Little Jaffna de & avec Lawrence Valin 

Policier français d’origine tamoule, Michael Beaulieu est chargé d’une mission d’infiltration au sein d’un gang pratiquant l’extorsion de fonds auprès de sa communauté à Paris afin de financer les Tigres, une organisation indépendantiste tamoule du Sri Lanka. S’il parvient à gagner la confiance des chefs du mouvement, sa position l’expose à des risques et à une surveillance accrus…

Dès la première séquence de son premier long métrage, Lawrence Valin donne le ton avec une course-poursuite trépidante parmi les étals d’une fête traditionnelle. Rythme frénétique, couleurs diaprées et saturées comme si l’image cherchait en sus nous faire ressentir la chaleur épicée se dégageant des stands alimentaire, son film nous transporte ailleurs. Mais cet ailleurs n’a rien de folklorique ni de pittoresque, il est une composante de l’ici, porteur donc de cette idée d’une double culture : dans le décor parisien, la diaspora tamoule s’est créée une enclave. Et le personnage infiltré de Michael en est le cicérone.

Double je

Dévoilant une communauté peu connue et peu visible dans le cinéma occidental (exception faite du Dheepan de Jacques Audiard évidemment), Little Jaffna tire avec intelligence parti de la situation historico-politique du Sri Lanka pour asseoir sa trame de polar — virant volontiers au thriller. Si l’enquête met au jour les réseaux d’approvisionnement économique de la mafia tamoule, ainsi que la destination des fonds collectés pour l’armée indépendantiste du Sri Lanka, elle n’a rien d’une opération routinière, exigeant un investissement corps et biens du policier, bousculant sa propre identité.

On n’est pas loin de penser que cette immersion totale résonne avec celle de Lawrence Valin : lui aussi a dû, pour les besoins du film et du rôle, puiser dans ses origines et sa double culture afin de parvenir à cette synthèse adroite souscrivant aux codes attendus par le public européen… sans pour autant rebuter les spectateurs accoutumés aux canons du cinéma tamoul. Interrogeant en permanence ce qui fait appartenance à une tradition (manger avec des couverts versus avec ses doigts trahit par exemple pour les Tamouls un renoncement à ses racines), Little Jaffna joue au point de vue formel sur les deux tableaux, entre tentation de l’extraversion spectaculaire et réserve intimiste. Preuve que le compromis (ou l’hybridation) est toujours possible et source de créativité.

Little Jaffna de & avec Lawrence Valin (Fr., 1h40) avec également Kawsie Chandra, Puviraj Raveendran, Vela Ramamoorthy… En salle le 30 avril 2025.

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Tu ne mentiras point de Tim Mielants 

L’Irlande, au milieu des années 1980. Alors que la crise et la misère frappent le pays, Bill Furlong s’en sort vaille que vaille avec sa petite entreprise de charbonnier. Il compte parmi ses clients le couvent local, institution riche, puissante et crainte dans la région. Mais lorsqu’il découvre à l’occasion d’une livraison qu’une pensionnaire a été sciemment abandonnée en plein hiver dans la réserve à charbon en guise de punition, la vérité de ce lieu lui apparaît. Et un cas de conscience commence à le hanter…

Abrupt et sans fioritures, Tu ne mentiras point exsude à chaque plan cette misère froide et poisseuse qui imprègne les corps de ce village qu’on croirait figé dans les années 1950, voire — s’il n’ y avait pas quelques timides marqueurs de modernité — au XIX^e siècle. L’activité qu’exerce Bill Furlong semble surannée tant elle évoque l’époque de la machine à vapeur, dont ce satané charbon permit l’essor. Ce parallélisme entre archaïsme énergétique et obscurantisme moral n’est sans doute pas anodin : le poids des traditions pèse sur la petite communauté terrorisée par le pouvoir spirituel exercé par les sœurs du couvent. Exerçant une autorité morale “de droit divin”, elles président aussi aux destinées des familles en éduquant les élèves méritantes ou distribuant, selon leur bon vouloir, quelques subsides issus de leur caisse rebondie aux nécessiteux.

