Dossier 137 de Dominik Moll

Décembre 2018. Un tir de LBD blesse gravement à la tête un jeune homme venu en famille participer aux manifestations parisiennes des Gilets jaunes. Ce “Dossier 137” atterrit dans les mains de Stéphanie Bertrand, une enquêtrice de l’IGPN qui cherche à établir les circonstances du drame. Plus ses investigations avance, plus elle met au jour des initiatives personnelles surprenantes de la part de certains membres des forces de l’ordre ainsi que graves dysfonctionnements dans la chaîne de commandement. Pis encore : elle se heurte à ses collègues et à sa hiérarchie…

Grande pourvoyeuse d’images, la “matière filmique” du mouvement des Gilets jaunes a bien vite donné naissance à plusieurs dérivés audio-visuels — outre les flux d’actualités diffusés en temps réel. Les premiers furent logiquement des documentaires tournés à chaud ou à tiède (J’veux du soleil de Gilles Perret & François Ruffin en 2019 ; Un pays qui se tient sage de David Dufresne en 2020) ; des films épidermiques et militants précédant des fictions où le phénomène sociétal devenait une toile de fond ou un contexte dramatique.

Les faits et les fautes

Si La Fracture (2021) de Catherine Corsini a ouvert le bal de manière presque anecdotique — le film aurait pu se dérouler dans n’importe quelle situation de manifestation —, d’autres auteurs ont attendu d’avoir un peu de recul sur les événements pour s’emparer du sujet tels que Thomas Kruithof (Les Braises) et enfin Dominik Moll pour ce Dossier 137, indéfectiblement lié aux Gilets jaunes puisque ce contexte constitue son substrat. Mieux : il en dévoile le contrechamp policier et leurs coulisses, matérialisant le deux réalités concomitantes au sein d’un même État (de droit). D’une part, l’action désordonnée de membres des forces de l’ordre ; de l’autre, l’instance de contrôle sur lesdites forces. Une instance toutefois entre le marteau et l’enclume.

Comme souvent, Moll autopsie ici la pulsion du mal ordinaire ; celui produit par des individus lambda placés dans de circonstances “favorables” à une déshumanisation temporaire… ou systémique. S’agissant des policiers exécutant (voire outrepassant) les directives d’une hiérarchie aux abois, on frissonne en pensant à la vérification en conditions réelles des conclusion l’expérience de Milgram : le blanc-seing de l’autorité libère des derniers scrupules. D’où l’importance de maintenir dans cet écosystème qu’est l’État démocratique ces anticorps régulateurs que sont les forces de la police des polices.

12 et 137 font toujours 22

Dossier 137 ressemble à La Nuit du 12, et pourrait en constituer le verso ou le second volet d’un diptyque. Pas seulement d’un point de vue structurel — dans les deux cas en effet, c’est une enquête qui sert de fil rouge — mais parce qu’il met en lumière un drôle de paradoxe : le fait que des fonctionnaires de police doivent mener un travail acharné, en luttant parfois contre leur propre institution, pour éviter qu’un crime demeure impuni. À force, on ne devrait plus trop être étonné : on voit bien des films où des enseignants essaient d’assurer leurs cours malgré les injonctions à ne pas faire de vagues…

Sur un mode plus léger, il est amusant de retrouver ici Léa Drucker en policière aussi obstinée qu’intègre, après son rôle dansLe Mélange des genres, qui la montrait justement rejoindre le groupe féministe qu’elle était était censée infiltrer… après avoir découvert les entorses aux règles du droit pratiquées par ses collègues du commissariat. Preuve qu’il y a une certaine continuité idéologique dans ses personnages de film en film.

Dossier 137 de Dominik Moll (Fr., 1h56) avec Léa Drucker, Stanislas Merhar, Sandra Colombo, Guslagie Malanda… Sortie le 19 novembre 2025.

