas sur le grain de peau. Ce que je savais, c’est que comme on utilisait des caméras dégueulasses, ça effacerait cette netteté-là. Et que ça marcherait. On a fait tout de suite des essais en prépa et on a vu que c’était quand même super : on avait juste à choisir quel degré de rajeunissement qu’on leur faisait pour que ça ne soit pas trop. En fait, c’est parce qu’elle se regarde elle-même qu’on prend la mesure du rajeunissement. Ça, pour moi, c’est une pure question de cinéma. Tout le film était concentré là : sur ce que le cinéma peut faire pour raconter le passé, le présent, par cette superposition d’eux deux. Et faire un flashback qui n’en est pas un, ça m’amusait beaucoup déjà à l’écriture. 

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L’art à la machine : l’IA s’impose et s’expose

Le choix de Laure Calamy pour incarner Marguerite était-il une évidence ?

FG : Au démarrage de l’écriture, j’ai écrit pour Lyes et Mélanie : j’ai très vite pensé à eux, leurs personnages me sont apparus évidents : il fallait qu’ils soient dans cette histoire. Ensuite, pour le couple Laure et Vincent, c’est quand je me suis dit : à quel vieux couple je crois dans le paysage des comédiens que je connaissais que j’ai pensé à eux très vite. Parce que Laure et Vincent c’est une sorte de vieux couple : ils ont fait Conservatoire ensemble ; Laure a joué dans les premières pièces de Vincent et surtout, je les ai découverts dans un très beau moyen métrage qui s’appelle Un monde sans femme de Guillaume Brac, qui raconte une histoire d’amour qui n’arrive pas à se faire. Ils sont devenus ce qu’ils sont devenus depuis et j’avais vraiment envie de ne pas avoir que l’un ou l’autre : c’était vraiment les deux. Donc j’ai eu la chance que les deux acceptent.

Lyes, qu’avez-vous apprécié dans le scénario lorsque Fabien vous l’a proposé ?

Lyes Salem : Ce qui m’a séduit au départ, c’est le fait qu’un ancien couple ait besoin de se replonger dans son histoire et fasse remonter la mémoire de son intimité charnelle, qui va déborder sur le présent. La proposition de cinéma que le scénario faisait était séduisante. Ensuite, il y avait une envie de continuer à travailler ensemble ; et finalement d’endosser les différents chemins que le metteur en scène, l’auteur vous propose.

Pour le personnage de Sofiane, ce que j’ai ressenti assez rapidement (et ce sur quoi on s’est mis d’accord au moment de travailler) c’est cette espèce d’acceptation qu’il allait avoir de ce qu’allait vivre sa compagne ; l’intuition rapide de ce par quoi elle allait passer. Non seulement il l’accepte, mais en plus, il l’accompagne jusqu’au moment où il ne peut plus. La porte d’entrée pour mon travail, c’était que le personnage devenait une des réponses possibles à la question que pose le titre. 

Sofiane vit avec Marguerite depuis presque une quinzaine d’années — ils ont une fille de 14-15 ans. La prémisse, le contrat de ce que va être le film, c’est le personnage de Sofiane qui ouvre et qui lit la lettre [dans laquelle l’ex mari de Marguerite, Fred, lance la procédure pour obtenir la nullité de leur mariage, NDR] ; il est donc le premier à en prendre connaissance. Il a cette intuition qu’une zone de turbulence arrive. Alors il reste un peu retrait. Il comprend et accepte que Marguerite soit troublée par son passé mais ce qui lui pose problème, c’est qu’elle ne supporte plus le présent. C’est là-dessus que j’ai travaillé pour le personnage.

Travailler avec des personnes que l’on connaît, cela peut-il faciliter les choses ou bien inciter à mettre la barre plus haut pour déjouer l’habitude ?

LS : Il est évident qu’il y a des mécanismes, des réflexes qui se mettent en place, tout à fait nobles, qui peuvent faire avancer les choses très vite. Mais on peut aussi s’encroûter. Une image me vient en tête : je suis un passionné d’aérospatial et une compagnie comme Air France, par exemple, ne fait jamais voler un commandant de bord et un copilote trois ou quatre fois ensemble, parce qu’elle ne veut pas qu’ils prennent trop d’habitudes. Cela fait partie des choses où il faut être attentif l’un à l’autre : si l’on est trop en confiance avec l’autre, alors on ne fait pas attention et ça devient accidentogène.

