Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen

Dans l’Ouest américain des années 1860, Vivienne Le Coudy tranche par son indépendance d’esprit. Femme d’esprit et de défis, elle jette son dévolu sur un émigré danois, Holger Olsen, qui vit dans bicoque spartiate à l’écart d’une ville du Nevada. Par amour, elle accepte de le suivre et de l’attendre quand il s’engage à la déclaration de la guerre. Durant son célibat forcé, elle est agressée et violée par Weston, le fils du potentat local, Alfred Jeffries. À son retour, Olsen doit reconstruire leur histoire sur des lambeaux…

L’affiche proclame que « Ford et Hawks adoreraient ce western ». S’il est toujours douteux de préjuger des goûts des disparus — autres temps, autres mœurs… — ajoutons que Eastwood, Siegel, Pollack ou Penn pourraient eux aussi trouver à leur goût le parcours de Olsen qui condense à lui seul tant de paradoxes étasuniens. Plutôt humaniste, éclairé et progressiste dans une époque violente à la limite de barbarie, ce personnage n’hésite pourtant pas à partir au combat lorsque la Nation réclame son dû (“e pluribus unum”), ni à recourir à la vengeance individuelle quand loi et justice font défaut. Mais Olsen tient quasiment ici de l’élément périphérique au sein d’un western classique, que son ambiance et sa forme rendent plus avant-gardiste.

Irréversible

Car c’est bien Vivienne la protagoniste réelle de Jusqu’au bout du monde, à la fois femme dans dans un monde d’hommes et fantôme dans un monde de vivants — puisque les premières minutes nous font assister à son trépas. Sa double singularité (à laquelle on pourrait presque ajouter celle d’être de langue maternelle française dans une terre anglophone, ou bien encore d’avoir une imaginaire davantage construit que la plupart des pionniers-hors-la-loi peuplant le Nevada) lui confère un statut à part : comme si elle incarnait une image de futur pour ce pays en train de s’édifier. Construite de surcroît dans le mythe émancipateur de Jeanne d’Arc, Vivienne a tout pour mettre en panique une meute masculine n’ayant jamais envisagé la contestation sa domination.

Viggo Mortensen chahute lui aussi la tradition du western, autant qu’il en respecte l’essence et l’authenticité — crasse pulvérulente, justice expéditive, corruption et violence institutionnalisées… Bousculant la chronologie comme avait pu le faire Gaspar Noé dans Irréversible (mais de manière moins radicale, tout de même), il donne à son récit une perspective plus mélancolique et mélodramatique en scellant le sort de son héroïne. Son destin inachevé hante le film comme une culpabilité pour Olsen. Peu de mots sont dits, la musique et les paysages parlent alors pour exprimer la tristesse et la beauté malgré tout qui survit au drame puisqu’il y a un enfant dans l’équation. L’espoir, comme dans la boîte de Pandore•

Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen (Mex.-Can.-Dan., 2h09) avec également Vicky Krieps, Solly Mc Leod, Garret Dillahunt, Danny Huston… en salle le 1^er mai 2024.

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Le Tableau volé de Pascal Bonitzer 

Portant beau, parlant clair et roulant en Aston-Martin, André Masson est l’un des brillants commissaires-priseurs de la maison Scottie’s. Sollicité par courrier pour expertiser un supposé tableau d’Egon Schiele découvert chez un particulier, il tombe des nues en constatant l’authenticité de la toile. Sa jeune stagiaire Aurore, une mythomane compulsive, apprend beaucoup à ses côtés. Même s’il l’horripile…

Privilégiant (en apparence) une comédie sur la superficialité et la vanité — le monde des salles de ventes tient quand même du théâtre où les egos se mesurent en comparant leurs comptes en banque —, Pascal Bonitzer traite avec élégance de la question des invisibles (ceux qu’on a oblitérés jadis, comme la classe populaire aux yeux d’une certaine bourgeoisie) comme de la fausseté dans tous ses états. Son spectre large va du silence par omission à la pratique active (et intéressée) du mensonge : admis à petite dose et valorisé lorsqu’il agit en tant que fluidifiant social ou vernis civilisationnel, celui-ci suit l’adage de Paracelse lorsqu’il est inoculé à haute concentration.

