Rue Málaga de Maryam Touzani 

Appartenant à la communauté espagnole du Maroc, Maria Angeles a toujours vécu à Tanger et compte bien y finir ses jours dans son appartement de la rue Málaga. Lorsque sa fille Clara débarque pour lui annoncer qu’elle est contrainte de le vendre, Maria Angeles est dévastée. Refusant de suivre Clara en Espagne, elle préfère aller dans un EHPAD tangérois dont, très vite, elle va s’échapper pour revenir habiter en cachette son appartement occupé. Et reconquérir ses souvenirs avec la complicité des habitants du quartier…

Entre Une histoire simple de Claude Sautet et La Vieille Dame indigne de René Allio, Rue Málaga est de ces films où l’héroïne effectue, plus ou moins tardivement, l’apprentissage de sa liberté de femme en dépit de son environnement familial. Elle choisit enfin d’agir à sa guise alors que d’autres lui ont dessiné sans la consulter un autre programme, plus conforme à la norme… ainsi qu’à leurs intérêts propres. Ici, la révolution de velours de Maria Angeles n’en est pas moins ferme ; et son inébranlable obstination finit par faire plier l’autorité. Plus fort que le clerc Bartleby !

L’âge de madame est avancé

Mais Rue Málaga n’est pas que l’histoire de Maria Angeles : celle-ci peut en effet se voir comme un prétexte à l’évocation de cette étonnante enclave linguistico-communautaire, cette utopie tangéroise où cohabitent et devisent ensemble Espagnols et Marocains dans une ambiance de village : dans ce quartier cosmopolite, la Méditerranée en partage abolit les frontières. Maryam Touzani y fait flotter conjointement deux époques : certes la nostalgie est perceptible, mais exempte de mélancolie. Le passé n’empêche pas le présent d’exister : il lui donne de l’épaisseur, une texture donnant plus tangible qu’il trouve des échos dans les meubles et objets de l’appartement de Maria Angeles.

Ce rapport sensoriel et sensuel aux choses, la réalisatrice l’avait déjà exploré dans son film précédent Le Bleu du caftan ; elle va plus loin encore ici en suscitant la vue, l’odorat, le goût, l’ouïe avec ses séquences de marché, de préparations culinaires… Toutes ces couleurs, épices, saveurs et ambiances constitutives de ce Tanger auquel Maria Angeles est indissolublement liée. Enfin, il y a la dimension sentimentale, parachèvement pudique mais bien réel de cette reconquête de la vie jusque dans sa dimension la plus intime.

En Carmen Maura, le personnage de Maria Angeles a trouvé une merveilleuse incarnation de cette rébellion du troisième âge, à la fois têtue et malicieuse. Cela fonctionne à l’écran parce que l’on a envie de l’accompagner dans sa nécessaire transgression mais également — ne nous voilons pas la face — car la comédienne a déjà par le passé campé des rôles de femmes (trop) sages faisant voler les carcans pour exprimer leur vraie nature. Gagner en expérience n’a pas que de mauvais côtés…

Rue Málaga (Calle Málaga) de Maryam Touzani (Fr.-Esp.-Mar.-All.-Bel, 1h56) avec Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane… Sortie le 25 février 2026.

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Woman And Child de Saeed Roustaee

Veuve et mère de deux enfants — dont Aliyar, un garçon très turbulent —, Mahnaz vit avec sa mère et sa sœur et travaille comme infirmière dans un hôpital. Alors qu’elle se prépare à convoler avec son fiancé Hamid, Aliyar est exclu de l’école puis victime d’un dramatique accident. Dévastée par cet événement tragique, Mahnaz va chercher à comprendre ce qui s’est réellement passé…

Montré à Cannes l’an dernier, Woman And Child avait été programmé dans la foulée pour cette sortie dans les salles françaises à la fin de l’hiver. Bien avant, donc, les nouvelles répressions sanglantes opérées par le régime de mollahs à l’encontre de la population. S’il ne rend pas compte explicitement de cette situation,  ce film — comme le précédent long métrage du réalisateur, Leila et ses frères (2022) — permet en partie de mieux cerner le contexte de la société iranienne par la métaphore. 

