L’Étranger de François Ozon

Alger, 1938. Employé de bureau solitaire et mutique, Meursault apprend par télégramme la mort de sa mère. Peu enclin à extérioriser quelque sentiment que ce soit, il fait preuve d’un détachement confinant à l’insensibilité lors des obsèques. Et entame une liaison avec sa collègue Marie, au lendemain de l’enterrement. Dans les temps qui suivent, il fréquente son voisin Raymond Sintès, un petit souteneur dont il observe les combines et écarts sans sourciller. Leur proximité va mener à un drame au cours duquel Meursault va assassiner un homme sur une plage noyée de soleil…

Adapter Camus est un redoutable privilège ; il en faut toutefois davantage pour intimider François Ozon dont l’œuvre proétéiforme témoigne d’une volonté quasi obsessionnelle de se renouveler. En tournant (vite) chaque film « contre le précédent » — c’est-à-dire en panachant les genres — et en modelant pour chacun une forme spécifiquement adaptée au contenu dramatique… démarche que peu de cinéastes sont capables d’entreprendre. Cela, tout en se laissant la liberté d’intercaler un projet non prévu dans son programme surchargé. C’est le cas ici puisqu’il y a treize mois, Ozon jurait ses grands dieux que 2025 serait pour lui une année blanche en termes de sortie. Elle est plutôt en noir et blanc.

NB : Noir et Blanc

Ce choix de photo, s’il accentue d’emblée l’inscription dans le passé et offre des avantages de coût comme de logistique, gomme mécaniquement la variété chromatique de la palette — c’est une tautologie. Demeurent les teintes extrêmes noir et blanc, pôles de la binarité par excellence (bien/mal ; vrai/faux ; deuil/vie ; ombre/lumière etc) noyées par les nuances de gris, cet océan indistinct  dans lequel Meursault évolue, impassible et laconique. Par le jeu de l’exposition et du cadrage en surplomb, cette photo restitue avec justesse la sensation de liquéfaction brûlante du soleil l’irradiant lors de la scène de la plage.

On se rappelle que Ozon avait également choisi le noir et blanc pour Frantz (2016), film dont l’histoire traite également des conséquences d’un assasinat — moins tant pour l’assassin lui-même que pour celle qui est éprise de lui et pour la famille de la victime. Le noir et blanc, toujours, avait habillé cette variation sur le thème de L’Étranger qu’était The Barber – L’Homme qui n’était pas là (2001) des frères Coen ; comme si ces personnages à part du monde — que l’on soupçonnerait sans doute aujourd’hui de présenter un TSA — étaient piégés dans un univers aux contours restreints.

Voisinages troubles

On ne déniera pas à Benjamin Voisin un certain courage : incarner un être aussi absent que Meursault pose certainement autant de problèmes physiques que psychologiques et moraux. Par ailleurs, il devait aussi intégrer le fait que sa ressemblance avec Alain Delon (espéré par Visconti) avait dû jouer en sa faveur. Néanmoins, il y a de quoi s’interroger sur sa fascination de plus en plus marquée pour les personnages radicaux et/ou autodestructeurs. Après Guerre, son seul en scène adapté de Céline et Jouer avec le feu, il ajoute donc avec Meursault un nouveau soleil noir à son CV. Reste à savoir ce qu’il va faire de toutes ces drôles d’étoiles…

Clins d’œil et d’oreille

Cinéphile aux influences multiples et cinéaste ouvert sans exclusive à toutes les familles de comédiens, Ozon réunit ici virtuellement l’un des couples phares de l’aube des années 1980 : Mireille Perrier et Denis Lavant, vedettes de Boy Meets Girl de Leos Carax. Si la première campe la mère de Meursault, dans une séquence  onirique digne de Chirico, le second interprète le vieux Salamano, voisin au chien du héros dont on devine qu’il était secrètement épris de Mme Meursault mère. De là à imaginer qu’ils auraient pu se connaître comme Alex et Mireille…

Enfin, Ozon a demandé à la compositrice Fatima Al Qadiri de signer la partition de son film, l’enveloppant de thèmes arabisants adaptés à l’atmosphère pesante ou contemplative de son récit. Mais il n’a pas oublié pour son générique de fin de convoquer l’une des plus célèbres adaptations de L’Étranger à ce jour (celle de Visconti étant quasiment invisible) : la chanson de The Cure Killing an Arab (1978), le premier single du groupe.

