Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen

Dans l’Ouest américain des années 1860, Vivienne Le Coudy tranche par son indépendance d’esprit. Femme d’esprit et de défis, elle jette son dévolu sur un émigré danois, Holger Olsen, qui vit dans bicoque spartiate à l’écart d’une ville du Nevada. Par amour, elle accepte de le suivre et de l’attendre quand il s’engage à la déclaration de la guerre. Durant son célibat forcé, elle est agressée et violée par Weston, le fils du potentat local, Alfred Jeffries. À son retour, Olsen doit reconstruire leur histoire sur des lambeaux…

L’affiche proclame que « Ford et Hawks adoreraient ce western ». S’il est toujours douteux de préjuger des goûts des disparus — autres temps, autres mœurs… — ajoutons que Eastwood, Siegel, Pollack ou Penn pourraient eux aussi trouver à leur goût le parcours de Olsen qui condense à lui seul tant de paradoxes étasuniens. Plutôt humaniste, éclairé et progressiste dans une époque violente à la limite de barbarie, ce personnage n’hésite pourtant pas à partir au combat lorsque la Nation réclame son dû (“e pluribus unum”), ni à recourir à la vengeance individuelle quand loi et justice font défaut. Mais Olsen tient quasiment ici de l’élément périphérique au sein d’un western classique, que son ambiance et sa forme rendent plus avant-gardiste.

Irréversible

Car c’est bien Vivienne la protagoniste réelle de Jusqu’au bout du monde, à la fois femme dans dans un monde d’hommes et fantôme dans un monde de vivants — puisque les premières minutes nous font assister à son trépas. Sa double singularité (à laquelle on pourrait presque ajouter celle d’être de langue maternelle française dans une terre anglophone, ou bien encore d’avoir une imaginaire davantage construit que la plupart des pionniers-hors-la-loi peuplant le Nevada) lui confère un statut à part : comme si elle incarnait une image de futur pour ce pays en train de s’édifier. Construite de surcroît dans le mythe émancipateur de Jeanne d’Arc, Vivienne a tout pour mettre en panique une meute masculine n’ayant jamais envisagé la contestation sa domination.

Viggo Mortensen chahute lui aussi la tradition du western, autant qu’il en respecte l’essence et l’authenticité — crasse pulvérulente, justice expéditive, corruption et violence institutionnalisées… Bousculant la chronologie comme avait pu le faire Gaspar Noé dans Irréversible (mais de manière moins radicale, tout de même), il donne à son récit une perspective plus mélancolique et mélodramatique en scellant le sort de son héroïne. Son destin inachevé hante le film comme une culpabilité pour Olsen. Peu de mots sont dits, la musique et les paysages parlent alors pour exprimer la tristesse et la beauté malgré tout qui survit au drame puisqu’il y a un enfant dans l’équation. L’espoir, comme dans la boîte de Pandore•

Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen (Mex.-Can.-Dan., 2h09) avec également Vicky Krieps, Solly Mc Leod, Garret Dillahunt, Danny Huston… en salle le 1^er mai 2024.

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Le Tableau volé de Pascal Bonitzer 

Portant beau, parlant clair et roulant en Aston-Martin, André Masson est l’un des brillants commissaires-priseurs de la maison Scottie’s. Sollicité par courrier pour expertiser un supposé tableau d’Egon Schiele découvert chez un particulier, il tombe des nues en constatant l’authenticité de la toile. Sa jeune stagiaire Aurore, une mythomane compulsive, apprend beaucoup à ses côtés. Même s’il l’horripile…

Privilégiant (en apparence) une comédie sur la superficialité et la vanité — le monde des salles de ventes tient quand même du théâtre où les egos se mesurent en comparant leurs comptes en banque —, Pascal Bonitzer traite avec élégance de la question des invisibles (ceux qu’on a oblitérés jadis, comme la classe populaire aux yeux d’une certaine bourgeoisie) comme de la fausseté dans tous ses états. Son spectre large va du silence par omission à la pratique active (et intéressée) du mensonge : admis à petite dose et valorisé lorsqu’il agit en tant que fluidifiant social ou vernis civilisationnel, celui-ci suit l’adage de Paracelse lorsqu’il est inoculé à haute concentration.

