L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé

Durant l’Occupation, Jan Bojarski, un ingénieur polonais réfugié en France est approché par un malfrat intéressé par ses talents dans la fabrication de faux papiers. Mais sa commande est d’une tout autre nature : il s’agit de contrefaire de la monnaie. Bojarski va se révèler plus que doué dans cet exercice, au point de mettre en échec les meilleurs experts et limiers de la police — à commencer par le commissaire Mattei qui va le traquer pendant des années. En vain…

Depuis son « retour aux affaires » après sa parenthèse comme président de l’organisme professionnel UniFrance, Jean-Paul Salomé semble avoir trouvé un second souffle créatif ainsi qu’une martingale pour enchaîner les films réussis. La Daronne (2020), La Syndicaliste (2023) et maintenant L’Affaire Bojarski poursuivent son exploration du genre policier sous toutes ses coutures, en mode fictionnel ou en empruntant la voie la reconstitution de faits réels ; tantôt avec légèreté, tantôt sur un mode plus grave. Le parcours de Jan Bojarski est pour lui du pain béni puisqu’il lui permet d’opérer une sorte de synthèse.

Cours après moi

Film noir, film gris, film pastel, Salomé ne choisit pas : il fond en un long métrage toutes les nuances pour raconter l’itinéraire de son personnage devenant héros de roman populaire, à l’instar du General de John Boorman (1998), brigand sympathique parce qu’il défie les autorités et les tourne en ridicule. Et si la course-poursuite entre le policier élégant et le faussaire taquin rappelle beaucoup celle de Arrête-moi si tu peux (2002), il faut aller au-delà de ce jeu du chat et de la souris — fort plaisant, au demeurant. Car ce qui meut Bojarski, ce n’est pas la volonté d’enfreindre les règles ni la loi, mais le désir d’être reconnu à sa juste valeur d’artiste et d’inventeur. Et accepté, intégré, au lieu d’être sans cesse renvoyé à son origine étrangère par la société française.

L’ombre et le labeur sont omniprésents dans L’Affaire Bojarski. La dissimulation de l’activité illicite l’exige, mais elle s’accompagne d’une compartimentation de l’existence poussée à l’extrême : c’est le prix à payer pour offrir une apparence de respectabilité et de confort bourgeois à sa famille. Avec les séquences nocturnes et les lieux interlopes, les lieux secrets d’élaboration de la fausse monnaie permettent de composer de images aux lumières bien contrastées, sculptées par les ténèbres, qui redonnent de la vigueur à l’élégante esthétique visuelle des années 1950. De la belle ouvrage,
jusque dans la B.O. de Mathieu Lamboley, dont les cliquetis métalliques rappellent la Batucada meurtrière de Michel Colombier pour Le Pacha de Lautner (1968).

Post scriptum

Quant à cette reconnaissance publique de son talent qu’il n’a pas obtenue de son vivant, ni après sa mort, Jan Bojarski va peut-être enfin la récolter par l’entremise du film, autre œuvre d’art. Un peu comme Elmyr de Hory, le peintre faussaire “héros” du documentaire/menteur F for Fake de Orson Welles et François Reichenbach (1975). Avec un renversement amusant au passage pour Bojarski, dont le nom va supplanter en notoriété ceux des peintres et graveurs officiels des administrations postales, de la Monnaie de Paris ou de la Banque de France (Lagriffoul, Roty, Gandon, Dieudonné, Fontanarosa, Piel, Armanelli et tant d’autres…) qui pour certains, avaient leurs noms inscrits sur les timbres, pièces et billets en circulation. Sic transit…

L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé (Fr., 2h08) avec Reda Kateb, Bastien Bouillon, Sara Giraudeau, Pierre Lottin, Olivier Lousteau, Quentin Dolmaire, Camille Japy, Arthur Teboul, Lolita Chammah…Sortie le 14 janvier 2026

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Héléna Klotz (“La Vénus d’argent”) : « Je n’ai vu que Pomme pour le personnage »  

Sans pitié de Julien Hosmalin

Rayan et son petit frère Dario vivent avec leur mère Maria, qui tient un stand de tir dans une fête foraine. Un jour que Rayan avait pour mission de s’occuper de lui, Dario est kidnappé pendant quelques heures avant d’être relâché, choqué et martyrisé. Une vingtaine d’années plus tard, l’enterrement de Maria provoque le retour de Dario, qui avait préféré fuir cet environnement délétère. Obligé de s’y confronter, il va remuer un passé sordide et entreprendre une vengeance trop longtemps refoulée…