Couvent odieux

La face sombre que Furlong découvre et contre laquelle il va se dresser, tout chrétien qu’il soit, en tant qu’homme, mari et père, rappellera l’histoire racontée dans The Magdalene Sister. Lion d’Or à Venise en 2002, ce film traitait déjà de la réclusion de jeunes femmes placées de force par leur famille dans des couvents en Irlande, le plus souvent parce qu’elles étaient enceintes et que leurs proches désiraient éviter que le voisinage jase — s’assurer d’une bonne réputation de façade et abandonner sa fille à une vie de pénitence, d’humiliation et de servitude, voilà qui traduit une curieuse interprétation du message d’amour prôné par les Évangiles…

Dans le rôle du bon apôtre, seul contre tous à avoir conservé son intégrité et le sens de la charité, Furlong agit selon sa conscience à l’instar le marin du poème Les Pauvres Gens de Victor Hugo — dont Guédiguian s’était inspiré pour Les Neiges du Kilimandjaro.

Pour Cilian Murphy, acteur irlandais ayant fait preuve d’’engagement par le passé quant à l’histoire de son pays (voir sa participation à Le Vent se lève de Ken Loach, Palme d’Or en 2006), endosser ce rôle — de surcroît après celui d’Oppenheimer qui lui a valu sa reconnaissance internationale — équivaut à un nouvel acte militant. Comme une incitation à mettre davantage en lumière le passé (récent) honteux pour mieux l’affronter et, peut-être, le réparer. Sa prestation de bon samaritain ne doit pas faire oublier celle de son antagoniste, la mère supérieure campée par une inquiétante Emily Watson : comme dans les James Bond, il faut que le méchant soit bon pour que le film le soit.

Tu ne mentiras point (Small Things Like These) de Tim Mielants (Irl., 1h38) avec Cillian Murphy, Emily Watson, Eileen Walsh, Michelle Fairley… En salle le 30 avril 2025.

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Une pointe d’amour de Maël Piriou 

Avocate se sachant condamnée à brève échéance par la maladie, Mélanie a décidé de s’offrir un voyage dans une maison close spécialisée en Espagne. Elle oblige davantage qu’elle ne convainc son meilleur ami Benjamin, lui aussi en fauteuil, de l’accompagner. Et recrute pour les conduire à bon port le très ronchon Lucas, un de ses clients à peine sorti de prison, dont elle doit plaider le dossier…

Adaptation de Hasta la Vista (2011), film belge flamand — comme son nom ne l’indique guère — de Geoffrey Enthoven, Une pointe d’amour en est davantage une relecture qu’un remake puisqu’il se resserre sur trois personnages au lieu d’embarquer un groupe de copains en goguette. Il laisse également affleurer une intrigue sentimentale qui si elle semble de prime abord cousue de fil blanc, s’étoffe grâce à de nombreux changements de cap — à l’instar de l’expédition ne cessant de différer le moment d’arriver au terme du voyage.

Pudeur des sentiments

Cette trajectoire en zigzag vers l’Espagne retarde l’échéance mais renforce la promiscuité-proximité entre Mélanie et Benjamin (ainsi que Lucas, par la force des choses) à l’intérieur de leur van hors d’âge. Et leur offre les occasions de se livrer, voire de se délivrer de leurs secrets intimes ou désirs refoulés. À ce petit jeu de séduction rentrée et confessions muettes, Maël Piriou se montre plutôt habile en mêlant sensualité des frôlements et pudeur extrême. Sa distribution épouse à merveille cette ambivalence : Grégory Gadebois en aidant soupe au lait et introverti colle  à l’emploi ; quant à Julia Piaton et Quentin Dolmaire, ils forment non pas un couple de cinéma, mais un couple crédible. 

