La Chambre d’à côté de Pedro Almodóvar 

Lors d’une séance de dédicaces de son nouveau livre aux États-Unis, Ingrid apprend que Martha, avec qui elle a débuté jadis dans un magazine, est hospitalisée pour un cancer. La romancière se précipite au chevet de son amie reporter de guerre et reprend avec elle le fil d’une amitié interrompue par les années. Une amitié que Martha va mettre à l’épreuve lorsqu’elle demande à Ingrid de l’accompagner dans une maison pour l’assister dans son désir d’en finir avec la maladie. Et donc la vie…

Ce n’est un secret pour personne, La Chambre d’à côté parle des soins palliatifs et du choix de se donner la mort dans la dignité. Un sujet clivant, que d’aucuns verraient comme “l’ultime frontière” — l’euthanasie restant dans les démocraties occidentales l’une des dernières libertés à conquérir, au moment où d’autres droits apparemment acquis sont en train d’être remis en question. L’illégalité de cette entreprise (facilitée par la situation privilégiée d’Ingrid et Martha pouvant se procurer des substances illicites et se prémunir des rétorsions judiciaires) n’est d’ailleurs pas sans rappeler la situation des femmes là où l’avortement est interdit et criminalisé. L’inscription de cette histoire aux États-Unis, pays tendant à restreindre cette liberté, ne doit certainement rien au hasard. On en a la confirmation lorsque d’autres personnages égrènent les divers périls — environnementaux, procéduraux, démocratiques etc. — affectant la société américaine.

La vie, la mort

Autre secret de polichinelle : il y a “deux” Pedro Almodóvar. L’un, héritier de la Movida, s’épanouit dans l’extraversion, le flamboiement de tous les sens frayant avec l’absurde le plus chamarré. L’autre, davantage mélancolique, délaisse les outrances pour l’exploration des traumas ; la passion pour la compassion. Habitué à la réparation des corps et des âmes, aux veillées hospitalières ou funèbres, ce second Almodóvar, tourné vers l’intime, est de loin le plus intéressant. Sans doute parce que, tombant le masque de l’auto-caricature, il touche à une forme de vérité universelle… même si elle se trouve habillée de couleurs pétantes — car question direction artistique, on ne le changera pas : chaque intérieur demeure digne des plus belles pages d’un catalogue de déco pour intello branché ! 

Si le cinéaste est double, La Chambre d’à côté cultive à l’envi la duplicité — ou la dualité. Ne serait-ce que par sa paire d’héroïnes dialoguant ici, dans un ping-pong verbal laissant peu de places à de rares autres interlocuteurs. Le film se trouve lui même scindé en deux parties : les retrouvailles, durant lesquelles les deux amies se racontent leur passé (et où les histoires s’emboîtent les unes dans les autres) ; et puis le départ pour la maison du “Grand Départ” où, après deux (!) faux-départs, seul le temps présent est désormais tangible. La Chambre d’à côté ne se prive pas d’explorer au second plan d’autres champs artistiques. Ainsi, le rapport bergmanien entre les deux femmes renvoie-t-il à une certaine liturgie théâtrale ; quant à l’esthétique globale de l’image, elle rend hommage à la peinture américaine : outre Hopper explicitement cité, Andrew Wyeth est convoqué.

Almodóvar s’est singulièrement préparé à ce premier long métrage en langue anglaise après une (double) répétition générale en forme de courts, La Voix humaine (2020) et Strange Way of Life (2023). Adaptant une pièce de Cocteau, le premier se voit aujourd’hui comme un bout d’essai lui ayant permis de “tester” Tilda Swinton autant que de valider sa présence au sein de son univers graphique — spoiler : elle s’y conforme parfaitement, étant elle-même davantage qu’une comédienne, une sorte de concept esthétique à la ville comme à la scène. En Martha émaciée, éthérée, presque décharnée mais toujours maîtresse de son destin comme de son allure au seuil du trépas, elle est taillée pour le rôle. Ou plutôt les rôles, car elle en a évidemment deux dans ce film tapissé d’échos. Mais de ce second emploi, là, on ne parlera pas ! 