Pareil aux bouteilles de garde ou de grande dégustation, Le Tableau volé est de ces longs métrages qu’il convient de laisser décanter afin qu’ils révèlent leurs qualités. La première étant son admirable (et mystérieuse) résistance aux assauts de ce temps qui d’ordinaire s’ingénie à corroder les souvenirs de séquences et va parfois jusqu’à effacer avec une cruelle promptitude certaines intrigues de films. Le Tableau volé, qui justement traite plus qu’en creux d’un passé occulté revenant à la surface, défie l’oubli sans avoir l’air d’y toucher. La persistance de la mémoire, pour rester dans le domaine de l’Art, est décidément le cœur de son sujet.

Enchères et damnation

Si par sa mécanique astucieuse et ses jeux de dupes, Le Tableau volé évoque parfois un film de braquage façon L’Arnaque ou Ocean’s Eleven (mais sans l’action et en mode intello-culturel, restons français) ; s’il renvoie aux films noirs avec son André Masson plus proche en privé du Marlowe version Altman que d’un gendre idéal, ce film ressuscite également ces comédies piquantes menées par un couple chamailleur dont Capra et Rappeneau furent les plus grands représentants. Ce genre ne fonctionnant que si l’élément féminin offre un répondant supérieur à son partenaire masculin, il convient donc d’inscrire le nom de Louise Chevillotte aux côtés de celui de ses devancières Claudette Colbert, Katharine Hepburn, Deneuve ou Adjani. 

Étonnamment peu considérée malgré un parcours artistique sans faute et une polyvalence dont on apprécie ici encore les qualités, la jeune comédienne est à sa façon un chef-d’œuvre méconnu d’interprétation. Faudra-t-il que Quentin Dupieux la fasse tourner pour que le grand public prenne conscience de sa singularité au lieu de s’habituer mollement à sa présence ?  

Le Tableau volé de Pascal Bonitzer (Fr., 1h31) avec Alex Lutz, Léa Drucker, Nora Hamzawi… en salle le 1^er mai 2024. 

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Une affaire de principe de Antoine Raimbault

2012. Commissaire européen chargé de la santé, John Dalli se trouve contraint à la démission dans des rumeurs de trafic d’influence en faveur des lobbies du tabac… mais aussi de coup monté. Bien que d’un bord politique totalement opposé à Dalli, le député européen José Bové va investiguer sur l’affaire avec ses collaborateurs et révéler certains aspects peu reluisant de l’exécutif européen. Un match Parlement versus Commission va s’engager…

Plus de soixante ans après sa création, L’Europe (en tant qu’objet politique) demeure encore trop largement méconnue des citoyens. Beaucoup d’entre eux ignorent ce qu’ils lui doivent, croyant plutôt qu’elle leur coûte par la faute d’une palanquée de démagogues bas de la frontière l’ayant choisie comme bouc émissaire idéal. À quelques semaines du scrutin qui décidera de la composition de son Parlement, Antoine Raimbault montre grâce un thriller judiciaire non seulement certaines opacités coupables de l’institution mais, surtout, qu’elle abrite son antidote démocratique. 

Comme pour son premier long métrage Une intime conviction (2019), c’est du réel que le cinéaste s’est inspiré pour tisser la trame d’une fiction où l’action est sans cesse épaulée par le verbe : une technique “à l’américaine” rappelant les films de Pakula volontiers généreux en procédures et en dialogue. On notera au passage que par un jeu ironique de renversement, si le protagoniste du premier film, Dupont-Moretti est depuis entré en politique, celui de ce nouveau, José Bové, s’en est dégagé. Bien campé par Bouli Lanners, l’emblématique leader paysan s’avère un personnage pratique : facile à caractériser par ses traits distinctifs (moustache, pipe, chemise, caractère libertaire…), il fait un cicérone très crédible lorsqu’il s’agit de pénétrer les arcanes du Parlement afin d’en expurger les parasites. Didactique et efficace, Une affaire de principe remplit son mandat et les promesses de son titre. Voilà qui devrait en inspirer d’autres…

Une affaire de principe de Antoine Raimbault (Fr.-Bel., 1h35) avec Bouli Lanners, Thomas VDB, Céleste Brunnquell… en salle le 1^er mai 2024.