Au-delà de leur romance à vitesse réduite, Une pointe d’amour pose en parallèle ce sujet de l’assistance sexuelle des personnes en situation de handicap — à la base de tout, il y a tout de même ce voyage en Espagne pour que Mélanie et Benjamin puissent bénéficier d’une première relation charnelle — qui n’est pas légalement reconnue en France puisqu’assimilée à de la prostitution. La question avait déjà été posée à l’écran il y a un quart de siècle (!) par Jean-Pierre Sinapi dans Nationale 7 (2000) ; force est de constater qu’il faudra encore beaucoup de films pour que cette problématique soit considérée sans être remise aux calendes grecques.

Une pointe d’amour de Maël Piriou (Fr., 1h24) avec Julia Piaton, Grégory Gadebois, Quentin Dolmaire, Florence Viala, Louis Meignan… En salle le 30 avril 2025.

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Les Règles de l’art de Dominique Baumard

 Le hasard place sur le même chemin Éric, un receleur hâbleur et Yonathan, un expert en montres de luxe. Vivant d’escroqueries en entourloupes, le premier tire le diable par la queue quand le second végète dans un confort routinier. Embobiné par Éric, Yonathan commet un “coup” facile qui lui donne le goût vénéneux de la transgression. Les choses se compliquent quand Jo, un cambrioleur travaillant avec Éric, dérobe cinq toiles de maître au Musée d’Art Moderne de Paris pour satisfaire une demande d’Éric. Yonathan se retrouve dans un grand bain où il n’a pas vraiment pied…

Ce qui ressemble à une comédie à l’italienne des années 1960 (Sordi, Mastroianni et Gassman ou Tognazzi au générique), voire britannique des 1990’s (avec Hugh Grant, Alan Rickman et Pete Postlethwaite ou Robert Carlyle et Bill Nighy) repose pourtant sur une histoire authentique et bien française de 2010. À peine romancé pour les besoins de la cause cinématographique, le vol (puis la disparition) de cinq toiles du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris est en effet l’œuvre de trois “artistes” amateurs dans ce registre de cambriole. Entre l’audace — ou l’inconséquence — du geste et le fait que le butin n’ait jamais été retrouvé, il y avait de quoi raconter cet enchaînement calamiteux de circonstances.

Images piquées et piqué de l’image

Étrangement, Dominique Baumard ne tire son récit ni vers le polar ni vers la comédie. Bonne intuition : il signe ici un exercice de style hybride cherchant à retranscrire l’effet produit par Éric sur Yonathan : cette étrange séduction tournant à l’emprise. L’escroc s’impose à ses interlocuteurs par son bagout, les hypnotise par des spirales de mots faisant vibrer la corde sensible autant que sa suractivité. La paire Sofiane Zermani/Melvil Poupaud, forme un duo impeccable pour cet intrigant rapport entre un prédateur et sa proie consentante.

Puisque l’on parle de style, évoquons le travail remarquable de l’image — mais doit-on s’étonner lorsque l’on sait que le chef-opérateur Julien Poupard est à la manœuvre ? D’une beauté picturale sur les plans de nuit (il y a une ambiance à la Van Gogh dans les extérieurs de la séquence du braquage), la photo fait écho à la gamme chromatique des toiles disparues : leur absence se trouve ainsi ironiquement suggérée à chaque instant ou presque à l’écran. Et comment ne pas être fasciné par cette composition impressionniste devant cette devanture de café ruisselante de buée lors du face à face final entre Éric et Yonathan ? La forme du film a su se hisser à la hauteur du fond ; il manque toutefois une étincelle de rythme pour faire des Règles de l’art une pièce de musée.

Les Règles de l’art de Dominique Baumard  (Fr., 1h34) avec Melvil Poupaud, Sofiane Zermani, Julia Piaton, Steve Tientcheu… En salle le 30 avril 2025.

