L’Inconnu de la Grande Arche de Stéphane Demoustier

Peu après son accession au pouvoir, François Mitterrand décide de lancer ses « Grands Travaux » — une série de chantiers colossaux visant à scander Paris de gestes grandioses. Pour le site de La Défense, il choisit le projet plutôt abstrait de Otto von Spreckelsen, un architecte danois totalement inconnu n’ayant à son actif que deux ou trois églises. Assuré d’un budget astronomique mais devant se heurter aux embûches de l’administration et de la politique, Otto a-t-il fait une si bonne affaire en remportant ce concours lui permettant de bâtir l’œuvre d’une vie ?

Décidément, le bâtiment est à l’honneur ces derniers temps à l’écran. Mais filmer l’avancée d’un chantier ne revient-il pas à capturer le reflet métaphorique de la fabrication d’une œuvre cinématographique ? Tout y est : la dimension collective et pyramidale, l’artisanat ouvrier au service d’une intuition artistique tiraillée entre son goût pour l’idéal et les contingences imposées par la réalité concrète… et les financeurs. On ne sait pas si Stéphane Demoustier se retrouve (se projette) dans Otto von Spreckelsen ; en tout cas lui aura eu le chance de voir son œuvre achevé. Et pu conserver la maîtrise sur son édification, à la différence de son malheureux aîné, mort avant l’inauguration.

La trace et le geste

Même si elle aura été longtemps confidentielle, ainsi que le titre le rappelle — et qu’il aura fallu l’ouvrage de Laurence Cossé dont ce film est inspiré pour en connaître les tenons et mortaises — l’histoire de von Spreckelsen évoque une fable noire contemporaine à la morale tragique. Où l’on suivrait un modeste artisan signer un contrat mirifique avec le roi d’une lointaine contrée pour lui bâtir un palais somptueux en échange d’une fortune… mais aussi de sa vie. Voilà qui n’arrange pas la réputation de monarchie républicaine dont souffre notre Hexagone. 

La mise en lumière de cette histoire dans l’Histoire, outre son aspect conte, rappelle les enjeux symboliques des fameux Grand Travaux et leur mystique orgueilleuse : le Président souhaiter laisser sa trace dans la capitale à travers de puissants gestes architecturaux (la Pyramide de Pei au Louvre, Bercy ou l’Opéra Bastille en firent également partie). Décidés lors de son premier septennat, ils furent donc jugés “politiques” de la cohabitation et donc contrecarrés dès 1986 par le Premier ministre, maire de Paris et candidat à la présidentielle, Jacques Chirac.

L’effet du Prince

Les querelles picrocholines se jouant au sommet de l’État ont des répercussions amplifiées lorsque l’on descend les strates organisationnelles ; tout particulièrement dans un pays jacobin tel que la France où la verticalité absolue gouverne la moindre action. Dans le cas de la Grande Arche, non seulement von Spreckelsen avait dû s’accommoder d’un partage de la maîtrise d’œuvre avec le Français Paul Andreu, mais il devait rendre des comptes à un exécutif double (et rival), au milieu d’un océan administratif. Le tout avec des interlocuteurs changeant avec la majorité. C’est ce qui s’appelle bâtir dans l’inconnu.

Une entreprise kafkaïenne aux allures de Tour de Babel siphonnant l’énergie de l’architecte que Stéphane Demoustier rend avec plus de réussite dans son précédent film Borgo — racontant là encore la fragilité systémique d’une lourde institution française. Il faut dire qu’il est bien aidé par ses comédiens, à commencer par un second rôle toujours juste dans cet emploi : Xavier Dolan. À l’instar de Mathieu Kassovitz, le réalisateur sait toujours se rendre très disponible pour les films des autres ainsi qu’avec ses partenaires de jeu. Quant à Michel Fau, pourtant éloigné physiquement de François Mitterrand, il en donne une interprétation crédible dans sa dimension marmoréenne d’autorité florentine. 

Sinon, est-ce qu’il y a encore des caprices dispendieux de cette nature de nos jours ?