Dans notre métier, il me semble qu’il y a un risque énorme, c’est la complaisance. Quand on est trop à l’aise, qu’on a trop l’impression que : « ah, ça va marcher. » Je m’en méfie beaucoup — je ne dis pas que c’est systématique, mais ça peut arriver quand on est toujours avec les mêmes personnes. Retravailler avec quelqu’un, c’est toujours se mettre dans un endroit de risque. L’artiste en a besoin. Ça ne veut pas dire que dans tout ce que je fais, il y a du risque ; ça va dépendre aussi de ce qu’on me propose. Mais dès qu’il y en a, ça me plaît beaucoup. Et travailler avec quelqu’un avec qui j’ai déjà travaillé c’est toujours intéressant.

Concernant mon cheminement avec Fabien : peut-être que ça va évoluer mais pour l’instant son univers c’est beaucoup la famille, un endroit que j’ai très envie de servir parce que ça fait partie de mes valeurs. Le compagnonnage comme acteur avec un auteur, c’est pour moi la plus importante des choses. Si je devais devais garder une seule chose de ce métier, je pense que ce serait ça.

Cela détermine-t-il vos choix de rôles ? 

LS : Ça peut. Après, je le vis avec Fabien et puis avec un autre metteur en scène… Les gens dont je comprends la nécessité artistique et avec lesquels je me sens à l’aise, alors il n’y a aucune raison que je décline. J’ai plutôt envie d’abonder dans leur sens : ça fait partie du récit que j’ai envie de me faire en tant qu’artiste, en tant que comédien.

Ressentez-vous aussi le même sentiment chez les comédiens que vous dirigez lorsque vous êtes réalisateur ?

LS : Peut-être un tout petit peu différemment. Mon “sillon” de réalisateur est un peu plus chahuté. Il passe aussi par un autre territoire — le territoire algérien — et donc un autre imaginaire, et les choses, vous l’aurez compris, ne sont absolument pas simples en ce moment. Donc je dirais que j’ai un peu moins le choix ; je fais un petit peu avec ce qu’il est possible de faire…

Fabien, avez-vous fait répéter les comédiens en amont du tournage ?

FG : Non, ils étaient tous très pris. On a passé du temps à lire par exemple avec Lyes et Vincent. Laure était toujours en tournage c’était très compliqué : on a juste pu faire une sorte de lecture-répèt’ avec Jean-Marc Barr et elle. Après, j’avais confiance dans ces comédiens : on avait un plan de travail juste, mais dans la manière dont j’ai tourné — en laissant du temps aux scènes, en tournant sur la longueur… — j’avais confiance dans le système qu’on allait mettre en place pour que ça advienne sur le tournage. On a fait un peu de répétitions de danse pour la scène finale, mais c’était une demi-journée.

LS : Il y a eu à peu près la même chose sur le film précédent : la méthode de travail de Fabien c’est que les premières séquences qu’on tourne, on les fait dans la longueur. Pas forcément l’entièreté de la séquence mais en tout cas un plan où tout le monde est dans le cadre. Et ce plan-là en général va susciter beaucoup de prises. Un peu comme si on se mettait d’accord sur les règles du jeu. Fabien profite de ce moment-là pour amener les uns et les autres à l’endroit de jeu qui lui est nécessaire. On va mettre plus ou moins de temps à le trouver, mais une fois que tout le monde l’a trouvé, on s’est compris, les choses sont en place et on peut partir.

Est-ce lié au fait que vous êtes aussi metteur en scène de théâtre?

FG : Je suis d’abord metteur en scène de cinéma avant d’être metteur en scène de théâtre. Mais je n’ai pas encore beaucoup d’analyse et de recul sur comment l’un nourrit l’autre ; je sais pour l’instant que l’un me “lave” de l’autre. C’est-à-dire qu’il n’y a pas du tout le même rapport à l’image, au comédien, au travail… Donc ça me fait oublier et je suis très content de revenir : « ah, c’est vrai qu’un film, on le fait comme ça » Le temps qu’on passe dans un théâtre n’est pas du tout le même temps qu’on passe sur un plateau. Donc ça, c’est assez agréable pour moi. Le trait d’union étant le travail des comédiens.

