Vacances forcées de Stéphan Archinard & François Prévôt-Leygonie

Pour cet été, Cyril a décidé d’offrir à Louna et leurs enfants de belles vacances en réservant une villa de grand standing, loin du budget habituel de cette famille populaire. Quelle n’est pas sa surprise de découvrir sur place que la résidence a été également louée au même moment à un la famille d’un dentiste coincée… ainsi qu’à un éditeur au bord de la faillite accompagné d’une influenceuse dont il doit superviser le travail d’écriture. Faisant mauvaise fortune bon cœur (et encore), les trois groupes acceptent de se partager la villa — et les frais afférents…

Adaptation-transposition d’un succès au box-office transalpin — Odio l’estate de Massimo Venier (2020), inaperçu en France pour cause de Covid notamment — Vacances forcées est une surprise comme les comédies de caractères et de mœurs en livrent de temps en temps ; d’autant plus appréciable qu’elle s’aventure sur des sentiers saccagés à force d’être labourés par la médiocrité. On citera personne — en tout cas pour le moment. Bien écrite (donc) bien joué, elle réjouit par sa manière d’animer les archétypes : prolétaires au grand cœur ayant trouvé l’alchimie conjugale versus bourgeois coincés de tous les orifices en peine avec leur progéniture.

Villa pas triste

Le fait que les interprètes principaux soient rompus à l’exercice de la scène — et pas uniquement les trois membres de la Comédie-Française — contribue au rythme digne d’un Feydeau ou d’un Labiche… sans recourir à la mécanique répétitive des portes qui claquent du vaudeville. En effet, la villa n’est pas l’Hôtel du libre échange mais un pont entre trois mondes, un lieu-lien permettant à des ces groupes sociaux non miscibles d’interagir et de s’apprécier au-delà des a priori.

Si Archinard et Prévôt-Leygonie s’amusent avec les clichés sur les classes sociales, leur traitement n’est pas exempt de forme de (saine) cruauté : il est question notamment ici d’un retour de karma pouvant donner à réfléchir avec profit sur la question du harcèlement scolaire ou professionnel. Vacances forcées n’est ainsi pas hors du monde, ni dans une bulle de Bisounours préoccupés par leurs piscines (à boire). Quant à l’interaction prodigieuse naissant ente les trois “familles“, elle ne masque pas l’avalanche de soucis bien réels qu’elles connaissent au quotidien… et dans lesquels chaque spectateur pourra se retrouver.

À suivre ?

On ne trahira pas un secret en révélant que Gérard Lenorman fait une apparition dans le film : idole du personnage campé par Clovis Cornillac, il constitue même une sorte de fil rouge via ses chansons. Au-delà de l’effet que sa présence en chair et en os suscite chez Cyril, elle est aussi symbolique de cette variété populaire des années 1970, dont les textes parfois faussement légers (comme chez Michel Delpech) traduisaient les grands bouleversements sociétaux. Lui aussi a été pris de haut par une certaine intelligentsia ; lui aussi sera réévalué trop tard.

Il y a pas loin de vingt ans, on sortait de Camping en étant reconnaissant à Gérard Lanvin de nous avoir fait supporter ce pensum grâce à une ou deux répliques bien troussées — sans se douter qu’il y aurait deux (!) suites. Vacances forcées nous laisse avec le sentiment de quitter une bande de personnages dont on a pris plaisir à faire la connaissance, autant qu’on a apprécié le fait qu’ils se rencontrent mutuellement. Serait-il possible qu’ils puissent prolonger leur entente à l’occasion de retrouvailles ? On est prêt à croire au miracle d’un second opus aussi réussi.

Vacances forcées de Stéphan Archinard & François Prévôt-Leygonie (Fr, 1h40) avec Clovis Cornillac, Aure Atika, Bertrand Usclat, Pauline Clément, Laurent Stocker, Claïna Clavaron… En salle le 11 juin 2025.

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Différente de Lola Doillon

Nantes, de nos jours. Loin de chez sa mère avec qui elle a une relation compliquée, Katia travaille dans un journal comme documentaliste. À la faveur d’un reportage, elle est amenée à rencontrer une spécialiste de l’autisme qui l’amène à s’interroger sur sa propre condition : elle fait alors le lien avec ses phobies sociales, son besoin de calme et tous les rituels qui rythment son quotidien. Fred, avec qui elle partage une relation déjà compliquée, acceptera-t-il cette différence, à présent qu’elle est nommée ?

Grande cause : sortir du cadre coutumier du traitement de “l’autisme spectaculaire” pour l’inscrire dans le quotidien d’une personne concernée, de manière réaliste et sensorielle — sans aller non plus dans la subjectivité. Apparaissent alors des problématiques imperceptibles aux non-autistes, permettant de mesurer la dimension d’autant plus invalidante du trouble qu’il n’est pas compris par l’entourage. Lola Doillon — et, par voie de conséquence, son interprète Jehnny Beth — montre à la fois le hiatus permanent entre Katia et le monde, mais aussi les stratégies empiriques déployées par celle-ci pour “survivre” en l’absence d’informations sur la l’origine de son état. 