L’Inconnu de la Grande Arche de Stéphane Demoustier (Fr.-Dan., 1h46) avec Claes Bang, Sidse Babett Knudsen, Michel Fau, Xavier Dolan… En salle le 5 novembre 2025.

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Düsseldorf, ville de culture(s)

T’as pas changé de & avec Jérôme Commandeur

La mort d’un de leurs anciens condisciples des années lycée conduit quatre quadras finissant à se retrouver et à dresser un bilan à mi-existence. Rude est constat pour trois d’entre eux, qui prennent conscience que leur vie est aussi peu glorieuse que leurs agissements du passé. Peuvent-ils encore changer ou bien sont-ils voués à se comporter mal avec les autres ad vitam æternam ?

Par son titre ambivalent — compliment sincère ou antiphrase lestée d’une ironie acide —, T’as pas changé dépasse ici la seule citation de Patrick Bruel comme il dépasse la génération des ayant passé le bac dans les années 1990. Derrière les oripeaux de la comédie, le vrai sujet est celui un peu évoqué en sous-titre sur l’affiche (« vieillir c’était pas prévu ») et ressemble pas mal à ce que Nizan écrivait dans Aden Arabie : « J’avais vingt ans. Je ne laisserai personne dire que c’est le plus bel âge. » Où comment l’on peut avoir une perception biaisée de son propre passé et de ce que l’on était dans le passé. La mémoire est sélective et l’objectivité très relative.

On s’est connus, on s’est reconnus

Moins résigné que Brassens pour qui « le temps ne fait rien à l’affaire », Jérôme Commandeur espère une forme de rédemption et d’amélioration pour son trio de potes lourdingues persuadé d’avoir été les mecs les plus cool du lycée. Si cette charité l’honore, il croit aussi au karma puisqu’il les afflige d’une existence peu enviable : l’un est suicidaire, l’autre un vieux beau survivant sur les braises d’une gloire faisandée ; le dernier un notable tellement hanté par la mort qu’il n’en vit plus. Bref, trois personnages en pleine crise du milieu de la vie aiguë.

Histoire aigre-douce comme certaines comédies italiennes d’antan (auxquelles elle emprunte une partie de son décor), T’as pas changé balance entre cruauté et vérité sur le temps qui passe et la nécessité d’affronter les squelettes du placard. Peut-être Jérôme Commandeur va-t-il relancer la mode des retrouvailles d’anciens ; il s’est en tout cas offert le plaisir coupable de faire chanter faux Vanessa Paradis. Et celui, plus rare, de s’offrir l’illusion de replonger trente ans en arrière grâce à la magie d’un plateau de tournage. On peut l’envier.

T’as pas changé de & avec Jérôme Commandeur (Fr., 1h47) avec également Laurent Lafitte, François Damiens, Vanessa Paradis, Delphine Baril… En salle le 5 novembre 2025.

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L’Étranger de François Ozon

Alger, 1938. Employé de bureau solitaire et mutique, Meursault apprend par télégramme la mort de sa mère. Peu enclin à extérioriser quelque sentiment que ce soit, il fait preuve d’un détachement confinant à l’insensibilité lors des obsèques. Et entame une liaison avec sa collègue Marie, au lendemain de l’enterrement. Dans les temps qui suivent, il fréquente son voisin Raymond Sintès, un petit souteneur dont il observe les combines et écarts sans sourciller. Leur proximité va mener à un drame au cours duquel Meursault va assassiner un homme sur une plage noyée de soleil…

Adapter Camus est un redoutable privilège ; il en faut toutefois davantage pour intimider François Ozon dont l’œuvre proétéiforme témoigne d’une volonté quasi obsessionnelle de se renouveler. En tournant (vite) chaque film « contre le précédent » — c’est-à-dire en panachant les genres — et en modelant pour chacun une forme spécifiquement adaptée au contenu dramatique… démarche que peu de cinéastes sont capables d’entreprendre. Cela, tout en se laissant la liberté d’intercaler un projet non prévu dans son programme surchargé. C’est le cas ici puisqu’il y a treize mois, Ozon jurait ses grands dieux que 2025 serait pour lui une année blanche en termes de sortie. Elle est plutôt en noir et blanc.