Les femmes et les enfants d’abord

Au-delà de la photographie explicite qu’il délivre de certaines institutions du quotidien malades — l’école, l’hôpital, la famille… — Saeed Roustaee évoque surtout l’omniprésence d’une caste vieillissante exerçant un potentat insupportable de délétère sur la jeunesse. Telle Cronos dévorant ses enfants, elle vassalise, opprime et tue ceux qui cherchent à s’affranchir des carcans moraux imposés. Dépositaires de l’argent (ou plutôt, de l’or), soutenus par les autorités religieuses, menteurs, les aînés constituent la force d’inertie du régime tandis que les nouvelles générations aspirent à sortir de cette écrasante tutelle.

À cette menace constante s’ajoute pour les femmes le risque de tomber de Charybde en Scylla, en fuyant un père pour trouver un mari du même acabit. Woman And Child s’achève sur une solution intermédiaire où des femmes, par la force des choses et la cruauté du hasard, se regroupent au seins d’une sorte de gynécée. Dans un équilibre qui ne les satisfera sans doute pas toutes, mais qui au moins les préservera et les protègera après le pire. Et les prémunira d’autres pires ?

Woman And Child (زنوبچه) de Saeed Roustaee (Irn, 2h11) avec Parinaz Izadyar, Sinan Mohebi, Payman Maadi… Sortie le 25 février 2026.

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“Vers un pays inconnu”, “On ira” en salle le 12 mars 2025

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Athos – Au cœur de la patrouille de France de Mathieu Giombini

Fin 2024. La passage de témoin s’effectue entre le commandant de la Patrouille de France 2024 et son successeur. De nouveaux pilotes rejoignent ce corps d’élite et tous ensemble entament la longue préparation du programme 2025. Dans cette chorégraphie aérienne où rien n’est laissé au hasard, les 8 Alpha-Jet apprennent à ne faire qu’un avion au fil d’incessantes répétitions. Au plus près du ciel… et parfois à quelques millimètres du drame… 

« Impose ta chance, serre ton bonheur et va vers ton risque ». Les vers de René Char — qui fut, à L’Isle-sur-la-Sorgue, le “voisin” de la Base aérienne 701 de Salon-de-Provence — viennent naturellement à l’esprit lorsque l’on observe le labeur des pilotes engagés avec un mixte de passion et de concentration dans l’élaboration de leur démonstration. Rarement routine fut aussi périlleuse que celle de ces Icare visant l’excellence au moins autant par nécessité vitale que par orgueil esthétique ! Bien loin des fanfarons de Top Gun se mesurant les biceps, les Athos — du nom leur indicatif radio — forment avant tout un corps de ballet où le moindre frôlement est proscrit.

Leur vie en l’air

Déjà chanceux d’avoir eu l’autorisation de suivre de l’intérieur la vie d’une Patrouille durant un cycle annuel complet, Mathieu Giombini peut remercier sa bonne étoile d’être tombé sur la promotion idéale dramaturgiquement parlant. Car non seulement il a pu mettre en boîte de belles images (que la projection en IMAX rend encore plus immersives), tourner des interviewes avec de “bons clients“ pédagogues à l’enthousiasme communicatif mais il a indirectement bénéficié d’un coup de théâtre : le crash — heureusement sans victimes — de deux appareils durant une session d’entraînement.

Rappelant la cruelle réalité et la dangerosité de l’exercice, cet événement montre aussi la rapidité avec laquelle le groupe est amenée à gérer ce situation de crise pour reconstituer une patrouille opérationnelle dans les délais impartis, pendant que les convalescents se retapent. « Un seul être vous manque et tout est dépeuplé »… En tout cas, il faut presque repartir de zéro puisque les automatismes sont désynchronisés. Mais au bout du bout, tout le monde finit par arriver au 14 juillet en même temps…

Athos – Au cœur de la patrouille de France de Mathieu Giombini (Fr., 1h30) documentaire… Sortie le 25 février 2026.