Attribut du sujet

C’est là que l’on touche aux deux aspects les plus intéressants du films : l’approche d’un autisme au féminin (avec ses spécificités dans les rapports sentimentaux, peu explorés à l’écran) et surtout le choc d’un diagnostic tardif. Lequel n’est pas étranger au déni manifeste de la mère d’accepter une “différence”, en tout cas une altérité n’entrant pas dans le schéma qu’elle avait sans doute préétabli pour sa fille idéale. Le rôle est ingrat mais Mireille Perrier s’en acquitte avec toute la sècheresse requise.

Revers de la médaille, Différente n’échappe aux travers du film-dossier, où le personnage disparaît parfois derrière le sujet et le catalogue d’exemples ou de situations destinés à l’illustrer afin d’en donner la vision la plus exhaustive possible. À vouloir en montrer trop, on tombe dans le document pédagogique à usage téléfilmesque… mais cela répond sans doute aux ukases du coproducteur télédiffuseur qui anticipe sur sa future audience. Rendons toutefois cette justice à Jehnny Beth de ne pas avoir cherché la performance — à savoir “la grande scène du II” montrant qu’elle est habitée par le rôle et son affection. La retenue est une vertu trop rare pour que l’on s’en prive.

Différente, de Lola Doillon (Fr. 1h40) avec Jehnny Beth, Thibaut Evrard, Mireille Perrier, Irina Muluile… En salle le 11 juin 2025.

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Les Mots qu’elles eurent un jour de Raphaël Pillosio

Très engagé dans la cause des défenseurs de l’indépendance de l’Algérie, le documentariste Yann Le Masson filme en 1962 un groupe de militantes au moment de leur libération de prison afin de recueillir leur parole. Le document est retrouvé près de 60 ans plus tard mais hélas, la bande-son est absente. Tentant à la fois d’identifier les participantes de cette interview et de reconstituer leurs propos, le réalisateur cherche à révéler un pan d’Histoire toujours oblitérée…

Le documentaire d’enquête à partir d’archives, où le processus d’analyse d’un élément audiovisuel récemment retrouvé sert de fil rouge est presque un genre en soi — songez à Carré 35 d’Éric Caravaca ou L’Enfer d’Henri-Georges Clouzot de Serge Bromberg & Ruxandra Medrea. L’idée de “faire parler” des images a quelque chose d’une expérience de spritisme : c’est l’au-delà que l’on convoque, des morts que l’on cherche à faire revivre non par l’intermédiaire d’une table qui tourne mais d’une bobine. Et dans le cas de Raphaël Pillosio, rendre un double hommage : à la fois au cinéaste engagé Yann Le Masson (à qui le temps a donné raison) ainsi, évidemment, aux militantes ayant payé au prix fort leurs convictions à cette époque… ou plus tard.

Jeu d’artifices

Si l’on ne peut nier l’aspect édifiant de ce film — notamment sur cette période toujours voilée de l’Histoire immédiate —, la forme laisse dubitatif car elle donne du documentariste une image de limier brouillon et peu méthodique ! Comment expliquer qu’il tarde autant à reconnaître, parmi les participante, Zohra Sellami (qui deviendra l’épouse de Ben Bella) ? Pourquoi n’a-t-il recours à des professionnels de la lecture labiale qu’à la fin (ou presque) de son enquête ? Est-ce parce qu’il ne parvient pas à la fin qu’il idéalisait ?  Tout cela donne l’impression qu’il a voulu se ménager des “rebondissements” pour les besoins de son récit. Mais ce sont artifices inutiles qui frelatent d’autant sa volonté de rendre justice au passé.

Les Mots qu’elles eurent un jour de Raphaël Pillosio (Fr., 1h24) documentaire. En salle le 11 juin 2025.

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Le Mélange des genres de Michel Leclerc

Comédien abonné aux cachetons, Paul est surtout homme au foyer, son épouse et consœur triomphant  sur les planches. Paul a surtout la malchance d’être pris pour cible par une bande de féministes radicales, les Hardies. La faute en incombe à Simone, policière infiltrée au sein du mouvement qui, pour conserver sa couverture, désigne Paul au hasard comme un agresseur sexuel alors qu’il est le plus déconstruit des hommes. Pour lui, le doute et l’introspection s’ajoutent aux ennuis…

Quel plaisir de retrouver dans un film de Michel Leclerc ce mixte de légèreté et de savoureux mordant qui avait fait le succès de l’inusable Le Nom des gens ! Une alchimie peu banale à la vérité puisque l’auteur (et son indispensable co-scénariste Baya Kasmi) étaient parvenus à inscrire une histoire sentimentale digne des meilleures romcoms britannique dans une trame politique sérieusement engagée, le tout servi par une distribution idoine et alerte. Rebelotte donc avec Le Mélange des genres.