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Le Mélange des genres de Michel Leclerc

Comédien abonné aux cachetons, Paul est surtout homme au foyer, son épouse et consœur triomphant  sur les planches. Paul a surtout la malchance d’être pris pour cible par une bande de féministes radicales, les Hardies. La faute en incombe à Simone, policière infiltrée au sein du mouvement qui, pour conserver sa couverture, désigne Paul au hasard comme un agresseur sexuel alors qu’il est le plus déconstruit des hommes. Pour lui, le doute et l’introspection s’ajoutent aux ennuis…

Quel plaisir de retrouver dans un film de Michel Leclerc ce mixte de légèreté et de savoureux mordant qui avait fait le succès de l’inusable Le Nom des gens ! Une alchimie peu banale à la vérité puisque l’auteur (et son indispensable co-scénariste Baya Kasmi) étaient parvenus à inscrire une histoire sentimentale digne des meilleures romcoms britannique dans une trame politique sérieusement engagée, le tout servi par une distribution idoine et alerte. Rebelotte donc avec Le Mélange des genres.

Après les mâles de droite à rééduquer, Leclerc s’intéresse ici à la question de l’égalité entre les femmes et les hommes dans notre société, dans chaque strate du corps social  : le niveau volontaire individuel, avec le personnage de Paul se “déconstruisant” en endossant les fonctions traditionnellement dévolues aux femmes dans le couple ; la mouvance militante/associative/revendicative/activiste incarnée par le collectif féministe Hardies et enfin, le cadre légal théoriquement représenté par les services de police. 

Un genre de nouvelle donne

Mais, et c’est tout son intérêt et son art, si Le Mélange des genres ne conteste évidemment jamais la nécessité d’atteindre à cet objectif, cette comédie pointe avec une acuité caustique les paradoxes et les absurdités de chaque “entité” considérée. Seuls (et seules) les dogmatiques auraient la mauvaise grâce de ne pas saisir, derrière la dérision et le burlesque des situations, la pertinence de l’analyse ici proposée. En flirtant parois avec l’absurde Michel Leclerc, n’est pas loin du lanceur d’alertes lorsqu’il rappelle combien des individus peuvent être aussi suivistes que les brebis de Panurge derrière une ou un gourou en carton : seule compte leur appréciation personnelle de la loi et leur désir de revanche. Il n’épargne pas non plus les services de police qui admettent en leur effectif des éléments ouvertement machistes et laxistes face aux violences domestiques.

Notons au passage qu’il “n’essentialise” pas : il pointe des comportements aberrants émanant de personnes dont les actes sont en décalage manifeste avec ce qu’elles professent ou sont censées incarner  de par leur fonction — ce qui ajoute au passage à la causticité de la comédie. Au bout du compte, Le Mélange des genres est moins un pamphlet contre les activistes ou la police — il faudrait vraiment manquer d’autodérision comme les pires des extrémistes pour faire pareil contresens ! — qu’un plaidoyer pour une relation apaisée (et empreinte de douceur) entre les genres. Une sorte de un new deal sociétal et/ou sentimental.

Pas de comédie sentimentale sans sentiments — ici on joue sur le velours de la douceur — ni, surtout, comédie et donc comédiens ad hoc. Comme toujours, Leclerc élargit sa troupe à bon escient avec ici l’arrivée de Benjamin Lavernhe — qui pourrait faire un Benjamin Malaussène parfait tant il est magistral en bouc émissaire. Ce personnage de tragédie essoré par le quotidien est d’autant plus sublime qu’il est porté par une forme de transcendance (la foi qu’il place en son métier de comédien) et sans cesse contrecarré par fatalité alors qu’il s’ingénie à devenir la meilleure version de lui-même. Sa lente et imméritée déchéance, digne de la mise l’épreuve divine de Job, devrait nous apitoyer. Mais l’Homme est ainsi fait qu’il en rit car c’est effroyablement drôle !

Le Mélange des genres de Michel Leclerc (Fr, 1h43) avec Léa Drucker, Benjamin Lavernhe, Melha Bedia, Julia Piaton, Judith Chemla… En salle le 16 avril 2025.