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Jessica Palud (“Maria”) : « Faire un film dans le regard de Maria et ne pas le lâcher »

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Trans Memoria de Victoria Verseau

Une dizaine d’années après l’opération lui ayant permis d’achever son parcours de transition, Victoria est de retour en Thaïlande avec Athena et Aamina, deux amies ayant effectué le même double voyage qu’elle. Loin de se borner à un pèlerinage personnel, cette expédition est aussi l’occasion d’évoquer la mémoire de Meril une camarade qui, elle, n’est plus de ce monde…

Autoportrait pluriel en forme de journal ouvert sur plusieurs époques, Trans Memoria est donc un récit à plusieurs voix s’offrant des flashbacks multiples. Si l’on y retrouve de nombreuses confessions intimes de Victoria — notamment celles, sans filtre et empreintes de douleurs, avant et après son opération — ainsi que des images de son enfance, ce documentaire composite cherche à créer un espace collectif de parole grâce à l’effet « reconstitution ». Il y a dans ce protocole autant une démarche maïeutique qu’une volonté d’obtenir un objet expérimental hybride — Victoria Verseau étant artiste, la double intention formelle et plastique ne peut lui être déniée.

Deuil et renaissance

S’il retrace la naissance à leur nouvelle identité de chacune des protagonistes, Trans Memoria demeure marqué par l’ombre écrasante de l’absente, Meril. Film-cénotaphe, ce documentaire se trouve en définitive davantage hanté par le deuil qu’il ne l’aurait sans doute désiré, conférant à la  memoria du titre un vague air funèbre. Il tend également à lier de manière inéluctable transidentité et mal-être — et en même temps, il aurait été déplacé de contrefaire une joie de vivre exubérante alors que l’atmosphère est au recueillement. C’est donc un étrange objet, donnant l’impression d’être le point de départ d’un work in progress artistique en forme de confessionnal. L’avenir nous confirmera si c’est intuition est fondée ou non.

Trans Memoria de & avec Victoria Verseau (Fr.-Suè, 1h12) documentaire… Sortie le 19 novembre 2025.

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Des preuves d’amour de Alice Douard

Céline et Nadia sont en couple et filent un bonheur d’autant plus parfait qu’elles attendent leur premier enfant, que Nadia porte. Alors que la délivrance s’approche, Céline éprouve des difficultés à se projeter dans cette maternité qu’elle ne vit pas pleinement. D’autant qu’elle a des eu des rapports compliqués avec sa propre mère, une pianiste de renom, justement de passage à Paris…

Les films-dossiers ont ceci de fâcheux qu’ils sont trop souvent davantage des dossiers que des films. Comprenez : de traiter une problématique sociétale traitée sur un mode juridique, avec un désir un peu vain d’exhaustivité en choisissant un cas réunissant le plus de sous-alinéas spécifiques. Portés certainement par l’envie sincère (et l’orgueil ?) de “faire débat et date”, ils se trouvent en général si embringués dans leur cause qu’ils en oublient le cinéma. Résultat ? Une enfilade de clichés, de scènes convenues, le tout sur une trame dramatique rudimentaire (ça va/crise : ça ne va plus/ça va finir pas s’arranger). Comme si la vertu du propos exonérait de toute audace artistique, de toute velléité de réalisme, de tout effort d’émotion non préfabriquée — c’est-à-dire attendue.

Dossier du petit écran

Des preuves d’amour en est, hélas, l’illustration parfaite. Téléfilm sans vraiment de plus-value, c’est un peu la version féminine et post #MeToo de Comme les autres (2008) de Vincent Garenq — parce que le monde et la loi ont changé. Parce que le sujet (et l’amitié) l’emportent sur la forme, le générique se pare en plus de ses têtes d’affiche, de caméos de luxe : Anne Le Ny, le chef-op Tom Harari, la réalisatrice Jeanne Herry… Peut-être faudrait-il leur rappeler le mot de Jeanson, encore et toujours d’actualité : « on ne fait pas de bonne littérature avec de bons sentiments ».

Des preuves d’amour de Alice Douard (Fr., 1h37) avec Ella Rumpf, Monia Chokri, Noémi Lvovsky… Sortie le 19 novembre 2025.

