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“Le Mélange des genres”, “La Réparation”, “Oxana” en salle le 16 avril 2025

Vincent RAYMOND — Thu, 17 Apr 2025 09:12:58 +0000

Un homme déconstruit, une fille en quête de son père et une féministe tracent des routes parallèles dans les salles cette semaine. Entre autres…

Le Mélange des genres de Michel Leclerc

Comédien abonné aux cachetons, Paul est surtout homme au foyer, son épouse et consœur triomphant sur les planches. Paul a surtout la malchance d’être pris pour cible par une bande de féministes radicales, les Hardies. La faute en incombe à Simone, policière infiltrée au sein du mouvement qui, pour conserver sa couverture, désigne Paul au hasard comme un agresseur sexuel alors qu’il est le plus déconstruit des hommes. Pour lui, le doute et l’introspection s’ajoutent aux ennuis…

La franche camaraderie d’un mouvement militant / Photo : © LE MELANGE DES GENRES – Le Pacte

Quel plaisir de retrouver dans un film de Michel Leclerc ce mixte de légèreté et de savoureux mordant qui avait fait le succès de l’inusable Le Nom des gens ! Une alchimie peu banale à la vérité puisque l’auteur (et son indispensable co-scénariste Baya Kasmi) étaient parvenus à inscrire une histoire sentimentale digne des meilleures romcoms britannique dans une trame politique sérieusement engagée, le tout servi par une distribution idoine et alerte. Rebelotte donc avec Le Mélange des genres.

Après les mâles de droite à rééduquer, Leclerc s’intéresse ici à la question de l’égalité entre les femmes et les hommes dans notre société, dans chaque strate du corps social : le niveau volontaire individuel, avec le personnage de Paul se “déconstruisant” en endossant les fonctions traditionnellement dévolues aux femmes dans le couple ; la mouvance militante/associative/revendicative/activiste incarnée par le collectif féministe Hardies et enfin, le cadre légal théoriquement représenté par les services de police.

Un genre de nouvelle donne

Mais, et c’est tout son intérêt et son art, si Le Mélange des genres ne conteste évidemment jamais la nécessité d’atteindre à cet objectif, cette comédie pointe avec une acuité caustique les paradoxes et les absurdités de chaque “entité” considérée. Seuls (et seules) les dogmatiques auraient la mauvaise grâce de ne pas saisir, derrière la dérision et le burlesque des situations, la pertinence de l’analyse ici proposée. En flirtant parois avec l’absurde Michel Leclerc, n’est pas loin du lanceur d’alertes lorsqu’il rappelle combien des individus peuvent être aussi suivistes que les brebis de Panurge derrière une ou un gourou en carton : seule compte leur appréciation personnelle de la loi et leur désir de revanche. Il n’épargne pas non plus les services de police qui admettent en leur effectif des éléments ouvertement machistes et laxistes face aux violences domestiques.

« C’est pas un peu sexiste, ce qui est écrit au-dessus et au-dessous ? » / Photo : © Stéphanie Branchu

Notons au passage qu’il “n’essentialise” pas : il pointe des comportements aberrants émanant de personnes dont les actes sont en décalage manifeste avec ce qu’elles professent ou sont censées incarner de par leur fonction — ce qui ajoute au passage à la causticité de la comédie. Au bout du compte, Le Mélange des genres est moins un pamphlet contre les activistes ou la police — il faudrait vraiment manquer d’autodérision comme les pires des extrémistes pour faire pareil contresens ! — qu’un plaidoyer pour une relation apaisée (et empreinte de douceur) entre les genres. Une sorte de un new deal sociétal et/ou sentimental.

Pas de comédie sentimentale sans sentiments — ici on joue sur le velours de la douceur — ni, surtout, comédie et donc comédiens ad hoc. Comme toujours, Leclerc élargit sa troupe à bon escient avec ici l’arrivée de Benjamin Lavernhe — qui pourrait faire un Benjamin Malaussène parfait tant il est magistral en bouc émissaire. Ce personnage de tragédie essoré par le quotidien est d’autant plus sublime qu’il est porté par une forme de transcendance (la foi qu’il place en son métier de comédien) et sans cesse contrecarré par fatalité alors qu’il s’ingénie à devenir la meilleure version de lui-même. Sa lente et imméritée déchéance, digne de la mise l’épreuve divine de Job, devrait nous apitoyer. Mais l’Homme est ainsi fait qu’il en rit car c’est effroyablement drôle !