L’Étranger de François Ozon (Fr.-Bel.-Mar, 2h) avec Benjamin Voisin, Rebecca Marder, Pierre Lottin, Denis Lavant, Mireille Perrier… En salle le 29 octobre 2025.

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La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa

Héritière d’une multinationale de cosmétiques, Marianne Farrère en assume les charges et contraintes même si elle délègue à son époux une partie des tâches opérationnelles. D’un abord austère, elle est cependant intriguée, puis séduite par un photographe mondain, Pierre-Alain Fantin, dont l’exubérance et le peu de respect pour les règles bourgeoises de bienséance l’amusent. Celui-ci va profiter d’être bien vu pour se faire entretenir par sa riche mécène, à coups de milliards. Au grand dam de la fille de Marianne, Frédérique Spielman, qui veut mettre un terme à la saignée opérée par ce parasite de plus en plus envahissant et gourmand…

Toutes ressemblances avec l’affaire Banier-Bettencourt ne sauraient être réellement fortuites. On devine qu’une armada d’avocats a dû scruter au laser le scénario pour l’aseptiser du moindre risque de poursuites. D’ailleurs, le film précise qu’il est « une œuvre de création très librement inspirée de faits réels », où les séquences d’intimité — parfois croquignolettes — sont le fruit de leur pure imagination. Même si elles peuvent paraître outrancières ou absurdes, sont-elles plus aberrantes que les détails ubuesques révélés lorsque “l’affaire” a commencé à susciter l’intérêt des magistrats et de la presse ?

Marianne la semeuse

Ne jamais désespérer des réalisateurs ! Même lorsqu’ils ont tourné un film bancal — voire plusieurs coup sur coup —, ils sont capables de remonter en selle et en scène pour livrer quelque chose d’étonnant car plus abouti. Il y a trois ans, Thierry Klifa consternait avec une comédie d’un autre temps franchement ratée, Les Rois de la piste. La Femme la plus riche du monde rectifie le tir en conservant ce qui constitue la colonne vertébrale de son cinéma depuis toujours : les histoires de familles, avec des matriarches puissantes aux amours compliquées. Celle-ci ne manque pas d’épines.

Alors, à quoi attribuer ce retour en grâce ? À un changement de co-scénaristes ? S’assurer la collaboration de la paire Cédric Anger/Jacques Fieschi équivaut en effet à rouler avec deux Rolls. Aux choix des interprètes ? Disons à une distribution idoine pour chaque rôle : Huppert, par exemple, n’est jamais meilleure que lorsqu’elle s’amuse à jouer les indignes (revoyez La Daronne ) et là elle a le loisir de se dévergonder à l’envi. Face à elle, Laurent Lafitte (sur)joue l’escroc à la préciosité débordante comme s’il s’agissait de dépasser le maître-étalon Michel Serrault de La Cage aux folles. Aussi étonnant que cela puisse sembler, cela fonctionne dans la mesure où Fantin et Farrère doivent former à l’écran une couple digne du mariage de la carpe et du lapin. 

Vraie-fausse fiction

Et puis il y a tous les autres interprètes parfaitement choisis pour consolider l’histoire racontée autant que la vague ressemblance entretenue avec ceux qui en sont les inspirateurs. Sous une frange brune plus courte que celle d’Anne Lauvergeon dans La Syndicaliste (où elle donnait déjà la réplique à Huppert), Marina Foïs compose une fille sans cesse rabaissée saisissant la chance de prendre sa revanche. André Marcon, fidèle à ses emplois de notables, est parfait en capitaine d’industrie-ancien ministre rattrapé par son passé collabo et  totalement dépassé par ce qui se trame sous son nez. Enfin, Raphaël Personnaz, incarnation de la loyauté faite majordome, donne à son second rôle une profondeur de samouraï. 