Lyes, vous avez été à l’affiche des trois derniers Grand Prix du Festival de l’Alpe d’Huez. Est-ce un hasard ?

LS : Oh, un hasard, je ne pense pas. La comédie est quelque chose dans lequel je me sens très à l’aise. Et puis j’ai eu la chance d’avoir ces propositions et qui m’ont à chaque fois rendu très heureux. 

FG : On a eu la chance qu’à chaque fois que Lyes est dans un film, il a un Grand Prix. C’est comme ça. 

LS : Effectivement, on a eu le Grand Prix trois fois de suite. C’est vrai que la comédie est quelque chose qui me plaît beaucoup. Après, j’ai un film qui va arriver qui est tout l’inverse : Les Derniers Jours de R.M de Amin Sidi-Boumediène, avec qui j’avais fait avec qui j’avais fait Abou Leila il ya quelques années. On est totalement dans un autre univers, dans du Lynch… Comme acteur, tout me séduit à partir du moment où j’ai envie de suivre le ou la réalisatrice. Mais c’est vrai que je suis né dans la comédie. 

Finalement, Fabien, “C’est quoi l’amour ?”, est-ce une question que vous vous êtes posée tout au long de votre parcours ?

FG : (sourire) En tout cas, tout au long de l’écriture de celui-là, c’est sûr ! D’une certaine manière, le film vient clôturer une sorte de trilogie sur l’amour — qui n’est pas que celui d’un couple. Sur comment une famille se dessine, aussi, avec des questions d’amour qui ne sont pas forcément les questions de lien ou du sang… J’avais aussi envie que le film commence comme une sorte de comédie de remariage et que plus on avance, plus la question s’élargisse. Pas qu’au couple, justement. Parce que c’est toute une famille qui se fait embarquer dans une histoire de couple. Un élargissement à l’image du personnage de Céleste qui commence dans un téléphone portable et finit par clôturer et redistribuer toutes les cartes.

Vous parlez de clôturer une trilogie. Pensez-vous réellement être arrivé « au bout de ce chemin », pour reprendre une réplique importante du film ?

FG : En tout cas, je sens que j’ai fait le tour d’une question. Peut-être qu’il faudra refaire un tour plus tard, mais pas tout de suite. J’ai besoin de rire, raconter d’autres histoires, d’aller m’interroger sur d’autres récits. Mais oui, j’ai eu ce sentiment-là. J’avais envie de terminer aussi sur une note plus légère par rapport au film d’avant La Vraie Famille, qui était un film sur le déchirement. Là, c’est un film sur la conciliation. En tout cas, je sens que, puisque je suis en train de faire le prochain, qu’il est temps que j’aille ailleurs.

Puisqu’au fur et à mesure de ces trois films, vous avez créé une troupe, une “famille de cinéma”, avoir clôturé ce chapitre vous permet-il d’en ouvrir d’autres avec cette même troupe ? 

FG : Alors ça, c’est en plein questionnement, plein d’interrogations tout ça, puisque là je suis en cours d’écriture. J’espère plutôt que ça plante les graines. Il est hors de question de clôturer quoi que ce soit sur cette question-là. Est-ce que c’est sur le prochain, celui d’après, mais Lyes, Mélanie — il s’agit d’eux surtout, puisqu’ils étaient dans le film d’avant — sont des gens et des comédiens qui m’inspirent beaucoup. J’aime à dire comme une blague (mais c’est un peu vrai) que si j’étais un homme, j’aimerais bien être comme Lyes Salem. C’est la figure d’homme un peu incarnée qui, je pense, va continuer de m’inspirer.

C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart (Fr., 1h48) avec Laure Calamy, Vincent Macaigne, Lyes Salem, Mélanie Thierry, Céleste Brunnquell, Saül Benchetrit, Grégoire Leprince-Ringuet, Jean-Marc Barr, Aurélia Petit… Sortie le 6 mai 2026.

