Le Rêve américain de Anthony Marciano

Années 1990. Bouna et Jeremy ne vivent que pour le basket mais sont loin d’en vivre, tous deux effectuant des jobs alimentaires. Leur vient pourtant l’idée folle de se reconvertir en agents de joueurs et d’emmener leurs poulains vers la NBA. Lorsque l’on part de zéro, sans contact ni trésorerie, le pari relève de l’inconscience ou de l’optimisme débridé. Mais avec du bagout, de l’obstination et juste ce qu’il faut de chance, les miracles peuvent se produire…

À rêve américain, film à l’américaine. Mais dans le bon sens du terme : Anthony Marciano emprunte la construction de son films à ces biopics étasuniens édifiants retraçant la destinée hors du commun de self made men partis de rien mais qui, “grâce à un prompt renfort” (talent, chance, obstination, rencontres…) ont su triompher des adversités et se bâtir un empire. De fait, le parcours de Bouna Ndiaye et Jérémy Medjana coche toutes les cases : point de départ improbable, revers à foison, coups de Trafalgar mais dénouement heureux récompensant une vision novatrice et un engagement sans faille au service de leur passion. 

Complément d’agents

Sous des aspects un peu fantasques, nos deux agents sont en effet des bosseurs acharnés, brûlant jusqu’à leurs meubles pour faire en sorte que les joueurs dont ils ont la charge décrochent le Graal. Y a-t-il de l’idéalisation ici ? Sans doute un peu, mais le discours véhiculé tout au long du film mérite tout de même que l’on s’attache à l’exemple de ce duo. Car si outre-Atlantique la réussite se mesure à l’épaisseur du portefeuille ou aux signes extérieurs de richesse, Le Rêve américain insiste surtout un facteur décisif dans le succès de Bouna & Jérémy : leur entente sans faille (pas de rivalité, de coup fourré entre eux, ni de phase de doute) et leur droiture morale. Des valeurs plutôt salutaires dans le bizness familier des coups de Jarnac, comme dans le sport, où l’esprit de compétition déteint parfois salement sur les comportements.

Exalter la vertu de la parole donnée davantage que les chiffres astronomiques mentionnés par les contrats (OK, ils sont aussi cités, mais cela demeure presque secondaire) tient presque de l’exception, de l’affirmation d’une philosophie que ne dénigrerait pas l’auteur du Pouvoir des gentils, Franck Martin. Sans naïveté excessive ni perdre de temps à ruminer du ressentiment vis-à-vis de ceux qui les trahissent, Bouna et Jérémy tracent ainsi leur route, gravissant les étapes comme un joueur enchaîne les paniers à l’entraînement : à la fin, ils accèdent en élite.

Panier à deux potes

Pareil à un conte de fées, Le Rêve américain se déroule dans une plaisante fluidité. Le mérite en revient à Anthony Marciano, qui a su concilier la légèreté de la comédie sans transformer en farce ce qui demeure une aventure humaine au long cours. Le réalisateur a eu également une intuition lumineuse : confier à une paire de potes à la ville le soin d’incarner les inséparables associés. L’effet buddy movie setrouve tihours renforcé lorsque la complicité dépasse les rôles — revoyez les (nombreux) films avec les paires Walter Matthau & Jack Lemmon ou Ben Affleck & Matt Damon. C’est objectivement le cas avec Quenard et Zadi, qui non seulement sont complices mais complémentaires, sans s’entraîner mutuellement dans le cabotinage. Résultat : un bon moment de cinéma.

Le Rêve américain de Anthony Marciano (Fr., 2h01) avec Raphaël Quenard, Jean-Pascal Zadi, Olga Mouad, Tracy Gotoas, Marlise NGadem Bete, Gabriel Caballero, Yiling Yang… Sortie le 18 février 2026.