NB : Noir et Blanc

Ce choix de photo, s’il accentue d’emblée l’inscription dans le passé et offre des avantages de coût comme de logistique, gomme mécaniquement la variété chromatique de la palette — c’est une tautologie. Demeurent les teintes extrêmes noir et blanc, pôles de la binarité par excellence (bien/mal ; vrai/faux ; deuil/vie ; ombre/lumière etc) noyées par les nuances de gris, cet océan indistinct  dans lequel Meursault évolue, impassible et laconique. Par le jeu de l’exposition et du cadrage en surplomb, cette photo restitue avec justesse la sensation de liquéfaction brûlante du soleil l’irradiant lors de la scène de la plage.

On se rappelle que Ozon avait également choisi le noir et blanc pour Frantz (2016), film dont l’histoire traite également des conséquences d’un assasinat — moins tant pour l’assassin lui-même que pour celle qui est éprise de lui et pour la famille de la victime. Le noir et blanc, toujours, avait habillé cette variation sur le thème de L’Étranger qu’était The Barber – L’Homme qui n’était pas là (2001) des frères Coen ; comme si ces personnages à part du monde — que l’on soupçonnerait sans doute aujourd’hui de présenter un TSA — étaient piégés dans un univers aux contours restreints.

Voisinages troubles

On ne déniera pas à Benjamin Voisin un certain courage : incarner un être aussi absent que Meursault pose certainement autant de problèmes physiques que psychologiques et moraux. Par ailleurs, il devait aussi intégrer le fait que sa ressemblance avec Alain Delon (espéré par Visconti) avait dû jouer en sa faveur. Néanmoins, il y a de quoi s’interroger sur sa fascination de plus en plus marquée pour les personnages radicaux et/ou autodestructeurs. Après Guerre, son seul en scène adapté de Céline et Jouer avec le feu, il ajoute donc avec Meursault un nouveau soleil noir à son CV. Reste à savoir ce qu’il va faire de toutes ces drôles d’étoiles…

Clins d’œil et d’oreille

Cinéphile aux influences multiples et cinéaste ouvert sans exclusive à toutes les familles de comédiens, Ozon réunit ici virtuellement l’un des couples phares de l’aube des années 1980 : Mireille Perrier et Denis Lavant, vedettes de Boy Meets Girl de Leos Carax. Si la première campe la mère de Meursault, dans une séquence  onirique digne de Chirico, le second interprète le vieux Salamano, voisin au chien du héros dont on devine qu’il était secrètement épris de Mme Meursault mère. De là à imaginer qu’ils auraient pu se connaître comme Alex et Mireille…

Enfin, Ozon a demandé à la compositrice Fatima Al Qadiri de signer la partition de son film, l’enveloppant de thèmes arabisants adaptés à l’atmosphère pesante ou contemplative de son récit. Mais il n’a pas oublié pour son générique de fin de convoquer l’une des plus célèbres adaptations de L’Étranger à ce jour (celle de Visconti étant quasiment invisible) : la chanson de The Cure Killing an Arab (1978), le premier single du groupe.

L’Étranger de François Ozon (Fr.-Bel.-Mar, 2h) avec Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Mireille Perrier… En salle le 29 octobre 2025.