Le Mélange des genres de Michel Leclerc (Fr, 1h43) avec Léa Drucker, Benjamin Lavernhe, Melha Bedia, Julia Piaton, Judith Chemla… En salle le 16 avril 2025.

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La Réparation de Régis Wargnier

Alors que son restaurant est sur le point de décrocher sa troisième étoile, le chef Paskal Jankovski disparaît lors d’une partie de chasse en compagnie de son second, Antoine — par ailleurs amant secret de Clara, fille unique de Pascal. Plusieurs mois s’écoulent dans un silence absolu, jusqu’à ce que Clara reçoive une invitation anonyme pour un festival gastronomique à Taipei. Espérant y trouver des réponses et des explications à cette double absence, elle s’envole pour Taïwan…

Clara en clair obscur / Photo : © Nour Films

Le titre résume à lui seul une grande partie de l’œuvre de Régis Wargnier qui a toujours volontiers traité des histoires d’âmes, de corps ou de familles largement endommagées par l’existence, l’Histoire ou la politique… Des individus malmenés en quête d’une restauration (ou d’une rédemption) que raconte le film. Entre réparation et consolation, Clara est bien dans cette attente d’une résolution personnelle que ce parcours initiatique comparable à celui que son père fit jadis en Asie, doit en théorie permettre d’accomplir. Sa quête de sens est de surcroît profondément sensorielle puisqu’elle suit une piste et un atavisme gustatifs.

Réparer les vivants

Dire de La Réparation (et des films précédents de l’auteur) qu’ils sont d’une facture académique ne devrait a priori pas le heurter. Outre le fait qu’il compte au nombre des rares membres de la section “cinéma et audiovisuel” de l’Académie des beaux-arts, le réalisateur a toujours témoigné d’un attachement à la forme, ainsi qu’à une esthétique picturale plutôt classique. Chaque plan est ainsi susceptible d’accueillir une composition valorisant la beauté exotique des paysages, la subtilité des créations gastronomiques, l’équilibre des personnages ; chaque séquence ou presque bénéficie en sus de l’accompagnement immersif de Romano Musumarra, auteur ici d’une partition sobre aux échos mélancoliques.

Le retour du compositeur de La Femme de ma vie (1986), des paysages asiatiques devant la caméra de Wargnier après Indochine (1991) ou Le Temps des aveux (2014) ne constitue pas une redondance ni un bégaiement. Pour preuve, le cinéaste s’entoure ici d’une distribution privilégiant les nouveaux visages — exception faite de Louis-Do de Lencquesaing et Clovis Cornillac, évidemment. Bonne pioche : Julien de Saint-Jean confirme ce qu’il a déjà démontré ailleurs et Julia de Nunez s’affirme dans ce qui est son premier grand rôle au cinéma. S’il fallait toutefois glisser une réserve, elle concernerait les dialogues un peu trop gangrenés de répliques explicatives et utilitaires. Quand on peut faire des images, la parole est souvent superflue.

La Réparation de Régis Wargnier (Fr, 1h44) avec Julia de Nunez, Clovis Cornillac, Julien de Saint-Jean… En salle le 16 avril 2025.

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Oxana de Charlène Favier

Paris, juillet 2018. Alors qu’elle prépare dans la fièvre le vernissage de son exposition, Oksana Chatchko sillonne la ville avec un mixte de lassitude et de colère : l’ancienne fondatrice des Femen peine en effet à faire reconnaître son statut de réfugiée politique auprès des autorités françaises. En parallèle, on découvre la trajectoire qui a mené cette jeune artiste ukrainienne vers l’activisme féministe. Un parcours qu’elle a payé au prix fort…

La révolte à fleur de peau / Photo © : 2024 – Rectangle Productions – 2.4.7. Films – Hero Squared – France 3 Cinéma – Tabor Ltd

Le problème des biopics consacrés à des personnes unanimement respectées rappelle cette impasse que rencontre la littérature noyée sous les bons sentiments : quand le personnage principal se prête à une forme de sanctification laïque, le récit de sa vie tourne vite, qu’on le veuille ou non, à l’hagiographie. En même temps, faudrait-il se forcer à assombrir le portrait pour la seule raison que le sujet manque de zones d’ombres et de nuances ? Tout le monde n’a pas la chance d’avoir à traiter d’une fieffée crapule façon Mister Hyde !