Pareil aux bouteilles de garde ou de grande dégustation, Le Tableau volé est de ces longs métrages qu’il convient de laisser décanter afin qu’ils révèlent leurs qualités. La première étant son admirable (et mystérieuse) résistance aux assauts de ce temps qui d’ordinaire s’ingénie à corroder les souvenirs de séquences et va parfois jusqu’à effacer avec une cruelle promptitude certaines intrigues de films. Le Tableau volé, qui justement traite plus qu’en creux d’un passé occulté revenant à la surface, défie l’oubli sans avoir l’air d’y toucher. La persistance de la mémoire, pour rester dans le domaine de l’Art, est décidément le cœur de son sujet.

Enchères et damnation

Si par sa mécanique astucieuse et ses jeux de dupes, Le Tableau volé évoque parfois un film de braquage façon L’Arnaque ou Ocean’s Eleven (mais sans l’action et en mode intello-culturel, restons français) ; s’il renvoie aux films noirs avec son André Masson plus proche en privé du Marlowe version Altman que d’un gendre idéal, ce film ressuscite également ces comédies piquantes menées par un couple chamailleur dont Capra et Rappeneau furent les plus grands représentants. Ce genre ne fonctionnant que si l’élément féminin offre un répondant supérieur à son partenaire masculin, il convient donc d’inscrire le nom de Louise Chevillotte aux côtés de celui de ses devancières Claudette Colbert, Katharine Hepburn, Deneuve ou Adjani. 

Étonnamment peu considérée malgré un parcours artistique sans faute et une polyvalence dont on apprécie ici encore les qualités, la jeune comédienne est à sa façon un chef-d’œuvre méconnu d’interprétation. Faudra-t-il que Quentin Dupieux la fasse tourner pour que le grand public prenne conscience de sa singularité au lieu de s’habituer mollement à sa présence ?  

Le Tableau volé de Pascal Bonitzer (Fr., 1h31) avec Alex Lutz, Léa Drucker, Nora Hamzawi… en salle le 1^er mai 2024. 

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Une affaire de principe de Antoine Raimbault

2012. Commissaire européen chargé de la santé, John Dalli se trouve contraint à la démission dans des rumeurs de trafic d’influence en faveur des lobbies du tabac… mais aussi de coup monté. Bien que d’un bord politique totalement opposé à Dalli, le député européen José Bové va investiguer sur l’affaire avec ses collaborateurs et révéler certains aspects peu reluisant de l’exécutif européen. Un match Parlement versus Commission va s’engager…

Plus de soixante ans après sa création, L’Europe (en tant qu’objet politique) demeure encore trop largement méconnue des citoyens. Beaucoup d’entre eux ignorent ce qu’ils lui doivent, croyant plutôt qu’elle leur coûte par la faute d’une palanquée de démagogues bas de la frontière l’ayant choisie comme bouc émissaire idéal. À quelques semaines du scrutin qui décidera de la composition de son Parlement, Antoine Raimbault montre grâce un thriller judiciaire non seulement certaines opacités coupables de l’institution mais, surtout, qu’elle abrite son antidote démocratique. 