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Raphaël Quenard & Hugo David (“I Love Peru”) : « C’est un film de bric et de broc ; on a galéré comme des trimards »

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La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa

Héritière d’une multinationale de cosmétiques, Marianne Farrère en assume les charges et contraintes même si elle délègue à son époux une partie des tâches opérationnelles. D’un abord austère, elle est cependant intriguée, puis séduite par un photographe mondain, Pierre-Alain Fantin, dont l’exubérance et le peu de respect pour les règles bourgeoises de bienséance l’amusent. Celui-ci va profiter d’être bien vu pour se faire entretenir par sa riche mécène, à coups de milliards. Au grand dam de la fille de Marianne, Frédérique Spielman, qui veut mettre un terme à la saignée opérée par ce parasite de plus en plus envahissant et gourmand…

Toutes ressemblances avec l’affaire Banier-Bettencourt ne sauraient être réellement fortuites. On devine qu’une armada d’avocats a dû scruter au laser le scénario pour l’aseptiser du moindre risque de poursuites. D’ailleurs, le film précise qu’il est « une œuvre de création très librement inspirée de faits réels », où les séquences d’intimité — parfois croquignolettes — sont le fruit de leur pure imagination. Même si elles peuvent paraître outrancières ou absurdes, sont-elles plus aberrantes que les détails ubuesques révélés lorsque “l’affaire” a commencé à susciter l’intérêt des magistrats et de la presse ?

Marianne la semeuse

Ne jamais désespérer des réalisateurs ! Même lorsqu’ils ont tourné un film bancal — voire plusieurs coup sur coup —, ils sont capables de remonter en selle et en scène pour livrer quelque chose d’étonnant car plus abouti. Il y a trois ans, Thierry Klifa consternait avec une comédie d’un autre temps franchement ratée, Les Rois de la piste. La Femme la plus riche du monde rectifie le tir en conservant ce qui constitue la colonne vertébrale de son cinéma depuis toujours : les histoires de familles, avec des matriarches puissantes aux amours compliquées. Celle-ci ne manque pas d’épines.

Alors, à quoi attribuer ce retour en grâce ? À un changement de co-scénaristes ? S’assurer la collaboration de la paire Cédric Anger/Jacques Fieschi équivaut en effet à rouler avec deux Rolls. Aux choix des interprètes ? Disons à une distribution idoine pour chaque rôle : Huppert, par exemple, n’est jamais meilleure que lorsqu’elle s’amuse à jouer les indignes (revoyez La Daronne ) et là elle a le loisir de se dévergonder à l’envi. Face à elle, Laurent Lafitte (sur)joue l’escroc à la préciosité débordante comme s’il s’agissait de dépasser le maître-étalon Michel Serrault de La Cage aux folles. Aussi étonnant que cela puisse sembler, cela fonctionne dans la mesure où Fantin et Farrère doivent former à l’écran une couple digne du mariage de la carpe et du lapin. 

Vraie-fausse fiction

Et puis il y a tous les autres interprètes parfaitement choisis pour consolider l’histoire racontée autant que la vague ressemblance entretenue avec ceux qui en sont les inspirateurs. Sous une frange brune plus courte que celle d’Anne Lauvergeon dans La Syndicaliste (où elle donnait déjà la réplique à Huppert), Marina Foïs compose une fille sans cesse rabaissée saisissant la chance de prendre sa revanche. André Marcon, fidèle à ses emplois de notables, est parfait en capitaine d’industrie-ancien ministre rattrapé par son passé collabo et  totalement dépassé par ce qui se trame sous son nez. Enfin, Raphaël Personnaz, incarnation de la loyauté faite majordome, donne à son second rôle une profondeur de samouraï. 

Sans doute le caractère insolite du fait divers d’origine, impliquant des montants si vertigineux qu’ils en deviennent absurdes et risibles, participe-t-il de la réussite du film. Encore fallait-il savoir jongler avec cette fiction plus déraisonnable que la réalité. Le parti-pris de faire intervenir les personnages dans des brèves séquences d’interviewes, comme s’ils étaient les authentiques protagonistes des événements brouille encore plus les cartes en rendant cet immense scandale aussi dérisoire qu’un docu-reconstitution lambda, voire d’un programme de télé-réalité. Un comble au regard des sommes en jeu mais c’est bien connu : « Tout ce qui est excessif est insignifiant »

La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa (Fr.-Bel., 2h03) avec Isabelle Huppert, Marina Foïs, Laurent Lafitte, Raphaël Personnaz, Mathieu Demy… En salle le 29 octobre 2025.