Un an après Le Dossier Maldoror, voici une nouvelle variation autour de ce traumatisme longtemps refoulé par la Belgique, celui de l’affaire Dutroux et des réseaux pédo-criminels. Mais à la différence de
Fabrice du Welz, Julien Hosmalin n’en fait pas le l’alpha et l’omega de son premier long métrage : il s’agit ici d’un élément contextuel. En somme, s’il n’y avait pas cette toile de fond, le drame originel affectant l’existence de Dario et de sa famille ne serait pas advenu. 

Ajoutons que la Belgique n’est pas explicitement désignée comme le lieu où se déroule l’action. Aucune signalisation, plaque minéralogique ne permet de l’identifier avec certitude ; ce territoire septentrional et doté de côtes pourrait l’être comme il pourrait épouser les contour d’un pays imaginaire. De la même manière, aucune époque n’est spécifiquement mentionnée : nous sommes dans un premier quart flou du XXI^e siècle.

Ne pas dire, ne pas voir

En “neutralisant” l’espace et le temps, Hosmalin, atteint à une forme d’universalité répondant à cet esprit de la tragédie antique que vivent Dario et Rayan. Pris dans un cycle de représailles et de vendetta — façon “œil pour œil” — de trahisons et de ruptures entre bandes alliées, ils sont contraints d’ouvrir une funeste boîte de Pandore n’ayant tendance à se refermer en même temps que les cercueils. Ce schéma bien connu pourrait laisser croire à un film d’une grande violence ; il s’avère habile dans la gestion de ce qu’il met à l’écran, privilégiant la suggestion. 

« Je ne voulais pas montrer ce qu’il y avait sous la trape », explique en substance le réalisateur, faisant allusion à la salle des tortures du repaire des prédateurs. En refusant la crudité gratuite, le gore inutile ou une obscénité complaisante, Julien Hosmalin adopte un parti-pris cohérent avec la ligne de ses personnages enferrés dans un mutisme tenace et une culpabilité partagée : après tout, eux-mêmes ont tenté de rejeter le passé sous un tapis de silence. L’immontrable doit demeurer dans un hors champ — et quand bien même : chaque spectateur ingurgite ordinairement tellement d’images brutales qu’il n’a pas besoin de voir ce que l’ellipse suggère. 

Très prometteur, Sans Pitié sait tirer profit des non-lieux dans lesquels il s’inscrits (terrain vagues, sites industriels péri-urbains, univers nocturnes etc.) et de l’intensité de  comédiens bien assortis pour fabriquer des atmosphères et des ambiances fascinantes. On a hâte de découvrir la suite du travail de Julien Hosmalin.

Sans pitié de Julien Hosmalin (Fr.-Bel., 1h34) avec Adam Bessa, Tewfik Jallab, Jonathan Turnbull… Sortie le 14 janvier 2026.

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Jusqu’à l’aube de Shô Miyake

Souffrant d’un syndrome prémenstruel affectant parfois son humeur et son comportement, Misa a dû quitter son emploi. Elle arrive dans une entreprise d’astronomie à taille humaine où elle détecte peu à peu derrière la misanthropie apparente de l’un de ses collègues, Takatoshi, des symptômes qui lui semblent très familiers : celui-ci est en effet sujet à de violentes crises de paniques qui sapé sa carrière. Après une approche prudente, leurs faiblesses mutuelles finissent par les rapprocher…

De Shô Miyake, on avait découvert en 2023 ce film insolite aux allures de documentaires, La Beauté du geste retraçant le parcours acharné d’une boxeuse sourde promise au meilleur avenir mais brisant elle-même  paradoxalement ses chances de victoire. À sa manière, Jusqu’à l’aube explore à nouveau les mystères intimes de l’individu, prisonnier de démons invisibles l’empêchant de s’épanouir comme il le souhaiterait. Et cette fois-ci, ils sont deux, en miroir, à partager cette douloureuse affection. 