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Vous avez dédié votre film à votre grand-mère. Dans quelles mesures en a-t-elle été une source d’inspiration ?

Maryam Touzani : Ma grand-mère fait partie intégrante de l’histoire une fois qu’elle commence à s’écrire dans mon esprit. Mais le déclencheur est vraiment la perte de ma mère, qui est survenue de manière totalement inattendue il y a trois ans, juste avant que mon dernier film ne sorte. Pour moi, c’était un déchirement : on avait un lien très, très fort. À travers l’écriture, je cherchais quelque part inconsciemment à garder ma grand-mère avec moi, avec ma mère… Ma mère était moitié espagnole, ma grand-mère était espagnole ; quand je suis née, elle vivait avec nous à la maison. Avec ma mère, on parlait essentiellement en espagnol : c’était aussi notre langue. 

Quand ma mère est partie, j’ai continué à dialoguer avec elle dans ma tête, constamment. J’avais l’impression de la garder avec moi. J’avais besoin de continuer à sentir les goûts des choses qu’elle me préparait : les tortillas, les croquettes, tout ça. Ça faisait vraiment partie de ma mère… et de ma grand-mère, aussi, parce qu’elle était à l’origine de ça.

Donc j’ai vraiment plongé dans mes souvenirs pour me raccrocher au souvenir de ma mère qui venait de partir et la garder en vie. Ce besoin m’a amenée à Tanger, qui est ma ville natale — et qui, pour moi, était ma mère — où je n’avais jamais imaginé pouvoir remettre les pieds sans ma mère, tellement le lien était fort avec elle. Je pense qu’inconsciemment, j’ai aussi écrit ce film à Tanger pour m’obliger à faire face à cette absence. Parce que tourner un film, on a une équipe avec soi, on ne peut pas dire aujourd’hui : « je ne suis pas bien, je ne tourne pas ». En même temps ça m’a obligée à transformer cette douleur en joie de vivre, en désir de vie.

Ma grand-mère s’est naturellement intégrée dans ce récit parce que j’ai grandi avec cette grand-mère à la maison, très présente jusqu’à la fin de ses jours. J’étais toujours fascinée par qui elle était, par sa force de caractère, par sa personnalité. Et puis, j’ai beaucoup grandi avec cette communauté espagnole, aussi ; ce lien au Maroc, à Tanger, ce que ça voulait dire réellement, ça m’a toujours touchée très jeune. 

Quand je me promenais avec ma grand-mère, quand on allait faire les courses dans des endroits où on ne la connaissait pas, elle faisait très espagnole. Les gens croyaient que c’était une étrangère alors qu’elle était venue au Maroc à l’âge de 7 ans : elle se sentait foncièrement marocaine, intégrée. Cette dichotomie m’a toujours interpellée. Et donc plus tard, en écrivant, elle a pris naturellement aussi sa place dans ce récit.

De fait, la quasi totalité de vos dialogues s’effectue en espagnol, alors que d’habitude l’arabe est la langue de vos films…

J’avais besoin de continuer à entendre cette langue dans ma tête — en écrivant le scénario et plus tard sur le plateau, entourée de personnes qui parlaient espagnol. Ça me soulageait, ça me faisait du bien. Au-delà, c’est aussi une réalité de Tanger : ma grand-mère ayant vécu toute sa vie à Tanger, comprenait parfaitement le marocain. mais elle ne le parlait pas. Parce qu’autour d’elle, on parlait beaucoup espagnol. Tanger a été un protectorat espagnol ; les Tangérois de souche parlent beaucoup plus facilement espagnol, que français — on est à 14 km de l’Espagne. Moi-même,, j’ai grandi en regardant la télé espagnole, comme beaucoup d’autres. On peut donc être dans un environnement où on n’a vraiment pas besoin d’apprendre la langue.