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Petites mains de Nessim Chikhaoui 

Jeune majeure hébergée dans un hôtel social, Eva décroche un emploi de femme de chambre dans un palace, à la faveur d’un mouvement de grève. Cornaquée par la revêche (en apparence) Simone, elle découvre un monde d’inégalités hurlantes entre les employés intégrés au palace et celles, comme elle, précarisées par l’externalisation. Peu à peu, Eva va comprendre la colère des grévistes et les rejoindre…

Vous souvenez-vous de Quand l’inspecteur s’en mêle (1963) de Blake Edwards ? Deuxième opus dans la longue saga de La Panthère rose, cette comédie n’avait pas vocation au départ à en être la suite… puisqu’elle se trouve être, à la base, une adaptation d’une pièce de Marcel Achard. Mais le succès l’année précédente de l’inspecteur Clouseau a conduit Edwards à remodeler le script initial pour y intégrer son personnage fétiche. Nessim Chikhaoui ne procède pas autrement lorsqu’il s’empare de la commande qui lui est formulée — “faire un film sur les femmes de chambre grévistes“ — mais qu’il établit un pont indirect avec l’une des héroïnes de son film précédent, Placés.

Pure démarche d’auteur, ce geste de s’approprier le sujet et de lui insuffler des niveaux parallèles (notamment une continuité sociale) sauve Petites mains du risque majeur de “téléfilmisation” encouru si Chikhaoui s’en était tenu à une simple exécution contractuelle de la demande. L’humain est son territoire : d’ailleurs, lorsqu’il raconte les à-côtés administratifs (notamment le conditionnement aux titres de séjour), la solidarité ou les dissensions entre les différentes catégories de personnels, il se montre plus efficace que quand il filme  la mécanique ouvrière quotidienne des “petites mains”. À sa décharge, Éric Gravel avait mis la barre très haut dans À plein temps  (2024) avec Laure Calamy..

Nessim Chikhaou dispose quant à lui d’une autre actrice, en la personne de Lucie Charles-Alfred, pour co-construire un univers cinématographique dont elle serait la Doinel ou la Dédalus. À suivre….

Petites mains de Nessim Chikhaoui (Fr., 1h37) avec Corinne Masiero, Lucie Charles-Alfred, Marie-Sohna Condé… en salle le 1^er mai 2024.

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Un p’tit truc en plus de & avec Artus 

Après un braquage acrobatique, un fils et son père échappent à la police en se glissant dans un car de personnes en situation de handicap partant en colonie de vacances — le fils tentant de se faire passer pour handicapé pendant le père prétend être son éducateur. Si les colons éventent vite le stratagème, les accompagnateurs n’y voient que du feu. Il faut dire qu’ils ont aussi leurs problèmes…

Le handicap souffre d’une représentation fluctuante au cinéma. Point de départ ou au cœur des plus grands succès du box office (Intouchables, Bienvenue chez les Ch’tis mais aussi Champions en Espagne ou naturellement Avatar), il reste pourtant entre tabou et impensé, notamment lorsqu’il s’agit d’aborder le handicap mental — a fortiori dans une comédie. À une époque où la légitimité de chacun est scrutée (“d’où parles-tu ?”), la démarche d’Artus s’avère d’autant plus précieuse : son film contribue par le rire à normaliser le handicap (et les personnes en situation de handicap) à l’écran. Mais un rire “accessible et inclusif“, pourrait-on dire avec une comédie où « l’on rit “avec” et pas “de” », pour reprendre le mot de Djamel Bensalah à l’époque de Il était une fois dans l’Oued.