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Avignon de & avec Johan Dionnet

Stéphane s’était juré de ne plus tomber dans les combines foireuses de Serge. Mais le manque de cachets, le fait que Serge remonte dans le Off du Festival d’Avignon la pièce de café-théâtre Ma sœur s’incruste dont il était l’interprète principal ont raison de ses résolutions. Sur place, entre deux galères prévisibles, Stéphane tombe sur Fanny, une consœur comédienne qui croit qu’il interprète Rodrigue dans Le Cid. Incapable de la détromper, Stéphane va entretenir le quiproquo…

Après le récent Partir un jour, Avignon ajoute un nouveau chapitre à l’inventaire des courts-métrages-devenant-des-longs, non sans avoir opéré un intense travail de remodelage : en plus d’étoffer la structure narrative de Je joue Rodrigue, Johann Dionnet a remanié la distribution. Pour cruelle qu’elle puisse paraître pour les créateurs des personnages — d’autant plus quand on considère le sujet des comédiens tirant le diable par la queue —, elle se fait à la fois au profit du film et au “détriment” de l’auteur-interprète qui lâche son premier rôle pour le confier à Baptiste Lecaplain. À quelque chose malheur est bon : en gagnant une excellente tête d’affiche. Johann Dionnet ne disparaît pas puisqu’il devient un non moins précieux second rôle. Son jeu physique et sa folie décalée donnent à son personnage de Patrick des faux-airs de Pio Marmaï.

Faux-semblants

Récipiendaire de trois distinctions (dont la plus haute, le Grand Prix) au Festival de la comédie l’Alpe d’Huez, Avignon pourrait se voir comme une mise en application de la fameuse sentence unificatrice énoncée par Laurent Terzieff — qui pourtant n’était pas enclin à la gaudriole — : « Le théâtre n’est pas ceci ou cela. Le théâtre est ceci et cela ». Comprenez : il n’y a pas de hiérarchie dans l’art de la scène ; qu’ils fassent rire ou pleurer, tous les comédiens pratiquent le même métier. En réalité, selon que vous serez de Comédie-Française ou de la comédie de boulevard, les jugements de la Cour d’Honneur du Palais des Papes vous rendront blanc ou noir…

Entre conte moral et comédie romantique — Ruy Blas l’est aussi dans son genre —, Avignon rend bien cette dichotomie invisible mais terriblement perceptible entre ceux du métier « ayant la carte » et les autres, ravalés au rang d’histrions méprisables par les précités. Au contact de Fanny, Stéphane prend  honte de ce qu’il est de ce qu’il fait — pourtant bien. Et cherchant à changer, il devient mauvais sur scène ainsi qu’avec les autres membres de sa troupe… qui ne manquent pas de lui signaler sa fausseté globale. Fausseté contagieuse au passage, puisque les mensonges et autres tromperies fusent dans les coulisses de Ma sœur s’incruste, créant une mise en abyme à plusieurs niveaux. Quand les comédiens sont-ils sincères ? Quand s’autorisent-ils à tomber le masque ?

La Bohème

Avignon s’impose aussi une belle gageure que de tourner “dans” la Cité des Papes, donc d’immerger le public au cœur de la frénésie du Festival, côté coulisses. En cela, Johnan Dionnel suit les traces de Diastème, qui avait signé avec Le Bruit des gens autour (2008) une drôle de chronique festivalière. Ce film choral et hybride — ni pure fiction, ni impro, ni vrai documentaire — offrait une succession de tranches de vies synchrones devant comme derrière la scène. Avignon se focalise sur les soutiers plus nombreux que les vedettes. Avec un brin de romantisme, le film nous ferait presque croire que la vache enragée a bon goût.