Maria Angeles, qu’interprète Carmen Maura, est indissociable de son appartement et des objets qui l’habitent car ils sont les témoins de son passé. Avez-vous construit une backstory pour ce personnage et l’avez-vous partagée avec votre comédienne pour qu’elle investisse aussi profondément les lieux et les objets ?

C’est intéressant. Je ne l’ai pas écrit, mais c’est écrit dans ma tête : je savais d’où venait cette femme, ce qu’elle avait vécu, comment elle avait grandi… Je me suis aussi beaucoup inspirée de ce que je ressentais de ma grand-mère, de ses amies. Notamment d’une de ses copines, Carmen, qui parfois venait à la maison quand j’étais petite. Elle avait 82 ans à l’époque et elle faisait des roulades. J’adorais ça ! On jouait ensemble et pour moi, c’était du bonheur de voir une femme de cet âge-là qui avait cette joie enfantine. Et puis je l’ai vue aller dans un hospice à Tanger et s’éteindre. J’ai été avec elle jusqu’à la fin de ses jours ; ça m’a beaucoup touchée la transformation qu’elle a vécue : c’est allé très vite quand elle s’est installée là-bas…

Alors dans ma backstory, oui, je savais qui Maria Angeles était. On en a beaucoup parlé avec Carmen Maura. Parce que c’était très important pour moi qu’elle comprenne aussi qui est cette femme, la communauté dont elle faisait partie, mais aussi ses liens avec son environnement, parce qu’il y avait aussi un vivre-ensemble à Tanger qui était très beau, qui existe encore aujourd’hui.

Dans Rue Málaga, vous racontez l’histoire d’amour de deux séniors du point de vue du désir féminin…

C’était important justement de pouvoir mettre des mots dessus. Il y a les scènes où on la voit prendre du plaisir mais j’avais envie qu’elle puisse mettre des mots. parce J’ai toujours eu beaucoup de mal à comprendre pourquoi la sexualité, la sensualité, étaient des choses qu’on célébrait dans la jeunesse ou à l’âge adulte et qui devenaient quelque chose de honteux, qu’on préférait taire dans la vieillesse, comme si d’un seul coup ça devenait malsain. Ça m’a toujours vraiment heurtée.

Est-ce aisé de trouver deux comédiens septuagénaires qui acceptent de se dénuder ?

Ce n’est pas une chose facile ! Quand on s’est rencontrées avec Carmen, Et elle m’a dit : « j’ai fait plus de 200 films, on ne m’a jamais demandé de me déshabiller. Et maintenant, j’ai presque 80 ans et tu me demandes de me déshabiller ? » Je lui ai dit: « écoute Carmen : ce que Maria Angeles revendique à travers ce geste, c’est vraiment important pour le film. » On a beaucoup parlé, elle a compris évidemment ce que je voulais faire, comment je voulais filmer ces scènes. Et elle m’a dit : « peut-être il y a 15 ans, j’aurais dit non, mais aujourd’hui oui, parce que justement, je suis libre et personne n’a le droit de me dire, “tu ne te déshabilles pas“; c’est moi qui choisis de me montrer nue ». Il y avait quelque chose de libérateur pour elle dans le fait de décider de se déshabiller à 80 ans. 

Pour l’acteur aussi. Car ce n’était pas évident pour lui non plus : il habite au Maroc, il est réalisateur et comédien, il fait de la télé… Ce que j’aime chez Ahmed [Boulane, NDR], c’est qu’il est très libre dans sa tête et qui fait vraiment ce dont il a envie. En tout cas, tous les deux étaient convaincus de ce que ça voulait dire dans le film et du pourquoi ils voulaient le faire.

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Quel regard portez-vous sur le personnage de Clara, la fille de Maria Angeles qui veut vendre l’appartement où vit sa mère sans son accord ? 

Alors je porte — et j’espère qu’on va porter — un regard qui n’est pas un regard simpliste. J’ai envie qu’on comprenne ce que cette fille endure aussi, ce qu’elle vit. Parce que la vie aujourd’hui n’est pas facile : beaucoup d’enfants se retrouvent dans des situations similaires en Espagne et finissent par mettre leurs parents contre leur gré dans des EHPAD. Ce ne sont pas des choses qu’on fait à cœur joie, en général.