D’autres vies que la sienne

Concernant Oksana Chatchko, il n’y a pas débat : son légitime combat en faveur des droits des femmes ainsi que l’empilement des misères l’ayant frappée au cours de sa courte existence créent une sympathie spontanée à son endroit. Lanceuse d’alerte et militante, la jeune artiste s’est surtout retrouvée à plusieurs reprises en situation de victime : d’abord torturée, molestée et stigmatisée en Ukraine, Biélorussie et Russie puis trahie par d’anciennes sœurs de lutte qui la déposséderont du mouvement qu’elle a fondé, Femen.

Cet ensemble tragique se soldant de surcroît par un suicide avait à lui seul de quoi dessiner l’arc dramatique du film. Mais par un choix — une coquetterie, presque — d’autrices et pour faire davantage fiction, Charlène Favier et sa coscénariste Diane Brasseur ont imaginé un “dernier jour“ synthétique pour Oksana, haché de flashbacks. Hélas, ces va-et-vient incessant chahutant artificiellement la chronologie brouillent davantage la compréhension qu’ils ne rythment le récit. Voilà qui laisse une impression mitigée : comme si, une fois encore, d’autres voix avaient cherché à recouvrir celle d’Oksana. Paradoxal.

Oxana de Charlène Favier (Fr, 1h43) avec Albina Korzh, Maryna Koshkina, Lada Korovai, Noée Abita… En salle le 16 avril 2025.

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Charlène Favier & Diane Brasseur (“Oxana”) : « Il fallait rendre hommage et justice à Oxana »

Vincent RAYMOND — Sat, 12 Apr 2025 23:05:29 +0000

Après “Slalom”, Charlène Favier oblique vers le biopic mais reste engagée en s’intéressant dans “Oxana” à la figure de Oksana Chatchko, fondatrice du mouvement Femen, disparue en 2018. Dialogue avec sa co-scénariste Diane Brasseur lors des Rencontres du Sud d’Avignon.

Aviez-vous un lien particulier avec le mouvement des Femen avant de tourner ce film ?

Charlène Favier : J’arrive à la toute fin de cette histoire, je ne connais rien aux Femen — à part ce que j’ai vu dans les médias rapidement. Je ne suis ni fascinée, ni perplexe. Mais il y a surtout une personnalité qui m’interpelle, c’est celle d’Oxana. Une personne qui était aussi artiste. Et je me dis : « si j’allais en plus me renseigner sur Oxana et en même temps, peut-être apprendre et comprendre des choses que je n’ai pas comprises sur le mouvement des Femen ». Je n’y connaissais pas grand chose. Et là, j’ai commencé à piocher, à faire des recherches, à lire plein de choses et j’ai découvert Oxana. Sa vie, ce qu’elle avait fait ; comment elle avait créé cette iconographie de la femme en colère, le torse nu, la couronne de fleurs dans les cheveux. J’ai compris le sens, j’ai compris d’où ça venait, j’ai re-regardé les peintures de Delacroix, la femme guidant le peuple. Et je me suis dit : « il faut absolument faire un film sur Oxana, lui rendre hommage, lui rendre justice ». Parce qu’il y a tout un pan de l’histoire ; finalement, de l’Ukraine, de l’Europe aussi, qu’on ne connaît pas.

Qu’est-ce qui a motivé votre montage alternant les époques entre le passé et le dernier jour de sa vie à Paris ?

CF : On a mis du temps à trouver la forme du film. Ça a été trois ans d’écriture, de recherche… Une première partie avec Antoine Lacomblez, un scénariste avec qui j’avais déjà travaillé sur Slalom et qui avait aussi écrit le téléfilm La Fille qu’on appelle que j’ai fait pour Arte. On a fait beaucoup de recherches pour déjà comprendre Oxana. Des rencontres par Zoom — parce que c’était le Covid et puis ensuite la guerre — avec sa famille, ses intimes.