Après les mâles de droite à rééduquer, Leclerc s’intéresse ici à la question de l’égalité entre les femmes et les hommes dans notre société, dans chaque strate du corps social  : le niveau volontaire individuel, avec le personnage de Paul se “déconstruisant” en endossant les fonctions traditionnellement dévolues aux femmes dans le couple ; la mouvance militante/associative/revendicative/activiste incarnée par le collectif féministe Hardies et enfin, le cadre légal théoriquement représenté par les services de police. 

Un genre de nouvelle donne

Mais, et c’est tout son intérêt et son art, si Le Mélange des genres ne conteste évidemment jamais la nécessité d’atteindre à cet objectif, cette comédie pointe avec une acuité caustique les paradoxes et les absurdités de chaque “entité” considérée. Seuls (et seules) les dogmatiques auraient la mauvaise grâce de ne pas saisir, derrière la dérision et le burlesque des situations, la pertinence de l’analyse ici proposée. En flirtant parois avec l’absurde Michel Leclerc, n’est pas loin du lanceur d’alertes lorsqu’il rappelle combien des individus peuvent être aussi suivistes que les brebis de Panurge derrière une ou un gourou en carton : seule compte leur appréciation personnelle de la loi et leur désir de revanche. Il n’épargne pas non plus les services de police qui admettent en leur effectif des éléments ouvertement machistes et laxistes face aux violences domestiques.

Notons au passage qu’il “n’essentialise” pas : il pointe des comportements aberrants émanant de personnes dont les actes sont en décalage manifeste avec ce qu’elles professent ou sont censées incarner  de par leur fonction — ce qui ajoute au passage à la causticité de la comédie. Au bout du compte, Le Mélange des genres est moins un pamphlet contre les activistes ou la police — il faudrait vraiment manquer d’autodérision comme les pires des extrémistes pour faire pareil contresens ! — qu’un plaidoyer pour une relation apaisée (et empreinte de douceur) entre les genres. Une sorte de un new deal sociétal et/ou sentimental.

Pas de comédie sentimentale sans sentiments — ici on joue sur le velours de la douceur — ni, surtout, comédie et donc comédiens ad hoc. Comme toujours, Leclerc élargit sa troupe à bon escient avec ici l’arrivée de Benjamin Lavernhe — qui pourrait faire un Benjamin Malaussène parfait tant il est magistral en bouc émissaire. Ce personnage de tragédie essoré par le quotidien est d’autant plus sublime qu’il est porté par une forme de transcendance (la foi qu’il place en son métier de comédien) et sans cesse contrecarré par fatalité alors qu’il s’ingénie à devenir la meilleure version de lui-même. Sa lente et imméritée déchéance, digne de la mise l’épreuve divine de Job, devrait nous apitoyer. Mais l’Homme est ainsi fait qu’il en rit car c’est effroyablement drôle !

Le Mélange des genres de Michel Leclerc (Fr, 1h43) avec Léa Drucker, Benjamin Lavernhe, Melha Bedia, Julia Piaton, Judith Chemla… En salle le 16 avril 2025.

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La Réparation de Régis Wargnier

Alors que son restaurant est sur le point de décrocher sa troisième étoile, le chef Paskal Jankovski disparaît lors d’une partie de chasse en compagnie de son second, Antoine — par ailleurs amant secret de Clara, fille unique de Pascal. Plusieurs mois s’écoulent dans un silence absolu, jusqu’à ce que Clara reçoive une invitation anonyme pour un festival gastronomique à Taipei. Espérant y trouver des réponses et des explications à cette double absence, elle s’envole pour Taïwan…

Le titre résume à lui seul une grande partie de l’œuvre de Régis Wargnier qui a toujours volontiers traité des histoires d’âmes, de corps ou de familles largement endommagées par l’existence, l’Histoire ou la politique… Des individus malmenés en quête d’une restauration (ou d’une rédemption) que raconte le film. Entre réparation et consolation, Clara est bien dans cette attente d’une résolution personnelle que ce parcours initiatique comparable à celui que son père fit jadis en Asie, doit en théorie permettre d’accomplir. Sa quête de sens est de surcroît profondément sensorielle puisqu’elle suit une piste et un atavisme gustatifs. 

Réparer les vivants

Dire de La Réparation (et des films précédents de l’auteur) qu’ils sont d’une facture académique ne devrait a priori pas le heurter. Outre le fait qu’il compte au nombre des rares membres de la section “cinéma et audiovisuel” de l’Académie des beaux-arts, le réalisateur a toujours témoigné d’un attachement à la forme, ainsi qu’à une esthétique picturale plutôt classique. Chaque plan est ainsi susceptible d’accueillir une composition valorisant la beauté exotique des paysages, la subtilité des créations gastronomiques, l’équilibre des personnages ; chaque séquence ou presque bénéficie en sus de l’accompagnement immersif de Romano Musumarra, auteur ici d’une partition sobre aux échos mélancoliques.

