Trois adieux de Isabel Coixet

Rome, de nos jours. Marta est enseignante, Antonio chef cuisinier en vue. Leur couple semble harmonieux, jusqu’à une dispute banale qui conduit Marta à prendre du champ.. Peu de temps après, Marta découvre qu’elle atteinte d’un mal incurable. Plutôt que de s’abandonner à une forme d’abattement, elle se met à éprouver pleinement le sens de la maxime carpe diem : cueille le jour…

Il faut rendre cette justice à Isabel Coixet : la cinéaste catalane n’a jamais succombé à la facilité — ni dans les sujets qu’elle a choisis, ni dans ses approches. Par son point de départ (la chronique d’une mort annoncée, pour faire simple) Trois adieux enfonce le clou, d’autant qu’il s’agit d’une adaptation d’un texte grandement autobiographique de la défunte Michela Murgia et que la thématique rappelle un de ses précédents films, Ma vie sans moi (2003). Seulement, là où l’on pourrait redouter du mélo pur sucre, l’itinéraire de Marta se transforme en voyage intime. 

Marta et les autres

Un voyage complexe également, loin de se restreindre à une émolliente épiphanie sensorielle : la maladie est également vécue dans sa crudité médicale, avec les évolutions en dents de scie du pronostic et ses conséquences au quotidien. En parallèle, Trois adieux soigne (si l’on ose le terme) des personnages secondaires qui ne sont pas ravalés au rang de prétexte. L’ex compagnon de Marta a son épaisseur et sa propre vie ; autour de lui gravitent d’autres silhouettes elles-mêmes bien dessinées — c’est le cas de sa jeune aide campée par Galatea Bellugi, qui de surcroît n’est pas assignée à la fonction d’intérêt sentimental.

Et puis il y a la vie Marta, dans toutes ses composantes : professionnelle, sociale, privée, sentimentale. Bien que condamnée, la jeune femme continue d’assurer ses cours, a des interactions avec ses élèves, avec l’un de ses collègues qui n’est pas indifférent à son charme comme à la mélancolie qu’elle dégage. Elle partage aussi avec sa sœur une complicité à géométrie variable. Toutes ces facettes l’ancrent davantage dans le réel plutôt que de contribuer à faire de son acceptation consciente une fable new age.

Ville éternelle

Enfin, Trois adieux ne serait sans doute pas aussi élégamment touchant sans son inscription profonde dans la vi(ll)e de Michela Murgia : après tout, Isabel Coixet aurait pu transposer l’histoire chez elle, à Barcelone — ou à Madrid. La Rome ici filmée n’est pas touristique mais habitée : il lui arrive d’être douce et belle grâce à la splendide photo de Guido Michelotti ; elle se fait aussi ordinaire, âpre, sans attraits, floue… Tel que peut être un quartier, que l’on ne voit plus quand on y réside : entre toile de fond et décor quotidien. Efficace et subtil.

Trois adieux (Tre ciotole/Tres adioses) de Isabel Coixet (It.-Esp., 2h) avec Alba Rohrwacher, Elio Germano, Galatea Bellugi, Silvia D’amico, Francesco Carril, Sarita Choudhury… Sortie le 2 septembre 2026.

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La Frappe de Julien Gaspar-Oliveri

À peine sortis de l’adolescence, Enzo et Carla vivent ensemble dans un petit appartement. Lui vient de monter sa petite entreprise, elle de reprendre ses études. Alors que Carla pense que les années difficiles s’éloignent, leur père toxique, tout juste libéré de prison, ressurgit dans leur existence. Trop influençable et en carence affective, Enzo tombe dans ses rets malgré les avertissements de son aînée, plus avisée…

L’idée de Julien Gaspar-Oliveri était sans doute de composer une ambiance naturaliste à la Zola pour raconter cette histoire, sise dans une famille des classes populaires et minée par une hérédité fatale. Peut-être a-t-il fait un peu trop de zèle question drames humains ; même les Dardenne n’oseraient pas charger la barque à ce point. Passons sur le cadre incertain et la lumière rendant tout le monde disgracieux (suivant les clichés du “cinéma social”) : Enzo semble voué à une guigne majuscule, puisque rien ni personne ne le dessille — pas même sa sœur dans ses apparitions épisodiques. Tout est joué d’avance.

Bouillon amer

Admettons néanmoins qu’il s’agit d’une tragédie contemporaine. Encore faut-il que la figure méphistophélique du père, le mauvais génie du récit, soit crédible. Or le choix de Bastien Bouillon dans cet emploi annihile toute vraisemblance : le comédien ne reflète ni ascendant physique ou moral, ni autorité, ni menace, ni la moindre ambiguïté… Le hiatus entre le personnage et celui qui l’incarne s’avère d’autant plus grand que tous les rôles interprétés jusqu’alors par Bastien Bouillon le classent dans le registre du brave gars, du bon côté de la morale. Si l’envie lui est ici venue de casser son image, il n’a guère adapté son jeu ni sa physionomie en conséquence.

Et que dire de ce titre un brin flou, emprunté à un argot vieillot : désigne-t-il le père, le fils ; autre chose ? La Frappe laisse d’autant plus avec un goût d’inachevé (ou de déjà-trop-vu) que certaines pistes — la famille d’origine polonaise de la petite amie d’Enzo, le monde des marchés où échoue lamentablement son père — auraient pu conférer, à défaut de lumière ou d’espoir, davantage de nuance au récit.

La Frappe de Julien Gaspar-Oliveri (Fr., avec avert., 1h46) avec Diego Murgia, Bastien Bouillon, Romane Fringeli, Héloïse Volle, Sophie Cattani, Karol Olejnik, Maxence Bendjelloun, Florence Janas, Manon Clavel, Lina Camélia Lumbroso, Giacomo Fadda… Sortie le 2 septembre 2026.

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L’Inconnue de Arthur Harari

Silhouette discrète et émaciée, David Zimmerman photographie les évolutions urbanistiques de la banlieue parisienne. Un soir, il est entraîné par des amis dans une fête où une femme énigmatique l’attire à lui. Après une étreinte brutale, David rentre chez lui, hagard, et constate avec horreur qu’il a échangé son enveloppe corporelle avec l’inconnue. Commence une enquête à tiroirs : qui est-elle, où se trouve le corps de David et comment inverser le processus ? Certaines questions trouveront leur réponse… en apparence seulement.

L’Inconnue aura été, semble-t-il, le vilain petit canard de la dernière compétition cannoise. Absent du palmarès, un peu boudé voire ignoré sur la Croisette — comme si l’on voulait faire payer à Arthur Harari le succès international surprise d’Anatomie d’une chute dont il est co-auteur. Se faire battre froid dans la foulé est une sorte de “coutume” (stupide) dont Michel Hazanavicius, entre autres cinéastes, avait fait les frais après The Artist lorsqu’il avait présenté l’ambitieux The Search. Gageons qu’Harari eût bénéficié d’un meilleur accueil si L’Inconnu avait été présenté, signé par un réalisateur anonyme ou, pourquoi pas, sous une autre identité.

J’ai perdu mon corps

L’Inconnue questionne justement l’identité en montrant à quel point l’apparence — ici, l’enveloppe corporelle — s’avère constitutive du soi profond de l’individu. Si le changement de peau des personnages provoque chez les autres une modification de la perception des métamorphosés involontaires, il n’est rien en comparaison du cataclysme que ces derniers subissent. Étrangers à eux-mêmes, prisonniers de limites organico-physiologiques qu’il n’ont pas choisies, ils ne se (re)connaissent plus, n’étant plus en phase avec  ce qu’ils sont et ressentent intimement. Avec ses airs de conte fantastique du XIX^e siècle, ce film offre derrière la métaphore une foule de lectures contemporaines aisément déchiffrables. Quant à l’issue tragique, elle accroît singulièrement le réalisme d’une histoire déjà fort ancrée dans le concret.

Aucune réponse ne sera apportée au pourquoi du glissement vers un autres corps ; et au fond, on s’en moque : ce sont les mécaniques subséquentes de cet événement insolite qui donnent matière à réflexion et à interprétation. Sortir du film avec la promesse de faire cheminer en soi des questions plutôt qu’avec de rassurantes explications (qui mettraient un terme rationnel à tout raisonnement ultérieur) n’est-il pas plus excitant ? Notons que, à l’inverse du sujet du film, la démarche n’a rien d’extraordinaire.

Parasites !