Il fallait aussi trouver de la fiction pour se détacher du documentaire parce que tous les gens avec qui on parlait étaient bouleversés par le décès d’Oxana. On était en 2021, elle est partie en 2018, c’était tout frais. Il y avait une émotion qui me paralysait un petit peu. C’est à ce moment-là que Diane est rentrée dans le processus d’écriture. Elle n’avait pas fait ces deux ans de recherche que j’avais faits avec Antoine ; elle avait un regard neuf et elle a pu m’aider à rentrer dans la fiction et à trouver cette idée de dernière journée qui est plutôt de la fiction. Tout ce qu’il y a dans cette dernière journée est arrivé à Oxana, mais pas dans une seule journée.

Dianne Brasseur : Pour compléter, quand j’ai rencontré Charlène, il y avait une première mouture de scénario qui existait, mais elle avait envie — et je reprends vraiment ses termes — « de tout péter » C’est un rapport que Charlène a à la structure et même au travail : elle tourne très vite. Pour qu’une séquence reste dans le film de Charlène, elle doit passer l’épreuve du temps. Si ça l’ennuie, elle va disparaître. C’est un vrai challenge quand vous travaillez avec elle. Elle est constamment en train de revisiter, requestionner, réinterroger, réaméliorer… Et pas du tout effrayée par le fait de prendre la structure et de la faire voler en éclats… jusqu’à trois mois avant le tournage ! Finalement, cette structure avec deux types de narrations — une journée qui est une journée et l’autre sur dix ans, qu’on essaie d’imbriquer l’une dans l’autre —, c’est venu au fur et à mesure.

Je lui en ai parlé et elle m’a dit : « Ça, c’est une bonne idée. » Au tout début, j’avais proposé de faire les flashbacks en Ukraine à rebours : de commencer par la fin et d’aller au début, et elle m’avait dit : « Ça ne marchera pas. On n’aura pas les notions ; faut qu’on construise les notions ». Je pense qu’on a discuté pendant au bas mot six mois. Six mois de conversation en marchant dans Marseille. Et après, la structure, ça a été assez rapide. Et la continuité dialoguée, du moment où on a eu l’idée, le texte a jailli très très vite.

Pour cette ultime journée “d’adieux”, aviez-vous en tête comme référence l’adaptation du Feu Follet par Louis Malle ou celle de Joachim Trier, Oslo 31 Août ?

CF : Le premier non. Mais Oslo 31 Août oui, c’est un film qu’on avait adoré toutes les deux. Et ça nous a un peu guidées.

DB : Oslo 31 Août ça commence par un suicide : il tente mais il ne va pas jusqu’au bout. Il y avait aussi Cléo de 5 à 7, et puis dans la construction en flash back, il y avait The Hours.

CF : Il y avait aussi une autre réalité : économique. J’aime bien en parler, parce que ce sont des choses dont on ne parle jamais : il fallait que le films soit français ; c’était vraiment une demande des producteurs. Pour cela, il fallait qu’il y ait assez de langue française dans le film. Donc, cette journée à Paris nous permettait de faire exister aussi Oxana en France, de la faire parler français avec des interlocuteurs. Tout ça a existé et nous permettait de rentrer dans les clous du montage qui nous était un peu imposé par la production. Après, il y a eu des gens qui comptaient les mots français à l’écriture et au montage ! Le cinéma, c’est aussi un artisanat ; on a parfois des contraintes économique : là, on avait aussi cette contrainte qui est arrivée dès le scénario. C’est assez rare. Normalement, la contrainte vient plus tard. Il fallait presque inventer un scénario pour rentrer dans ce cadre dès le départ.

Quid de la possibilité d’un tournage en Ukraine ? L’aviez-vous envisagée au moment de l’écriture ?