Avignon de & avec Johann Dionnet (Fr., 1h44) avec également Baptiste Lecaplain, Alison Wheeler, Lyes Salem, Elisa Erka…

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Enzo de Laurent Cantet réalisé par Robin Campillo

Apprenti maçon, Enzo agace son patron par sa nonchalance et son manque d’application. Issu d’une famille CSP+ de La Ciotat, le garçon s’est lancé dans ce métier autant pour fuir l’école qu’un milieu qui l’étouffe. S’il ne brille pas sur le chantier, il y côtoie deux ouvriers ukrainiens, Miroslav et surtout Vlad, dont la virilité ombrageuse le trouble étrangement…

Œuvre bicéphale et posthume, Enzo est de ces films miraculés survivant à leur auteur initial grâce à l’intervention d’un confrère, à l’instar de La Petite Voleuse (1988) écrit par Truffaut puis réalisé par Miller ou bien sûr A.I. (2001) rêvé par Kubrick et mis en images par Spielberg. La proximité amicale entre les deux cinéastes se double ici d’un long compagnonnage professionnel : Campillo ayant été impliqué dans quasiment tous les films de Cantet à l’écriture et/ou au montage, il a de nouveau co-signé le scénario de ce long métrage hybride tant il s’inscrit de manière égale dans la filmographie de l’un et de l’autre.

Enzo, fils rebelle

De Cantet, on retrouve la saine révolte des jeunes adultes contre l’atavisme social et le déterminisme de classes, le rejet de la loi du marché, le goût de montrer des espaces/lieux de travail concrets. À cette enseigne, il y a une dichotomie nette entre les chantiers où les ouvriers vont physiquement travailler en suant et la demeure des parents de Enzo où ils peuvent pratiquer leur métier intellectuel entre deux longueurs de piscine ou apéros. Le discours sur l’inégalité de la société passe autant par ce que l’on voit (ou l’on entend) à l’écran que par ce que souligne Enzo, à la façon d’un candide constatant à haute voix les déséquilibres du monde. Déséquilibres tellement intégrés par les adultes qu’ils leur sont devenus invisibles.

Notons combien Enzo ressemble, à l’autre bout de la “chaîne alimentaire” économique, au personnage de Franck (joué par Jalil Lespert) dans Ressources humaines (2000) : tous deux opèrent en effet une manière de transfert de classe qui les éloigne de leur famille. Symboliquement, on ne peut qu’être frappé par la symétrie entre les deux films — l’un étant le premier pour le cinéma de Cantet, l’autre son ultime.

Vers le Sud

Campillo de son côté a savamment travaillé la question du trouble chez Enzo. S’il confie que l’idée d’une attirance du jeune garçon pour son collègue plus âge était du fait de Cantet, le réalisateur a inscrit cette thématique dans un état mêlant inquiétude planante et ambiguïté — entre Éros et Thanatos — qu’il n’a de cesse d’explorer film après film. Les Revenants, Eastern Boys, 120 battements par minute, L’Île rouge et maintenant Enzo forment ainsi une suite qui n’a rien d’illogique. 

Cela étant dit, le film n’est pas dépourvu de lumière : le tropisme méditerranéen propre au deux cinéastes inonde de chaleur estivale l’image, jusque dans les séquences nocturnes. Une scène de baignade dans des calanques hypnotise par ses effets continus de chatoiements sur l’eau, entre fonds marins mordorés et reflets céruléens des vagues. Un point d’eau sauvage et naturel, non domestiqué, dans lequel Enzo se sent bien, aux antipodes de la piscine orthonormée à la Hockney ceignant le domicile familial tout de verre revêtu et de fausse transparence tapissé. Parfois, la géographie, l’architecture et l’image s’avèrent terriblement éloquents.

Enzo de Laurent Cantet réalisé par Robin Campillo (Fr, 1h42) avec Eloy Pohu, Pierfrancesco Favino, Élodie Bouchez, Maksym Slivinskyi…

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Au-delà de la comédie Avignon évoque la sempiternelle concurrence entre le théâtre privé et le théâtre public… 

Baptiste Lacaplain : Bien sûr. Ça va même au-delà du théâtre : c’est la considération de la comédie populaire. Tous les ans ça revient aux César : est-ce que la comédie populaire est assez mise en avant, assez considérée ? C’est ce qu’a très bien réussi à faire Johann Dionnet à l’écriture : lui a énormément participé au Festival Off d’Avignon, et il a aussi fait un peu du In. Il a donc pu voir les deux côtés du Festival. Et même s’il y a le côté subventionné et le côté un peu plus populaire, on reste des comédiens faisant Avignon ; on est logé à la même enseigne. C’est deux mondes extrêmement proches, en vrai. 