Le retour du compositeur de La Femme de ma vie (1986), des paysages asiatiques devant la caméra de Wargnier après Indochine (1991) ou Le Temps des aveux (2014) ne constitue pas une redondance ni un bégaiement. Pour preuve, le cinéaste s’entoure ici d’une distribution privilégiant les nouveaux visages — exception faite de Louis-Do de Lencquesaing et Clovis Cornillac, évidemment. Bonne pioche : Julien de Saint-Jean confirme ce qu’il a déjà démontré ailleurs et Julia de Nunez s’affirme dans ce qui est son premier grand rôle au cinéma. S’il fallait toutefois glisser une réserve, elle concernerait les dialogues un peu trop gangrenés de répliques explicatives et utilitaires. Quand on peut faire des images, la parole est souvent superflue.

La Réparation de Régis Wargnier (Fr, 1h44) avec Julia de Nunez, Clovis Cornillac, Julien de Saint-Jean… En salle le 16 avril 2025.

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Oxana de Charlène Favier

Paris, juillet 2018. Alors qu’elle prépare dans la fièvre le vernissage de son exposition, Oksana Chatchko sillonne la ville avec un mixte de lassitude et de colère : l’ancienne fondatrice des Femen peine en effet à faire reconnaître son statut de réfugiée politique auprès des autorités françaises. En parallèle, on découvre la trajectoire qui a mené cette jeune artiste ukrainienne vers l’activisme féministe. Un parcours qu’elle a payé au prix fort…

Le problème des biopics consacrés à des personnes unanimement respectées rappelle cette impasse que rencontre la littérature noyée sous les bons sentiments : quand le personnage principal se prête à une forme de sanctification laïque, le récit de sa vie tourne vite, qu’on le veuille ou non, à l’hagiographie. En même temps, faudrait-il se forcer à assombrir le portrait pour la seule raison que le sujet manque de zones d’ombres et de nuances ? Tout le monde n’a pas la chance d’avoir à traiter d’une fieffée crapule façon Mister Hyde !

D’autres vies que la sienne

Concernant Oksana Chatchko, il n’y a pas débat : son légitime combat en faveur des droits des femmes ainsi que l’empilement des misères l’ayant frappée au cours de sa courte existence créent une sympathie spontanée à son endroit. Lanceuse d’alerte et militante, la jeune artiste s’est surtout retrouvée à plusieurs reprises en situation de victime : d’abord torturée, molestée et stigmatisée en Ukraine, Biélorussie et Russie puis trahie par d’anciennes sœurs de lutte qui la déposséderont du mouvement qu’elle a fondé, Femen. 

Cet ensemble tragique se soldant de surcroît par un suicide avait à lui seul de quoi dessiner l’arc dramatique du film. Mais par un choix — une coquetterie, presque — d’autrices et pour faire davantage fiction, Charlène Favier et sa coscénariste Diane Brasseur ont imaginé un “dernier jour“ synthétique pour Oksana, haché de flashbacks. Hélas, ces va-et-vient incessant chahutant artificiellement la chronologie brouillent davantage la compréhension qu’ils ne rythment le récit. Voilà qui laisse une impression mitigée : comme si, une fois encore, d’autres voix avaient cherché à recouvrir celle d’Oksana. Paradoxal.

Oxana de Charlène Favier (Fr, 1h43) avec Albina Korzh, Maryna Koshkina, Lada Korovai, Noée Abita… En salle le 16 avril 2025.

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Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen

Dans l’Ouest américain des années 1860, Vivienne Le Coudy tranche par son indépendance d’esprit. Femme d’esprit et de défis, elle jette son dévolu sur un émigré danois, Holger Olsen, qui vit dans bicoque spartiate à l’écart d’une ville du Nevada. Par amour, elle accepte de le suivre et de l’attendre quand il s’engage à la déclaration de la guerre. Durant son célibat forcé, elle est agressée et violée par Weston, le fils du potentat local, Alfred Jeffries. À son retour, Olsen doit reconstruire leur histoire sur des lambeaux…

L’affiche proclame que « Ford et Hawks adoreraient ce western ». S’il est toujours douteux de préjuger des goûts des disparus — autres temps, autres mœurs… — ajoutons que Eastwood, Siegel, Pollack ou Penn pourraient eux aussi trouver à leur goût le parcours de Olsen qui condense à lui seul tant de paradoxes étasuniens. Plutôt humaniste, éclairé et progressiste dans une époque violente à la limite de barbarie, ce personnage n’hésite pourtant pas à partir au combat lorsque la Nation réclame son dû (“e pluribus unum”), ni à recourir à la vengeance individuelle quand loi et justice font défaut. Mais Olsen tient quasiment ici de l’élément périphérique au sein d’un western classique, que son ambiance et sa forme rendent plus avant-gardiste.

Irréversible

Car c’est bien Vivienne la protagoniste réelle de Jusqu’au bout du monde, à la fois femme dans dans un monde d’hommes et fantôme dans un monde de vivants — puisque les premières minutes nous font assister à son trépas. Sa double singularité (à laquelle on pourrait presque ajouter celle d’être de langue maternelle française dans une terre anglophone, ou bien encore d’avoir une imaginaire davantage construit que la plupart des pionniers-hors-la-loi peuplant le Nevada) lui confère un statut à part : comme si elle incarnait une image de futur pour ce pays en train de s’édifier. Construite de surcroît dans le mythe émancipateur de Jeanne d’Arc, Vivienne a tout pour mettre en panique une meute masculine n’ayant jamais envisagé la contestation sa domination.