Par exemple — si l’on s’en tient au seul cinéma —, Hitchcock ne justifie jamais les attaques de volatils dans Les Oiseaux (1963). Au reste, il est facile d’imaginer que l’entité opérant les possessions/substitutions se comporte comme un parasite infectant son hôte pour se propager. De Alien (1979) à Under the Skin (2013) en passant par les différente versions de Body Snatchers, la liste de ces agents contaminants est longue ; d’autant plus si l’on compulse la production littéraire. Telle la nouvelle de Ray Bradbury Celui qui attend, racontée du point de vue de “l’infection“ se transmettant d’être vivant à être vivant, peut-elle offrir un intéressant contrepoint et complément à L’Inconnue.

Terminons par une évocation du travail des comédiens, si particulier ici. Car non seulement plusieurs peuvent êtres amenés à partager un même personnage, mais un même acteur peut avoir à incarner plusieurs personnages. La définition dudit personnage devient donc, pour le spectateur, quelque chose d’abstrait : non réductible à une silhouette… ni donc à l’acteur ou à l’actrice qui la campe. En clair, lorsque l’on découvre Schneider ou Seydoux à l’écran, il faut déduire de leur façon d’’être si l’on est en présence de David dans la peau d’Eva, de Malia dans la peau de David etc. Ce “jeu au carré” des interprètes induit une projection mentale supplémentaire pour le public et le conduit à “voir” au-delà de ce qu’on lui montre — donc des apparences.  Conceptuel, beau et dérangeant comme du Nicolas Roeg.

L’Inconnue de Arthur Harari (Fr., 2h20, int.-12 ans) avec Léa Seydoux, Niels Schneider, Valérie Dreville, Shanti Masud, Radu Jude, Jonathan Turnbull, Lilith Grasmug, Victoire Du Bois… Sortie le 26 août 2026.

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Soudain de Ryūsuke Hamaguchi

Marie-Lou dirige un EHPAD à Paris où elle souhaite convertir les personnels à “l’Humanitude”, une approche plus respectueuses des résidents. Non sans peine : certains professionnels se montrent réticents à cette démarche. Par hasard, elle rencontre Mari, une metteuse en scène de théâtre japonaise avec qui elle engage de profondes discussions socio-économiques, philosophiques mais aussi intimes. Chacune a besoin de parler et aussi d’être écoutée…

Soudain : un titre bref pour encapsuler une expérience de cinéma fleuve. Il ne s’agit pourtant pas d’une saga homérique à la Nolan ; plutôt d’une tranche de vie akermanienne racontant tout à la fois une rencontre, plusieurs vies, le monde tel qu’il est… mais aussi tel qu’il pourrait (devrait) être. Un idéal d’existences et de relations interpersonnelles dont ce film essaie de montrer qu’il n’a, en fait, rien d’une utopie.

Un pont entre deux rives

Ryūsuke Hamaguchi ne craint pas les gageures — Drive my car l’avait prouvé. Pour Soudain, il offre une enveloppe fictionnelle à Quand la vie prend un tournant inattendu, correspondance entre la philosophe Makiko Miyano et l’anthropologue Maho Isono alors que la première se bat contre un cancer. Le cinéaste n’en tire pas pour autant un biopic : il extrait de l’ouvrage les concepts et théories développés par les deux intellectuelles pour les placer quasiment in extenso dans la bouche de ses personnages. Cette démarche rappellera la grande époque du début des années 1970 d’un cinéma épris de discours et de dialectique (Godard, Eustache, Rivette…) où le support-film se fait véhicule des idées-messages communiqués au public.

Dans Soudain, l’échange revêt une dimension supplémentaire puisque les deux protagonistes, Marie-Lou et Mari, issues de deux cultures différentes, sont chacune locutrices de la langue de l’autre. Leur bilinguisme commun accroît la sensation qu’elles se trouvent à une position équidistante, favorisant une transmission bijective durant la longue nuit conversationnelle scellant leur véritable “rencontre”. Et la balade permettant cette discussion mène du théâtre (domaine de Mari) à l’EHPAD où œuvre Marie-Lou… en passant par une longue déambulation sur les quais de Seine.

Empathiquement vôtre

Au-delà de son élégante forme, Soudain n’habite pas le temps en vain. Aidé par le jeu réaliste du tandem Virginie Efira/Tao Okamoto, il aborde frontalement des sujets perçus comme austères : la maladie et le grand âge, on l’a dit, qui amènent à la problématique de la fin de vie et donc à la manière de considérer différemment le rapport à l’accompagnement des personnes vulnérables, aux soins palliatifs. En parallèle, il s’agit d’un film sur l’apprentissage du management de la bienveillance… par la bienveillance, puisque l’on suit les difficultés rencontrées par Marie-Lou pour promouvoir un nouveau protocole (l’Humanitude) auprès de personnels éreintés par le sous-effectif, comme d’une hiérarchie moins sensible à la plus-value humaine qu’à la rentabilité économique.

L’intérêt, si l’on ose dire, de Soudain est d’illustrer la théorie par la pratique ; de métaphoriser cette question de l’Humanitude et de ses quatre piliers — le regard, la parole, le toucher et la verticalité — au-delà du monde professionnel pour démontrer son efficience en tant que principe de vie, applicable… et appliqué. Ainsi Marie-Lou, modèle de résilience et d’abnégation, en vient-elle à croiser la route de Mari parce qu’elle prend soin d’un de ses comédiens, jeune autiste dont elle a compris qu’il s’était égaré dans les rues parisiennes. L’Humanitude ne serai-elle pas, en définitive, le nom institutionnel de l’empathie ?

Cannes pour mieux marcher ?

Parangon de l’objet cinématographique ambitieux — tant du point de vue artistique, sensible que sociétal —, Soudain est une œuvre dont l’existence est conditionnée à la présence de longue date de son auteur dans le circuit des festivals internationaux. La quasi-certitude de sa sélection a garanti sa faisabilité et lui a permis de se doter d’une production/distribution internationale ; l’inscription dans la compétition cannoise lui fait bénéficier de l’aura médiatique nécessaire à son existence sur les écrans. Les grands rendez-vous ont ce rôle d’autant plus essentiel de rampe de lancement que les films portent des messages d’utilité publique et ne sont pas emballés de papier rose.

Lauré d’un double prix d’interprétation saluant la parfaite communion d’esprit entre les personnages, mais aussi l’intelligence du partage opéré par Virginie Efira et Tao Okamoto (en phase avec le sujet), Soudain peut attirer des spectateurs à faire fi de ce qui les aurait rebutés. Et ainsi vivre une singulière expérience en humanité…

Soudain de Ryūsuke Hamaguchi (Fr.-Jap.-All.-Bel,  3h15) avec Virginie Efira, Tao Okamoto, Kodai Kursaki, Gabriel Dahmani, Marie Bunel, Jean-Charles Clichet… Sortie le 12 août 2026.

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Tombé du ciel de Mohamed Hamidi

Bon gars mais pas trop bosseur, Ilyes ne compte plus ses échecs au bac, au grand dam de ses parents qui lui ont fixé un ultimatum. Injustement accusé d’un incendie au lycée, il est renvoyé et ne trouve pour point de chute qu’un internat catholique bourguignon : Saint-André-le-Grand. En proie à de nombreux préjugés lors de son arrivée, il découvre de nouveaux codes et finira même par devenir le sauveur de l’établissement. Amen !

Comment ce sujet a-t-il échappé à Thomas Gilou ? Coutumier de ces histoires de “pièces rapportées” au sein d’une communauté, le réalisateur de La Vérité si je mens n’aime rien tant que montrer combien les différences entre individus ne sont qu’apparences. Apparences qui s’estompent dès lors que l’on consent  à s’intéresser à son prochain. Un air de déjà-vu ? Bien davantage, même, en vérité je vous le dis…

Messe courte ou messe longue ?

Tombé du ciel n’est rien moins que a version film du sketch qui a révélé, Ilyes Djadel sur scène, Le Lycée catholique. Soyons honnête : ce n’est pas la première fois qu’un sketch se métamorphose, à force de dilatations, en long métrage. Un bon demi-siècle avant Dujardin et son Brice de Nice (2005), Robert Lamoureux faisait déjà se gondoler le public sur l’air de Papa, Maman, la Bonne et moi (1954). Tombé du ciel se distingue peut-être par le substrat autobiographique revendiqué par le scénariste et interprète… qui va jusqu’à donner son prénom au personnage. Comme une sorte de transposition et d’idéalisation des souvenirs façon parabole, le tout conclu par une jolie morale d’évangile — voilà qui tombe à pic.