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La Réparation de Régis Wargnier

Alors que son restaurant est sur le point de décrocher sa troisième étoile, le chef Paskal Jankovski disparaît lors d’une partie de chasse en compagnie de son second, Antoine — par ailleurs amant secret de Clara, fille unique de Pascal. Plusieurs mois s’écoulent dans un silence absolu, jusqu’à ce que Clara reçoive une invitation anonyme pour un festival gastronomique à Taipei. Espérant y trouver des réponses et des explications à cette double absence, elle s’envole pour Taïwan…

Le titre résume à lui seul une grande partie de l’œuvre de Régis Wargnier qui a toujours volontiers traité des histoires d’âmes, de corps ou de familles largement endommagées par l’existence, l’Histoire ou la politique… Des individus malmenés en quête d’une restauration (ou d’une rédemption) que raconte le film. Entre réparation et consolation, Clara est bien dans cette attente d’une résolution personnelle que ce parcours initiatique comparable à celui que son père fit jadis en Asie, doit en théorie permettre d’accomplir. Sa quête de sens est de surcroît profondément sensorielle puisqu’elle suit une piste et un atavisme gustatifs. 

Réparer les vivants

Dire de La Réparation (et des films précédents de l’auteur) qu’ils sont d’une facture académique ne devrait a priori pas le heurter. Outre le fait qu’il compte au nombre des rares membres de la section “cinéma et audiovisuel” de l’Académie des beaux-arts, le réalisateur a toujours témoigné d’un attachement à la forme, ainsi qu’à une esthétique picturale plutôt classique. Chaque plan est ainsi susceptible d’accueillir une composition valorisant la beauté exotique des paysages, la subtilité des créations gastronomiques, l’équilibre des personnages ; chaque séquence ou presque bénéficie en sus de l’accompagnement immersif de Romano Musumarra, auteur ici d’une partition sobre aux échos mélancoliques.

Le retour du compositeur de La Femme de ma vie (1986), des paysages asiatiques devant la caméra de Wargnier après Indochine (1991) ou Le Temps des aveux (2014) ne constitue pas une redondance ni un bégaiement. Pour preuve, le cinéaste s’entoure ici d’une distribution privilégiant les nouveaux visages — exception faite de Louis-Do de Lencquesaing et Clovis Cornillac, évidemment. Bonne pioche : Julien de Saint-Jean confirme ce qu’il a déjà démontré ailleurs et Julia de Nunez s’affirme dans ce qui est son premier grand rôle au cinéma. S’il fallait toutefois glisser une réserve, elle concernerait les dialogues un peu trop gangrenés de répliques explicatives et utilitaires. Quand on peut faire des images, la parole est souvent superflue.

La Réparation de Régis Wargnier (Fr, 1h44) avec Julia de Nunez, Clovis Cornillac, Julien de Saint-Jean… En salle le 16 avril 2025.

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Oxana de Charlène Favier

Paris, juillet 2018. Alors qu’elle prépare dans la fièvre le vernissage de son exposition, Oksana Chatchko sillonne la ville avec un mixte de lassitude et de colère : l’ancienne fondatrice des Femen peine en effet à faire reconnaître son statut de réfugiée politique auprès des autorités françaises. En parallèle, on découvre la trajectoire qui a mené cette jeune artiste ukrainienne vers l’activisme féministe. Un parcours qu’elle a payé au prix fort…

Le problème des biopics consacrés à des personnes unanimement respectées rappelle cette impasse que rencontre la littérature noyée sous les bons sentiments : quand le personnage principal se prête à une forme de sanctification laïque, le récit de sa vie tourne vite, qu’on le veuille ou non, à l’hagiographie. En même temps, faudrait-il se forcer à assombrir le portrait pour la seule raison que le sujet manque de zones d’ombres et de nuances ? Tout le monde n’a pas la chance d’avoir à traiter d’une fieffée crapule façon Mister Hyde !

D’autres vies que la sienne

Concernant Oksana Chatchko, il n’y a pas débat : son légitime combat en faveur des droits des femmes ainsi que l’empilement des misères l’ayant frappée au cours de sa courte existence créent une sympathie spontanée à son endroit. Lanceuse d’alerte et militante, la jeune artiste s’est surtout retrouvée à plusieurs reprises en situation de victime : d’abord torturée, molestée et stigmatisée en Ukraine, Biélorussie et Russie puis trahie par d’anciennes sœurs de lutte qui la déposséderont du mouvement qu’elle a fondé, Femen. 