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Sarah Bernhardt, La Divine de Guillaume Nicloux

Paris, à la fin du XIX^e siècle. La plus célèbre des comédiennes de son siècle crée des pièces autant que des modes, et fait scandale par sa liberté… ou plutôt ses libertés. Que ce soit à la ville ou à la scène, Sarah Bernhardt n’épouse pas plus les conventions que ses nombreux amants. Et malgré des passions dévorantes — dont celle pour Lucien Guitry — elle demeure la reine absolue de son cœur…

Énième portrait cinématographique d’illustre sortant cette année, Sarah Bernhardt, La Divine tient de la fausse bonne idée — ou de la bonne fausse idée, comme l’on voudra. S’il était tentant de consacrer un film de plus à la personnalité truculente et excentrique de la reine des planches — histoire de rappeler son avant-gardisme en matière l’art comme de féminisme — ; si Sandrine Kiberlain répond parfaitement aux exigences du rôle, en mariant à merveille le feu et la glace, tout le reste interroge quand il ne consterne pas.

C’est d’ailleurs à se demander si Guillaume Nicloux, dont on apprécie le goût ordinaire pour une certaine causticité dérangeante, n’a pas fait exprès de signer ici un « biopic Wikipedia ». Comprenez, un truc d’une sagesse aussi molle qu’un congrès centriste, gavé jusqu’à la gueule de tous les bons mots (apocryphes ou non) de la comédienne et évitant de justesse la poussière muséale d’une enfilade de tableaux grâce à une construction pas tout à fait linéaire — merci le montage !. Peu regardant sur les anachronismes (notamment les expressions d’époque), comme sur les ressemblances (le colosse Lucien Guitry se trouve gratifié d’une silhouette athlétique grâce Laurent Lafitte ; heureusement qu’Arthur Mazet campe un Sacha plus réaliste), Sarah Bernhardt, La Divine a la rigueur élastique et se replie sur l’évocation quand ça l’arrange. Du cinéma décoratif, pas franchement mémorable.

Sarah Bernhardt, La Divine de Guillaume Nicloux (Fr., 1h38) avec Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte, Amira Casar… En salle le 18 décembre 2024.

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Everybody Loves Touda de Nabil Ayouch

Maroc, de nos jours, Chanteuse traditionnelle, Touda se produit dans les bars et fêtes familial autour d’un répertoire très codifié. Mais son horizon lui semblant bouché pour elle et son fils, elle aspire à quitter son village pour Casablanca avec l’espoir de devenir une authentique Cheikha, admirée et respectée pour son talent et ses improvisations…

Représentant le cinéma marocain à lui seul (ou presque) depuis une vingtaine d’années — il est avec ce nouveau long métrage pour la sixième fois le candidat officiel proposé par le royaume chérifien pour l’Oscar du meilleur film international —, Nabil Ayouch deviendrait-il un cinéaste académique ? Depuis son très réussi (et très polémique) Much Loved (2015), Ayouch peine pourtant à retrouver son audace, patinant dans des chroniques émollientes ou des projets “à concept” — tel le précédent, l’anecdotique Haut et Fort (2021), sans doute en compétition à Cannes parce qu’il aurait été désobligeant de le placer ailleurs. 

Everybody Loves Touda a également fait un passage sur la Croisette, mais dans la section “Cannes Première”, réservée aux avant-premières de prestige hors compétition. Et c’est tant mieux car une fois encore, on frise l’anodin. Film (sur un registre) musical, Everybody Loves Touda joue sur plusieurs tableaux : le mélo, le portrait d’une mère courage, le rejet des marginaux (artistes, femmes, personnes en situation de handicap, ressortissants de la ruralité etc.) et repose sur un gros “truc” de cinéma : l’exercice de style virtuose qui doit faire déclencher un effet “whaou !“ au spectateur (et accessoirement, aux jurys.