Certes, la trame de ce feel good movie est cousue de fil blanc ; elle relève davantage du prétexte ou de “l’habillage” des intentions par des situations concrètes (raconter un rabibochage familial ; montrer la quotidien du handicap…). L’essentiel, on l’a compris, est ailleurs : Un p’tit truc en plus se construit avec tous ses comédiens à égalité, sans précautions de dame-patronnesse et avec une indubitable sincérité. Le message mérite de passer.

Un p’tit truc en plus de & avec Artus (Fr., 1h39) avec également Clovis Cornillac, Alice Belaïdi… en salle le 1^er mai 2024.

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Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas

Jeune couple amoureux, Diego et Elena décollent de Barcelone pour s’installer aux États-Unis. Mais à peine posés sur le sol américain, les formalités d’accueil se transforment en interrogatoire serré et oppressant : Elena peine à comprendre pourquoi on leur cherche avec une telle hargne la petite bête. Apparemment, les agents des frontières savent des choses sur son compagnon qu’elle-même ignore… 

Censé se dérouler durant la mandature Trump, à l’époque d’un renforcement majuscule des contrôles octroyant aux services compétents le pouvoir d’être particulièrement intrusifs et/ou d’entreprendre des rétention musclées, Border Line est certes une mise en lumière dénonciatrice des effets sournois de cette politique Hélas, comme toujours, seul un public acquis y verra le déni de démocratie et notera des méthodes dignes des “meilleures” dictatures. Ce type de film ne prêche que les convertis.

Mais son principal problème repose sur le dispositif qu’il adopte : le huis clos dans la zone de rétention aéroportuaire, avec l’idée vague d’un temps réel afin de partager la tension de Diego et Elena. À tort ou à raison, les réalisateurs font tellement d’entorses à ce postulat qu’ils affadissent leur meilleur auxiliaire dramatique. À titre d’exemple, ils ont ajouté un prologue superflu montrant les personnages avant de prendre l’avion, puis en vol : on se doute que ces séquences avaient vocation à rallonger artificiellement leur film et lui permettre une exploitation dans la catégorie long métrage. N’aurait-il pas mieux valu s’en tenir à un court inoubliable qu’à un long dispensable ?

Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas (Esp.,1h17) avec Alberto Ammann, Bruna Cusí, Ben Temple… en salle le 1^er mai 2024.

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Est-ce parce qu’on avait peu entendu parler de cette affaire — ou qu’on s’en souvenait peu — que vous avez décidé de la porter à l’écran ?

Antoine Raimbault : On n’en avait pas entendu parler non plus. C’est tout l’intérêt… 

José Bové : Je vous incite à lire le livre Hold up à Bruxelles (rires) C’est un des chapitres. Il est en réédition, il devrait être disponible très bientôt. Il est sorti en 2015, à la fin de mon premier mandat. Je raconte 5 ans de relations tendues avec ceux qui essayent d’imposer au Parlement européen des choses bizarres et étranges. Là, c’est la Directive Tabac, avec ce qu’il y a dans le film. Mais il y a aussi une bataille avec l’Agence européenne sanitaire des aliments sur les pesticides ; un accord de libre-échange tendu avec le Maroc, où je suis poursuivi devant les tribunaux parce que le ministre de l’agriculture de l’époque a tenté de me soudoyer. Il y a un certain nombre de choses comme ça qui sont racontées, qui sont les faits auxquels j’ai été confrontés directement.

Le rendu cinématographique est-il conforme à ce que vous avez vécu, étant donné qu’il y a des toujours des ajustement inhérents à une adaptation ?