La Chambre d’à côté (The Room Next Door) de Pedro Almodóvar (Esp.-É.-U., 1h47) avec Tilda Swinton, Julianne Moore, John Turturro… En salle le 8 janvier 2025.

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Hiver à Sokcho de Koya Kamura

Sokcho, une petite ville de Corée du Sud au bord de la mer. La jeune Soo-Ha, qui travaille dans une pension où elle accommode parfois les poissons vendus par sa mère au marché, vit avec le fantôme idéalisé de son père français ayant disparu avant sa naissance. Lorsqu’un mystérieux client venu de France s’installe à la pension, Soo-Ha est partagée entre fascination et réserve. D’autant que celui-ci, Yan Kerrand, est un artiste aussi renommé que réputé secret, voire sauvage…

Voici un film qui dilue, voire explose la notion d’auteur telle qu’on a l’habitude de la considérer en France dans le sens de “paternité exclusive”. Cela tombe bien, puisqu’il s’inscrit géographiquement au-delà des frontières hexagonales et fait de la distance à notre territoire métropolitain l’un de ses enjeux dramatiques. Tiré d’un roman d’une la Franco-helveltico-coréenne Élisa Shua Dusapin, Hiver à Sokcho a en effet été adapté par Stéphane Ly-Cuong (scénariste-cinéaste dont on verra bientôt le premier long Dans la cuisine des Nguyen et qu’on a aperçu dans Emilia Pérez) et Koya Kamura qui en réalise les séquences en prises de vues réelles. Car il faut également ajouter les très beaux interludes animés de la main d’Agnès Patron, offrant en contrepoint sa signature à ce film résolument métis. 

L’art des mélanges

Mis en abyme dans la forme-même du film, le métissage et la problématique des origines ne cessent de rebondir au fil des balades maïeutiques entre Yan et Soo-Ha dans les rues de la cité. Faussement contemplatif, Hiver à Sokcho se révèle centré sur le processus de la conception et de la gestation, où la création finale — enfant ou œuvre — est la résultante de l’énigmatique rencontre, puis fusion, entre des flux externes et internes. Inspiration et gamètes, même combat ?

Mais à l’instar d’un oignon, le film possède plusieurs couches en multipliant les lectures et l’intérêt. Notamment dans son un côté thriller familial, quand Soo-Ha se plaît à imaginer que Yan puisse être son géniteur et qu’elle commence à l’épier alors qu’il s’immerge dans la phase misanthrope de sa création. Parallèlement, la jeune femme déploie des talents gastronomiques dans une cuisine… fusion, là encore, apprêtant les produits coréens au répertoire européen. Inutile de dire que les séquences de préparation (et de dégustation) de recettes ne manqueront pas de faire saliver dans la salle.

Hiver à Sokcho de Koya Kamura (Fr.-Co. du Sud, 1h45) avec Roschdy Zem, Bella Kim, Park Mi-hyeon… En salle le 8 janvier 2025.

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Pauvres créatures de Yórgos Lánthimos

Londres, à la fin du XIX^e siècle. Professeur de médecine épris d’expériences physiologiques peu orthodoxes, le Dr Godwin Baxter est parvenu à ressusciter Bella, une jeune femme en apparence retardée mentale qu’il garde sous clef. Pour suivre ses fulgurants progrès, Baxter recrute l’un de ses étudiants, le gentil Max qui s’attache à ce cobaye. Avide d’explorer le monde comme sa sensualité dévorante, Belle préfère s’enfuir avec Duncan Wedderburn, un jouisseur mondain la voyant comme une proie facile. Il le payera cher…

De la vertu de l’expérimentation et du non conformisme au sein des majors… Troisième Lion d’Or en sept Mostre pour Searchlight (désormais filiale de Disney), Pauvres créatures succède donc au palmarès vénitien à La Forme de l’eau (2016) et Nomadland (2020). Signé comme ses devanciers par un non-Étasunien — est-ce un hasard ? —, ce film revendique surtout dans sa chair composite les mérites du bizarre, de la transgression. En clair, tout ce dont les studios se méfient comme la peste… ou qu’ils aseptisent dans des franchises clonées les unes sur les autres, jusqu’à la lie.