En l’occurrence, il s’agit d’un très long plan-séquence final chanté coïncidant avec un acte fort de Touda. Le problème, c’est que le dispositif hurle tellement fort son caprice de mise en scène (ou d’épate ?) qu’il fait quasi écran à la narration… et  par là-même, en vient à interroger légitimité de ce choix. On se souvient avoir été plus enchanté.

Everybody Loves Touda de Nabil Ayouch (Fr.-Mar., 1h42) avec Nisrin Erradi, Joud Chamihy, Jalila Tlemsi… En salle le 18 décembre 2024.

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Bob Marley : One Love de Reinaldo Marcus Green 

1976. Star de la musique reggae dans une Jamaïque déchirée par les rivalités politique, Bob Marley est victime d’un attentat chez lui manquant coûter la vie à son épouse Rita. En compagnie de son groupe The Wailers, il s’exile alors à Londres. Cette mise à l’écart aura pour effet de lui inspirer la composition de l’album qui le transformera en star planétaire, Exodus…

On sait toujours gré aux films racontant les illustres de se focaliser sur un aspect particulier de leur existence. De privilégier un angle, une période, plutôt que prétendre condenser une vie en deux heures. Parce que la restriction implique une approche réfléchie du sujet et évite par conséquent les constructions biographiques bateau, emplies de séquences superfétatoires. Centré sur la parenthèse 1976-1978 (épargnant donc à la fois ses débuts — même si’l y a des flashbacks — et sa mort — même s’il y a les signes avant-coureurs de sa maladie), le biopic de Reinaldo Marcus Green respecte son intention. Il s’attache donc à dépeindre le contexte sans lequel les textes (devenus des hits puis des classiques) n’auraient pas vu le jour — décorréler la musique de cet ancrage eût été un contresens absolu. Il met également en scène la fabrication, au sens artisanal du terme, de quelques titres — dont Exodus, issu d’un bœuf massif.

En avoir ou pas

L’idée ressort que Marley a su cristalliser dans son œuvre les maux de son époque, à l’instar d’un Dylan. Devenu par la musique le héraut du rastafarisme, il en a transcendé les frontières pour tendre à une forme d’universalité post-mortem. Grand était donc le risque que le film le sanctifie sous des litres de tubes — la famille, aux commandes, n’ayant que peu intérêt à écorner la “légende”. Si l’on soupçonne quelques artefacts de production destinés à humaniser l’artiste — une “séquence #MeToo“ où il chapitre son épouse à propos d’une liaison extra-conjugale… mais où celle-ci le renvoie à ses nombreuses infidélité ; les insistantes évocations de Ziggy (coproducteur du film) —, ce qui permet de donner de la chair à ce Marley, c’est son interprète. Loin d’être un clone, Kingsley Ben-Adir effectue une composition d’autant plus appréciable qu’elle repose sur une compréhension du personnage plus que sur le mimétisme.

On pourrait parler d’incarnation, tant l’idée d’habiter un corps se révèle ici signifiante : corps du quotidien dans la décontraction affichée, corps sportif dans la discipline du foot ou du jogging ; corps spectaculaire dans la transe exutoire de la scène… Kingsley Ben-Adir convainc de la non-nécessité d’être en tout point identique au modèle ; qu’en esquisser une silhouette ou les contour suffit… à condition d’avoir du talent. Et il en a.

Bob Marley : One Love de Reinaldo Marcus Green (É.-U., 1h47) avec Kingsley Ben-Adir, Lashana Lynch, James Norton… en salle le 14 février 2024

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Le Molière imaginaire de Olivier Py

Le 17 février 1673. Alors que Molière, malade, s’apprête à fouler la scène du théâtre du Palais-Royal pour la dernière fois, songes et réalité se livrent une étrange bataille en coulisses. Amis et amants le dissuadent de jouer ; d’abjurer son métier pour pouvoir être enterré en chrétien si le pire survenait. Mais le spectacle doit continue et il se poursuivra jusqu’à son terme…