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La Zone d’intérêt de Johnathan Glazer

La vie quotidienne à Auschwitz, côté “administration“, à l’intérieur de la coquette demeure de Rudolph Höss, le commandant du camp ; dans le jardin que son épouse Hedwig entretient avec amour, où leurs enfants s’ébattent. Indifférents à ce qui se passe de l’autre côté du mur, ils se félicitent de leur ascension sociale favorisée par le Reich…

Longtemps la question de la représentation des camps de la mort à l’écran aura été disputée et discutée. Si le documentaire va tenter d’en cerner les contours par la trace, l’évocation et le témoignage dès Nuit et brouillard (1956), puis avec la somme Shoah (1985), la fiction achoppera souvent. Kapò (1960), avec son « travelling-affaire-de-morale » sera le symbole de cette difficulté de donner à voir l’indicible ; Jerry Lewis quant à lui laissera inachevé son The Day the Clown Cried (1972). Il faudra attendra La Liste de Schindler (1993), puis La Vie est belle (1997), Amen (2002) ou Le Fils de Saul (2015) pour que des mises en images plus ou moins elliptiques de l’horreur concentrationnaire arrivent sur les écrans. Mais aussi pour qu’elles ne soient pas rejetées par principe.

Il faut dire qu’il n’y a pas trop intérêt à déconsidérer les bonnes volontés du 7^e Art, alors que le négationnisme et le révisionnisme prospèrent sur la disparition des survivants et sur la douloureuse rareté d’images d’archives documentant le quotidien des camps. Aujourd’hui, chaque film traitant du sujet, fût-ce maladroitement, agit comme une piqûre de rappel à destination des mémoires oublieuses.

Hors la vie

Point de faux-pas dans La Zone d’intérêt ; une extrême justesse au contraire dans la tentative de restituer le désir petit-bourgeois de “normalité” éprouvée par Hedwig Höss, capable faire abstraction de l’innommable se déroulant au-delà de son jardin, où fleurissent ses roses et ses arbres fruitiers. Il ne s’agit pas pour autant d’un déni, mais bien d’une acceptation de la déshumanisation en cours : les dignitaires vivent dans leur vase clos, le regard préservé des hideurs concentrationnaires travaillant à l’effacement d’êtres par milliers. Restent les bruits, omniprésents, qui activent un hors champ terrifiant contrastant avec l’image de “famille idéale“. Une carte postale à la teinte légèrement passée rappelant les tirages Agfacolor d’époque, qui renforce le malaise et l’impression “d’y être” — en épousant le mauvais côté, celui des tortionnaires.

C’est ce même sentiment que l’on éprouve à la lecture La Mort et mon métier où Robert Merle raconte (à la première personne) le parcours d’un décalque de Höss. Notons que dans le film de Glazer, cet homme de pouvoir passe au second plan — doublement en retrait de la “zone d’intérêt“, donc — derrière l’ambition de son épouse intriguant sans cesse auprès de sa hiérarchie pour conserver et sa maison, et ses privilèges. Sandra Hüller campe cette reine du logis effrayante de mesquineries et de banalité. Étrange année pour la comédienne, qui aura brillé avec personnages trouble et ambigus.

Un ultime mot pour saluer le génie de l’affichiste qui a su, par un aplat noir, faire hurler le néant tout en  obligeant l’œil à l’affronter.

La Zone d’intérêt de Jonathan Glazer (É.-U., G.-B., Pol, 1h45) avec Christian Friedel, Sandra Hüller, Johann Karthaus…

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Argylle de Matthew Vaughn

Autrice d’une série de romans d’espionnage à succès, la tranquille Elly Conway rencontre dans un train  Aidan, un authentique agent. La sauvant d’un enlèvement, celui-ci lui enseigne que sa prose intéresse les services du monde entier. D’abord incrédule, Elly va comprendre que ce qu’elle écrit n’est pas le fruit de sa simple inspiration… et apprendre à se méfier de tout le monde — y compris d’elle-même…

Sans nul doute la sucrerie de la semaine, mais rehaussée de saveurs explosives comme Matthew Vaughn a l’habitude d’en concocter depuis Layer Cake et surtout la trilogie Kingsman qui a sérieusement (au sens propre) rafraîchi le concept de spoof movie d’espionnage. En évitant d’une part de sombrer dans l’auto-parodie stérile et le bon mot frelaté ; d’autre part en s’attaquant avec rigueur à la question de la mise en scène, tout particulièrement pour les scènes d’action. Si les Bond demeurent des maîtres-étalons, titillés par la franchise M:I dans le registre spectaculaire — en mode “concours de mâles alpha” —, les films de Vaughn s’appuient sur une réflexion sur le mouvement et la chorégraphie de la violence pour en renouveler la figuration, au-delà des scènes de combat au sens strict.