Cet ensemble tragique se soldant de surcroît par un suicide avait à lui seul de quoi dessiner l’arc dramatique du film. Mais par un choix — une coquetterie, presque — d’autrices et pour faire davantage fiction, Charlène Favier et sa coscénariste Diane Brasseur ont imaginé un “dernier jour“ synthétique pour Oksana, haché de flashbacks. Hélas, ces va-et-vient incessant chahutant artificiellement la chronologie brouillent davantage la compréhension qu’ils ne rythment le récit. Voilà qui laisse une impression mitigée : comme si, une fois encore, d’autres voix avaient cherché à recouvrir celle d’Oksana. Paradoxal.

Oxana de Charlène Favier (Fr, 1h43) avec Albina Korzh, Maryna Koshkina, Lada Korovai, Noée Abita… En salle le 16 avril 2025.

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Avez-vous conçu Le Mélange des genres comme une réaction ou une conséquence du mouvement #MeToo ?

Michel Leclerc : Non. Je n’ai pas envie de faire un film qui délivre un message ; plutôt de faire un film qui exprime un ressenti. C’est pour ça que je fais des films et que je n’écris pas d’articles : en une heure et demie, j’essaye surtout d’être dans la nuance. Je passe par un film parce qu’à travers la fiction et plusieurs personnages, on peut exprimer des sensations et des points de vue différents. Et ensuite, c’est à chacun des spectateurs de se sentir plus proche de l’un ou l’autre des personnages. Et de ce qu’ils racontent. 

Mon film n’est donc pas une réaction — ça veut dire qu’il est très réactionnaire — et je crois pas qu’il le soit ; au contraire, j’ai envie qu’il ouvre vers le futur. Il pose plus des questions qu’il donne des réponses — en tout cas, ça finit sur une question : quels vont être les rapports entre les hommes et les femmes après le mouvement. #MeToo ? C’est la seule chose que le film dise, je crois.

Au passage, vous mélangez plusieurs genres de films…

Ça m’est assez naturel ; j’aime bien l’hybridation. Depuis le début, j’aime les gens qui se mélangent — au-delà d’une formule, c’est vraiment un art de vivre : je n’aime pas la pureté. Tous mes films, je crois racontent la même chose : l’histoire de gens qui se mélangent. Le titre est assez proche de ce que je pense. Alors, ça mélange les genres de cinéma : un peu de polar, un peu de comédie, un peu de film politique… Ce que j’aime, c’est le bordel. Je n’ai pas envie de bien peigner le film que je fais. 

Vous vous êtes aussi “déconstruit” musicalement, puisque vous n’avez pas interprété la chanson finale. Vous avez fait appel à Vincent Delerm…

En termes de musique, mes ambitions sont très modestes ! Je n’ai pas du tout l’ambition de faire la musique de tous mes films. Il se trouve que le précédent parlait de ça. J’avais déjà travaillé avec Vincent sur un précédent film, La Vie très privée de Monsieur Sim avec Jean-Pierre Bacri. Vincent fait partie de ces hommes qui expriment une douceur, une fragilité, une sensibilité qui me parlent. Et puis j’adore sa musique : c’est un grand musicien. Donc quand j’ai réfléchi à la musique, j’ai pensé à lui, on s’est vus. C’est lui qui m’a parlé de cette chanson de Goldman que je connaissais, qui s’appelle Doux, et que je trouvais très bien correspondre au personnage de Benjamin [Lavernhe, NDR] dans le film. C’est lui qui a proposé de la chanter. 

Lui avez-vous également suggéré d’être présent physiquement à l’image ?

Oui. On s’est dit en parlant ensemble : « ce serait marrant que tu fasses une apparition. » Je dois avouer d’ailleurs qu’au moment du Nom des gens, j’avais déjà demandé à Vincent s’il voulait bien jouer dedans. Pour qui l’a vu sur scène, il est très très drôle. Il est un personnage sur scène et il a toujours refusé de jouer dans un film — je crois que c’est sa première apparition.