Adieux, puissance deux. En consacrant un film au trépas de l’un de ses saints-patrons, Olivier Py (homme de scène qu’il est inutile de présenter) voulait-il également marquer symboliquement son départ de la direction du plus important festival de théâtre au monde — Avignon, qu’il a quitté en 2022 ? Boucler un chapitre avant d’en entamer d’autres ? Tourné précisément à Avignon, dans l’enceinte de la FabricA, son Molière imaginaire semble surtout lui permette de mettre en images une thèse émergeant depuis une dizaine d’années — et la pièce de Jean-Marie Besset Le Banquet d’Auteuil — postulant que Molière était bisexuel et avait pour amant le jeune Michel Baron, membre de sa troupe. En découlent des scènes homo-érotiques de bain et d’étreinte avec ledit-Baron, qui tiennent davantage de l’imaginaire péplum kitsch que des prémices d’une agonie dans l’ambiance brinquebalante d’un théâtre en surchauffe.

Scène de mort

Si Molière semble ici osciller entre deux mondes (la scène/la ville ; la vie/la mort), Py n’est guère mieux loti, qui paraît n’avoir pas décidé entre le théâtre et le 7^e Art. De longs plans-séquences virtuoses témoignent d’une volonté d’embrasser “le moment” d’un seul tenant (ou presque) ; le travail sur la lumière et les clairs-obscurs donnent à quelques spectatrices des visages dignes des Peintures noires de Goya — Dominique Frot, Judith Madre et la regrettée Catherine Lachens forment un trio de Parques assez effrayant. Mais en contrepartie, l’oreille est harassée par les dictions de certains interprètes se croyant sur le plateau malgré les caméras — Jean-Damien Bardin, pour ne pas le citer. Le résultat, hétérogène, n’est pas à la hauteur de ce qu’il eût pu être. 

Le Molière imaginaire de Olivier Py (Fr., 1h34) avec Laurent Lafitte, Stacy Martin, Bertrand de Roffignac… en salle le 14 février 2024

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Chien et Chat de Reem Kherici

Une influenceuse et un cambrioleur simulant la cécité se voient forcés de faire équipe entre Montréal et New York afin de retrouver leurs animaux de compagnie partis ensemble — Diva (une Maine coon snobinarde) et Chichi (un chien errant) possèdent en effet une valeur qu’ils ne soupçonnent pas. Un policier étrangement hargneux à leurs trousses achève de rendre le voyage périlleux…

Il se confirme que la génération d’acteurs hexagonaux ayant grandi dans les années 1980-1990 ne craint plus de payer son tribut au popcorn movie hollywoodien de son enfance. Après (le loin d’être raté) Jack Mimoun et les secrets de Val Verde de Malik Bentalha voici donc (le pas si mal) Chien et Chat de Reem Kherici. Taillée pour le jeune public et sortant justement à l’occasion des vacances, cette comédie joue sur plusieurs tableaux : un double buddy movie en suivant en parallèle les péripéties du duo humain et celles de la paire animale — et en offrant des variations sur le thème des contraires qui se repoussent avant de s’attirer à leur manière. Sans vraiment basculer dans la comédie sentimentale : la barrière des espèces est respectée entre Diva et Chichi ; quant à leurs “maîtres”, un joli faux-semblant final laisse la possibilité d’une suite. 

Les bêtes et le bête

Elle mise aussi sur le côté “Roger Rabbit”, en intégrant ses animaux virtuels dans un film en prises de vues réelles — le rendu s’avère conforme à ce que l’on peut espérer. Enfin, Chien et Chat emprunte son méchant (campé par un Philippe Lacheau osant autre chose que la mimique de l’ahuri-gentil) au registre de l’indécrottable méchant loser tel qu’on se l’imagine depuis Maman j’ai raté l’avion. Et là encore, ça fonctionne plutôt bien. S’il ne ménage guère de surprises, ce film se découvre en tout cas sans déplaisir. A fortiori lorsque l’on a l’âge cible,

Chien et Chat de & avec Reem Kherici (Fr., 1h26) avec également Franck Dubosc, Philippe Lacheau et les voix de Inès Red et Artus… en salle le 14 février 2024

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