Viggo Mortensen chahute lui aussi la tradition du western, autant qu’il en respecte l’essence et l’authenticité — crasse pulvérulente, justice expéditive, corruption et violence institutionnalisées… Bousculant la chronologie comme avait pu le faire Gaspar Noé dans Irréversible (mais de manière moins radicale, tout de même), il donne à son récit une perspective plus mélancolique et mélodramatique en scellant le sort de son héroïne. Son destin inachevé hante le film comme une culpabilité pour Olsen. Peu de mots sont dits, la musique et les paysages parlent alors pour exprimer la tristesse et la beauté malgré tout qui survit au drame puisqu’il y a un enfant dans l’équation. L’espoir, comme dans la boîte de Pandore•

Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen (Mex.-Can.-Dan., 2h09) avec également Vicky Krieps, Solly Mc Leod, Garret Dillahunt, Danny Huston… en salle le 1^er mai 2024.

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Le Tableau volé de Pascal Bonitzer 

Portant beau, parlant clair et roulant en Aston-Martin, André Masson est l’un des brillants commissaires-priseurs de la maison Scottie’s. Sollicité par courrier pour expertiser un supposé tableau d’Egon Schiele découvert chez un particulier, il tombe des nues en constatant l’authenticité de la toile. Sa jeune stagiaire Aurore, une mythomane compulsive, apprend beaucoup à ses côtés. Même s’il l’horripile…

Privilégiant (en apparence) une comédie sur la superficialité et la vanité — le monde des salles de ventes tient quand même du théâtre où les egos se mesurent en comparant leurs comptes en banque —, Pascal Bonitzer traite avec élégance de la question des invisibles (ceux qu’on a oblitérés jadis, comme la classe populaire aux yeux d’une certaine bourgeoisie) comme de la fausseté dans tous ses états. Son spectre large va du silence par omission à la pratique active (et intéressée) du mensonge : admis à petite dose et valorisé lorsqu’il agit en tant que fluidifiant social ou vernis civilisationnel, celui-ci suit l’adage de Paracelse lorsqu’il est inoculé à haute concentration.

Pareil aux bouteilles de garde ou de grande dégustation, Le Tableau volé est de ces longs métrages qu’il convient de laisser décanter afin qu’ils révèlent leurs qualités. La première étant son admirable (et mystérieuse) résistance aux assauts de ce temps qui d’ordinaire s’ingénie à corroder les souvenirs de séquences et va parfois jusqu’à effacer avec une cruelle promptitude certaines intrigues de films. Le Tableau volé, qui justement traite plus qu’en creux d’un passé occulté revenant à la surface, défie l’oubli sans avoir l’air d’y toucher. La persistance de la mémoire, pour rester dans le domaine de l’Art, est décidément le cœur de son sujet.

Enchères et damnation

Si par sa mécanique astucieuse et ses jeux de dupes, Le Tableau volé évoque parfois un film de braquage façon L’Arnaque ou Ocean’s Eleven (mais sans l’action et en mode intello-culturel, restons français) ; s’il renvoie aux films noirs avec son André Masson plus proche en privé du Marlowe version Altman que d’un gendre idéal, ce film ressuscite également ces comédies piquantes menées par un couple chamailleur dont Capra et Rappeneau furent les plus grands représentants. Ce genre ne fonctionnant que si l’élément féminin offre un répondant supérieur à son partenaire masculin, il convient donc d’inscrire le nom de Louise Chevillotte aux côtés de celui de ses devancières Claudette Colbert, Katharine Hepburn, Deneuve ou Adjani. 

Étonnamment peu considérée malgré un parcours artistique sans faute et une polyvalence dont on apprécie ici encore les qualités, la jeune comédienne est à sa façon un chef-d’œuvre méconnu d’interprétation. Faudra-t-il que Quentin Dupieux la fasse tourner pour que le grand public prenne conscience de sa singularité au lieu de s’habituer mollement à sa présence ?  

Le Tableau volé de Pascal Bonitzer (Fr., 1h31) avec Alex Lutz, Léa Drucker, Nora Hamzawi… en salle le 1^er mai 2024. 

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Une affaire de principe de Antoine Raimbault

2012. Commissaire européen chargé de la santé, John Dalli se trouve contraint à la démission dans des rumeurs de trafic d’influence en faveur des lobbies du tabac… mais aussi de coup monté. Bien que d’un bord politique totalement opposé à Dalli, le député européen José Bové va investiguer sur l’affaire avec ses collaborateurs et révéler certains aspects peu reluisant de l’exécutif européen. Un match Parlement versus Commission va s’engager…

Plus de soixante ans après sa création, L’Europe (en tant qu’objet politique) demeure encore trop largement méconnue des citoyens. Beaucoup d’entre eux ignorent ce qu’ils lui doivent, croyant plutôt qu’elle leur coûte par la faute d’une palanquée de démagogues bas de la frontière l’ayant choisie comme bouc émissaire idéal. À quelques semaines du scrutin qui décidera de la composition de son Parlement, Antoine Raimbault montre grâce un thriller judiciaire non seulement certaines opacités coupables de l’institution mais, surtout, qu’elle abrite son antidote démocratique. 