JB : Ce qui est clair, c’est que les faits tels qu’ils sont rapportés sont rigoureusement exacts. Il y a des choses qui ont été raccourcies, parce que forcément, on est sur plusieurs années. À un moment, on parle d’un rapport ; en fait il y en a deux etc. Mais ça ne change rien, tous les faits sont réels, on ne peut pas être attaqués sur le fond. Par contre, je ne suis pas du tout intervenu sur la dramaturgie, sur la ligne cinématographique ; c’était de leur responsabilité, ce n’était pas à moi de m’imposer. Les faits tels qu’ils sont relatés sont tous exacts. Sauf un. Mais il n’y a que moi qui le sais et eux (rires)

Et il y a plein de choses dans lesquelles je me retrouve. Comme ils ont eu l’opportunité — et c’est la première fois que ça se passe — de pouvoir tourner au Parlement européen à Bruxelles et à Strasbourg, le cadre est très important dans ce film. C’est fondamental : il y a une unité cohérente entre les personnages et le lieu où ils tournent. On ne peut pas tricher. On a des locaux magnifiques, et donc on peut faire vraiment du cinéma. Et je pense que ça renforce la crédibilité. 

Je m’y retrouve aussi parce que tout ce que j’ai vécu est traduit par les acteurs et les dialogues. Ils nous ont entendu parler Jean-Marc [Defilhes, son assistant parlementaire, NDR] et moi, donc ils nous ont piqué des phrases.

AR : T’es un peu co-auteur à tes dépens…

JB : Voilà…

La jeune stagiaire qui aiguillonne José à l’écran fait-elle partie du domaine du réel ?

AR : C’est plus de la fiction, c’est l’espace que nous on trouve. Évidemment, ils ont eu des jeunes stagiaires, hommes et femmes. José est une de nos sources principales ; Jean-Marc Desfilhes, qui a vraiment creusé dans cette enquête avec lui, a aussi été vraiment quelqu’un d’important pour nous, dans nos échanges. On est parti de Jean-Marc pour inventer deux personnages et se libérer de tout pour faire du cinéma. C’est quand même ce qui nous intéresse, notre travail : trouver une forme et faire du cinéma.

JB : Elle est à la fois une stagiaire de 19 ans que j’ai eue, à qui on avait donné un rapport un peu soporifique pour en faire une synthèse. Le lendemain, elle nous avait fait une synthèse à la hache : elle l’avait cassé complètement en disant que c’était une proposition inacceptable. Et c’est un mélange avec l’une de mes deux assistantes parlementaires qui était arrivée au Parlement européen son sac à dos. Je lui avais dit : « tu veux escalader la face nord du Parlement avec tes chaussures de montagne ? » Elle était d’une autre génération, pleine de fougue. 

AR : Nous, on ne l’a jamais rencontrée. 

José, vous êtes-vous reconnu dans Bouli Lanners et avez-vous eu votre mot à dire dans le choix de l’interprète ?

JB : C’est la partie la plus bizarre. De s’entendre déjà appeler par son nom, d’avoir quelqu’un qui vous joue, c’est quand même bizarre, quoi. Humainement, on n’est pas fait pour ça non plus ! Mais la rencontre avec Bouli, puisqu’il est venu avec Antoine passer quelques jours à la maison, a été un moment de régal. On s’est entendus, on s’est vraiment sentis bien ensemble — sur les convictions, sur la façon de vivre, sur le mode de vie, sur plein de choses… Y compris sur la façon d’utiliser une tronçonneuse ! I Moi, j’habite à la campagne et lui est dans une partie campagne de la ville à Liège.

Il a fait son interprétation.. La moustache est peut-être un peu longue mais bon… C’est pas moi non plus, mais c’est toujours étrange. Je ne peux pas me mettre à la place d’un comédien, mais jouer quelqu’un qui est vivant, à côté de vous et dont on ne change pas le nom, ça ne doit pas être évident non plus. Parce que c’est une interprétation : il ne fait pas sosie, il ne bouge pas comme moi, c’est ça vision de moi. Après, il y a des gens proches qui vont dire : « Ouais, non, mais c’est pas tout à fait ça. » Mais c’est logique, Pour moi, c’était un pari aussi.