Sans doute le caractère insolite du fait divers d’origine, impliquant des montants si vertigineux qu’ils en deviennent absurdes et risibles, participe-t-il de la réussite du film. Encore fallait-il savoir jongler avec cette fiction plus déraisonnable que la réalité. Le parti-pris de faire intervenir les personnages dans des brèves séquences d’interviewes, comme s’ils étaient les authentiques protagonistes des événements brouille encore plus les cartes en rendant cet immense scandale aussi dérisoire qu’un docu-reconstitution lambda, voire d’un programme de télé-réalité. Un comble au regard des sommes en jeu mais c’est bien connu : « Tout ce qui est excessif est insignifiant »

La Femme la plus riche du monde de Thierry Klifa (Fr.-Bel., 2h03) avec Isabelle Huppert, Marina Foïs, Laurent Lafitte, Raphaël Personnaz, Mathieu Demy… En salle le 29 octobre 2025.

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Aviez-vous un lien particulier aux volcans avant le film ?

Cyprien Vial : Je ne suis pas un grand sportif, mais depuis que je suis petit, j’aime bien la randonnée et la montagne. Et j’ai développé un lien aux volcans assez fort au cours des 15 dernières années. J’aime particulièrement me promener sur les volcans, parce que ce sont des montagnes qui racontent des histoires. Le volcan nous raconte sa vie via des couleurs, des formes des roches. Ça me plaît parce que j’aime la montagne et qu’on me raconte des histoires. J’aime bien me sentir très petit et peut-être très inutile, sur ces montagnes en particulier, qui me calment. Peut-être parce qu’elles sont dangereuses et que quand je grimpe au-dessus, la situation n’est pas dangereuse.

Il y a un souvenir de début d’adolescence lié aux volcans peut-être à l’origine de ce film. Quand j’avais 13 ans, je suis parti avec mes parents en Guadeloupe et on est monté à la Soufrière. Ça a été une expérience très… grisante et étonnante, parce qu’en fait, je n’ai pas eu de prise visuelle avec cette montagne. Chaque jour, on avait envie de monter mais la météo n’était pas bonne. On a fini par monter avec une météo très mauvaise. Et j’ai eu la sensation vraiment d’entrer dans une sorte de monde parallèle, gris, avec un mélange de nuages et de volutes de soufre. Et de perdre complètement mes repères. À un moment, je ne voyais plus ma famille et ça m’a procuré une sorte d’exaltation étrange ; un mélange de peur et d’excitation. C’est ce que je recherche en faisant des films. 

Quand j’étais petit, on déménageait tous les deux ans à peu près avec mes parents, pour le métier de mon père. Je crois que ces déménagements m’ont habitué à aller voir ailleurs de façon régulière et ont développé une sorte d’addiction à la découverte d’autres territoires. Le cinéma pour moi est un moyen de me déplacer, d’aller voir ailleurs peut-être si j’y suis. Ce film en particulier s’inscrit dans cette dynamique-là : de me confronter à un territoire que je ne connais pas, où j’ai ressenti quelque chose d’assez bizarre. Et où j’ai envie tout d’un coup de retourner.

Votre ressenti d’une frustration à La Soufrière n’est pas sans évoquer le sentiment éprouvé par l’un de vos glorieux aînés, Werner Herzog dans son film La Soufrière (1976). Vous retransmettez ce même sentiment ici avec une catastrophe qui n’arrive pas…

C’est marrant parce que La Soufrière, c’est un film que, évidemment, j’aime beaucoup ; mon intérêt pour les volcans m’avait permis de le voir. Je l’ai revu pendant le confinement : ces images m’ont rappelé mon séjour d’enfance sur le volcan : les rues vides de Basse-Terre — la ville évacuée massivement en 1976 parce que le volcan est en train de se réveiller et que l’on dit que c’est très dangereux. 

C’est à la fois comparable et pas du tout : les rues sont aussi vides que les nôtres, les gens ne sont pas confinés, mais finalement, ils sont déplacés et ils vivent en 1976 enfermés chez leurs cousins, leurs amis, ou dans des gymnases… Donc il y a des similitudes très fortes, et surtout, une similitude thématique quotidienne de l’information scientifique confrontée à la décision politique. Donc une friction que je trouve étonnamment cousine à ce qu’on vit ; c’est à ce moment-là que j’ai très envie de comprendre ce qui s’est passé en 1976 et peut-être d’en faire une revisite : qu’est-ce qui se passerait aujourd’hui si le volcan se réveillait à nouveau comme en 1976 ?