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Au-delà de Katmandou de Alexander Murphy

Jamuna et Anmuna Budha Magar — deux sœurs exilées à Katmandou — retournent dans leur village natal, situé loin dans les montagnes népalaises. Les bras chargés de présents pour parents, elles ont pour but de participer sur les hauts plateaux himalayens à la récolte d’un champignon aussi rare que prisé, le yarsagumba. Sa vente assurera un pécule suffisant aux Budha Magar et permettra à Jamuna de réaliser son projet : aller étudier au Japon…

Premier long métrage d’un cinéaste franco-irlandais fasciné par l’ailleurs, Au-delà de Katmandou pouvait difficilement explorer une géographie humaine et physique plus éloignée pour un Européen que celle du Népal ! Mais le voyage que Alexander Murphy propose à ses spectateurs n’a rien d’un livre d’images exotiques car il s’incarne dans une réalité concrète : celle de ses protagonistes, cicérones de ce documentaire à plus de 5000m d’altitude. 

Partir un jour

Prétextant leur “expédition-cueillette”, Murphy dépeint tout autant la vie quotidienne dans ces conditions extrêmes, la raréfaction de cette manne surexploitée pour ses vertus médicinales, que les relations au sein de la famille Budha Magar — car l’on suit les conversations intimes entre les quatre sœurs ou avec leurs parents. Surtout, Au-delà de Katmandou accompagne un moment-clef de la vie de Jamuna, sur le point d’annoncer aux siens son désir d’infléchir le cours de son existence en partant au Japon — une décision lourde de conséquences puisqu’elle risque de ne jamais revoir ses parents. Par comparaison, Katmandou était un bien petit exil, et la jeune femme en est consciente.

Moins didactique que centré sur les échanges interpersonnels, et ce qu’ils racontent en creux d’une inflexion inéluctable de la société népalaise — pas plus épargnée que le reste du monde par le souffle du “progrès” —, ce documentaire nous offre en contrebande des paysages époustouflants dont on ne peut s’empêcher de se demander jusqu’à quand ils demeureront intacts. Sic transit…

Au-delà de Katmandou de Alexander Murphy (Fr.-Nép., 1h29) documentaire avec Jamuna Budha Magar, Anmuna Budha Magar, Lachhin Maya Budha Magar, Anjali Budha Magar… Sortie le 18 février 2026.

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Horizon : une saga américaine Chapitre 1 de & avec Kevin Costner

1859. Les premiers pionniers acquéreurs de concessions à Horizon, dans la (future) vallée de San Pedro, sont abattus par des Apaches n’appréciant pas la profanation de leurs terres sacrées. Quelques années plus tard, alors qu’une petite communauté a émergé, un nouveau raid la rase. Les rares survivant sont recueillis par les Tuniques bleus pendant que des chasseurs de primes partent en quête de trophées. En parallèle, une jeune femme fuit le Dakota pour échapper à l’emprise d’une famille criminelle… et un nouveau convoi de charriots fait route vers Horizon…

Il faut d’emblée se souvenir que Kevin Costner a redonné de la vigueur — à l’instar de Leone, Peckinpah, Nelson, Penn ou Siegel avant lui — au western à l’aube des années 1990 : Danse avec les loups avait largement contribué à sauver le genre de sa périclitation. Un genre usé, ringardisé puis logiquement boudé par un public autant lassé par son manichéisme sommaire que par le “récit-fédéral” qu’il contribuait à colporter, au détriment bien entendu des Premières Nations. Grâces soient donc rendues à Costner qui, par une fresque lyrique et humaniste, avait su renouveler le regard des spectateurs.. 

Cette incursion dans le western n’avait rien d’une tocade pour Costner qui par la suite récidiva comme auteur et/ou interprète avec Open Range (2003), la série Yellowstone (2018—) ou l’injustement méconnu L’un des nôtres de Thomas Bezucha (2020). Rien d’anodin mis bout à bout. Mais… oserait-on dire que tout cela n’était qu’un préambule à un magnum opus, ce western-somme que ce premier chapitre de Horizon semble annoncer ? 

Western définitif, définition

Par essence, le western vise à raconter l’appétit pour les grands espaces et le désir des pionniers de les soumettre à leur main ; il y a une logique qu’il ait tôt accouché de fresques à la (dé)mesure des décors et récits fondateurs qu’il retrace : globalisant mais idéologiquement très elliptique (La Conquête de l’Ouest, 1962), opératique et allégorique via l’arrivée du chemin de fer transcontinental (Il était une fois dans l’Ouest, 1969), en s’ouvrant à la voix des Premières Nations (Little Big Man, 1970)… Équivalent cinématographique de la chanson de geste pour l’Amérique naissante, le western sublime tout autant les caractères héroïques que des panoramas hors normes. 