Comme pour son premier long métrage Une intime conviction (2019), c’est du réel que le cinéaste s’est inspiré pour tisser la trame d’une fiction où l’action est sans cesse épaulée par le verbe : une technique “à l’américaine” rappelant les films de Pakula volontiers généreux en procédures et en dialogue. On notera au passage que par un jeu ironique de renversement, si le protagoniste du premier film, Dupont-Moretti est depuis entré en politique, celui de ce nouveau, José Bové, s’en est dégagé. Bien campé par Bouli Lanners, l’emblématique leader paysan s’avère un personnage pratique : facile à caractériser par ses traits distinctifs (moustache, pipe, chemise, caractère libertaire…), il fait un cicérone très crédible lorsqu’il s’agit de pénétrer les arcanes du Parlement afin d’en expurger les parasites. Didactique et efficace, Une affaire de principe remplit son mandat et les promesses de son titre. Voilà qui devrait en inspirer d’autres…

Une affaire de principe de Antoine Raimbault (Fr.-Bel., 1h35) avec Bouli Lanners, Thomas VDB, Céleste Brunnquell… en salle le 1^er mai 2024.

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Petites mains de Nessim Chikhaoui 

Jeune majeure hébergée dans un hôtel social, Eva décroche un emploi de femme de chambre dans un palace, à la faveur d’un mouvement de grève. Cornaquée par la revêche (en apparence) Simone, elle découvre un monde d’inégalités hurlantes entre les employés intégrés au palace et celles, comme elle, précarisées par l’externalisation. Peu à peu, Eva va comprendre la colère des grévistes et les rejoindre…

Vous souvenez-vous de Quand l’inspecteur s’en mêle (1963) de Blake Edwards ? Deuxième opus dans la longue saga de La Panthère rose, cette comédie n’avait pas vocation au départ à en être la suite… puisqu’elle se trouve être, à la base, une adaptation d’une pièce de Marcel Achard. Mais le succès l’année précédente de l’inspecteur Clouseau a conduit Edwards à remodeler le script initial pour y intégrer son personnage fétiche. Nessim Chikhaoui ne procède pas autrement lorsqu’il s’empare de la commande qui lui est formulée — “faire un film sur les femmes de chambre grévistes“ — mais qu’il établit un pont indirect avec l’une des héroïnes de son film précédent, Placés.

Pure démarche d’auteur, ce geste de s’approprier le sujet et de lui insuffler des niveaux parallèles (notamment une continuité sociale) sauve Petites mains du risque majeur de “téléfilmisation” encouru si Chikhaoui s’en était tenu à une simple exécution contractuelle de la demande. L’humain est son territoire : d’ailleurs, lorsqu’il raconte les à-côtés administratifs (notamment le conditionnement aux titres de séjour), la solidarité ou les dissensions entre les différentes catégories de personnels, il se montre plus efficace que quand il filme  la mécanique ouvrière quotidienne des “petites mains”. À sa décharge, Éric Gravel avait mis la barre très haut dans À plein temps  (2024) avec Laure Calamy..

Nessim Chikhaou dispose quant à lui d’une autre actrice, en la personne de Lucie Charles-Alfred, pour co-construire un univers cinématographique dont elle serait la Doinel ou la Dédalus. À suivre….

Petites mains de Nessim Chikhaoui (Fr., 1h37) avec Corinne Masiero, Lucie Charles-Alfred, Marie-Sohna Condé… en salle le 1^er mai 2024.

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Un p’tit truc en plus de & avec Artus 

Après un braquage acrobatique, un fils et son père échappent à la police en se glissant dans un car de personnes en situation de handicap partant en colonie de vacances — le fils tentant de se faire passer pour handicapé pendant le père prétend être son éducateur. Si les colons éventent vite le stratagème, les accompagnateurs n’y voient que du feu. Il faut dire qu’ils ont aussi leurs problèmes…

Le handicap souffre d’une représentation fluctuante au cinéma. Point de départ ou au cœur des plus grands succès du box office (Intouchables, Bienvenue chez les Ch’tis mais aussi Champions en Espagne ou naturellement Avatar), il reste pourtant entre tabou et impensé, notamment lorsqu’il s’agit d’aborder le handicap mental — a fortiori dans une comédie. À une époque où la légitimité de chacun est scrutée (“d’où parles-tu ?”), la démarche d’Artus s’avère d’autant plus précieuse : son film contribue par le rire à normaliser le handicap (et les personnes en situation de handicap) à l’écran. Mais un rire “accessible et inclusif“, pourrait-on dire avec une comédie où « l’on rit “avec” et pas “de” », pour reprendre le mot de Djamel Bensalah à l’époque de Il était une fois dans l’Oued.