Le soleil a rendez-vous avec la lune

Cette symétrie s’avère également une histoire de contraires, Misa et Takatoshi étant le jour et la nuit. Si l’une est bienveillante, l’autre beaucoup plus hautain et persuadé notamment que sa maladie est plus sérieuse que celle dont souffre sa collègue, qu’il ravale (en la minorant suivant des critères bien sexistes) à un banal désagrément féminin. Takatoshi éprouve par ailleurs un sentiment d’être au purgatoire dans l’entreprise d’astronomie, en attendant de pouvoir reprendre son existence de cadre supérieur. En fait, il vit autant enfermé dans le déni que claquemuré chez lui lorsqu’il est sujet à ses crises. Jusqu’à ce que Misa vienne sur son territoire et l’apprivoise

Le rapprochement mutuel se fait d’abord chez lui et puis cette zone intermédiaire qu’est l’entreprise où des activités collectives les conduisent à partager davantage ; où ce qui les sépare des autres en vient à les rapprocher encore plus. Symboliquement, c’est grâce à une sorte de “projet fantôme“ et dans une temps n’appartenant ni au jour ni à la nuit qu’ils scellent leur complicité. Au passage, on admire la petite entreprise (ses dirigeants comme son personnel) accueillant ces deux profils atypiques en tenant compte de leurs particularismes et en prenant soin de leurs besoins. Un bel exemple d’inclusion professionnelle où la différence n’est pas vue comme une contrainte : elle simplement comprise et intégrée.

Komorebis

Tout en délicatesse, ce film n’est pas sans rappeler Perfect Days de Wim Wenders — où le protagoniste a préféré lui aussi se mettre à l’écart de la vie qu’il menait en effectuant une activité professionnelle en apparence peu gratifiante mais essentielle. Il donne sa pleine place aux beautés simples du monde qu’on néglige de contempler ; ces cadeaux gratuits du quotidien. Et donne l’envie furieuse de découvrir le prochain film de Shô Miyake, Un été en hiver, Léopard d’Or à Locarno en 2025.

Jusqu’à l’aube (夜明けのすべて) de Shô Miyake (Jap., 1h59) avec Hokuto Matsumura, Mone Kamishiraishi… Sortie le 14 janvier 2026

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Furcy, né libre de Abd Al Malik

1817, Île de La Réunion. Esclave dans la plantation de la famille Lory, Furcy Madeleine découvre à la mort de sa mère des documents établissant qu’on lui a spolié sa liberté depuis toujours. Ayant eu la chance d’être instruit, il prend contact avec les cercles abolitionnistes pour porter son cas devant la justice, intentant à son “propriétaire“ afin de faire valoir son droit à la liberté. Son combat durera jusqu’en 1845…

Au départ, un destin humain hors norme illustrant une de ces anomalies entachant notre Histoire commune ; un scandale politique, procédural et judiciaire dont Mohamed Moussaoui avait tiré un essai biographique. Un “sujet“, comme l’on dit, rappelant l’arbitraire des périodes coloniales et la manière dont le droit est malmené lorsqu’il vient entraver des intérêts considérés comme supérieurs — en l’occurrence, l’économie. Au moins deux bonnes raisons de trouver des résonances possibles et utiles entre  ce hier du XIX^e siècle et notre XXI^e siècle oublieux du passé.

Les bons et les méchants

Et puis il y a la proposition que constitue ce long métrage. Respectant l’adage tristement connu « on ne fait pas de bons romans avec de bons sentiments », Furcy, né libre est de ces films si outranciers dans la forme et le fond qui se sabordent eux-mêmes. Comprenez qu’il ajoute à un classicisme formel ultra-sage et léché — une suite muséale de tableaux filmés — une dialectique manichéenne assénée à la truelle. D’un côté, on trouve des esclavagistes cruels, perfides, âpres au gain, répugnants (on peut étendre la liste à l’envi, l’idée étant de suggérer qu’ils sont une cause perdue) ; de l’autre, une poignée d’abolitionnistes dans le bon sens de l’Histoire, se livrant au tribunal à des envolées lyriques à la limite de l’anachronisme, histoire de nous bien faire saisir la permanence du propos. Lourd et gênant plus qu’édifiant.

Scolaire à bien des aspects, Furcy, né libre a peu à avoir avec le précédent et premier film d’Abd Al Malik, Qu’Allah bénisse la France (2014). Il est vrai que ce dernier reposait sur un socle autobiographique. En s’emparant ici de celle d’un autre, mais aussi de son héritage, de son message le réalisateur a perdu quelque chose. Au reste, le générique le crédite comme réalisateur seulement, et non auteur du scénario — lequel a été signé par l’éclectique producteur Étienne Comar, connu pour avoir produit Des hommes et des dieux, mais aussi réalisé Django (2017) avec Reda Kateb.