C’est un personnage en souffrance, qui sort d’un divorce difficile, qui essaie de se battre et que la vie a rendue quelque part centrée sur elle-même, dans un mode de survie : sur ses problèmes, ceux de ses enfants, sans pouvoir sortir la tête de l’eau. Elle ne voit pas réellement les problèmes de sa mère de la même manière. Et puis elle pense que la vie de sa mère est derrière elle ; Clara ne se rend pas compte à quel point Maria Angeles est encore dans la vie, qu’elle n’est pas un meuble qu’on peut prendre et mettre ailleurs.. 

C’est une situation complexe et ce qui me chagrine aussi c’est de voir autour de moi des parents et des enfants se perdre — parce que la vie n’est pas facile — alors qu’ils sont encore vivants. J’ai eu le privilège d’avoir une très belle relation avec ma mère et je l’ai perdue quand elle est partie physiquement. On peut perdre ceux qu’on aime alors qu’ils sont encore en vie. C’est pour ça que cette scène où Clara caresse le fauteuil vide, c’est comme si elle caressait l’absence de sa mère.

Sa mère est toujours là, mais elle n’arrive pas à la prendre dans ses bras parce qu’il y a ce fossé qui s’est creusé. Ces générations ne communiquent plus vraiment : Clara est dans une réalité tellement différente de celle de sa mère, comme si elles évoluaient dans des mondes différents. Et le lien se dissout petit à petit. C’est triste mais je crois que ce n’est parfois pas évident de prendre du recul et de se poser des questions véritablement là-dessus.

Ce Tanger et cette rue Málaga commerçante que vous filmez sont-ils authentiques ou bien les avez-vous reconstitués pour les besoins du tournage ?

C’est un mélange des deux en fait. Je voulais absolument filmer dans cette rue — qui n’est pas la rue Malaga en réalité mais la rue d’Italie, qui monte vers la Casbah. C’est une rue telle que vous la voyez dans le film : il y a ce mélange de modernité, de passé. Je connais cette rue par cœur, je fais mes courses-là bas ; j’avais envie vraiment de reproduire ces sensations-là.

Quand j’arrive dans un lieu, j’aime vraiment connaître l’environnement et échanger avec les gens et passer du temps avec eux. Donc je suis arrivée bien avant, j’ai passé beaucoup de temps là-bas, créé un lien ; du coup des marchands ont participé au film, des figurants… On a essayé de faire ça avec les gens du quartier ; après il y a eu des extras qui ne l’étaient pas… C’est un vrai mélange.

Rue Málaga est une coproduction comme beaucoup de films marocains ; avez-vous du mal à trouver des financements ?

Les coproductions, ce n’est pas parce qu’on a du mal mais qu’on a besoin de plus pour pouvoir faire les films. Là, il y a l’argent du Centre du cinéma marocain et d’autres pays coproducteurs pour arriver au budget qu’il faut. Parce qu’il y a aussi des liens de cœur avec certains pays et certains techniciens… C’est aussi une famille de cinéma qui se construit et qui traverse les frontières. La seule différence dans ce film c’est qu’il y avait l’Espagne, C’était important pour moi aussi parce que je suis aussi espagnole. Du coup, une partie de mon équipe était espagnole, ça parlait beaucoup espagnol, C’était naturel que l’Espagne soit dedans.