Certes, la trame de ce feel good movie est cousue de fil blanc ; elle relève davantage du prétexte ou de “l’habillage” des intentions par des situations concrètes (raconter un rabibochage familial ; montrer la quotidien du handicap…). L’essentiel, on l’a compris, est ailleurs : Un p’tit truc en plus se construit avec tous ses comédiens à égalité, sans précautions de dame-patronnesse et avec une indubitable sincérité. Le message mérite de passer.

Un p’tit truc en plus de & avec Artus (Fr., 1h39) avec également Clovis Cornillac, Alice Belaïdi… en salle le 1^er mai 2024.

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Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas

Jeune couple amoureux, Diego et Elena décollent de Barcelone pour s’installer aux États-Unis. Mais à peine posés sur le sol américain, les formalités d’accueil se transforment en interrogatoire serré et oppressant : Elena peine à comprendre pourquoi on leur cherche avec une telle hargne la petite bête. Apparemment, les agents des frontières savent des choses sur son compagnon qu’elle-même ignore… 

Censé se dérouler durant la mandature Trump, à l’époque d’un renforcement majuscule des contrôles octroyant aux services compétents le pouvoir d’être particulièrement intrusifs et/ou d’entreprendre des rétention musclées, Border Line est certes une mise en lumière dénonciatrice des effets sournois de cette politique Hélas, comme toujours, seul un public acquis y verra le déni de démocratie et notera des méthodes dignes des “meilleures” dictatures. Ce type de film ne prêche que les convertis.

Mais son principal problème repose sur le dispositif qu’il adopte : le huis clos dans la zone de rétention aéroportuaire, avec l’idée vague d’un temps réel afin de partager la tension de Diego et Elena. À tort ou à raison, les réalisateurs font tellement d’entorses à ce postulat qu’ils affadissent leur meilleur auxiliaire dramatique. À titre d’exemple, ils ont ajouté un prologue superflu montrant les personnages avant de prendre l’avion, puis en vol : on se doute que ces séquences avaient vocation à rallonger artificiellement leur film et lui permettre une exploitation dans la catégorie long métrage. N’aurait-il pas mieux valu s’en tenir à un court inoubliable qu’à un long dispensable ?

Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas (Esp.,1h17) avec Alberto Ammann, Bruna Cusí, Ben Temple… en salle le 1^er mai 2024.

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Aviez-vous vu Debout les femmes ?

Nessim Chikhaoui : Non. Ni À temps plein, parce que j’étais en pleine écriture et que je voulais pas ni me censurer en voyant des choses, ni m’inspirer d’autres inconsciemment. Je voulais vraiment avoir mon truc à moi, sans avoir d’influence négative ou positive. Sauf des véritables protagonistes : j’ai rencontré Rachel Kéké, ses comparses de lutte, plus d’autres femmes dans d’autres hôtes. J’ai suivi une femme de chambre pendant une journée pour discuter, pour m’inspirer, piocher des anecdotes ou des choses de la vie. Ça m’a beaucoup nourri ; après fallait piocher, inventer, accentuer.

Mais ce n’est pas un biopic sur Rachel. Il y a le Park Hayatt en 2018, il y en a eu à Marseille énormément. À la fin, Je voulais citer le Ibis, le Park Hayatt mais en je n’avais pas envie de ne rester qu’avec ces luttes-là ; ça serait invisibiliser les autres — en plus ça a commencé en Espagne. Je ne voulais pas mettre la lumière sur une seule. Et puis Rachel est une figure de cette lutte. Elle a été élue députée, mais d’autres ont continué d’être femmes de chambre.

Avez-vous trouvé facilement un hôtel pour vous accueillir ?