Seulement, tout cela manque un peu d’ambition, notamment scénaristique : les poncifs s’enfilent comme des perles, les personnages stéréotypés répondent tous présents et les gags éculés se recyclent à la pelle. Prenons la scène où Jamel Debbouze met en garde Ilyes contre les mœurs de cathos : à peu de choses près, c’est le décalque de la séquence de Bienvenue chez les Ch’tis où Galabru terrifie Kad Merad en lui parlant du « Nooord ». On retrouve par ailleurs des échos à Neuilly sa mère ou aux Aventures de Rabbi Jacob mais en moins féroce.

Timoré du ciel

D’ailleurs, est-il encore possible d’oser une comédie reposant sur des différences de classes, de cultures ou de religions sans que le trait ne soit über-forcé ? L’ambiguïté du second degré risquant d’être prise pour offensante, on préfère gommer tout ce qui pourrait froisser des susceptibilités de plus en plus exacerbées. En découle un robinet d’eau tiède sur le vivre-ensemble, une sorte de fable déréalisée montrant une France profonde de prime abord méfiante vis-à-vis de l’étranger avant que de révéler sa vraie nature généreuse. Mouais. Presque aussi crédible que le méchant de dessin animé cachant (mal) sa félonie et sa vénalité. Et pourtant, avec la distribution dont ce film dispose (Balasko, Debbouze…), il y avait de quoi s’aventurer dans le corrosif sans fléchir du genou.

Notons enfin que, par un prodigieux hasard (!), Tombé du ciel est sorti le jour où débute le Grand Pèlerinage National menant les malades en quête de miracle et leurs accompagnateurs vers Lourdes… là où précisément l’histoire trouve sa conclusion. D’aucuns y verraient un miracle ! Les voies du marketing sont impénétrables…

Tombé du ciel de Mohamed Hamidi (Fr., 1h32) avec Ilyes Djadel, Josiane Balasko, Fred Testot, Jamel Debbouze, Max Baissette de Malglaive, Meriem Serbah… Sortie le 12 août 2026.

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Le Triangle d’or de Hélène Rosselet-Ruiz

Dans l’attente de partir à l’armée, Laura est embauchée comme gouvernante dans un très chic hôtel particulier parisien où elle aura à satisfaire aux exigences — voire caprices — de Souria, maîtresse officieuse d’un prince saoudien. Une activité exigent discrétion et surtout d’être à disposition en permanence dans ce palais-prison. Peu à peu, Laura va découvrir que la réclusion qu’elle subit est une épreuve plus douce que le calvaire de Souria, princesse de vent suspendue au rêve fragile d’épouser son riche amant…

Une jeune femme entre dans un palais afin de servir une princesse recluse, toute entière soumise à son prince… mais doit respecter de strictes consignes pour ne pas encourir une terrible malédiction — en l’occurrence, perdre son job. Naturellement, elle désobéira aux règles édictées et en subira les conséquences. Ce motif de conte connu (digne de Perrault ou des Mille et une nuits), Hélène Rosselet-Ruiz l’adapte à notre époque pour son premier long métrage. Et prouve ce faisant la permanence d’une condition féminine assignée à une double soumission (l“’épouse” au seigneur, la soubrette à ses maîtres).

Trône d’argile

L’actualisation s’avère pertinente même si elle ne montre rien qu’on ne sache ou ne subodore déjà : l’effarant luxe (ainsi que le gaspillage subséquent) dans lesquels vivent les ultra-riches, le quotidien des femmes-trophées passant leurs journées à s’entretenir comme des objets d’art ; la servilité et l’hypocrisie des prestataires fournissant cette clientèle dépensant sans compter… 

Peu de surprises dans le fond, donc, et encore moins dans la trame donnant à voir le renversement du rapport de force entre Souria et Laura (Inévitable du point de vue dramaturgique) lorsque cette dernière découvre qu’elle dispose d’un moyen de pression sur son employeuse. Cette situation en manquera pas de rappeler The Servant (1963) de Losey et Pinter… à ceci près que Souria se trouve ici en position intermédiaire dans la relation de domination : son pouvoir effet est relatif et temporaire, conféré par sa position de “favorite”. L’issue du film le prouvera.

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Duo, duelles

Sans être déplaisant à suivre, Le Triangle d’or est ainsi miné par la prévisibilité globale de séquences ou de personnages (l’ambiguïté d’Emre, l’homme de main du prince, mi-manipulateur, mi-protecteur vis-à-vis de Souria et Laura) ainsi que par l’épaisseur de métaphores répétées signifiant l’enfermement. Ailleurs, des éléments présentés avec insistance — comme la vidéosurveillance permanente de la demeure — finissent étrangement sous-exploités. Des péchés véniels de premier film, d’autant plus excusables que la cinéaste a composé un duo féminin très plausible.

Si Malou Khebizi s’échappe avec bonheur du personnage caricatural qu’elle campait dans Diamant Brut, la révélation de ce film s’appelle Soundos Mosbah dont l’amplitude de jeu impressionne : de bimbo hautaine et superficielle à victime défaite de sa destinée déliquescente, elle donne à Souria la profondeur qu’elle méritait. Il ne serait pas absurde de revoir ce comédienne rapidement…

Le Triangle d’or de Hélène Rosselet-Ruiz (Fr., 1h27) avec Malou Khebizi, Soundos Mosbah, Ziad Bakri, Kassem Al Khoja… Sortie le 29 juillet 2026.

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De la Comédie-Française de Martin Darondeau & Bertrand Usclat

Comédienne au Français, l’indécise Nina va présenter dans trois heures sa première mise en scène avec la troupe. Est-ce lié au fait qu’elle a choisi, Macbeth — la pièce maudite de Shakespeare —, les ennuis se mettent à pleuvoir en cascade. Actrice absente, acteurs superstitieux ou drogués, découverte d’infidélité conjugale, décors bancals, absence de solution de garde, présence de ministre dans la salle… La liste des raisons de ne pas lever le rideau ne cesse de s’allonger. Mais dans la Maison de Molière, on n’annule pas une représentation !

Bien que descendant direct de différentes formes d’arts scéniques, le cinéma ne manque jamais une occasion de leur rappeler combien il s’en distingue. On rapporte souvent cette anecdote d’un Billy Wilder racontant pince-sans-rire son expérience de spectateur à l’opéra : « la représentation commençait à huit heures. À minuit, je regardai ma montre : un quart d’heure s’était écoulé. » — et c’était du Wagner, en plus ! Là où le théâtre claquemure le public avec les artistes dans la fixité d’un même présent, le cinéma leur propose grâce au luxe du montage de multiples variations de temporalité, de lieux, de focalisations, de plans, de durées… Comment concilier les atouts des deux formes sans tomber dans le principe absurde (et soporifique) du “théâtre filmé” ? De la Comédie-Française en apporte une virevoltante réponse.

Règle du jeu…

Avouons-le, il y a encore un bon quart de siècle, la Comédie-Française était une autorité respectable mais nimbée d’austérité. Et le poids des siècles, ainsi que certaines traditions grotesques liées au respect de la hiérarchie (sans parler de ses intrigues de cour dignes de Racine), risquaient de fossiliser l’édifice dans son marbre. Dès les années 1990, l’arrivée de sang neuf à l’administration comme parmi la troupe a favorisé une meilleure porosité avec le “monde extérieur” — notamment le cinéma. Gagnant des talents, la Maison de Molière a perdu de sa morgue sans déchoir ni se compromettre ; De la Comédie-Française en est en quelque sorte, sinon l’accomplissement, du moins l’illustration.

Semi-film de commande (puisque réalisé sous l’œil bienveillant de l’institution, en partie à sa demande et avec sa collaboration), cette première œuvre écorne suffisamment les travers du Français pour éviter d’être suspectée d’hagiographie. Son secret ? Un savant mixte d’auto-dérision, de rythme et d’intelligence comique, placé dans les mains des premiers concernés : les comédiens de la troupe qui jouent ici, dans tous les sens du terme.

… et règle de trois  

Et l’on devine qu’ils prennent un plaisir supérieur dans cet exercice de chambrage majuscule. Sans doute parce qu’il ne s’agit pas d’une entreprise où se célèbrent l’entre-soi, ni la boutique hôte (malgré un intermède un brin publicitaire qu’endosse avec ce qu’il faut d’élégance l’impeccable Benjamin Lavernhe). Ce qui prévaut d’abord ici, c’est l’aventure de Nina en proie à la déflagration intérieure d’une Loi de Murphy exponentielle, parfait prétexte pour décliner une galerie de figures et de professionnels gravitant en ce lieu. Accessoirement, la règle des trois unités du théâtre classique confirme ici sa stupéfiante pérennité.