Espion(ne), lève-toi

La bande-annonce d’Argylle (en fait, ne regardez jamais les bandes-annonces) laisse supposer qu’il pourrait s’agir d’une manière de version 2.0 du  Magnifique, le chef-d’œuvre de Philippe de Broca,, où se confondraient dans un même cosmos cinématographique un auteur casanier et les personnages issus de son imaginaire — ces derniers évoluant, bien sûr, dans des univers aux antipodes du quotidien du plumitif. Si l’intrigue semble de prime abord se conformer à ce postulat, elle oblique assez vite vers une mise en abyme plus profonde, renvoyant à l’ontologie du roman d’espionnage classique. Où les questions du masque et de l’identité sont intimement liées, et où les coups de théâtre renversent les perspectives.

Bien que conventionnels dans ce registre, les retournements sont ici adroitement menés ; ils se placent de surcroit au service d’un propos théorique enivrant : le réel inspire-t-il la fiction ou bien est-ce la fiction qui modèle le monde réel ? Dans cet enchâssement, une innocente note des Beatles peut prendre une résonance insoupçonnée. Inattendue est également le choix de Bryce Dallas Howard et Sam Rockwell en têtes d’affiche, reléguant Henry Cavill et John Cena aux troisièmes couteaux, si ce n’est aux utilités. Cela fait sans nul doute partie d’une stratégie de Vaughn visant à dynamiter les codes. Le résultat loin d’être de la poudre aux yeux.

Argylle de Matthew Vaughn (G.-B., 2h19) avec Bryce Dallas Howard, Henry Cavill, Sam Rockwell, Brian Cranston…

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La Ferme des Bertrand de Gilles Perret

C’est lorsqu’il affine patiemment ses sujets et s’en tient à la pratique d’un cinéma en circuit ultra court que Gilles Perret signe ses meilleurs films (Walter, retour en résistance, Les Jours heureux, La Sociale…). Dans une autre vie, le Savoyard aurait sans doute excellé en mettant de telles qualités au service d’une fruitière ; il a heureusement préféré les bobines aux meules.

Entre l’album de famille et la chronique par strates temporelles, La Ferme des Bertrand tient d’une forme de miracle. S’intéressant ici à ses voisins immédiats (trois générations d’agriculteurs — les Bertrand, donc), Perret fait résonner trois sources documentaires pour raconter, à travers leur exemple, l’évolution du monde paysan depuis un demi-siècle. Tout commence par un reportage de Marcel Trillat tourné en 1972 au même endroit, quand lesdits frères dirigeaient l’’exploitation, révélant autant la rudesse du métier que la clairvoyance des paysans. En 1999, Perret consacre son premier film Trois frères pour une vie, à la transmission de la ferme à leur neveu ; un quart de siècle plus tard, il reprend ces deux matériaux et y ajoute des images d’aujourd’hui.

Il y a évidemment quelque chose de bouleversant à contempler ainsi l’entreprise du temps : de film en film, on dénombre les disparus et les deuils à surmonter. L’on retrouve aussi les survivants, chenus et courbés, ressemblant à la description des vieux dans La Montagne de Jean Ferrat. Les générations sont passées, les techniques ont évolué, la mécanisation est arrivée mais l’attachement à la terre ou aux bêtes n’a pas diminué. Ce sont en définitive les mêmes forçats qui arrachent une survie aux flancs de la montagne, et qui font perdurer « la ferme des Bertrand » en dépit… de tout.

On notera d’ailleurs, parmi la foule d’informations qu’il délivre sur la vie du monde paysan, le documentaire fait mention d’une “anecdote“ intéressante : le fait que pendant des années, des agriculteurs ont a leur insu cotisé à la FNSEA. L’affaire a donné lieu à un procès, se soldant au terme d’une longue procédure par une relaxe au grand dam des organisations syndicales parties civiles. 