NC : Pas du tout ! (rires) C’était un peu compliqué et pas dans l’intérêt de la plupart. On a eu la chance de tourner au Bristol, un palace renommé qui a la particularité d’avoir internalisé ses femmes de chambre. Il est géré par une famille, pas par un grand groupe avec des actionnaires. C’est souvent ça, les hôtel indépendants.

Dans votre premier film Placés, il y avait une partie autobiographique où vous utilisiez votre connaissance du milieu éducatif. Est-ce que ça a été plus difficile ici d’entrer dans une histoire dont vous étiez moins partie prenante ?

NC : Plus difficile, oui. Déjà, écrire pour des femmes, ce n’est pas forcément facile quand on est un homme. J’ai eu la chance de rencontrer des syndicalistes qui ont mené différentes luttes et qui nous ont fait part de beaucoup de leur expérience, raconté beaucoup d’anecdotes et expliqué tout ce qui était sous-traitance, hiérarchie dans les hôtels… Ça m’a beaucoup été utile. C’était des personnes de la CGT, c’est pour cela qu’on ne voit qu’eux. J’ai rencontré ces femmes de chambre. Mes tantes étaient femmes de chambre dans des hôtels ; ma mère était auxiliaire de vie-aide à la personne. Donc j’ai pioché dans toutes tranches de vie, ces personnages que j’ai rencontrés. J’ai mis un peu de moi sur certaines choses. Déjà, mes valeurs, mes luttes et mes revendications…

Et puis, je me suis permis de mettre Lucie Charles-Alfred, qui jouait Emma dans Placés. Je voulais faire une sorte de suite à son personnage — j’ai juste changé une lette de Emma à Eva.

Lucie, avez-vous ressenti l’évolution du personnage, une écriture faite pour vous ? Et de manière plus anecdotique, qu’est-ce que c’est que cette histoire de dents carrées [une des femmes de chambre affirme que son personnage est antillais en voyant ses dents, NDR] ?

Lucie Charles-Alfred : De dents carrées ? (Nessim rit) Non, mais j’ai les dents carrés ! En fait, aux Antilles, je le constate aussi, on a les dents carrés. Mon papa est antillais de Martinique et il a les dents carrés, sa sœur a les dents carrés… C’est un truc que je ne savais pas avant que Nessim l’écrive.

Il s’est donc inspiré de vous…

LCA : Oui, il a écrit pour moi.

NC : En fait, j’avais un pote, un collègue martiniquais. Je l’invite à la bande première de Placés et il voit Lucie qui est blonde aux yeux bleus. On ne peut pas dire qu’elle est antillaise. Mais quand on le sait…

LCA : Oui, il y en a qui le voient Vraiment, ça dépend. 

NC : Et du coup mon pote la voit et me dit : « elle est de chez nous — Comment tu sais ? » Il me montre ses dents « —Elle a les dents carrées, elle est de chez nous » Pour être sûr, à chaque fois que je croisais des amis antillais : «—Fais voir tes dents » (rires) Bon, il y en a qui ne les ont pas, évidemment, mais beaucoup, vraiment beaucoup les ont. J’avais une copine algérienne mariée avec un Guadeloupéen ; quand je lui ai dit ça, elle a explosé de rire : « Mais notre fille aussi, elle a les dents carrées ! » C’est pour ça, je voulais être vraiment sûr, pour Lucie, dire qu’elle est antillaise. En plus, je savais que ça lui tenait à cœur, aussi, cette identité.

LCA : Tenir à cœur ? Ouais, je comprends ce que tu dis, mais j’ai reçu beaucoup de critiques par rapport à ça quand j’étais plus jeune. Ça a été vraiment un sujet dans ma vie : les gens m’ont insultée, véritablement. En me disant que je n’étais pas martiniquaise, que je voulais faire genre, que je voulais m’inventer une identité… Après, je me dis que c’est des ignorants. Tu perds plus ton temps à y répondre. Faut évoluer. Mais en tout cas, ça me touche particulièrement, c’est vrai qu’il y a cette touche-là de moi. Véritablement.