Horizon s’inscrit dans cette tradition en intriquant dans sa trame ample des destins individuels recouvrant plusieurs strates de la population, plusieurs civilisations. Davantage qu’un tableau, le film constitue une mosaïque dynamique — un quilt, devrait-on même écrire, pour rester dans l’ambiance — de l’ensemble des éléments constitutifs de ce paysage en formation du XIX^e siècle sans pour autant faire catalogue. Les lieux iconiques figurent naturellement mais débarrassés du folklore ; les archétypes aussi (cow-boy, prostituée, cavalerie…) mais délestés des clichés ; idem pour les situations canoniques (duel, raid etc.) qui gagnent ici en authenticité. 

Gain de temps

Permettre d’embrasser autant de personnages n’est possible qu’à la condition de s’autoriser la durée. Le premier chapitre de cette saga prend donc le temps de respirer, donnant aux fils dramatiques le temps et l’espace de se dévider en direction de leur horizon. À ce sujet, imagine-t-on un tel récit se déployer sur la diagonale étrécie d’une tablette ou d’un smartphone ? Le grotesque a ses limites que le format panoramique et la photo splendide de photo J. Michael Muro ne devraient pas connaître. Le travail sur la luminosité de l’image vaudrait en effet à lui seul l’expérience de la salle : l’étalonnage renoue avec l’éclat magnétique des paysages classiques, aux montagnes mauves se découpant sur des ciels d’un bleu éclatant. Les trois heures de ce spectacle rappellent le primat indiscutable de la salle sur les autres écrans.

Ce choix esthétique a aussi un prix. Si atteindre l’horizon est dans l’absolu une utopie et s’implanter à Horizon mission périlleuse, Costner a mis de sa poche pour édifier cet Horizon, aidé par le distributeur français Metropolitan Filmexport — qui avait pareillement soutenu Viggo Mortenensen pour Jusqu’au bout du monde. La frilosité actuelle des studios américains, en bout de d’inspiration et en fin de cycles(s), les mène à ignorer toute prise de risque sur des sujets pourtant patrimoniaux… et à manquer aujourd’hui ce qui constituera leur catalogue classique de demain.

Horizon : une saga américaine Chapitre 1 de & avec Kevin Costner (É.-U., 3h01) avec également Sienna Miller, Sam Worthington, Luke Wilson… En salle le 3 juillet 2024.

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Pourquoi tu souris ? de Christine Paillard & Chad Chenouga 

À la rue et sans boulot, Wisi se fait passer pour un sans-papier africain afin d’être hébergé par Marina, une bénévole humanitaire un peu crédule. Las ! sa combine est éventée par Jérôme, tout juste expulsé après la mort de sa mère, qui l’oblige à lui faire une place chez Marina. Le drôle de duo va alors tenter de se sortir de la mouise en accumulant des plans plus pourris les uns que les autres…

Totalement inattendue de la part de Chad Chenouga, plus coutumier des drames sociaux inspirés de son parcours ou de faits divers, cette comédie révèle un goût pour un humour poil à gratter d’autant plus caustique que les situations sont totalement en prise avec le réel. Goût partagé ici avec Christine Paillard du scénario à la réalisation, au fil de situations menant Wisi et Jérôme à expérimenter des magouilles moins génératrices de profit que d’embrouilles et de ridicule.

Seuls two

Trente ans après Les Apprentis (1995) de Pierre Salvadori mettant en scène deux fauchés aux prises avec des difficultés à peu près comparables, Pourquoi tu souris ? dépeint en parallèle la systématisation de l’exploitation intermédiaire dans notre société, où la moindre activité humaine peut être uberisée ; où la solidarité “loachienne” met du temps à ressurgir tant elle a été détrônée par le chacun-pour-soi. Comme dans les comédies cruelles italiennes, les auteurs ne cachent pas les défauts de leurs personnages et s’en servent même pour donner du piquant aux situations. Oui, il y a aussi des petits chefs imbuvables dans le monde associatif ; Jérôme a un sacré fond raciste et Wisi semble un brin homophobe. À quoi bon l’angélisme s’il travestit l’authenticité ?