Enfin, comment résister à cette réunion de talents, chacun déployant sa propre vis comica et apportant sa nuance à l’ensemble. Bien sûr, il y a Pauline Clément, centre de l’’attention, mais quel plaisir de voir enfin Julien Frison dans un rôle conséquent à l’écran ; Christian Heck drôle comme il ne l’a jamais été en régisseur ; Laurent Stocker tragique sans jamais être ridicule… On peut s’amuser en outre à guetter les caméos visuels et sonores puisque tout un chacun ici est membre de l’illustre compagnie. Sauf Bertrand Usclat & Martin Darondeau, derrière la caméra, mais ils mériteraient pour services rendus, d’être faits sociétaires honoraires.

En résumé…

Vous aimez le théâtre ? Allez voir ce film célébrant la dévotion et l’abnégation des artistes, étoiles microbiennes dans le cosmos d’un spectacle. Rouages indispensables à l’accomplissement de l’œuvre collective, ils n’en sont pas moins hommes et femmes soumis à leur passions intimes ; des écheveaux d’imperfections et de contradictions faits pour ne pas s’entendre et qui, pourtant, à chaque représentation, se transcendent pour parvenir à renouveler un miracle.

Vous détestez le théâtre ? Courez le voir, pour savourer ce jeu de massacre total et jouir de la manière dont les egos y sont malmenés — un pur concentré de Schadenfreude ! Au bout du compte, vous éprouverez sans doute de la compassion pour les personnages ainsi que la malheureuse metteuse en scène. Vous admirerez également l’architecture interne d’un bâtiment historique des cintres aux coulisses sans avoir à vous y rendre. Et surtout, vous ressortirez avec la certitude que le 7^e Art était bien le seul à même de restituer cette délicieuse sarabande infernale…

De la Comédie-Française de Martin Darondeau & Bertrand Usclat (Fr., 1h15) avec Pauline Clément, Laurent Stocker, Julien Frison, Marina Hands, Adeline D’Hermy, Danièle Lebrun, Sefa Yeboah, Christian Hecq, Serge Bagdassarian, Séphroa Pondi, Florence Viala, Guillaume Gallienne, Benjamin Lavernhe, Françoise Gillard, Nicolas, Chupin, Elissa Alloula, Nicolas Lermeau, Gilles David, Suliane Brahim, Julie Sicard, Éric Ruf… Sortie le 22 juillet 2026.

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La Fille dans les nuages de Philippe Riche

Providence a 11 ans et ce qu’elle adore, c’est la lecture. Surtout les récits d’aventures des Sentinelles de la terre écrits par son voisin Octavius. Un beau jour, elle apprend que la plume servant à rédiger ces histoires est magique : ce qu’elle imprime sur le papier se produit dans le monde réel. Mais aussi qu’il faut user de son pouvoir pour empêcher une catastrophe de se produire en Afrique. N’écoutant que son courage, Providence décide de s’y rendre en volant, grâce aux pouvoirs de la plume et accompagnée par son inséparable cochon d’Inde, Airbag…

Il fut un temps où l’animation française se cherchait une place et une forme dans le cosmos mondial. Et puis les auteurs, artistes ou techniciens ont imposés leur voix, y compris face aux colosses hollywoodiens et nippons. Venu de la bande dessinée, passé par la télévision (Code Lyoko, Les Lapins crétins…) où il a étoffé son bagage, Philippe Riche signe ici son premier long métrage qu’on pourrait qualifier de conte à  rebond ou de fable multiple.

Providentiel !

Sur le motif connu du voyage initiatique, il offre sa jeune orpheline-héroïne (au prénom ô combien symbolique de Providence) un buddy movie aventureux, aux enjeux considérables : rien moins que la sauvegarde du monde vivant. Leçon de vie et de philosophie face à la tentation de la facilité, La Fille dans les nuages renvoie au passage une image déplorable de la sphère adulte — mais n’est-elle pas la fidèle à la réalité ? On apprécie les ambitions humanistes sans êtres pontifiantes de ce film, autant que l’interprétation des comédiens en charge des voix, qui s’écartent de leur registre habituel (notamment Jamel Debbouze) pour vraiment composer leur personnage. Une jolie surprise.

La Fille dans les nuages de Philippe Riche (Fr.-Bel., 1h28) animation à partir de 6 ans avec les voix de Louane Emera, Jamel Debbouze, Grégoire Ludig… Sortie le 22 juillet 2026.

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L’Odyssée de Christopher Nolan

Après avoir défait les Troyens assiégés au moyen d’un cheval piégé — l’une de ses innombrables ruses —, Ulysse n’aspire qu’à une chose : rentrer sur son île d’Ithaque, où l’attendent son épouse Pénélope et son fils Télémaque. Mais son retour est durant de longues années contrecarré par des étapes imprévues sur des îles le mettant aux prises avec des forces hostiles. Pendant ce temps à Ithaque, une nuée de prétendants persuadés de la mort d’Ulysse, tente d’obtenir la main de Pénélope et d’évincer Télémaque…

A priori, rien ne semble plus éloigné que la biographie d’un scientifique du XX^e siècle et l’épopée fondatrice d’un héros de la mythologie grecque. Pourtant, voir s’enchaîner Oppenheimer et L’Odyssée dans la filmographie de Christopher Nolan apparaît comme logique. Tous deux ont été les architectes d’une arme décisive accélérant la fin d’un conflit aussi titanesque que meurtrier ; tous deux s’ajoutent aussi à cette galerie de protagonistes nolaniens, qu’on ne saurait qualifier de héros au sens “classique” du terme puisque l’issue de leurs aventures s’apparente moins à un triomphe qu’à une défaite intime. 

Cassandre et feu

Le pessimisme tient lieu en effet de “fréquence fondamentale” dans l’œuvre du cinéaste britannique, et participe comme motif récurrent de sa cohérence, au même titre que son écriture visuelle. Et ce, même si ses films habitent des espaces ou des temps différents : de Following à Dunkirk en passant par Inception ou Interstellar et Tenet, sans négliger la trilogie Batman, la noirceur ne s’estompe jamais, obscurcissant jusqu’à la récompense. Avec Ulysse, il y a de quoi être servi tant le personnage d’Homère apparaît, derrière l’illusion de ses victoires, comme un archétype de perdant.

Éloigné de chez lui par une guerre à rallonge dont l’issue (la violence sanguinaire du sac de Troie) le laisse traumatisé, il rentre seul après avoir perdu la totalité de son armée — et abandonné bon nombre de ses hommes sans sépulture. Son périple de retour équivaut à une suite de fuites imputables à des abordages imprudents et son arrogance d’airain. Celle-là même qui le conduit à décocher une flèche inutile dans l’œil déjà éborgné du cyclope Polyphème, acte de cruauté gratuite, voire sadique. Où l’on comprend tôt que le guerrier et ses hommes constituent ce fameux « peuple de la mer » qu’une prophétie annonce menacer les côtes d’Ithaque. Artisan de sa légende glorieuse, Ulysse s’avère surtout celui de son propre malheur.

Confins versus confort

L’obstination de Nolan à préférer les demi-teintes à l’éclat des victoires le pose en moraliste stoïcien autant qu’en lanceur d’alerte : toute tentative de défier l’ordre des choses (le temps, la matière, les dieux…) apporte davantage de chaos au monde. On ne s’étonnera pas que le cinéaste figure dans le cénacle des auteurs revendiquant l’usage de l’argentique avec Spielberg, Anderson ou Tarantino, ou qu’il tienne vis-à-vis de l’IA générative des propos sans ambiguïté — capable de fournir des « outils utiles »  mais « ne pouvant rien créer ». 

Cette philosophie globale ne signifie pas pour autant refuser les progrès technologiques : L’Odyssée innove avec l’usage de caméras IMAX repensées pour s’adapter au son direct mais également avec un système sophistiqué d’éclairage par LED, spécialement créé pour simuler les variations de lumière du feu lors des séquences nocturnes à Troie. Quand explorer les limites physiques et analogiques plutôt que de s’abandonner aux facilités du numérique tient du manifeste pour une créativité humaine. Ajoutons, avec une pointe de taquinerie, que si Nolan peut se focaliser l’esprit léger sur ses expérimentations techniques, c’est parce qu’il n’a pas à se préoccuper de renouveler ses équipes ni devant ni derrière la caméra. Au risque d’encourir à terme une impression de vase clos ?