Et puis, ça montre aussi le métissage : en fait, aux Antilles, il y a plein de gens qui ont ma couleur de peau. Et qui ont les yeux bleus : j’ai plein de cousines et cousins qui sont plus clairs que moi. Ma petite sœur, elle a les cheveux plus blonds et elle est plus claire que moi. 

Quant au scénario, Nessim me l’a proposé en juillet 2022. J’étais super heureuse. J’avais déjà entendu parler un petit peu du fait qu’il allait faire un deuxième film, que peut-être j’allais être rappelée mais rien de sûr. Et là : « Tiens, tu lis, tu m’appelles, je te le propose. » Et j’ai tout de suite accroché. Je me suis tout de suite vue dans le rôle et dans cette bande.

Vous voyez-vous dans une évolution de ce personnage dans un autre film ?

LCA : Hum…Non, pas maintenant. Peut-être après. Je sais que Nessim… je peux parler pour toi ?

NC :  Vas-y !

LCA : Là, il a envie de faire une comédie plus légère. Mais après peut-être, ouais.

NC : Dans l’idée j’aimerais bien.

Pour faire suite à Emma qui devient Eva, vous montrez la situation des 18-21 ans après le foyer, qui vivent une situation assez étrange. Ce n’est pas en lien avec les femmes de chambre externalisées, mais ça montre une préoccupation constante chez vous…

NC : On reste pas indemne après 10 ans d’éducateur. Le sujet de la protection de l’enfance me touche forcément. C’est très bref dans le film, mais important pour moi de le mettre. Ne pas juste dire : « ok j’ai fait un film sur la protection de l’enfance, on passe à autre chose ». Je continue dans cette démarche. Et puis en plus, c’est intéressant qu’une jeune en hôtel social travaille comme femme de chambre dans un hôtel de luxe. Je trouvais le parallèle assez sympathique. Et continuer à essayer de remettre ce sujet sur la table.

Pourquoi avoir choisi Kool Shen pour jouer le leader syndical ?

NC : Déjà parce que le vrai leader était un homme. Et c’était bien de ramener une part de masculin. j’avais déjà beaucoup de rôles de femmes et je trouvais intéressant que ce soit Kool Shen qui interprète ce rôle.

Vous avez aussi choisi une jeune femme noire pour jouer la gouvernante en chef, qui a un rapport un peu décalé vis-à-vis des autres femmes de chambre…

NC : J’hésitais avec une autre actrice que j’aimais beaucoup, mais c’est vrai que le fait que Mariama Gueye soit noire, c’était important aussi de montrer cette complexité : déjà d’être plus jeune. Quand tu es gouvernante et jeune, manager des femmes plus âgées peut être compliqué. Et le fait qu’elle soit noire, on se dit que dans sa backstory, peut-être que sa mère ou ses tantes ont dû passer par ces étapes. Donc, ça a renforcé le personnage — qui n’était pas si évident que ça, en plus et que Mariama interprète justement : empathique et à la fois droite, rigide… On sent une humanité importante ; c’est pour ça qu’elle rejoint aussi le mouvement quand elle se retrouve toute seule. On ne peut pas ne pas être attaché à son équipe quand on est manager. Quand on fait son métier, ça reste des rapports humains.

Eva suspecte qu’elle a elle-même été femme de chambre…

NC : Ce que j’avais écrit au début mais que j’ai enlevé — mais même quand on coupe, c’est des choses qui restent — sa mère était femme de chambre, mais elle ne voulait pas être comme ça mère et elle a fait une école d’hôtellerie. 