Comme pour son premier long métrage Une intime conviction (2019), c’est du réel que le cinéaste s’est inspiré pour tisser la trame d’une fiction où l’action est sans cesse épaulée par le verbe : une technique “à l’américaine” rappelant les films de Pakula volontiers généreux en procédures et en dialogue. On notera au passage que par un jeu ironique de renversement, si le protagoniste du premier film, Dupont-Moretti est depuis entré en politique, celui de ce nouveau, José Bové, s’en est dégagé. Bien campé par Bouli Lanners, l’emblématique leader paysan s’avère un personnage pratique : facile à caractériser par ses traits distinctifs (moustache, pipe, chemise, caractère libertaire…), il fait un cicérone très crédible lorsqu’il s’agit de pénétrer les arcanes du Parlement afin d’en expurger les parasites. Didactique et efficace, Une affaire de principe remplit son mandat et les promesses de son titre. Voilà qui devrait en inspirer d’autres…

Une affaire de principe de Antoine Raimbault (Fr.-Bel., 1h35) avec Bouli Lanners, Thomas VDB, Céleste Brunnquell… en salle le 1^er mai 2024.

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Petites mains de Nessim Chikhaoui 

Jeune majeure hébergée dans un hôtel social, Eva décroche un emploi de femme de chambre dans un palace, à la faveur d’un mouvement de grève. Cornaquée par la revêche (en apparence) Simone, elle découvre un monde d’inégalités hurlantes entre les employés intégrés au palace et celles, comme elle, précarisées par l’externalisation. Peu à peu, Eva va comprendre la colère des grévistes et les rejoindre…

Vous souvenez-vous de Quand l’inspecteur s’en mêle (1963) de Blake Edwards ? Deuxième opus dans la longue saga de La Panthère rose, cette comédie n’avait pas vocation au départ à en être la suite… puisqu’elle se trouve être, à la base, une adaptation d’une pièce de Marcel Achard. Mais le succès l’année précédente de l’inspecteur Clouseau a conduit Edwards à remodeler le script initial pour y intégrer son personnage fétiche. Nessim Chikhaoui ne procède pas autrement lorsqu’il s’empare de la commande qui lui est formulée — “faire un film sur les femmes de chambre grévistes“ — mais qu’il établit un pont indirect avec l’une des héroïnes de son film précédent, Placés.

Pure démarche d’auteur, ce geste de s’approprier le sujet et de lui insuffler des niveaux parallèles (notamment une continuité sociale) sauve Petites mains du risque majeur de “téléfilmisation” encouru si Chikhaoui s’en était tenu à une simple exécution contractuelle de la demande. L’humain est son territoire : d’ailleurs, lorsqu’il raconte les à-côtés administratifs (notamment le conditionnement aux titres de séjour), la solidarité ou les dissensions entre les différentes catégories de personnels, il se montre plus efficace que quand il filme  la mécanique ouvrière quotidienne des “petites mains”. À sa décharge, Éric Gravel avait mis la barre très haut dans À plein temps  (2024) avec Laure Calamy..

Nessim Chikhaou dispose quant à lui d’une autre actrice, en la personne de Lucie Charles-Alfred, pour co-construire un univers cinématographique dont elle serait la Doinel ou la Dédalus. À suivre….

Petites mains de Nessim Chikhaoui (Fr., 1h37) avec Corinne Masiero, Lucie Charles-Alfred, Marie-Sohna Condé… en salle le 1^er mai 2024.

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Un p’tit truc en plus de & avec Artus 

Après un braquage acrobatique, un fils et son père échappent à la police en se glissant dans un car de personnes en situation de handicap partant en colonie de vacances — le fils tentant de se faire passer pour handicapé pendant le père prétend être son éducateur. Si les colons éventent vite le stratagème, les accompagnateurs n’y voient que du feu. Il faut dire qu’ils ont aussi leurs problèmes…

Le handicap souffre d’une représentation fluctuante au cinéma. Point de départ ou au cœur des plus grands succès du box office (Intouchables, Bienvenue chez les Ch’tis mais aussi Champions en Espagne ou naturellement Avatar), il reste pourtant entre tabou et impensé, notamment lorsqu’il s’agit d’aborder le handicap mental — a fortiori dans une comédie. À une époque où la légitimité de chacun est scrutée (“d’où parles-tu ?”), la démarche d’Artus s’avère d’autant plus précieuse : son film contribue par le rire à normaliser le handicap (et les personnes en situation de handicap) à l’écran. Mais un rire “accessible et inclusif“, pourrait-on dire avec une comédie où « l’on rit “avec” et pas “de” », pour reprendre le mot de Djamel Bensalah à l’époque de Il était une fois dans l’Oued.