Vous-même, avez-vous observé au cinéma le même dédain entre les comédiens “classiques“ et ceux de comédie populaire ?

Je ne l’ai pas vécu personnellement, mais je sais que des copains humoristes ont pu avoir à un moment donné des remarques quand ils sont arrivés sur des films. On leur disait ; « mais qu’est-ce que vous venez faire au cinéma, les humoristes ? » Mais c’était plus de la défiance de gens qui ne sont pas forcément sensibles à ce qu’on peut faire sur scène. Une fois qu’on se rencontre, on est des comédiens : mine de rien, tout le monde vient du théâtre, du conservatoire, d’une troupe d’improvisation, d’une troupe de théâtre amateur, ou du one man show… On est obligé de passer par les planches avant.

Denzel Washington, à qui un journaliste disait : « vous êtes un acteur hollywoodien » répondait : « non, je suis un acteur de théâtre; Les gens oublient que je viens du théâtre ; après, je suis arrivé à Hollywood. » Comme Anthony Hopkins. C’est le cas de plein de gens : on vient tous du théâtre à la base.

La profession de comédien est une profession de menteur. Dans Avignon, votre personnage l’utilise dans sa vie privée. Selon vous, est-ce un interdit pour un comédien d’utiliser son talent dans la vie privée ?

(rires) Je ne sais pas si c’est un interdit, non, je ne pense pas. Mais c’est vrai que c’est bizarre… Je suis très différent du personnage public que je peux être : quand j’arrive à la maison, je n’ai pas envie de faire des blagues — mais c’est parce que je suis fatigué. Je ne pense pas que ce soit un interdit, mais on s’en sert toujours. Les longues marches que j’ai pu faire ado, où j’étais triste, mélancolique — parce que je n’étais pas aimé par mes amoureuses, que j’étais frustré de ma condition de collégien ou que je ne savais pas quoi faire dans la vie — toutes ces heures passées, j’ai essayé de les ramener dans le film. C’est que j’ai adoré dans ce scénario, ça m’a tout de suite parlé : tous les comédiennes et comédiennes, on a tous quelque chose à voir avec ces personnages dans le film. 

Je suis vraiment pressé de le montrer à des copains ; qu’Arnaud Tsamère et Jeremy Ferrari le voient, par exemple. J’ai vraiment envie qu’ils revoient l’essence d’Avignon, de ce que c’est un acteur qui doute, Même si on a des carrières qui marchent plutôt bien, on est tout le temps en train de douter, de se remettre en question. Johann Dionnet parle du métier comme personne, je trouve. Mais ce n’est pas un film qui ne parlera qu’aux gens du métier.

Il montre aussi un humoriste qui va vers le théâtre classique. C’est d’ailleurs déjà arrivé. Cela pourrait-il vous attirer ?

Non, je ne pense pas. Mon premier jour de tournage sur le film Libre et Assoupi, j’étais face à Denis Podalydès. Le réalisateur Benjamin Guedj était ultra-fan de lui, et moi je le connaissais un petit peu, évidemment, mais pas comme sociétaire de la Comédie-Française. On a fait deux jours de tournage ensemble et à la fin de la première journée, Denis m’a dit : « ah, un comédien m’a planté pour une tournée de la Comédie-Française. Il y a un rôle, tu serais pas mal dedans » Je crois que c’était Les Fourberies de Scapin. Et là je me suis dit : « ah bon ? » Benjamin Guedj était là : « Dis oui, dis oui, dis oui ! » J’ai dit : « ah oui, je veux bien, Denis, pourquoi pas ? » 

Et puis je me suis dit : « mais t’es malade, t’es zinzin ; je ne vais pas me retrouver avec des gens de la Comédie-Française ; je n’ai absolument pas le niveau, ni la légitimité ». Benjamin m’a dit : « Mais on s’en fout : Denis Podalydès t’as regardé et a dit : “il pourrait le faire !” ». Mais le lendemain, Denis : « je suis désolé, finalement, on a trouvé quelqu’un en interne ; en tout cas, ça n’aurait pas été bête ». 