Bien qu’il suive d’un duo de bras cassés se transformant en trio, puis en quatuor (en intégrant une vieille dame politiquement incorrecte mais prompte à la transgression), Pourquoi tu souris ? est aussi une photographie des solitudes contemporaines, lèpre n’épargnant personne. Mais tout est lié : l’isolement, volontaire ou subi, empêche de créer du lien. Donc de “faire société“, comme l’on dit, et favorise son émiettement. En provoquant des appariements baroques, le film recrée une forme de lien mais offre parfois des arrières-plans savoureux révélant les effets “dynamiques” de ces rencontres imprévues. D’ailleurs, celle de Jean-Pascal Zadi et Raphaël Quenard (qui se retrouve ici après Coupez ! de Hazanavicius) contribuent pour beaucoup aux sourires décochés par le film. On a là en partie l’explication du titre.

Pourquoi tu souris ? de Christine Paillard & Chad Chenouga (Fr., 1h35) avec Jean-Pascal Zadi, Raphaël Quenard, Emmanuelle Devos, Judith Madre, Camille Rutherford… En salle le 3 juillet 2024.

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Pendant ce temps sur Terre de Jérémy Clapin

Spationaute, Franck a disparu corps et biens en pleine mission intersidérale. Trois ans plus tard, sa sœur Elsa est soudainement parasitée par une forme de vie mystérieuse qui lui propose un étrange marché : lui rendre Franck à condition qu’elle lui fournisse d’autres humains “hôtes“ pour héberger les siens…

Après J’ai perdu mon corps(2019) le réalisateur Jérémy Clapin n’en a donc pas fini avec les quêtes organiques ni les cosmos fantastiques. Et s’il passe ici à des recherches d’individus “dans leur intégrité”, il opère toutefois un changement formel de taille en abandonnant (presque) le cinéma d’animation pour la prise de vues réelles. Cette “transmutation” fait d’ailleurs écho avec le thème du film : cette idée d’explorer et d’investir de nouveaux territoires artistiques rejoint le besoin vital des entités extraterrestres de coloniser des organismes humains.

Projet ambitieux, Pendant ce temps sur terre convoque et confronte ainsi de manière synchrone l’infini invisible de l’univers spatial à l’intériorité indicible des êtres. Le for intime d’Elsa se trouve contaminé par une entité capable de décider pour elle, la ravalant au rang de pantin, de coquille dépouillée de sa personnalité réelle. La jeune femme n’est alors guère différente de certains pensionnaires dont elle s’occupe dans l’EHPAD où elle travaille. Et quand elle redevient elle-même, elle se trouve confrontée à un dilemme métaphysico-cornélien : qui sacrifier pour satisfaire son désir égoïste de retrouver son frère ?

En corps ! 

Séduisant sur le papier, le film peine à transformer pleinement l’essai. Premier caillou scénaristique gênant : pourquoi diantre le “marionnettiste” a-t-il besoin de s’assurer de la coopération volontaire de sa “marionnette“ s’il peut la contrôler à sa guise ? C’est beaucoup (trop) d’égards de la part d’un parasite vis-à-vis de son hôte. Et surtout se compliquer la vie pour rien ! Si l’on admet toutefois la mansuétude peu logique de l’entité extraterrestre, on trouve peu judicieux les scrupules et les choix d’Elsa — mais c’est un autre débat ! Question effets spéciaux à présent, Clapin oscille entre une inspiration cronenbergienne volontiers gore et un low tech plus suggestif — une alliance peu encline à produire de la cohérence. Reste l’atout majeur du film : Megan Northam, qui incarne depuis quelques années un intéressant renouvellement des visages du cinéma français. Heureusement qu’il y a l’humain, finalement.

Pendant ce temps sur Terre de Jérémy Clapin (Fr., 1h29) avec Megan Northam, Sofia Lesaffre, Catherine Salée… En salle le 3 juillet 2024. 

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