CF : Non parce que quand j’ai commencé à écrire, c’était en 2021, on était en plein Covid. Je m’étais dit : « Dès que le Covid se termine, je pars en Ukraine faire des repérages » On avaitun peu commencé le casting avec une directrice de casting en Ukraine. On s’était dit qu’on irait la voir et qu’on avancerait là-dessus, que ça nous nourrirait pour l’écriture. Finalement, après le Covid, il y a eu la guerre le 24 février 2022. Moi, j’étais nommée au César pour Slalom, mais je n’y étais pas que j’allaitais mon petit bébé qui venait de naître, je m’en souviendrai toute ma vie : c’est ce jour-là que la Russie a envahi l’Ukraine. On avait déposé un dossier d’avance sur recettes parce qu’on avait un copropriétaire ukrainien — ce jour-là, ça a été un peu un tsunami.

Et là, les producteurs ont décidé de trouver un autre moyen : aller tourner en Hongrie, parce qu’il y a des accords de coproduction et qu’on ne pouvait pas aller en Ukraine. L’espace aérien était toujours fermé, les assurances ne voulaient pas couvrir l’équipe de tournage etc.

La Hongrie de Viktor Orbán, donc…

CF : Exactement. Au début, on était un peu choqué mais on n’avait pas le choix. En plus, on n’avait pas le droit de tourner les scènes de nudité dans la rue. Donc on devait trouver des espaces privés, des rues privées pour les tourner. À part une scène devant ce bâtiment très soviétique avec des grandes statues où elles sont habillées en robe de mariée. Là, ils nous ont dit de mettre des camions poids lourds pour cacher les filles parce qu’ils avaient peur que les gens sur l’autoroute aient un accident en voyant les filles nues du tournage. Ça a été quand même une petite contrainte, mais on était tellement dans notre mission : Oxana avait une mission de sauver le monde et nous on avait une mission de lui rendre justice. Et franchement, on s’en foutait de où on était. S’il fallait aller là-bas, on allait là-bas.

Avez-vous cherché à en savoir plus sur son suicide ?

CF : Malheureusement, par mauvaise expérience — j’ai plusieurs personnes autour de moi que se sont suicidées — je sais qu’on ne peut pas répondre à cette question. Et en fait, ça ne sert à rien de répondre à cette question. Ça ne va pas les ramener : ils ont décidé de partir… Et en plus, souvent, c’est plein de petits détails, de petites choses qui sont liées à l’intime. Après, Oxana a fait plusieurs tentatives de suicides plus jeune, C’est une mélancolique. C’est l’injustice, c’est la solitude. Ce dont je suis sûre quand même, c’est qu’après ce qui s’est passé en Biélorussie — donc la scène de torture dans la forêt, plus, je pense, les 15 jours de prison qu’elle a fait en Russie — on ne ressort pas indemne. Et que ça laisse aussi des cicatrices post-traumatiques très fortes, que ça l’a hantée.

Oxana a laissé un mot : « You are fake » le jour de son suicide. Je pense qu’elle est allée jusqu’au bout de son parcours sacrificiel — c’est ce que je me suis raconté — un peu christique, parce qu’elle était quand même très croyante au début. Je pense qu’elle a gardé quelque chose de ce parcours de Jeanne d’Arc ; ce respect des valeurs qui sont l’amour absolu, laisser son corps de côté quand son esprit doit être plus fort… C’est aussi une manière pour elle de montrer à quel point sa cause était absolue, finalement.

Vous dépeignez la personnalité politique qu’était Oxana et simultanément sa personnalité artistique. Aujourd’hui, quelle est la postérité de l’artiste ? Quel est le regard critique sur son œuvre ?

CF : Malheureusement, l’œuvre de Oxana s’est dissoute dans le temps et dans l’espace. On a essayé de remettre la main sur ses œuvres. Mais elle en a donné beaucoup, elle en a perdu, elle en a détruites. En fait, personne n’a jamais fait un catalogue de ses œuvres. On a rencontré le commissaire de l’exposition qui a été faite à Paris.. C’est un peu un drame : ses œuvres ont un peu disparu. Pour l’instant, il reste quelques photos qu’on trouve sur Internet, mais qui sont mal prises. On a fait faire des reproductions — le boulot du chef déco là-dessus est incroyable : il a récupéré comme il a pu des photos. C’était aussi un désastre que ses œuvres n’existent pas plus.