Conte philosophico-gothique reprenant la figure d’un « Prométhée moderne » fabriquant du vivant à partir de “pièces détachées“, Pauvres créatures se double d’une spectaculaire mise en abyme puisque dans sa forme-même, le film apparaît visuellement hybride. Au fur et à mesure de l’évolution du personnage de Bella et de son éveil au monde — aux sens, à la connaissance — l’esthétique de l’image mue : noir et blanc avec ultra grand angle et effet fish-eye pour “l’enfance” ; couleurs chaudes et pastel pour “l’adolescence“ ; teintes plus nuancées et chiaroscuro pour “l’âge adulte“. Les cadrages demeurent néanmoins volontiers excentriques, soulignés par la partition décalée de Jerskin Fendrix où dissonances et désaccords renforcent le malaise ambiant..

Étonnante Stone

Cela fait des années que Lánthimos tourne autour de sujets voisins, se focalisant sur des personnages vivant dans une proximité toxique, retranchés d’un monde dont ils redoutent l’ouverture et la normalité. Longtemps amateur d’esthétiques beige, de froideur seventies et de réalisme blafard, le cinéaste a opéré une bascule significative avec La Favorite (2018). Comme s’il découvrait par ce film les possibilités offertes par le mouvement, abolissant la grandiloquence sentencieuse au profit d’une extraversion incarnée. Ou la folie saisie comme chez Żuławski au plus près et au plus vif, dilatée par l’anamorphose. On notera que cette bascule correspond à l’arrivée devant sa caméra d’Emma Stone, éclipsant autant Olivia Coleman que Rachel Weisz.

Pauvres créatures n’aurait pu exister sans la contribution de cette comédienne. Certes, le reste de la distribution ne démérite pas et la direction artistique pèse un poids artistique considérable — maquillages burtoniens, décors steampunk et personnages lynchiens obligent — mais ce que livre Emma Stone pour faire vivre son personnage s’avère à proprement parler estomaquant. Cela, sans entrer dans cette détestable course à la “performance” empoisonnant par ses artefacts éventés les grandes productions depuis des décennies.

Fuyant les clichés pour mieux habiter son rôle, Stone ose être une poupée désarticulée comme elle ose la nudité frontale ou des orgasmes en gros plan. Autant de camouflets aux ukases hollywoodiens et à leur hypocrite pudibonderie que d’armes narratives au service de l’affranchissement de Bella. Sans cette prise de risque physique, le propos féministe de ce roman d’apprentissage déviant eût été une coquille vide — un corps sans âme.

En définitive, ce qui étonne n’est pas tant qu’une actrice fasse preuve d’une telle amplitude, mais qu’elle s’autorise encore, à son niveau de notoriété et dans l’époque corsetée qui est la nôtre, à interpréter un rôle aussi politique. Voilà qui ajoute encore à son audace, sa pertinence et son talent.