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Sarah Bernhardt, La Divine de Guillaume Nicloux

Paris, à la fin du XIX^e siècle. La plus célèbre des comédiennes de son siècle crée des pièces autant que des modes, et fait scandale par sa liberté… ou plutôt ses libertés. Que ce soit à la ville ou à la scène, Sarah Bernhardt n’épouse pas plus les conventions que ses nombreux amants. Et malgré des passions dévorantes — dont celle pour Lucien Guitry — elle demeure la reine absolue de son cœur…

Énième portrait cinématographique d’illustre sortant cette année, Sarah Bernhardt, La Divine tient de la fausse bonne idée — ou de la bonne fausse idée, comme l’on voudra. S’il était tentant de consacrer un film de plus à la personnalité truculente et excentrique de la reine des planches — histoire de rappeler son avant-gardisme en matière l’art comme de féminisme — ; si Sandrine Kiberlain répond parfaitement aux exigences du rôle, en mariant à merveille le feu et la glace, tout le reste interroge quand il ne consterne pas.

C’est d’ailleurs à se demander si Guillaume Nicloux, dont on apprécie le goût ordinaire pour une certaine causticité dérangeante, n’a pas fait exprès de signer ici un « biopic Wikipedia ». Comprenez, un truc d’une sagesse aussi molle qu’un congrès centriste, gavé jusqu’à la gueule de tous les bons mots (apocryphes ou non) de la comédienne et évitant de justesse la poussière muséale d’une enfilade de tableaux grâce à une construction pas tout à fait linéaire — merci le montage !. Peu regardant sur les anachronismes (notamment les expressions d’époque), comme sur les ressemblances (le colosse Lucien Guitry se trouve gratifié d’une silhouette athlétique grâce Laurent Lafitte ; heureusement qu’Arthur Mazet campe un Sacha plus réaliste), Sarah Bernhardt, La Divine a la rigueur élastique et se replie sur l’évocation quand ça l’arrange. Du cinéma décoratif, pas franchement mémorable.

Sarah Bernhardt, La Divine de Guillaume Nicloux (Fr., 1h38) avec Sandrine Kiberlain, Laurent Lafitte, Amira Casar… En salle le 18 décembre 2024.

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Everybody Loves Touda de Nabil Ayouch

Maroc, de nos jours, Chanteuse traditionnelle, Touda se produit dans les bars et fêtes familial autour d’un répertoire très codifié. Mais son horizon lui semblant bouché pour elle et son fils, elle aspire à quitter son village pour Casablanca avec l’espoir de devenir une authentique Cheikha, admirée et respectée pour son talent et ses improvisations…

Représentant le cinéma marocain à lui seul (ou presque) depuis une vingtaine d’années — il est avec ce nouveau long métrage pour la sixième fois le candidat officiel proposé par le royaume chérifien pour l’Oscar du meilleur film international —, Nabil Ayouch deviendrait-il un cinéaste académique ? Depuis son très réussi (et très polémique) Much Loved (2015), Ayouch peine pourtant à retrouver son audace, patinant dans des chroniques émollientes ou des projets “à concept” — tel le précédent, l’anecdotique Haut et Fort (2021), sans doute en compétition à Cannes parce qu’il aurait été désobligeant de le placer ailleurs. 

Everybody Loves Touda a également fait un passage sur la Croisette, mais dans la section “Cannes Première”, réservée aux avant-premières de prestige hors compétition. Et c’est tant mieux car une fois encore, on frise l’anodin. Film (sur un registre) musical, Everybody Loves Touda joue sur plusieurs tableaux : le mélo, le portrait d’une mère courage, le rejet des marginaux (artistes, femmes, personnes en situation de handicap, ressortissants de la ruralité etc.) et repose sur un gros “truc” de cinéma : l’exercice de style virtuose qui doit faire déclencher un effet “whaou !“ au spectateur (et accessoirement, aux jurys.

En l’occurrence, il s’agit d’un très long plan-séquence final chanté coïncidant avec un acte fort de Touda. Le problème, c’est que le dispositif hurle tellement fort son caprice de mise en scène (ou d’épate ?) qu’il fait quasi écran à la narration… et  par là-même, en vient à interroger légitimité de ce choix. On se souvient avoir été plus enchanté.

Everybody Loves Touda de Nabil Ayouch (Fr.-Mar., 1h42) avec Nisrin Erradi, Joud Chamihy, Jalila Tlemsi… En salle le 18 décembre 2024.

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