Mais juste le fait qu’il ait pensé à moi, ça m’a donné du fuel pour tout le film. Putain, Denis Podalydès m’avait considéré au milieu des Benjamin Lavernhe, des Pierre Niney que moi, j’allais voir au cinéma ! Du coup, ça m’a donné envie d’aller au Français — j’y suis allé. Avoir juste une petite considération de quelqu’un comme lui, ça m’a galvanisé. 

C’est exactement comme votre personnage…

Exactement. Et c’est pour ça que je me suis retrouvé à plein d’endroits dans ce scénario. Des films, j’ai toujours voulu en faire quand j’ai démarré le métier d’humoriste. Des castings et des rôles, j’en ai ratés ; des fois, je n’ai pas tourné pendant longtemps et je me disais : « bon, ben, c’est foutu ». Pas au point d’aller travailler dans un bar comme mon personnage mais je me disais que je ferais des one-man shows et pas de cinéma. Vous espérez toujours séduire un réalisateur, une réalisatrice ; arriver à le convaincre…

Je me suis retrouvé plein de fois, dans la position de Stéphane. Et je me retrouverai encore, très certainement, dans cette position-là. C’est pour ça que quand j’ai lu cette partition je me suis dit : « mais c’est tellement génial, pour ce que ça représente dans le métier, dans la vie de chacun ! Ce rôle est tellement incroyable. »

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Vous-même avez “fait” Avignon ; cela a-t-il changé quelque chose à votre carrière ou votre spectacle ?

Avignon, je le voyais comme un exercice de travail : ça me permettait de jouer tous les jours et de faire progresser mon one-man show très, très, très vite. Mon producteur Thierry Suc n’avait jamais mis ses artistes à Avignon, mais je lui avais dit : « je te jure, c’est vraiment génial, pour travailler, c’est un exercice formidable » Je jouais tous les jours, je ne pensais à rien d’autre : je me levais, je faisais mon sport, j’écrivais mes blagues, je les corrigeais et voilà… Je n’ai fait que ça au festival d’Avignon et c’était trop bien. 

En plus, ça vous permet de rencontrer d’autres gens. Je me souviens, j’avais croisé, Philippe Caubère dans la rue, je n’avais pas osé lui parler — j’avais vu son spectacle, j’avais été estomaqué par le gars. Des années plus tard, j’avais parlé de lui dans une interview, sa compagne m’avait dit : « ça lui a fait très plaisir que vous le citiez, il vous aime beaucoup. » J’avais regretté de ne pas l’avoir abordé. Avignon permet de rencontrer d’autres gens et des lieux : ça joue dans des églises, des chapelles, des fonds de garage, des appartements… Avignon, c’est un endroit formidable. Tout prend vie pour le théâtre et les planches

Le film Avignon insiste aussi sur la galère pour les comédiens et les compagnies. Mais vous, n’avez pas vécu le festival de la même manière…

Non, c’est vrai : je l’ai vécu en tant que privilégié grâce à Thierry Suc qui m’avait mis dans des conditions incroyables. Mais j’ai pu voir ce que c’était la galère des comédiens vraiment épuisés de fatigue. Rouges à cause du soleil, comme ce comédien qui paradait pour la pièce Faites l’amour avec un Belge : il se mettait dans une barquette de frites en carton — on pensait qu’il était tout nu. Il a paradé tout l’été et à la fin, il était brûlé au niveau des épaules… Et on s’était foutu de sa gueule au début !

Jérémy, il a fait Avignon dans des conditions drastiques : ça ne marchait pas, il a eu des salles vides, il n’était pas bien. Arnaud, je crois, il l’avait fait une année avant. Après la télé, quand Jérémy et Arnaud ont fait Avignon, ils n’avaient même pas démarré que tout était complet. Et ils s’étaient mis en haut d’une place avec un panneau : « Jérémy Ferrari et Arnaud Tsamère tractent de façon intense » alors qu’ils étaient pleins. Arnaud m’avait dit : « avec du recul, on a regretté de faire ça parce que des comédiens galéraient et passaient devant nous et se disaient : “ben les gars, la télé, ils font ça…” » Je leur ai dit : « vous allez venir voir le film, vous allez vous prendre une leçon d’humilité » Mais ils en sont conscients.