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Le récit éternel, l’éternité par le récit

Reste que ce principe d’une forme fixe, enrichie au cas par cas, répond en l’occurrence à merveille à la structuration de L’Odyssée, chant d’aède attribué à Homère et formé d’un récit épique agrémenté de variantes dépendant du contexte et du rhapsode. Nolan fait d’ailleurs débuter son film par l’un d’entre eux, répétant devant la foule des prétendants la geste d’Ulysse et son plus haut fait : la ruse du Cheval de Troie. Une manière de faire entrer en scène le héros in absentia, non par sa silhouette mais par sa trace et sa légende. Maintes fois ressassé, ce chant panthéonisant le héros par le verbe accrédite la plausibilité de sa mort… tout en perpétuant son existence jusqu’à nos jours, fameux paradoxe.

Nolan choisit pour cette évocation un point de vue extérieur, “troyen” pourrait-on dire, occultant de fait la représentation physique d’Ulysse et de ses hommes dissimulés dans le Cheval. Pour avoir le contrechamp — donc la vision globale des événements —, il faudra attendre que le guerrier recouvre la mémoire et revive “de l’intérieur” le prélude à la prise sanglante de Troie. 

Double puzzle

Il aurait été étonnant en effet que le cinéaste se satisfasse d’une narration linéaire. L’Odyssée entremêle donc deux fils principaux : un temps présent au déroulement chronologique — celui de l’attente à Ithaque avec Pénélope, Télémaque et les prétendants —, et celui vécu par Ulysse, magma de séquences désordonnées, bouillie de souvenirs refoulés resurgissant au fur et à mesure que les effets de la drogue administrée par Calypso s’amenuisent. 

Suivant cette lecture, Télémaque n’est-il pas en définitive le vrai héros — dans le sens acteur du récit principal dont Ulysse ne serait qu’un adjuvant, jouet d’événements antérieurs et extérieurs comme il l’est de ses passions ou du destin ? Incarnation d’un monde obsolète, revanchard et têtu, cet Ulysse qui brûle tout et se consume pour rien, finit dans les hallucinations et les remords. « Heureux qui comme Ulysse a fait un beau voyage ». écrivait du Bellay qui, à bien y réfléchir, devait être plus ironique que nostalgique…

L’Odyssée (The Odyssey) de Christopher Nolan (É.-U/R.-U., 2h52) avec Matt Damon, Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson, Lupita Nyong’o, Samantha Morton, Zendaya, Charlize Theron… Sortie le 15 juillet 2026.

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Microstar de Léopold Kraus

À ses 18 ans, Gabriel Rose a certainement quitté sa province bien décidé à empoigner la vie afin de faire carrière comme comédien. Hélas, quelques années plus tard, il enchaîne les castings ratés et tire le diable par la queue, monnayant sa maigre influence sur les réseaux sociaux. Un soir de galère, il rencontre Stan, né avec une cuiller en argent dans la bouche qui se prend d’amitié pour lui et lui propose de s’associer dans un concept de bijoux fantaisie. Séduit par ce milieu clinquant ruisselant d’argent, Gabriel en viendrait presque à rompre avec son père popu et Pauline, la thésarde avec qui il a débuté une jolie romance…

Si Microstar semble débuter comme un mash-up aznavourien de Ma Bohème et Je m’voyais dejà, il ajoute aux désarrois de son anti-héros en pleine déconfiture une infortune supplémentaire : la découverte d’un complexe physique affectant son estime de soi… et justifiant le titre. On sait toutefois gré à Léopold Kraus d’évacuer rapidement ce point de départ anatomique — qui aurait sans doute suffi à une comédie indépendant new yorkaise il y a quarante ans. Loin de la gaudriole, son film préfère se concentrer sur la description du milieu vicié des gosses de riches, de leur inconséquence et surtout des errements de son pauvre Gabriel Rose, arriviste au petit pied perdu parmi ces capricieux.

L’âge du renoncement

Près de trente ans après Déjà mort d’Olivier Dahan (où de jeunes ambitieux fantasmaient une ascension sociale accélérée grâce à l’industrie du X), qui peut dire que les choses ont évolué ? En se repliant sur les réseaux sociaux, les Rastignac contemporains ont certes changé de vecteur de compromission mais leur but s’avère identique : troquer leur image (ainsi que leurs scrupules et leur éthique) contre une notoriété volatile et surtout monnayable. Ce qui reste invariant en revanche, c’est le résultat de leur tentative d’élévation au sein d’un monde de nantis qui les tolère un temps avant de les recracher.

D’ailleurs, faut-il se réjouir de voir ces “intrus” si résilients (pour ne pas dire apathiques) lorsqu’ils sont renvoyés à leur extraction d’origine une fois leurs rêves consumés ? Le renoncement semble intégré comme l’acceptation de l’intangibilité de leur condition sociale. À ce titre, il n’est pas anodin que cette génération se projette davantage en Spider-Man qu’en Superman. Ne croyant plus en cet idéal d’un surhomme invulnérable venu d’ailleurs, elle préfère se reconnaître dans la silhouette d’un éternel adolescent revendiquant la maladresse de débutant jusqu’à un âge avancée de sa vie d’adulte. Faire le dos rond pour ne pas désespérer, renoncer pour survivre… Un énième corolaire de la fin des utopies toutes démonétisées par les baby boomers.

Rouge Noé

Sur un motif au fond très classique (et que ne renieraient pas les grands romanciers-fresquistes de la société du XIX^e siècle), Léopold Kraus capture de pertinents fragments de notre époque, sans s’abandonner à une esthétique clinquante. Plus proche d’un Gaspar Noé (pour la dominante écarlate inquiétante) que d’une réalisation clipesque qui serait trop vite datée, le jeune cinéaste sculpte la nuit comme ses comédiens avec un désir perceptible d’aller au-delà des apparences ou des clichés. Prometteur.

Microstar de Léopold Kraus (Fr., 1h27) avec Abraham Wapler, Félix Lefebvre, Raïka Hazanavicius, Maddie Kulick, Fred Tousch, Michael Zindel, Louise Cachat… Sortie le 8 juillet 2026.

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In Waves de Phuong Mai Nguyen 

L.A., dans les années 2000. Ado timide et skater, AJ fait la connaissance lors d’une soirée de Kristen, dont il tombe éperdument amoureux. D’abord distante, celle-ci finit par s’intéresser à lui quand elle découvre que son propre frère sympathise avec AJ. Elle entreprend alors d’initier le skater à sa propre passion : le surf. Sa pratique va les rapprocher, créant un couple fusionnel que la maladie de Kristen va briser. Comme une vague se brise sur la grève…

En adaptant la BD autobiographique à succès de AJ Dungo, Phuong Mai Nguyen emprunte une voie ni tout à fait parallèle, ni strictement divergente à celle de l’auteur. En cela, sa démarche peut rappeler celle que Vladimir de Fontenay avait adoptée pour Sukkwan Island, consistant à revisiter davantage les conditions d’écriture du récit que le texte stricto sensu, quitte à recentrer le film sur un aspect particulier de l’ouvrage d’origine. Cette démarche peut désorienter les aficionados de In Waves-livre ; elle s’avère cependant féconde.

A bigger splash

Il eût été illusoire en effet de vouloir condenser l’entièreté du magnum opus d’AJ Dungo tant sa structure narrative est complexe : la BD se présente comme un écheveau de récits truffé de flashbacks et de digressions édifiantes qui en font une somme sur l’histoire du surf, son développement contemporain et ses figures tutélaires (Duke Kahanamoku, Tom Blake…). Si le long métrage se focalise sur la relation entre Kristen et AJ, il ne la transforme pas pour autant en romance mélodramatique à la Love Story : la pudeur des personnages est préservée, tout comme la sobriété de leur combat commun. En bonus, Mai explore des zones blanches de l’histoire du couple sans jamais écorner l’intimité des protagonistes ; elle met davantage en valeur leurs racines sud-asiatiques — via les langues parlées par leurs parents notamment.

Autre différence significative, le traitement graphique du film qui propose une immersion plus intense dans “l’expérience aquatique”. Hymne à la glisse et aux sensations qu’elle procure, In Waves-film s’ingénie à trouver des équivalences poétiques et tridimensionnelles aux propositions plus épurées de AJ. Des mouvements infimes de l’eau aux débordements spumescents des rouleaux, l’océan dans toutes ses nuances céruléennes déploie sa dynamique et sa liberté sur l’écran, magnifiant visuellement (voire davantage) la plénitude du paradis perdu. Un mixte d’élégance, d’émotions sensorielles et de sel…

In Waves de Phuong Mai Nguyen (Fr.-Bel., 1h31) animation avec les voix de Lyna Khoudri, Rio Vega, Paul Kircher, Birane Ba, Gauthier Battoue… Sortie le 1^er juillet 2026.