Après, la matrice émotionnelle du film d’Herzog — c’est-à-dire la frustration, la tension sourde qui habite son film — est l’émotion première que j’ai cherchée plus ou moins consciemment à travailler. On a essayé d’écrire un film qui mette le spectateur dans une situation d’inconfort et d’intranquillité très forte, dans un état où il ne sait pas trop qui du volcan, de Katia ou de la population va péter un plomb en premier. C’est cette incertitude et ce sentiment d’inconfort qui, moi, m’intéressent plus que l’explosion de lave qu’on a l’habitude de voir dans les blockbusters volcaniques.

Comment avez-vous travaillé avec votre coscénariste Nicolas Pleskof ?

C’est assez ludique parce que ni Nicolas ni moi n’a jamais eu avant à travailler une matière loin de nos connaissances. Comment rendre une histoire scientifique un peu technique, compliquée, à peu près digeste, tout en employant des mots que les gens ne comprendront pas — et ce n’est pas grave ?

Le fait qu’un des protagonistes soit un jeune scientifique peut aider…

Oui, parfois, ça aide effectivement qu’il connaisse moins ; ça permet de comprendre mieux… Ce film m’a permis de devenir un peu apprenti géologue. Et parce que faire un film donne envie de se déplacer, d’apprendre des choses, j’ai eu envie que le film puisse évoquer une situation crédible. Donc la narration scientifique, cette histoire de lahar, c’est une manière pour moi aussi de raconter le volcan en tant qu’être vivant compliqué, qui n’est pas juste un cracheur de lave, mais peut-être aussi un vomisseur de boue — ou aussi un cracheur de cailloux, de fumée…  D’ailleurs, au début, je demandais à mes deux conseillères volcanologues, spécialistes des volcans des Antilles : « Alors, la Soufrière, il est dans quelle catégorie ? ». Et elles rigolaient : « Tu sais, les volcans, c’est des créatures non-binaires. Peut-être que la Soufrière est un volcan gris aujourd’hui, mais à l’échelle de sa vie, il peut tout à fait changer de genre, de catégorie et devenir rouge »

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Vous avez porté une grande attention au réalisme et à la crédibilité. Pour autant, est-il réaliste qu’une patronne de labo puisse se remettre en cause quand sonpool pointe le fait qu’elle parte à la dérive et soit dans une bulle sensorielle ?

Je voulais le montrer parce qu’il m’a semblé l’avoir aperçu chez des scientifiques qu’on voyait tout le temps à la télévision pendant l’ère Covid. J’ai l’impression que cette position des scientifiques dont on attend qu’ils détiennent une vérité chaque jour renouvelée — adaptée à ce que la sphère politique et la sphère sociétale espèrent — est hyper difficile à tenir. Encore plus dans un métier comme celui de volcanologue où les crises sont quand même assez rares.

L’un des éléments qui m’amusent dans le film, c’est de raconter un récit d’apprentissage d’une femme de 52 ans. Elle n’a jamais vécu ça et donc il me semble réaliste qu’elle puisse vriller à un moment. Après, c’est un film de fiction… Sur cette même ligne un peu ténue de véracité, est-il crédible que le jeune homme parte vraiment sur le terrain alors que c’est extrêmement dangereux et qu’il y arrive ? J’ai envie de croire que c’est possible. 

Mon projet, ça a été d’essayer de raconter comment un binôme, aujourd’hui, dans une situation cousine de celle de 1976 tout en vivant quelque chose de très tendu et d’intranquille, pouvait peut-être fabriquer quelque chose de plus beau, de plus enthousiasmant. Contrairement à ce qui s’est passé en 1976, mon envie a été de créer un personnage de jeune scientifique guadeloupéen qui appartient à cette terre et qui, lui, peut-être, pourra être entendu à la fin du film. Il y a un côté un peu très naïf quand il parle face caméra mais c’était important pour moi que ça ne puisse se résoudre que par lui. Parce que la population, après ce qui s’est passé pendant le film, n’est plus prête à écouter une femme blanche sachante, malgré ses talents.

Magma de Cyprien Vial (Fr., 1h25) avec Marina Foïs, Théo Christine, Mathieu Demy… En salle le 19 mars 2025.