Certes, la trame de ce feel good movie est cousue de fil blanc ; elle relève davantage du prétexte ou de “l’habillage” des intentions par des situations concrètes (raconter un rabibochage familial ; montrer la quotidien du handicap…). L’essentiel, on l’a compris, est ailleurs : Un p’tit truc en plus se construit avec tous ses comédiens à égalité, sans précautions de dame-patronnesse et avec une indubitable sincérité. Le message mérite de passer.

Un p’tit truc en plus de & avec Artus (Fr., 1h39) avec également Clovis Cornillac, Alice Belaïdi… en salle le 1^er mai 2024.

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Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas

Jeune couple amoureux, Diego et Elena décollent de Barcelone pour s’installer aux États-Unis. Mais à peine posés sur le sol américain, les formalités d’accueil se transforment en interrogatoire serré et oppressant : Elena peine à comprendre pourquoi on leur cherche avec une telle hargne la petite bête. Apparemment, les agents des frontières savent des choses sur son compagnon qu’elle-même ignore… 

Censé se dérouler durant la mandature Trump, à l’époque d’un renforcement majuscule des contrôles octroyant aux services compétents le pouvoir d’être particulièrement intrusifs et/ou d’entreprendre des rétention musclées, Border Line est certes une mise en lumière dénonciatrice des effets sournois de cette politique Hélas, comme toujours, seul un public acquis y verra le déni de démocratie et notera des méthodes dignes des “meilleures” dictatures. Ce type de film ne prêche que les convertis.

Mais son principal problème repose sur le dispositif qu’il adopte : le huis clos dans la zone de rétention aéroportuaire, avec l’idée vague d’un temps réel afin de partager la tension de Diego et Elena. À tort ou à raison, les réalisateurs font tellement d’entorses à ce postulat qu’ils affadissent leur meilleur auxiliaire dramatique. À titre d’exemple, ils ont ajouté un prologue superflu montrant les personnages avant de prendre l’avion, puis en vol : on se doute que ces séquences avaient vocation à rallonger artificiellement leur film et lui permettre une exploitation dans la catégorie long métrage. N’aurait-il pas mieux valu s’en tenir à un court inoubliable qu’à un long dispensable ?

Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas (Esp.,1h17) avec Alberto Ammann, Bruna Cusí, Ben Temple… en salle le 1^er mai 2024.

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Avez-vous eu des difficultés pour trouver le ton juste permettant d’être dans la comédie tout en gardant un esprit corrosif ?  

Artus : Je pense que ça s’est fait naturellement parce que c’est mon ton. Si je me pète la gueule là, les gens vont rire et je ne vais pas leur en vouloir : ce sera de la moquerie. C’est le rire vicieux qui est malsain, le côté « on va rire tous les deux de vous en messe basse ». Pas si je fais une vanne ouverte qui fait rire tout le monde et que la personne la prend bien….

Avec votre chef-opérateur Jean-Marie Dreujou, vous avez choisi un traitement de l’image particulier : les couleurs sont très contrastées, chaudes…

À un moment, il y avait un côté un peu plus sombre mais je voulais garder un côté lumineux. Le handicap, j’ai l’impression, est toujours filmé dans le nord, sous la pluie… Il y a toujours ce truc à rajouter au handicap : « en plus, ils vivent dans une région où il fait un temps de merde ! » J’avais envie d’un film joyeux, solaire ; de filmer au soleil, quand il fait beau, d’avoir ce sentiment de chaleur. En fait, j’avais envie qu’on soit bien avec eux, qu’on ait envie d’être là-bas, dans cette colo.

Et donner envie d’être éducateur également ?

C’’est un métier qui malheureusement n’est pas du tout valorisé, pas du tout assez bien payé. En France l’accueil des personnes en situation de handicap, est scandaleux. On est en retard sur plein de sujets. Je ne le traite pas dans le film parce que c’est un sujet à part entière. On explique un peu les problèmes de budget — ils mettent tout le budget de l’année dans la colo. Des sujets autour du handicap, autour des éducs, il y en a dix mille : comme le sujet de la sexualité autour du handicap, c’est un gros tabou en France.

Vos personnages sont-ils “taillés sur mesure” pour vos interprètes ? Ils ont en tout cas quasiment tous leur vrai prénom à l’écran…

Il n’y en a que deux pour qui on a changé les prénoms, déjà, parce qu’ils l’ont souhaité. Stanislas, qui joue Alexandre, parce qu’il avait besoin de se mettre dans un personnage ; et Théophile — qui s’appelle Baptiste dans le film — qui est passionné par les instruments de musique. Il avait envie lui aussi qu’on lui crée autre chose. Du coup, j’ai pris le foot, parce que, le “rachat” du rôle de père que joue Clovis Cornillac se fait avec Baptiste.

C’est une compétence propre de Clovis Cornillac que vous avez utilisée, en l’occurrence…

Non, parce que si Clovis avait détesté le foot, il aurait quand même fait du foot (sourire) J’ai pris le foot parce que, vraiment, c’est le sport le plus populaire, le plus connu… Tout papa a joué au foot avec son fils un jour. C’est vraiment pour qu’on ait ce code clair.