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Backrooms de Kane Parsons

1990, aux États-Unis. Gérant d’un magasin de meubles en déconfiture professionnelle et personnelle, Clark découvre dans le sous-sol de son négoce un passage paranormal menant à un dédale de pièces à l’architecture bizarroïde et aux propriétés étranges. Il entreprend d’’en explorer les mystères et parle de cette découverte à sa psy qui se montre incrédule. Pourtant, Clark va parvenir à la convaincre d’y faire un tour. À ses risques et périls… 

Évacuons d’emblée ce qui semble ébaubir certains esprits : la jeunesse de Kane Parsons. Moins pour des raisons artistiques (Nathan Ambrosioni ou Xavier Dolan furent davantage précoces) mais parce qu’il a pris la tête du box-office — critère qui équivaut à onction papale en période de crise systémique du cinéma ! Il convient sans doute de tempérer les exaltations. Déjà, parce que cette génération digital native pratique le langage audiovisuel depuis le berceau ou presque ; il lui est plus aisé de le maîtriser vite. Voir émerger des talents grâce à la démultiplication des canaux de diffusion contemporains n’a donc rien d’aberrant : c’est plutôt normal.

Alone Parsons Project ?

Ensuite, parce que le travail de repérage s’est effectué de manière correcte du côté du producteur A24, qui a fait confiance à un réalisateur émergent éclos sur YouTube — quand jadis la pub, les clips ou les téléfilms faisaient office de bac à sable. Notons qu’Internet devient concomitamment le réservoir d’idées à tendance culture pop vers lequel Hollywood se tourne après avoir asséché la littérature, le théâtre, les pulps, les comics et leurs dérivés — la nature cinématographique a horreur du vide. 

En Europe ou en Amérique, le 7^e Art s’est d’ailleurs souvent (toujours) régénéré via des projets minimalistes favorisés par des progrès technologiques (Néo-réalisme, Nouvelle Vague, Nouvel Hollywood, caméras numériques…) ; quant au genre fantastique, il reste parmi le plus populaire et le plus rentable. Voilà pourquoi il n’y a, encore une fois, rien d’étonnant à découvrir cette série B, ni d’assister à son succès comme précédemment Hérédité d’Ari Aster chez A24 (déjà), Sixième Sens de Shayamalan chez Disney ou Duel de Spielberg pour Universal.

Espèces d’espaces

Série B, Backrooms l’est sans l’ombre d’un doute. Émaillé de séquences grand-guignolesques, cette relecture d’Alice aux pays des merveilles oscille entre méditation existentielle post lynchienne (ou post-Charlie Kaufman, post-Gondry) et thriller psychologique vaguement dystopique à la X-files ou Black Mirror. S’il manque un petit travail de polissage général (cohérence de l’univers des backrooms, de l’écriture des personnages et de l’évolution de leurs caractères), il faut reconnaitre une qualité au film : sa direction artistique. 

Le travail de la déco illustre à merveille le concept pas évident des espaces parallèles du titre : les backrooms sont censées être des souvenirs “en dur“ de lieux ayant jadis existé. Mais, comme tout souvenir, ils sont sujets à des altérations, des dégradations leur donnant des allures cauchemardesques. Davatage que les histoires un peu bateau de Clark et de Mary, cette matéralisation vaut franchement le coup d’œil. Pour le reste, maintenant que Parsons est identifié, à lui de faire fructifier son prestige tout neuf…

Backrooms de Kane Parsons (É.-U., int. -12 ans avec avert., 1h50) avec Renate Reinsve, Finn Bennett, Chiwetel Ejiofor… Sortie le 17 juin 2026.

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Travelling, le Bla Bla Car des cinéphiles 

Deviens génial de Léo Grandperret

À la suite d’une entourloupe, Mathias, prof d’espagnol, a réussi à se faire muter comme prof d’allemand dans l’établissement où est scolarisée sa fille alors qu’il ne parle pas un un traître mot de la langue de Goethe. Non content de s’être fourré dans ce guêpier, il va devoir encadrer un voyage scolaire outre-Rhin afin d’éviter que sa classe ne ferme, aidé en cela par Iris, la très gaffeuse responsable du comité de jumelage. Pourquoi cela devrait-il bien se passer ?

Exercice d’école : a) Prenez une bonne idée ; b) faites-en un bon film. Sur le papier, ça a l’air simple de passer du a) au b) —d’autant qu’identifier une bonne idée s’avère à la portée de chacun. Tout le problème (ou le talent) consiste à la faire éclore et prospérer afin qu’elle révèle son plein potentiel. Le point de départ de Deviens génial est prometteur : qui a un jour pratiqué les échanges linguistiques sait combien ils sont féconds en aventures de groupe comme micro-événements personnels fondateurs — d’authentiques romans initiatiques mêlant petites tragédies et potacheries, le tout catalysé par le dépaysement. Voir à ce sujet le drame sensible Langue étrangère (2024) de Claire Burger.

Échanges et reprises

Sur ce sujet — et les disparités entre Allemands et Français, notamment en termes de culture, d’enseignement… —, il y a beaucoup à raconter au sein d’une comédie racontant les péripéties inhérentes à un transbahutage d’adolescents comme à une usurpation d’identité. C’est dans cette zone d’écriture que le bât blesse car, tout sympathique qu’il soit, Deviens génial ne parvient pas à aller au-delà de l’anecdotique et de la redite et c’est bien dommage eu égard à ce qu’il offrait comme possibilités. 

L’imposture initiale (la mutation truquée comme dans Bienvenue chez les Ch’tis) fait sans doute œuvre de péché originel ; quant au roadtrip en bus, il se démarque trop peu de Radiostars (2012) avec le même Manu Payet… sans oublier Melha Bedia qui reprend le personnage de gaffeuse en série du Mélange des genres (2025). Enfin, le morceau de Vald est-il à ce point représentatif du film pour lui donner son titre ? Certes, il se prête à une interprétation chorale entraînante mais son message est plutôt bateau et sa notoriété transgénérationnelle plus douteuse que l’imparableWind of Change de Scorpions offert par les Allemands.

Le génie sommeille

C’est un peu rageant car Deviens génial n’a rien de honteux, bien au contraire ! Sa perception de l’adolescence et de ses rapports avec les parents sont plutôt justes, exempte des niaiseries coutumières.  Les comédiens sont bons (notamment  Jan Josef Liefers) sans forcer et la tentation de l’impertinence n’est jamais loin ; dommage que Léo Grandperret n’ose pas encore y succomber. Sans doute est-ce l’effet premier long métrage, gardons confiance pour le prochain.

Deviens génial de Léo Grandperret (Fr, 1h32) avec Manu Payet, Melha Bedia, Marie-Julie Baup, Jan Josef Liefers… Sortie le 17 juin 2026.

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Jim Queen de Marco Nguyen & Nicolas Athané

Idole musculeuse des jours et des nuits gays, Jim Queen est contraint de mettre son arrogance en sourdine lorsqu’il se découvre touché par l’épidémie d’hétérose qui métamorphose les homos en hétéros. Contre toute attente, son seul espoir de guérison réside en Lucien, un avorton (et fils d’une ministre réactionnaire) qui lui voue un culte absolu. La paire mal assortie part alors en quête du remède…

Curieux objet que ce film d’animation mi-chèvre mi-chou. Se veut-il transgressif en dépeignant des pratiques culturelles et sexuelles ayant déjà bénéficié d’une médiatisation certaine au point qu’on ne peut plus vraiment les qualifier d’underground ? Un demi-siècle après Fritz the Cat de Ralph Bakshi, Tarzoon de Picha, sans parler de Husler White (1996) de Bruce LaBruce — qui feraient s’évanouir la GenZ — ce serait un peu culotté de le prétendre. 

Pédagogique, alors, parce qu’il dresse l’inventaire des typologies queer à l’usage des non-initiés tel le “candide” Lucien de l’histoire ? Sauf que le public visé (+12 ans) n’a plus grand chose à apprendre en l’espèce : il s’agit clairement d’un film de niche surjouant l’auto-caricature et empilant les clichés communautaires, du plug au caméo vocal de Philippe Katerine. Vous avez dit queerploitation ?

Jim le consensuel (en un mot)

Avec un peu d’indulgence, on pourrait à la rigueur évoquer l’intérêt du sous-texte politique de cette parabole susceptible de dénoncer (au choix) les thérapies de conversion, le déni parental, la stigmatisation, l’exclusion ou la violence sociétale vis-à-vis des queers. En même temps, c’est la moindre des choses qu’il y ait un peu de fond… Sauf qu’ici, ce sera sans quitter le petit bassin : plus balourde que caustique, la comédie se satisfait de grosses ficelles et de pirouettes scénaristiques paresseuses. Reste le graphisme — là, chacun appréciera (ou pas) ce style aux contours minimalistes ; tous les goûts sont dans la nature.