Si cela ne s’était pas bien passé entre vous, auriez-vous pu refuser qu’il vous incarne ?

AR : Non, il aurait été respectueux, je crois. Mais moi, je pense que je me serais interrogé. Imaginons que ça ne se soit pas complètement bien passé, que l’acteur n’a pas un désir fort d’incarner quelqu’un ou que José l’ait regardé un peu de travers. Ça n’aurait pas marché. On marche au désir. C’est des désirs qui se rencontrent. 

JB : C’est pour ça que ça a été compliqué le premier jour du tournage.

AR : C’était pas le bon calendrier pour moi, que José arrive sur le plateau, avec Bouli en train de prendre ses marques et quand même une certaine pression. De l’autre côté aussi, c’est très compliqué pour un acteur de se jeter dans le vide de l’incarnation de quelqu’un — en plus, qui l’a rencontré, qu’il apprécie. Au finale, ça s’est très, très bien passé. J’avais demandé à José de pas nous sauter dessus, d’attendre la fin de journée pour venir boire des bières à côté du Parlement.

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C’est donc l’un des premiers films à bénéficier d’autant de facilité dans les lieux. Le Parlement est relativement résilient par rapport à des épisodes qui ne sont pas forcément à son avantage…

AR : C’est tout son intérêt de laisser entrer le cinéma dans l’institution. Ils l’ont bien compris. C’est le premier film qui s’est tourné à la fois à Bruxelles et à Strasbourg, puisque le Parlement est aux deux endroits. Avant ça, il y a la série Parlement sur France Télévisions qui a un peu essuyé les plâtres — une série plutôt satirique, pas du tout liée au réel, mais tournée là-bas. Ils ont fini par comprendre, au bout de trois saisons, l’intérêt de se donner à voir. Cette institution se targue d’être transparente, contrairement à l’exécutif de la Commission qui est barricadée derrière sa grande muraille, à laquelle on n’a pas du tout demandé quelque autorisation que ce soit. On n’est pas rentré dans la Commission. D’ailleurs, le film prend soin de rester à l’extérieur.

JB : On tourne autour. 

AR : C’est le cas de le dire, il y a une scène où l’on tourne autour. Notre point de vue, c’est les parlementaires, c’est le Parlement. L’institution nous a laissé entrer. Ça a été quand même un travail de leur montrer patte blanche ; ce n’était pas si simple, cette affaire. Je ne sais pas si on aurait pu faire ce film sans l’accès au Parlement. Ça aurait été curieux quand même de reconstituer le Parlement ailleurs. Et quand même très dommage de faire je ne sais où ailleurs la scène dans l’hémicycle, qui est quand même l’enjeu central, On peut donc remercier l’institution d’avoir accepté l’idée de se laisser pénétrer par la fiction avec toute la liberté que ça implique. Ils n’avaient aucun droit de regard ni aucun contrôle sur le scénario, bien évidemment. Pas plus que José.

Il n’avaient pas reçu le scénario avant ?

AR : Si, ils ont eu le scénario ; ils se sont penchés dessus de manière collégiale, il a fallu les convaincre. Mais ils nous auraient dit de changer quelque chose, on aurait dit non — et ils n’ont pas vu le film fini. C’est un film qui raconte le dysfonctionnement des institutions, mais qui raconte aussi le travail des parlementaires et le triomphe du droit dans l’hémicycle. Ils ont dû voir cette partie-là du film plutôt d’un bon œil. Et ils ont raison, je pense, de nous laisser venir faire des films.

EELV n’est pas évoqué dans le film ; est-ce parce que vous étiez engagé en tant que “José Bové” ?