Mon père est arrivé de Tunisie. Il a été plongeur, il faisait des ménages et ensuite il vendait des pâtisseries orientales à travers la France et depuis tout petit, il me disait : « tu seras avocat ou médecin ». Malheureusement pour lui, j’ai été éducateur (rires). Quand tu viens de Tunisie, que tu n’avais pas d’eau courante, d’électricité et que tu allais chercher l’eau à dos d’âne, tu te dis : mon fils, il ne fera pas ça. On se projette. Mo,i je ne dis pas au mien : « tu sera médecin ». Réussir sa vie, c’est vraiment faire ce que tu veux. «  Si tu veux être homme de ménage et que c’est ton aspiration, tu le feras. » Ce qui est important, c’est d’être en accord avec son choix de vie et d’être heureux.

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Vous ne montrez pas les patrons…

NC : Non. Comme dans Placés, où je n’avais pas montré les parents des jeunes, je ne voulais pas stigmatiser ni être dans un cliché. Pour moi, c’est pas un film à charge contre la hiérarchie, contre les hôtels, mais sur l’importance du dialogue social et de dialoguer directement. Les femmes de chambre que j’ai rencontrées, qui ont fait des manifestation à l’Ibis, n’ont pas été internalisées ni eu tout ce qu’elle demandait, mais disent qu’elles ont gagné la considération. Elles parlent directement dès qu’il y a quelque chose, il n’y a plus besoin de faire toute cette manifestation. Je ne montre pas les clients non plus. Ils sont présents par leur absence : on voit leurs vêtements par terre. Je ne suis pas là pour diviser. Ce qui m’intéressait, c’était les brigades de femmes ; donc je ne mets la lumière que sur elles.

Ce film, et d’autres dans la même mouvance, peuvent-il faire changer les mentalités des clients ?

NC : Je ne pense pas que ça changera quelque chose au niveau politique ou de la sous-traitance. Les Misérables a fait un gros succès a avait marqué les esprits ; six mois après, il y avait encore des émeutes on était toujours dans les mêmes problématiques et je pense que ça sera de pire en pire. Donc je ne pense pas que ça changera. Mais beaucoup de gens m’ont dit qu’après ils laisseront un pourboire aux femmes de chambre. Moi, je ne le faisais jamais et depuis que j’ai commencé à écrire, j’en laisse. Alors c’est des mini trucs mais si on peut avoir ça…

Mais c’est pas que les clients des palaces : il y a des exploitants de cinémas qui m’ont dit que c’était pareil avec les popcorns et les cocas. Si c’est pas toi, c’est quelqu’un d’autre qui le ramassera. J’’espère que ça peut éveiller. Je n’ai pas la prétention de dire que mon film sera vu par 60 millions de Français ; je ne sais pas l’impact qu’il aura, mais si ça peut éveiller certaines consciences. on aura gagné quelque chose. Peut-être des gens déjà éduqués, qui ont déjà des valeurs ; peut-être que ça leur rappellera des choses. 

Netflix apparaît en coproduction…

NC : Mais c’est Le Pacte qui est à l’origine, par Alice Labadie qui m’avait proposé le sujet parce qu’elle avait produit Placés. Quand elle l’a vu, avant qu’il soit sorti, elle m’a dit : « ça fait un an que j’aimerais faire un film sur ces femmes qui ont fait des manifs. Tu es peut-être la bonne personne parce que je veux vraiment le ton Placés : parler d’un sujet fort, mais sans être misérabiliste. » Le Pacte a vraiment été le premier à financer, ensuite on est venus avec mon producteur Matthieu Tarot. Netflix est arrivé vraiment à la dernière minute et nous a sauvés parce qu’on avait du mal à financer le film. Et c’est parti. Je ne connais pas leur politique, mais je crois qu’ils ont un budget pour les petits films sociaux. Maintenant, ils sont intégrés dans le financement du cinéma français. Ils font leur part, ce qui est bien.

Petites mains de Nessim Chikhaoui (Fr., 1h37) avec Corinne Masiero, Lucie Charles-Alfred, Marie-Sohna Condé… en salle le 1^er mai 2024.

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