Au bilan, Jim Queen a surtout la tête d’un produit bien marketé gavé de fausse provoc’ bourgeoise ; une sorte de it-film conçu pour être tendance (il est évidemment sur les écrans pendant le mois des Fiertés), satisfaire par principe ceux dont il parle… tout en se faisant passer pour sulfureux vis-à-vis de ceux qui ne seraient de toute façons pas allés le voir au nom de leurs propres crédos. C’est pas demain que certains risquent d’ouvrir leurs chakras…

Jim Queen de Marco Nguyen & Nicolas Athané (Fr., 1h25) animation avec les voix de Alex Ramirès, Shirley Souagnon, Harald Marlot, Alex Brik, Jérémy Gillet, Elisabeth Wiener, François Sagat, Philippe Katerine… Sortie le 17 juin 2026.

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D’un monde à l’autre de & avec Jérémie Renier

Jérémie Renier n’aurait jamais réalisé ce film s’il n’avait été au Grand Nord. Ce voyage n’aurait jamais eu lieu s’il n’avait croisé l’aventurier des extrêmes Loury Lag. Quant à cette rencontre, elle ne se serait jamais produite si le comédien n’avait pas eu la douleur de perdre son meilleur ami. Si la cruauté de la vie peut paradoxalement donner naissance à de belles choses, les chemins de la consolation ne sont pas exempts de souffrances…

Un voyage au bout de lui-même et du monde, sans certitude d’avoir son billet-retour. Voilà ce que s’apprête à accomplir Jérémie Renier lorsqu’il s’embarque pour suivre, caméra à la moufle, le raid arctique de Loury Lag. Certes, il s’est entraîné mais il est clair que cette aventure est davantage pour lui un dérivatif à la mélancolie qui le ronge depuis des mois — depuis l’accident qui a coûté la vie à son meilleur ami Gaspard Ulliel. Même si Jérémie s’adresse à lui en voix-off, jamais le nom de l’absent n’est prononcé durant D’un monde à l’autre ; seule une dédicace discrète à Gaspard apparaît dans les ultimes secondes du film. À se demander si la pudeur ne l’emmitoufle pas davantage que sa parka polaire.

Ce qui ne nous tue pas…

Vu de l’extérieur, il peut paraître étrange qu’on veuille soigner sa dépression dans un décor comparable à celui qui a causé le trépas de son meilleur pote. Mais certaines choses ne se commandent pas et ce voyage de ravaudage de l’âme obéit à une série de signes plus ou moins ésotériques que Renier accepte — la rencontre avec Loury Lag en fait partie. Ce que ce dernier va instiller confère à l’expédition (et donc, au film) une dimension d’imprévu stupéfiante. Car derrière son côté généreux et hâbleur, Loury a aussi sa part secrète qui se révèle au mitan du doucumentaire, créant un coup de théâtre impossible à prévoir.

Il n’est alors plus question de se remettre d’un deuil dans la poésie éthérée des paysages verglacés, mais d’envisager, en sus de la viabilité du projet de cinéma, la survie immédiate. La décharge d’adrénaline causée par ce retournement de situation transforme radicalement D’un monde à l’autre en épreuve de vie et de force. Concomitamment, l’empathie ressentie pour Jérémie augmente, comme l’intérêt et la beauté parfois abstraite du film. Et à l’instar des protagonistes, on ne sait pas ce qu’on est venus chercher, on ignore ce qu’on a trouvé durant ce voyage mais on s’avoue heureux de l’avoir partagé. On ne pouvait imaginer plus respectueux, digne, intime ni élégant hommage à Gaspard.

D’un monde à l’autre de & avec Jérémie Renier (Fr., 1h14) documentaire avec également Loury Lag… Sortie le 10 juin 2026.

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Une année italienne de Laura Samani

Italie, à l’aube du XXI^e siècle. Son père ayant été muté dans une entreprise de Trieste, Frederika, dite Fred, débarque de sa Suède natale dans un lycée professionnel où elle est la seule fille. D’abord chahutée, elle devient l’égérie d’un groupe de trois potes soudés — Antero, Pasini et Mitis — qui font d’elle leur alter ego. Entre sorties, canulars et discussions sans fin, la vie file agréablement. Jusqu’au moment où l’un des trois mousquetaires sent quelque chose se nouer entre Fred et lui qui dépasse l’amitié. Mais est-il vraiment le seul ?

Révélée par Picolo Corpo (2021) un film rude se déroulant dans l’austérité du monde rural à l’aube du XX^e siècle, Laura Samani n’abandonne pas franchement cette époque : elle adapte ici en effet un roman quasi-centenaire de Giani Stuparich en le transposant de nos jours. Une translation à bon escient puisque l’essentiel est respecté : propulser une jeune femme dans un groupe de jeunes gens et observer les réactions sociales et/ou anthropologiques en résultant. Quelle que soit l’époque, il y a des invariants : les premières approches entre fascination et bêtise de ces grands ados, avant que la maturité de Fred n’impose sa loi.

Tous les garçons et les filles de cet âge

Le décalage entre Fred et les garçons n’est pas juste lié à une question de genre, d’âge bête ni d’hormones : il repose aussi sur une sorte hiatus civilisationnel. Venue de Suède et élevée dans une mentalité nordique, Fred apparaît à la fois plus réfléchie et indépendante que ses condisciples ; plus adulte également — ce qui va ajouter à son “charme” exotique… et faciliter son intégration comme un bon copain. Elle diffère aussi des autres filles entourant les trois inséparables, qui soudain deviennent bien ordinaires avec leurs codes terriblement latins.

Roman d’apprentissage débutant (et se concluant) par un joli plan subjectif vers l’entrée (puis de sortie) du lycée, marquant de manière explicite la parenthèse signifiée par le titre, Une année italienne est certes nourri par les souvenirs personnels de la réalisatrice — la relocalisation temporelle en est la cause — mais cela n’en fait pas pour autant une autobiographie divergée. Davantage que sur l’anecdotique, Laura Samani s’attarde sur le fond social : ainsi, la présence de Fred est-elle liée la nomination de son père aux RH d’une entreprise locale pour procéder à des “ajustements de personnels“ suscitant plus d’inquiétude et d’animosité à son encontre que de sympathie.

Stella la star

Reste le portrait de cette amitié à quatre — trangressifs et fêtards en groupe, mais aux individus plombés par la mélancolie et failles intimes — s’avère terriblement attachant. Chacun pourra s’y retrouver ou fantasmer d’avoir fait partie d’un quatuor aussi fusionnel… en regrettant que l’inéluctable compétition amoureuse en ait sonné le glas. 

On ne peut conclure sans pointer la cécité manifeste du jury Orizzonti ayant choisi de récompenser d’un prix d’interprétation Giacomo Covi, l’un des comédiens du trio — ce qui a de quoi surprendre tant le groupe fonctionne en osmose, de par (et grâce à) sa complémentarité. Surtout, il passe à côté de celle qui illumine le film : Stella Wendick. Si la jeune actrice aux faux-airs de Kate Winslett se distinguait naturellement par le rôle qu’elle campait, elle s’impose aussi par son talent. Il semble que certaines évidences échappent aux yeux les plus aguerris ; le temps et la future carrière de Stella Wendick se chargeront de les dessiller…

Une année italienne (Un anno di scuola) de Laura Samani (It.-Fr., 1h42) Stella Wendick, Giacomo Covi, Pietro Giustolisi… Sortie le 10 juin 2026.

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Le Vertige de Quentin Dupieux

Un matin comme un autre, Jacques débarque avant l’aurore chez son pote Bruno nanti d’une nouvelle ébouriffante : le monde dans lequel ils vivent n’est pas réel mais une simulation. Face à l’incrédulité de son hôte, Jacques lui présente des preuves irréfutables : une liste de bugs affectant le quotidien. Bruno se met alors à douter…

Action/réaction. L’économie artisanale de Quentin Dupieux lui permet de produire à l’envi des films “épidermiques”, c’est-à-dire exploitant artistiquement une idée en écho à une actualité ou un phénomène de société. Récemment, l’émergence de l’IA s’est ainsi retrouvée au centre du Deuxième acte et les influenceurs dans L’Accident de piano ; c’est à présent la question de l’avenir du cinéma (et du monde !) à l’ère des IA génératives que le réalisateur interroge en recourant, histoire d’accentuer le hiatus, à une esthétique numérique explicitement rétro faite de personnages et de décors à la limite du polygonal.