JB : L’aventure démarre en 2008, parce qu’on s’est préparé un an à l’avance. Dany Cohn-Bendit me téléphone et me dit : « j’ai une idée, qu’est-ce que t’en penses ? » Moi je m’étais battu pour le non sur la Constitution européenne, lui c’était un grand partisan du oui, on s’était confrontés, on s’était même retrouvés une fois dans un village avec des CRS, un meeting d’un côté de lui et moi de l’autre. Et on s’était dit : là, ils sont devenus tous fous de mettre des CRS entre nous, c’est aberrant alors qu’on pense à peu près la même chose et que surtout on a le même objectif. 

En 2008, il dit : « on va faire une liste du oui et du non ». Des gens qui dépassent un moment pour aller ailleurs, parce qu’on a un but en commun. En prenant moitié de gens encartés dans un parti et l’autre moitié, non. « si c’est comme ça, ça me va ». Ce qui fait que j’ai été élu sans être adhérent à quoi que ce soit. Et je ne l’ai jamais été. En 2014, quand je me suis représenté, on était toujours dans cette logique-là. C’était ça aussi pour moi la condition pour être élu. Parce que j’ai beaucoup de mal avec les fonctions de parti. Déjà, le syndicalisme, parfois, ça me pesait. Alors, un parti politique… Ça aurait juste pas été possible ! 

J’ai un petit slogan — ce n’est pas au moment des élections qu’il faut le sortir, mais je le sors quand même : « un homme de parti n’est qu’une partie d’homme ». On peut jamais être à 100%. C’est terrible cette logique partisane et très compliquée à vivre. Il faut avoir l’état d’esprit à ça et ce n’est pas le mien, je sais pas faire. Je suis même un peu trop libertaire pour les partis.

AR : Le film raconte ça aussi : il essaie aussi de montrer l’indépendance et la liberté de José et de ses co-députés. Et il sont seuls contre tous. Si on ne vous parle pas des partis, c’est parce qu’ils n’étaient pas là sur l’affaire Dalli.

Vous sortez Une affaire de principe dans une période de campagne électorale — et pas n’importe laquelle. L’avez-vous cherché ou bien est-ce incident ? 

AR : Non, non, on espérait pouvoir finir le film à temps. C’est tous les 5 ans, donc, il aurait été assez dommage d’arriver juste après. C’était pas gagné : quand on fait un film, il y a plein de calendriers qui nous échappent. Donc, on est content d’avoir réussi à finir le film à temps pour sortir avant et pas non plus complètement pendant. Avec l’espoir que les spectateurs aient envie de s’intéresser un peu plus aux institutions européennes et à cette élection, c’est quand même important. 

Le calendrier de sortie est-il le même en Belgique ou d’autres pays participant au scrutin européen ? 

AR : Il est le même en Belgique, le même jour. Les autres pays vont attendre de voir si le film fonctionne pour l’acheter. Mais je ne suis pas du tout encore au courant de ça. Ça se met en route. C’est quand même un film européen avec plusieurs nationalités représentées, à la fois francophone, anglophone, germanophone… On a voulu trouver un ADN européen. Déjà, il y a un enjeu pour nous, spectateurs français. Et en plus, si le film peut rayonner au-delà de nos frontières, évidemment, ça aurait beaucoup de sens. J’espère, j’y crois.

José, le film pose la question de la victoire simultanée du droit et de la justice. L’un peut-il donc aller sans l’autre ?

JB : C’est très compliqué, parce que la justice, c’est toujours un rapport de force. La conquête des droits, c’est autre chose. C’est pas parce qu’on conquiert des droits qu’ils sont forcément appliqués. Sinon, ça fait belle lurette depuis 200 ans, avec la déclaration des droits de l’homme… Effectivement, c’est pas parce que le droit est déclaré qu’il s’applique. Un des exemples que j’aime bien, c’est dans la devise française : grâce aux combats menés dans la vallée de la Roya, Cédric Herrou fait reconnaître le fond de la fraternité de la devise de la France. La fraternité devient un droit grâce à ses combats.

Une affaire de principe de Antoine Raimbault (Fr.-Bel., 1h35) avec Bouli Lanners, Thomas VDB, Céleste Brunnquell… en salle le 1^er mai 2024.

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