Prise de tête

 Il n’en faut pas davantage pour soupçonner une direction bicéphale et divergente qui pourrait expliquer cet aspect de fourre-tout sans aspérité, rempli jusqu’à la gueule de braves gens semblant accomplir un devoir civique. Bien loin de la puissance de The Birth of A Nation de Nate Parker, et même du (pourtant surestimé) 12 Years a Slave de Steve McQueen (2014).

Furcy, né libre de Abd Al Malik (Fr., 1h48) avec Makita Samba, Romain Duris, Ana Girardot, Vincent Macaigne, Frédéric Pierrot, Micha Lescot, André Marcon…  Sortie le 14 janvier 2026

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“L’Affaire Bojarski”

Faire un film d’époque, et de manière générale faire du cinéma, est-ce un travail de faussaire ?

Jean-Paul Salomé : Oui, de toute façon, faire du cinéma c’est toujours faire du vrai avec du faux ou du faux avec du vrai… C’est un peu comme on veut : ça marche dans les deux sens — et un film d’époque, c’est encore un peu plus compliqué. Après, recréer quelque chose n’’est pas un travail de faussaire mais de copiste, en essayant d’être un copiste doué. C’est-à-dire récréer une époque dans un but précis, avec sa propre sensibilité parce que ce n’est pas un travail d’historien non plus.

Sur mon film Les Femmes de l’ombre, on avait travaillé avec un grand historien, Olivier Wieviorka, qui disait toujours : « l’avantage des films de reconstitution, c’est qu’ils sont le regard de l’époque où ils sont faits ». Un film fait en 2025 qui regarde les années 1950 n’est pas pareil qu’un film qui aura été fait dans les années 2000 ou les années 1970 sur la même époque. Donc il faut un peu se libérer de ça. 

Pour finir, j’avais un peu souffert sur Les Femmes de l’ombre qui se passait pendant la Seconde Guerre mondiale… Je m’étais dit : « c’est trop compliqué, les films d’époque. J’ai plus envie ». Et d’ailleurs pendant 20 ans, je n’en ai pas fait. Mais quand j’ai eu vent de l’histoire de Bojarski et vu que ça se passait dans les années 1950, je me suis dit qu’il allait falloir que je m’y remette. Mais je l’ai fait différemment d’il y a vingt ans, je pense.

Comment avez-vous découvert son histoire ?

JPS : J’étais dans la position des spectateurs d’aujourd’hui : en gros, personne ne connaît l’histoire. Et un producteur m’a parlé de ce sujet ; il m’a fait lire un texte qui ne m’a pas enthousiasmé mais en retournant aux racines de la véritable histoire de Bojarski, je me suis dit : « c’est incroyable, il y a un romanesque dingue, un personnage fou, une histoire très belle… » Des tas de choses qui, tout de suite, m’ont interpellé. Je me suis dit qu’il y avait un sujet, un film… Et après, je me suis lancé.

Et vous Reda, en aviez-vous entendu parler ?

Reda Kateb : Pas du tout. J’étais totalement ignorant de cette histoire, jusqu’à ce que Jean-Paul m’en parle. J’ai tout de suite été fasciné, étonné qu’on ne la connaisse pas, justement. Et senti qu’il y avait un personnage vraiment très fort. J’étais très vite engagé dans le projet, dans la rencontre avec Jean-Paul et dans les échanges qu’on pouvait avoir pendant l’écriture du scénario — à laquelle je n’ai pas participé, mais j’ai été quand même assez impliqué en amont pour avoir le temps de rêver à ce personnage, de le connaître mieux, me l’approprier presque comme on peut le faire avec un personnage de fiction. Parce que je n’avais pas à jouer les codes d’un biopic, d’un personnage que tout le monde identifierait. Pas à faire ce travail de copiste : pour moi, c’était la version originale de Bojarski qu’on pouvait raconter ensemble.