La Ferme des Bertrand documentairede Gilles Perret (Fr., 1h 29)

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They Shot The Piano Player de Fernando Trueba & Javier Mariscal

Qu’est-il arrivé à Francisco Tenório Jr ? Disparu en 1976 à Buenos Aires dans les prémices du coup d’État argentin, le sort de ce pianiste et compositeur brésilien n’a jamais été éclairci. Un journaliste new-yorkais féru de musique raconte l’enquête qu’il a menée de nos jours auprès des proches de Tenório — dont de nombreuses gloires de la bossa nova — pour retracer le parcours d’un génie au destin avorté…

Déjà ensemble à la manœuvre pour un film d’animation de fiction mêlant politique, histoire et musique (Chico & Rita, 2011), Trueba et Mariscal rassemblent à nouveau leurs forces, au service cette fois d’un documentaire. Au-delà de l’indéniable parti-pris esthétique et de l’ambiance visuelle créée en écho à l’univers musical évoqué par le récit, cette démarche offre d’indéniables avantages pratiques ou… éthiques.

Traitant d’une disparition, They Shot The Piano Player doit en effet se coltiner la question de l’absence de représentation visuelle. Non seulement parce qu’il n’existe pas à ce jour d’images d’époque de l’enlèvement de Tenório, mais aussi car certains témoins n’ont pas souhaité s’exposer frontalement à la caméra. Le médium de l’animation et le style adopté — une sorte de ligne claire mâtinée de fauvisme — autorisent en outre un décalage à la réalité, une possibilité d’interprétation ou d’incertitude… tout en conservant une forme unifiée. Au son d’être dépositaire de “l’authenticité“ : par la musique, bien sûr, mais aussi par les interviewes collectées — on mettra évidemment à part les personnages faisant office de passeurs, pris en charge par des comédiens tels que Jeff Goldblum.

Cénotaphe cinématographique pour un musicien martyr, They Shot The Piano Player aura-t-il la même incidence sur sa notoriété que Sugar Man pour Sixto Rodriguez ou Buena Vista Social Club pour Compay Segundo et consorts ? Permettra-t-il d’élucider totalement sa mort ? On le souhaite ardemment.

They Shot The Piano Player de Fernando Trueba & Javier Mariscal (Esp., Fr., Port. Pér., P.-B., 1h43) avec les voix (v.o.) de Jeff Goldblum, Roberta Wallach, Tony Ramos…

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Les Lueurs d’Aden de Amer Gamal

Il se dit des Lueurs d’Aden qu’il est le premier film yéménite sortant sur les écrans français. On ignore s’il a eu l’heur d’être projeté dans les salles à Aden (y a-t-il encore des salles de cinéma à Aden ?), mais ce qu’il ose montrer de la réalité du pays s’avère édifiant. 

On suit les infortunes d’une famille moyenne de la capitale confrontées aux aléas du quotidien. Ahmed, jadis employé à la télévision, s’est reconverti chauffeur car il n’était plus payé ; Isra’a, son épouse, découvre qu’elle est enceinte de leur quatrième enfant. Pris à la gorge, car ils doivent déjà payer les frais de scolarité des aînés et déménager, ils se résolvent à interrompre la grossesse, en s’appuyant sur une lecture favorable des textes religieux. Mais trouveront-ils une praticienne pour effectuer l’acte médical ? 

En un film, Amr Gamal synthétise donc une quantité stupéfiante de problématiques : guerre civile, crise économique, État laminé, pression de la religion, morale élastique de certains personnels hospitaliers — capable de s’assouplir avec quelques liasses… Optant pour une esthétique sobre “à l’iranienne“ (pour contourner les incursions inquisitrices sur son tournage ?), Gamal flirte ostensiblement par moments avec le documentaire, lorsqu’il pose sa caméra en pleine rue. La fenêtre qu’il ouvre ici sur cette partie du monde ne doit pas se refermer.

Les Lueurs d’Aden de Amr Gamal (Yem., Soud., Ar.-Sao., 1h31) avec Khaled Hamdan, Abeer Mohammed, Samah Alamrani…

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