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Aïcha de Mehdi M. Barsaoui

Sud de la Tunisie. Vivant dans un petit village sous la coupe d’une mère tyrannique, Aya travaille dans un hôtel où son supérieur lui promet depuis des années le mariage en échange de ses faveurs. Un jour, le minibus la conduisant à l’hôtel est victime d’un accident dont Aya sort seule survivante. Portée au nombre des disparus, Aya part en secret pour Tunis et débute une nouvelle existence. Mais le destin la rattrape lorsqu’elle prend part malgré elle à un fait divers impliquant la police…

Irréductible à une entrée ou un genre, Aïcha est à la fois un jeu de piste, un polar à rebondissements, une photographie sociologique de la Tunisie de l’après Ben Ali et le portrait d’une femme effectuant sa métamorphose. Davantage qu’un fil conducteur, Aya incarne une sorte métaphore : spectatrice obéissante au début, elle va prendre par hasard l’initiative de sa vie et apprendre à lutter pour la conserver — la résilience étant un combat de chaque jour.

Domination 

Inspiré d’un côté par un fait divers tristement pathétique lié à une personne voulant sans doute se rassurer sur son  ego ; de l’autre par les incohérences de l’état civil tunisien, Mehdi M. Barsaoui a composé un récit d’une grande subtilité, à plusieurs couches. Il y confronte non seulement les différentes générations (parents/enfant) mais aussi les oppositions village/capitale, sud/nord, pauvreté/richesse, vérité/mensonge… 

On ne s’étonnera guère que la plupart de ces paires renvoient au rapport bourdieusien entre les dominants et les dominés, ni que celui-ci soit exacerbé par l’action des premiers, soucieux de conserver leur emprise sur les seconds. La corruption institutionnelle n’a pas disparu avec la chute du régime, pas plus que la prédation patriarcale. Loin d’être manichéen ou binaire, Aïcha montre toutefois que les alliés ne se situent pas où le croit… comme qu’il faut se défier de certaines “sœurs” davantage promptes à penser à leur personne qu’à la sororité !

Épopée policière en plusieurs chapitres dotée d’une réalisation au cordeau, Aïcha doit sa tension aux évolutions du personnage matérialisée par Fatma Sfar. Passant de l’ingénuité soumise à l’affirmation de soi, voire la dureté, la comédienne laisse entrevoir une étonnante palette de jeu, et espérer une suite de carrière prometteuse.

Aïcha de Mehdi M. Barsaoui avec (Tu.-Fr.-It., 2h03) avec Fatma Sfar, Yasmine Dimassi, Nidhal Saadi, Hela Ayed, Mohamed Ali Ben Jemaa, Ala Benhamad, Sawssen Maalej… En salle le 19 mars 2025.

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Lumière, l’aventure continue de & avec la voix de Thierry Frémaux

Que reste-t-il du cinématographe des frères Lumière 130 ans après leur invention ? Beaucoup plus que l’on imagine comme le révèle ce film de montage construit à partir d’un choix de 120 vues parmi les 300 récemment restaurées. Le cinéma des premiers temps, déjà taillé pour l’éternité…

En 2016, peu après les précédentes célébrations décennales du cinéma, Thierry Frémaux avait déjà conçu un long métrage à partir de vues Lumière commentées par ses soins. Florilège des archives des inventeurs du Cinématographe, Lumière ! L’aventure commence était comme son nom le laissait supposer une introduction, une “révision générale” de l’aube du 7^e Art ; comment la photographie s’anima et partit à la vitesse des Lumière à la conquête du monde pour capter le mouvement et le restituer symétriquement. 

Revue de vues renouvelées

Si l’on s’en tient au titre à nouveau, Lumière, l’aventure continue pourrait raconter ce qu’il advint au-delà des dix-quinze premières années d’existence de ce cinématographe ; après ce panorama pris d’une chaise à porteurs au village de Namo (Vietnam) par l’opérateur Gabriel Veyre. Pas exactement, en réalité, puisque Thierry Frémaux compose ce nouveau programme à partir de vues récemment restaurées. Il s’agit donc d’une “reformulation” de cette histoire du cinéma des tout premiers temps, ni strictement chronologique ni exhaustive. Si le précédent choix était historique, ce montage semble le fait d’un promeneur plus didactique et tout autant affectif.