D’ailleurs, comment procédez-vous pour mélanger vos acteurs ? 

C’est toujours très amusant de réfléchir à un casting parce qu’on se demande qui on va faire jouer en face de qui — c’est le plus important : comment ça réagit en termes de chimie. Au bout d’un moment, quand on fait un casting, il y a des comédiens qu’on connaît, dont a une idée de ce qu’on veut les voir interpréter. Et ensuite, des comédiens qu’on ne connaît pas — par exemple, je ne connaissais pas du tout Léa Drucker. La composition d’un casting, c’est mettre le sel avec le poivre, c’est toujours intéressant de mélanger.

Quelle a été votre part d’investigation dans les différents milieux — police, associations féministes etc. — que présente le film ? 

Pas grand-chose : je m’en fous ! Je me suis documenté un petit peu. Je trouve que c’est un peu poseur de dire : « ah, j’ai fait un an d’enquête, etc. » Le mouvement #MeToo concerne tout le monde, aussi bien vous que moi. À partir de là, tout le monde est légitime à en parler et à exprimer un ressenti. Ensuite, je suis dans une fiction ; je ne fais pas un documentaire ; je n’ai pas besoin d’être réalistement juste. C’est toute la différence entre le réalisme et la justesse. J’ai envie de faire un film juste — c’est-à-dire qu’il parle d’un endroit qui est ressenti — mais le réalisme n’a jamais été mon propos.

Il y a une séquence où je sors de mon registre : cette scène où une femme qui a tué son mari est interrogée par Simone (Léa Drucker). On me pose souvent la question si la comédie est plus difficile que le drame ; pour moi, c’est beaucoup plus facile. Quand je fais une scène comme ça assez dramatique, j’ai toujours un peu du mal à trouver le bon curseur. J’ai toujours peur d’être dans le pathos. Il fallait que cette scène soit perçue par les spectateurs comme tout ce qu’il y a de plus sérieuse : c’est ça qui établit le point de départ du film, la raison pour laquelle Simone enquête chez les Hardies. Je me suis bien pris la tête sur cette scène ! 

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Le Mélange des genres présente davantage qu’une synchronicité avec Mikado — tous deux ont une co-scénariste en commun et sortent à une semaine d’intervalle. Au-delà, une séquence de Mikado fait écho à votre film : celle où Ramzy et Félix Moati sont le point de se battre mais renoncent, qui est un magnifique (et inhabituel) exemple de déconstruction de personnages masculins… 

Ah de toute façon, on va dire qu’il y a un lien entre l’autrice et moi… assez fort (sourire) Même si les deux films n’ont pas grand-chose à voir, on a quand même probablement beaucoup de points communs sur la manière d’aborder les personnages, leur sympathie et leur antipathie ; sur le fait d’abord et avant tout de faire des films de personnages. Et de déjouer, par exemple, le personnage de Félix dans Mikado. Il peut paraître antipathique, par exemple, mais il est tout le temps sauvé par son humanité : on ressent à quel point la vie est difficile. Il se raccroche à sa famille comme à une bouée de sauvetage — sauf qu’il manque de la faire couler. On a vraiment ça en commun : travailler sur cette ligne de crête des personnages, toujours au bord de tomber dans l’antipathie.. 

L’écriture a-t-elle été ici plus compliquée que pour vos autres films ?

Ça a été très compliqué. D’abord, parce qu’à l’origine de l’envie d’écrire ce film, il y a énormément de discussions avec Baya Kasmi — voire de disputes sur ce sujet. En plus, on est dans le milieu du cinéma ; je suis réalisateur, elle est réalisatrice… Ça a donné lieu à des débats parfois tendus. Donc, j’avais dit à Baya : « je veux l’écrire seul. C’est un film qui doit exprimer un point de vue d’homme sur ce que je ressens ». J’ai donc écrit des premières versions seul… mais au bout d’un moment, j’ai eu besoin d’elle. Pas seulement pour qu’elle m’aide à écrire, mais aussi pour avoir une idée de son ressenti sur jusqu’où ne pas aller trop loin. Et évidemment, elle m’a toujours poussé dans le sens inverse, pour aller beaucoup plus loin que là où je pensais aller.