Pauvres créatures de Yórgos Lánthimos (Irl.-G.-B.,-É.-U., 2h21) avec Emma Stone, Mark Ruffalo, Willem Dafoe, Ramy Youssef… En salle le 17 janvier 2024

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La Tête froide de Stéphane Marchetti

Mal remise d’une rupture douloureuse, Marie survit dans un bungalow de montagne et tente d’éponger ses dettes grâce au trafic transfrontalier de cigarettes. Le hasard place sur son chemin Souleymane, un jeune réfugié qui la convainc de l’aider à passer des clandestins en échange d’une commission. Prise à la gorge, Marie accepte, sans se douter des conséquences… 

Les Engagés, Les Survivants, Le Prix du Passage, Moi Capitaine et désormais La Tête froide… Longue est déjà la liste (non exhaustive !) des films consacrés aux passeurs occasionnels parvenus sur les écrans depuis 18 mois. À ceux qui vitupéreraient le manque d’inspiration des réalisateurs ou des scénaristes, on objectera que la réalité s’impose à eux et qu’ils auraient tort de la fuir.

Surtout lorsque les autorités préfèrent la réduire au rapport globalisant de Frontex. Chargée de surveiller les frontières européennes, l’agence recense les « passages irréguliers » qu’elle qualifie « d’incidents ». Et lorsqu’elle publie ses chiffres (environ 380 000 personnes  pour 2023), elle commente les variations (« augmentation significative ») ou note les origines géographiques des réfugiés sans préciser ni les raisons de leur passage (climat, guerre, famine etc.), ni les autres chiffres en corrélation (comme les 2 500 morts ou disparus en Méditerrannée en 2023 d’après l’ONU, en augmentation de +50% par rapport à 2022). 

Loin de la bureaucratie, La Tête froide replace l’humain au-devant de la statistique en revenant au singulier et aux motivations individuelles. Il faut du temps de construire des personnages nuancés, tracer des parcours cohérents et s’abstraire des caricatures comme de l’angélisme. On reconnaîtra à Stéphane Marchetti, étranger à tout manichéisme, cette qualité comme son œil pour choisir ses interprètes. Florence Loiret Caille, entre fragilité et aspérité, et puis la découverte Saabo Balde, dont on espère qu’il ne fait pas que passer.

La Tête froide de Stéphane Marchetti (Fr,, 1h32) avec Florence Loiret Caille, Saabo Balde, Jonathan Couzinié… En salle le 17 janvier 2024

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Comme un prince de Ali Marhyar

Promis à un titre olympique de boxe, Souleyman enfreint le couvre-feu pour aller faire le mariole en boîte de nuit où il se déglingue la main. Les métacarpes et la carrière en miettes, il est de surcroît condamné à 400 heures de TIG comme jardinier au Château de Chambord. Dans son équipe, la jeune Mélissa semble prédisposée au Noble Art. En toute illégalité, Souleyman va entraîner cette ado rebelle…

Faux pas/possibilité de revanche sur la vie torpillée par une trahison/seconde chance/tout est bien qui finit bien. Sans surprise, Comme un prince suit à la lettre le canevas de ce qu’il convenu d’appeler une “comédie de rédemption”, avec ses crises prévisibles et ses rebondissements attendus (rabibochage familial, concrétisation de l’histoire sentimentale entre Souleyman et sa supérieure-guindée-venant-d’un-autre-milieu-social). Aucune originalité à attendre, donc, du scénario, qu’une réalisation standard enveloppe de sa morne neutralité. 

Reste l’interprétation. Commençons par les seconds rôles, confiés à un aréopage d’illustres copains d’Ali Marhyar — il est toujours précieux d’avoir un carnet d’adresses fourni. Jonathan Cohen, Jonathan Lambert ou Ivan Gotesman font ainsi des apparitions (des sketches sur mesure) aérant un brin le récit. Mais c’est surtout Mallory Wanecque qui se démarque, en sparring partner du sympathique Ahmed Sylla. Découverte dans la comédie Les Pires de Lise Akoka et Romane Gueret (2022), la jeune comédienne prouve ici que son envie de cinéma s’accompagne d’un engagement consciencieux ; Comme un prince servira au moins à parfaire sa formation.

Comme un prince de Ali Marhyar (Fr., 1h30) avec Ahmed Sylla, Mallory Wanecque, Julia Piaton… En salle le 17 janvier 2024

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