Ce faisant, le propos général demeure identique : prouver que les Lumière (surtout Louis, l’artiste de la fratrie) étaient des auteurs, inventant plus qu’un outil : une écriture. Transposant à leur art naissant l’esthétique des formes plastiques préexistantes. C’est une chose d’avoir mis sur pied le Cinématographe, l’un des aboutissements techniques parmi les nombreuses inventions similaires émergeant au même moment ; c’en est une autre de lui avoir donné une âme. Ces vues signées Lumière et leurs opérateurs convainquent que quelque chose s’est produit dès lors que le temps a été capturé pour la première fois.

Un bémol toutefois : le récit lyrique et enthousiaste, sentimental même, laisse à un moment une ambiguïté “fordienne” entre la légende et la vérité, à l’évocation de la trop fameuse anecdote mettant en scène Méliès et Antoine Lumière. Conquis par le Cinématographe et désireux d’acheter le brevet, l’illusionniste aurait été éconduit par une sentence du style : « je vous volerais car le cinéma est une invention sans avenir ». Comme ne cessent de le rappeler historiens et chercheurs dont François Amy de la Bretèque cette citation est, à tout le moins apocryphe sinon controuvée. Licence poétique ou flou… artistique ?

Lumière, l’aventure continue de & avec la voix de Thierry Frémaux (Fr., 1h44)… En salle le 19 mars 2025.

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Julia Stone : “Nous sommes en constant changement”

Magma de Cyprien Vial

Guadeloupe, de nos jours. À la tête de l’Observatoire Volcanologique local, Katia Reiter s’apprête à quitter ce poste pour un autre territoire. Mais une activité suspecte de la Soufrière met en panique l’île, induisant des échanges houleux avec les autorités préfectorales : le principe de précaution commandant des évacuations se heurtant au pragmatisme de la scientifique moins alarmiste. Travaillant à ses côtés mais natif de l’île, Aimé est déboussolé par l’attitude de sa patronne et écartelé par un conflit de loyauté…

Pendants aux films catastrophes (où des phénomènes adviennent à l’écran dans les conditions du grand spectacle), les thrillers scientifiques peuvent paraître visuellement timides. Il n’en sont pas moins authentiques pour autant : leur sens du réalisme, leur souci du détail en font de très intéressantes œuvres de prospective, voire de mise en alerte du public. Le Syndrome chinois de James Bridges (1979) a ainsi fait davantage pour éveiller les populations aux risques du nucléaire civil que bien des discours érudits… tout en pointant dans cette situation la turbidité communicationnelle des entreprises en cause, du monde politique et des médias.

Savoir et Pouvoir 

Magma applique ce schéma à un risque géologique majeur, d’autant plus prégnant en Guadeloupe que les Antilles sont hantées par la tragédie de la montagne Pelée en 1902, dont l’épouvantable bilan humain (30 000 morts au bas mot, destruction totale de la ville de Saint-Pierre) est directement imputable à la décision du gouverneur de la Martinique de refuser l’évacuation — voire d’interdire aux habitants de fuir. Un souvenir qui avait déjà contaminé la gestion de l’éruption de la Soufrière de 1976, avec son évacuation massive par précaution vivement contestée. 

Le film de Cyprien Vial s’articule donc autour du hiatus quasi immédiat entre autorités scientifiques, dépositaires du savoir, et autorité politique incarnée par le Préfet, dépositaire du pouvoir. Leur entente de façade devant les caméras peine à masquer leurs différends : chacun obéit en effet à sa logique (ou à ses intérêts). Quand la scientifique évalue un risque, le politique redoute des conséquences et cherche à s’en prémunir en déployant largement non pas le parapluie mais le parasol du principe de précaution… Comme s’il tentait de conjurer un drame à venir et rattraper a posteriori des manquements passés — cela pourrait être la montagne Pelée, l’usage massif du chlordécone etc. Loin d’être considérées comme une prise en compte de la sécurité des locaux, les mesures de restrictions et d’évacuation ajoutent à la perception par la population d’une gestion coloniale de l’île par Paris.