Ensuite, une fois que le film a été tourné, pour savoir si cette phrase-là n’était pas de trop ; si là, on ne passait pas de l’autre côté… Pas mal de phrases ont suscité des heures de débat. Comme par exemple, la dernière du film: « cette accusation m’a fait beaucoup de bien » ; on l’a changée par « Merci de m’avoir accusé » qui en soi peut être interprétable de plein de manières différentes.

Vous considérez-vous comme un homme déconstruit ?

Je ne répondrai pas totalement… Disons qu’il y a quelque chose que je voulais exprimer en faisant ce film : même pour quelqu’un de ma génération, je n’avais pas du tout comme modèle dès l’adolescence les hommes virils à la Stallone. Dès l’adolescence, j’avais l’impression d’avoir comme modèles masculins des hommes qui, s’ils n’étaient pas déconstruits, exprimaient quand même une certaine fragilité à la Michel Berger ou Alain Souchon — souvent des chanteurs. On en fait beaucoup une question de génération — l’ancienne génération n’était pas déconstruite — alors que j’ai l’impression d’avoir grandi déjà dans cette idée de remise en question de ce qu’était la virilité plutôt de la génération de mes parents, par exemple. C’est un peu ça que je voulais exprimer. 

Ensuite, j’ai l’impression, oui, d’être déconstruit, mais peut-être qu’il faudra interroger les femmes autour de moi qui diraient peut-être : « mais pas du tout ! » J’’aime faire la cuisine, j’aime les fleurs, je ne sais pas si ça suffit. J’aime Vincent Delerm (rires) Voilà. Il y a une phrase de comédie que je trouve assez juste dans le fond, c’est : « homme au foyer, en fait, c’est comme femme au foyer, on s’emmerde pareil » C’est bien beau d’être déconstruit, mais il faut quand même que sa vie soit intéressante : avoir un métier intéressant, ne pas avoir l’impression de passer sa vie à la maison, à torcher les mômes. Si c’est aussi chiant pour une femme, c’est aussi chiant pour un homme. 

Paul se rend compte qu’il est un peu en dépression, non pas parce qu’il est un homme et qu’il n’a pas le métier qu’il voudrait avoir mais tout simplement parce qu’il est un être humain et on a tous besoin d’avoir un métier qui nous plaît. Quelque part, on en arrive à la dernière phrase du film : cette accusation, aussi grave soit-elle, lui fait vivre autre chose — une certaine forme d’aventure — et remet un peu les choses en place à l’intérieur de son couple. Au fond, il se dit que ça va lui être utile dans sa vie, ce qu’il a vécu, y compris dans l’introspection : se demander si dans le passé, il s’est toujours bien comporté avec les femmes ; si à un moment donné il n’a pas vraiment demandé la permission… Tout ce mouvement crée cela chez beaucoup d’hommes et c’est plutôt une bonne chose. 

Redoutez-vous les réactions du public ?

Pour l’instant, j’ai fait cinq, six projections avec des débats et je trouve les spectateurs très bienveillants — et je suis même un peu déçu (rires) Pour l’instant, je trouve que ça se passe extrêmement bien. Plus sérieusement j’ai l’impression d’être compris ; c’est-à-dire que les nuances du film sont comprises et évidemment, si on plaque une grille de lecture en extrayant du film un morceau, une phrase, etc., on peut lui faire dire ce qu’on veut. Mais quand on le voit dans son ensemble, j’ai l’impression que ça passe très bien. Plusieurs personnes, notamment des programmatrices, m’ont dit avant de le voir, en lisant le pitch, qu’elles avaient très, très peur. Et en le voyant, elles ont changé complètement d’avis sur l’idée qu’elles s’en faisaient. Donc je suis content…

Le Mélange des genres de Michel Leclerc (Fr, 1h43) avec Léa Drucker, Benjamin Lavernhe, Melha Bedia, Julia Piaton, Judith Chemla… En salle le 16 avril 2025.

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