La bande originale est largement imprégnée par la musique de Dalida, qui est réellement liée à l’un des personnages… et surtout au comédien qui l’interprète, Arnaud Toupense… 

En fait, je ne savais pas ce que j’allais mettre comme musique. Au moment du montage, je me suis dit, « essayons des morceaux de Dalida ». Et j’ai trouvé que ça marchait très bien. Déjà, elle a fait de tout : la musique de joie au début, Bikini, qui apporte un truc très vacances, le soleil. Après, il y a des dimensions un peu mélancoliques. Par exemple, Love in Portofino qui, pour moi, est jolie parce qu’elle est mélancolique, douce, mais pas triste. Je ne voulais pas aller tirer la larme. Pour la tirer, on met un solo de piano, tu as tout le monde qui chiale. Je ne voulais pas aller dans ce truc-là. 

Au début, j’avais mis une reprise qu’Ibrahim Maalouf a faite au piano avec la voix d’Izïa qui est juste splendide. Et pour le coup, je trouve que c’était trop… Murray Head  avec  Say It Ain’t So à la fin : c’est ce bon truc, quand ça remonte à la fin, il y a un côté : la vie continue, la vie est belle, on ne reste pas sur un truc miné.

Murray Head et Dalida sont des interprètes navigant entre deux pays, deux mondes, était-ce lié au fait que vos comédiens sont aussi entre deux univers ?

C’était vraiment pour chercher les musiques qui correspondaient. Je voulais vraiment la musique qui amenait la bonne énergie. C’est marrant, mais Murray Head est venu très tôt. Say It Ain’t So, je le connais depuis toujours et comme beaucoup de gens, malheureusement je l’avais un peu oublié parce qu’on ne l’entend pas beaucoup. Un jour, elle est passée dans mes écouteurs et il y a eu une évidence. Elle a ce moment de calme très beau avant de repartir.

Pourquoi avoir choisi Alice Belaïdi dans le rôle de l’éducatrice ?

Parce que j’avais déjà tourné avec elle dans Budapest — je n’avais eu que deux jours de tournage, à l’époque. Et je trouve qu’elle avait ce côté simple. En fait, on y croit, Alice, c’est une éduc’. Dès le début du film, il n’y a aucun doute. Je ne voulais pas une comédienne trop comédienne, je voulais une comédienne aussi capable de s’en foutre de son make-up. Avec Alice, ce petit bout de bonne femme qui gère cette colo, dès le départ, on n’a aucun doute. 

Est-ce en référence à votre formation de cuisinier que vous vous attaquez à la malbouffe de la restauration collective ?

Mais j’aime bien le personnage de la cuisinière parce qu’elle a un rapport sain avec eux : elle les traite comme tout le monde. Elle traite tout le monde, comme de la merde (sourire) Au finale, c’est elle qui a le rapport le plus normal avec tous.

Comment avez-vous appréhendé l’après tournage avec vos comédiens non professionnels ?

C’était ma grande crainte pendant tout le film, parce que c’était tellement fort — et en plus pour eux, c’est un premier film. Ils ont eu 35 jours de tournage, c’était vraiment un film-chorale : tout le monde a eu autant de jours, Donc c’est sûr que derrière, quand on rentre dans un IME ou dans un endroit spécialisé qui est rarement ce qui se fait plus chaleureux et de plus agréable, il y avait une appréhension. Mais globalement, ça s’est bien passé, parce qu’en fait, ils sont rentrés avec tellement de choses à raconter. Et puis c’est marrant, chacun est un peu devenu la star dans son IME. 

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Au moment où nous parlons, début avril, vos comédiens ont-ils déjà vu le film ? 

Alors, pas tous. J’ai bientôt la projo d’équipe où toute l’équipe va le voir ; je pense que ça va être très chargé en émotion. Je l’ai montré tôt à Soso parce qu’il y a malheureusement cette réalité…, C’est pour ça que j’ai fait le film vite et qu’il sort moins d’un an après l’arrêt du tournage : on a terminé en septembre, et il sort là parce que je voulais qu’il sorte vite pour qu’il puisse se voir. Soso, j’essaie de lui mettre des petits défis, des stimulants. Il est venu sur la tournée [du spectacle] avec moi dans le tourbus,

Le but de ce film — c’est pour ça que j’aimerais qu’il marche — c’est qu’il permette qu’on leur donne aussi des rôles de “pas-handicapés”. Quand on a un petit rôle d’un boulanger ou  d’un mec qui est dans un bus pourquoi ce rôle-là ne peut pas être pour un acteur porteur de trisomie ?

Vous êtes vous occupé de l’audio-description et tout ce qui va permettre de faciliter la diffusion du film ?

C’est compliqué parce que je ne le saurais pas. Apparemment, l’audio-description s’est bien passée justement, parce que la personne qui l’a gérée a dit : « au début, ça va un peu vite, on a un peu du mal à décrire tous les personnages » — il y a quand même beaucoup de personnages — « mais après, ça marche très bien » donc je suis très content.

Un p’tit truc en plus de & avec Artus (Fr., 1h39) avec également Clovis Cornillac, Alice Belaïdi… en salle le 1^er mai 2024.

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