En associant une cheffe scientifique venue de Métropole et un doctorant natif de Guadeloupe, Cyprien Vial prolonge à l’intérieur du microscome des volcanologues les différences d’approche. Katia se réfugie dans son expérience et tend, malgré son attachement personnel à l’île, à se refermer dans une forme d’autorité autarcique ; Aimé se trouve de son côté pris dans un conflit de loyauté entre les siens et son métier, ses études. Plus que la couleur de peau, c’est la langue qui matérialise chez lui cette situation d’entre-deux, puisqu’il parle à la fois le créole et le français. Mais si elle semble accroître la fracturation sociétale, cette possibilité d’intermédiation se révélera ici décisive.

On ne peut, pour finir, voir Magma sans faire de rapprochement avec l’épisode Covid. C’est à dessein de la part de Cyprien Vial et de son coscénariste Nicolas Pleskof : les mécaniques administratives et scientifiques à l’œuvre derrière une catastrophe d’envergure, potentielle ou avérée, sont les mêmes. Autant que les incertitudes, le querelles, les peurs, les dynamiques de groupes… Ici, rien n’est donc vrai mais rien n’est faux non plus.

Magma de Cyprien Vial (Fr., 1h25) avec Marina Foïs, Théo Christine, Mathieu Demy… En salle le 19 mars 2025.

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Ma Mère, Dieu et Sylvie Vartan de Ken Scott

1963. Roland, le petit dernier des Perez voit le jour avec un pied-bot. Selon les médecins, il ne marchera jamais comme les autres. Mais sa mère Esther n’en démord pas : il ira à l’école tout seul comme les autres. À force d’obstination et de patience, Esther va trouver la bonne méthode qui, conjuguée à ses prières, va permettre à Roland de supporter un traitement de choc. Le secret ? Du Sylvie Vartan à haute dose matin, midi et soir…

Depuis (au moins) Plutarque, la vie des illustres est une inépuisable source d’intérêt et d’inspiration. Qu’ils soient faits par des tiers ou par les principaux concernés, les récits d’existences s’avèrent édifiants pour leurs destinataires pouvant y trouver qui, matière à satisfaire leur curiosité admirative, qui, une ligne de conduite pour leur propre destinée. Surtout lorsque l’histoire s’apparente à un conte de fées. 

Celle de Roland Perez, avocat médiatique à la trajectoire peu banale, appartient doublement ce corpus puisque son “avènement” personnel et professionnel est indissociables de sa fascination pour Sylvie Vartan. L’artiste constitua en effet pour lui une épiphanie, un repère, un modèle avant de devenir une amie et relation de travail. On touche ici au degré supérieur de la mise en abyme comme de la belle histoire — cela, même si le chemin de l’homme de loi n’est pas exempt drames intimes. Outre la perte précoce de son épouse, Roland doit également batailler pour se défaire d’Esther qui, en plus d’être une mère courage, correspond à l’archétype de la mère juive envahissante. À la hauteur de la référence cinématographique Mouchy campée par Marthe Villalonga dans le diptyque Un éléphant ça trompe énormément/Nous irons tous au paradis ou de celles chantées par Georges Moustaki.

Si ce n’est pas vraiment sa vie ça y ressemble

Adaptation de son autobiographie (devenant donc biopic), Ma Mère, Dieu et Sylvie Vartan de Ken Scott peut ainsi se percevoir comme l’ultime avatar miraculeux de la métamorphose perezienne. S’il s’avère loin d’être indigne, le film tient moins de l’œuvre cinématographique que du prétexte à la valorisation d’autres talents. La reconstitution appliquée des années 1960-1970 met ainsi en avant les artistes de la déco et des costumes, le vieillissement de Leïla Bekhti témoigne des talents des maquilleurs (qui finiront bien par avoir droit à une catégorie aux César) ; enfin — et surtout, outre la précitée incarnant la mère poule excessive —, Jonathan Cohen a l’occasion de sortir du registre d’autocentré pénible qu’on lui colle un peu trop depuis dix ans. Plus introverti et effacé, méchant parfois, avec de nombreuses facettes privées et publiques, son personnage est ici tout simplement complexe et humain. Là réside peut-être la vraie révélation du film…

Ma Mère, Dieu et Sylvie Vartan de Ken Scott (Fr., 1h38) avec Leïla Bekhti, Jonathan Cohen, Joséphine Japy, Sylvie Vartan, Jeanne Balibar, Milo Machado-Graner… En salle le 19 mars 2025.

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