À Avignon, les gens, sont d’une inventivité incroyable : il y a toujours un gros débat sur l’empreinte carbone des flyers. Je me souviens d’un mec qui donnait les siens dans la rue : « venez me voir etc. » et vous faisiez 10 m et il y avait une boîte qui disait : « si vous pensez jeter mon flyer, s’il vous plaît, remettez-le dans la boîte ». Wow ! Pour moi, c’est le Mark Zuckerberg d’Avignon. C’est une idée phénoménale. Dans la galère, les gens arrivent à trouver des trucs.

Quand j’ai tourné le film à Avignon, il y a des séquences où je sprintais. Et des comédiens m’arrêtaient : « si tu peux venir nous voir ; dire un petit truc sur Instagram parce que tu as des followers ; dire aux gens d’aller voir mon spectacle… » Vous êtes en face de gens qui ont envie d’y arriver : ils vous voient en train tourner un film et qui se disent que c’est énorme… Avignon, pour moi, c’est l’humilité à chaque coin de rue. Vous ne pouvez pas fanfaronner Avignon. Je suis fils de commerçant, donc je n’ai jamais eu ça, dans mon éducation — de fanfaronner trop, de me la péter — mais Avignon vous l’apprend.

Chez les comédiens, il y a le doute mais aussi l’inquiétude de la durabilité. Varier les plaisirs entre le solo, le trio, le cinéma vous rassure-t-il ?

Je ne sais pas si ça me rassure, en tout cas, je me rends compte que j’ai une année extraordinaire qui arrive avec mes 40 ans : elle est vraiment folle. Le film avec Christian Clavier Jamais sans mon psy ; j’ai on a gagné trois prix à l’Alpe d’Huez avec Avignon ; il y a Bref 2 qui est sorti ; la tournée du Trio est complète… Kyan Khojandi à l’avant-première de Bref 2 au Grand Rex m’a regardé et m’a dit : « je suis content pour toi. Tu ne t’en rends pas compte, mais tu as une très belle année qui arrive » Que Kyan me l’ait dit m’a permis de m’en rendre compte. Après ça ne garantit pas le succès mais ça fait plaisir. 

Dans ce film, finalement, ce n’est pas tellement vous qui êtes drôle… 

(rires) Je rêvais de faire une belle comédie romantique, parce que je suis fan de Hugh Grant, qui est un peu la référence dans les comédies romantiques. Et puis même des films français Ma vie en l’air de Rémi Bezançon, Mensonges et trahisons… du regretté Laurent Tirard avec Edouard Baer et Clovis Cornillac. Il y a eu une série de films français incroyables sortis à ce moment-là. Et puis j’ai grandi avec Klapisch ; Romain Duris, qui est quand même un héros extraordinaire dans L’Arnacœur… Charlotte Gainsbourg et Yvan Attal ont fait des films incroyables… Les comédies romantiques m’ont toujours attiré. Les héros de comédies romantiques, c’est les princes charmants modernes : au lieu de se battre avec une épée, ils ont leur mélancolie et ils essaient de se tirer de là. Mais Hugh Grant c’est quand même la réf’.

Il faut en écrire une…

Ouais… Déjà, j’ai refusé Vingt ans d’écart, donc je lis pas bien, des fois… (rires) Donc écrire… Mais écrire un film à trois avec Jérémy et Arnaud, si on a une très bonne idée, on le fera. Écrire, dialoguer, ça me plaît ; réaliser, non, c’est trop de travail, c’est trop dur. Florent Bernard, qui a fait Nous les Leroy et qui est en train de préparer son deuxième film, je vois l’investissement qu’il met. C’est un vrai travail serré, un vrai truc dur. Et les réalisateurs et les très bons scénaristes n’écrivent pas des one man à côté, ils ne font que ça. Nous, les blagues, ça nous prend de l’énergie.

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