Vice-versa

Même s’il s’agit ici de son premier *long* métrage d’animation, rien de nouveau sous le soleil : Dupieux convoque des fidèles (Chabat, Cohen, Demoustier, Flat Eric) et tourne autour de l’idée de l’existence d’un monde contigu à celui dans lequel évoluent les personnages de sa fiction, l’un subissant les effets de l’autre ; le second pouvant engendrer des phénomènes étranges dans le premier. Reste à comprendre les mécanismes d’équilibres ou de passage éventuel entre les deux : il s’agit ici du traditionnel miroir, déjà bien poli par Lewis Carroll ou Cocteau.

L’outil miroir est d’autant plus efficient qu’il renvoie par essence au concept de mise en abyme, auquel le film ne se prive pas de faire référence : l’esthétique visuelle rudimentaire hurle la simulation archaïque, les personnages évoquent Matrix, le générique s’achève sur de faux bloopers révélant des coulisses fictives du plateau de tournage et l’autre côté d’une caméra n’ayant jamais existé… Dupieux pousse à ses limites le fameux contrat tacite avec le public autour du faux et du vrai. Et sa farce légère, presque dilettante avec sa musique 8bits, crée pour qui veut bien s’y pencher, une petite sensation de vertige.

Ne pas toucher

Enfin, il y a cette très Intéressante mention au terme du générique, enfonçant le clou d’un propos bien sérieux puisqu’elle semble interdire explicitement toute collecte de matériel lié au film par des IA — à des fins d’entrainement, on le suppose. Le réalisateur rétablit le primat de la création humaine, tout en circonscrivant l’outil numérique à ses limites d’exécutant dépendant d’ordres et d’autorisations. Ce qui devrait être la règle devient l’exception. À méditer…

Le Vertige de Quentin Dupieux (Fr., 1h08) animation avec les voix de Alain Chabat, Jonathan Cohen, Anaïs Demoustier, Jean-Marie Winling… Sortie le 10 juin 2026.

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Disclosure Day de Steven Spielberg

Spécialiste de cybersécurité chez Wardex une agence para-gouvernementale, Daniel Keller s’est enfui avec un lot de documents classées prouvant la présence de visiteurs extraterrestres sur notre planète. Traqué par les sbires de Scanlon, le patron de Wardex, Keller rencontre Margaret, une présentatrice météo ayant soudainement acquis un étrange pouvoir de divination. Sans le savoir, tous deux étaient voués à se rencontrer afin de révéler au monde un message venu de l’outre-espace…

« Tous les grands événements (…) de l’histoire universelle se produisent pour ainsi dire deux fois (…) : la première fois comme grande tragédie, la seconde fois comme farce » a jadis écrit Marx, qui à sa manière modernisait l’antique « bis repetita non placent ». Notez que l’on prend des précautions scripturales pour énoncer une phrase désagréable : Spielberg radote. Ou plutôt, il se répète mais, en moins bien. Disclosure Day est en effet un avatar contemporain de Rencontres du troisième type du genre honteux  car non avoué. Déjà que les auto-remakes s’avèrent des projets un peu bizarres, ils tournent au suspect lorsqu’ils ne s’avancent masqués.

Déjà vu

Certes, l’intérêt de Tonton Steven pour les aliens n’a rien d’une lubie passagère ; ceux-ci constitueraient plutôt une ligne structurante de son œuvre. Associés à des thématiques volontiers poétiques au parfum d’enfance (Rencontres du troisième type, E.T.) ou divertissantes (Indiana Jones et le Royaume du crâne de cristal), ils ne sont réellement hostiles que dans La Guerre des mondes… où l’écosystème terrestre finit de toute façon par les exterminer. Rebelotte dans ce nouvel opus : les visiteurs sont des incarnations de l’empathie un peu masochistes s’obstinants à crasher leurs astronefs hyper-sophistiqués sur notre planète, à se faire capturer et torturer par des scientifiques pervers sans jamais riposter. Avoir le goût du martyre à ce degré, ce n’est pas humain en effet.

Comme d’habitude, Spielberg désigne parmi les Terriens étasuniens des “élus” guidés par télépathie pour servir d’interprètes entre l’humanité et les visiteurs ; des go-between un peu paumés dans leur vie, histoire de rendre leur parcours encore plus fascinant… et messianique.

Que de sous-texte, sur-texte religieux en effet autour de cette révélation — qui aurait mérité de s’appeler “épiphanie” pour assumer totalement son côté biblique ! Entre la compagne de Daniel (tiens, comme le prophète de la Bible), ancienne novice ayant peur que la confirmation d’une vie extraterrestre bouleverse l’humanité dans sa croyance en Dieu ou les prêchi-prêchas de Scanlon, rarement Spielberg nous aura imposé un tel catéchisme. On est loin de l’universalisme décorrélé de la foi de Rencontres du troisième type.

Z files

Situé dans un contexte de tensions internationales — l’aube d’une Troisième Guerre mondiale très grossièrement esquissée pour faire joli — et dans un pays recroquevillé sur lui-même, Disclosure Day ne se prive pas enfin de recycler les plus vieilles lunes du “mensonge d’État“ destiné à maintenir la population dans l’ignorance… pour préserver son p’tit esprit limité ou prolonger sa servilité. Il y a trente ans et des poussières, X Files le faisait mieux en ouvrant au passage de nouvelles voies.

Laissons le fond pour la forme ; force est de constater qu’elle apporte aussi son lot de déceptions. Bien sûr, le métier du réalisateur assure de jolies séquences spectaculaires… qui sont hélas gâchées par un usage global d’une VFX pompier voire médiocre (au secours, les animaux numériques et les aliens moches !). Même la photo du chevronné Janusz Kamiński en prend un coup, avec des surexpositions capables de rivaliser avec les pires lumières fromage blanc télévisuelles. À se demander si Spielberg n’aurait pas mieux fait de garder sa révélation pour lui… 

Disclosure Day de Steven Spielberg (É.-U.,  2h25) avec Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth, Colman Domingo, Jane Blankenship… Sortie le 10 juin 2026.

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Fils de personne de Safy Nebbou

Peu de temps après avoir adopté le petit Mapring en Thaïlande avec son épouse, Thomas perd cette dernière dans un accident de la route. Déboussolé par le chagrin, le veuf s’embarque en compagnie du garçonnet mutique à la recherche de la mère biologique de Mapring. Dans quel espoir ? Lui-même ne le sait guère. Mais le voyage, chargé de rebondissements et d’angoisse, lui livrera une réponse…

On se souvient que dans Une part manquante de Guillaume Senez (2024), Romain Duris campait un Français exilé au Japon à la recherche de sa fille binationale enlevée par sa mère nippone. Son personnage mène ici une quête voisine puisqu’il s’agit à nouveau d’un occidental sillonnant un pays d’Asie à la poursuite d’une “part manquante“ qu’il pare de vertus magiques sans pouvoir les formuler. Sauf que, comme souvent dans les récits initiatiques, c’est moins le but que le voyage qui compte. Partir loin pour se rapprocher ; permettre à Thomas d’accepter le deuil et à Mapring de l’accepter, lui, comme père.

Pudeur et dépaysement

Certes ténu, l’argument de ce road movie d’apprivoisement rappelant de manière très, très, lointaine Paris, Texas est viable — ce qui n’est pas le cas d’un rebondissement qui voit Thomas oublier son passeport dans un commissariat du fin fond de la Thaïlande. Quel que soit le contexte ou l’émotion, nul touriste n’aurait l’absence d’esprit de commettre une telle étourderie ! Mais quand cela arrange les scénaristes… 

Blague à part, on ne doute pas de la sincérité de Safy Nebbou désireux de parler, par procuration à travers ce film, de son rapport à la paternité. On s’étonne en revanche qu’il s’abrite sans doute un peu trop derrière l’enveloppe esthétique du film. Serait-ce par pudeur ? En tout cas,  il renoue (à nouveau, après Dans les forêts de Sibérie, 2016) avec le dépaysement, les beaux paysages exotiques et la B.O mélancolique de son complice Ibrahim Maalouf. Le mélo est un registre complexe dont la manipulation n’a rien à envier à celle de la nitroglycérine : un débordement malencontreux peut risquer de tout atomiser en une fraction de seconde.

Fils de personne de Safy Nebbou (Fr., 1h37) avec Romain Duris, Master Sanpasiri Khosittachawanich, Vithaya Pansringarm, Cristiana Capotondi… Sortie le 10 juin 2026.

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