JPS : La curiosité de cette affaire est qu’elle a été extrêmement médiatisée dans les années 1950-60 et est complètement retombée dans l’oubli — ce que je n’arrive toujours pas bien à m’expliquer. Sans raconter le film, il fait la Une de tous les journaux (Paris-Match, Le Figaro, Le Parisien libéré, France-Soir de l’époque…) Il y a eu des articles partout ! Soixante-dix ans plus tard, cette histoire est complètement tombée dans l’oubli. C’’est aussi ça qui m’a donné envie de la faire redécouvrir au grand public.

Il n’y a que les numismates qui l’ont gardé en mémoire…

RK : Il y a le musée de la fausse monnaie…

JPS : Quand on présente le film dans les salles, je demande toujours au début qui le connaît. Il y a zéro main qui se lève ; une fois de temps en temps une personne d’un certain âge se souvient de l’époque. J’en parlais avec Claude Lelouch qui a vu film et qui se souvenait un peu d’avoir entendu parler dans sa jeunesse du fameux Bojarski mais il n’en savait pas plus. Ce film, c’était refaire découvrir cette histoire au grand public.

Le style du film s’est-il nourri du cinéma de cette époque ?

JPS : J’ai demandé à l’équipe — à Reda, aux comédiens et à tous les postes (chefs-op, déco, costumes…) de revoir un certain nombre de films : les grands classiques du polar des années 1950. Tous les Gabin — Touchez pas au grisbi, Du rififi chez les hommes, Razzia sur la chnouf — ; évidemment les Melville — Le Deuxième Souffle jusqu’au Cercle Rouge qui est un peu plus tardif. C’était important pour moi d’essayer de retrouver les racines de ces films-là, qui étaient quand même des films d’auteurs (Dassin, Becker, Melville et d’autres) mais ne s’affichaient pas à l’époque comme tels. Et en même temps, qui étaient quand même extrêmement tournés vers le public. Ces auteurs-là voulaient toucher le grand public 

Ils ne s’enfermaient pas dans une espèce de démarche plus intellectuelle. C’est un moment où le cinéma français réussissait assez souvent, et largement, à ce que la vision d’un réalisateur soit partagée par un public. C’est le cinéma que j’aime, qui m’a formé, que j’ai vu enfant, adolescent, et qui m’a donné envie de faire ce métier — inconsciemment : je me suis pas dit : «  je veux faire comme ça ». J’ai compris, je ne lutte plus contre ça. Revenons aux fondamentaux de ce type de films.

Ce n’était pas pour faire une copie de ça, ni un hommage ; juste essayer de retrouver ses racines et se dire comment dans le monde et le cinéma d’aujourd’hui, on pourrait peut-être essayer de retrouver cette veine-là. Et c’était vachement bien pour les comédiens aussi : parce que c’est quand même joué par des grands comédiens.On avait des grands personnages et des grands second-rôles qui étaient l’espèce d’ADN de ce type de film. Derrière Gabin dans Touchez pas au grisbi, il y avait une galerie de personnages incroyables. C’est pour ça que Lottin et d’autres arrivent dans le film et tiennent ces emplois assez référencés dans le cinéma français dans le cinéma français de l’époque.

Si vous vous défendez de faire un hommage, vous vous placez quand même dans l’ombre du Cercle rouge avec un commissaire nommé Mattei et un adjoint qui s’appelle Perrier…

JPS : Oui, tout à fait, je l’assume ! À un moment donné, j’ai cherché et allez, voilà, c’est pas grave. Je le sens, quand je fais des projections parmi les plus cinéphiles, ceux qui connaissent Le Cercle Rouge. En plus, moi, c’est l’un des deux films qui m’a donné envie de faire du cinéma quand j’avais 10 ans. En novembre 1970, mes parents m’ont emmené voir Le Voyou et le lendemain Le Cercle Rouge. Et à la fin du week-end, j’ai dit : « je veux faire du cinéma ». C’est incroyable, parce que d’abord, il n’y avait rien d’ultra-choquant mais ce n’était pas des films pour enfants à l’époque. 

Je pense que ma vie de cinéaste a été marquée par le fait d’avoir vu ces deux films dans des grandes salles de cinéma archi-pleines (le Gaumont Ambassade et le Gaumont Colisée sur les Champs-Élysées, qui n’existent plus) ; d’avoir partagé ces gros succès de l’époque au milieu d’une foule dans une salle pleine.

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L’art à la machine : l’IA s’impose et s’expose

Vous filmez beaucoup Bojarski tel un artiste au travail, notamment ses mains…

JPS : C’est marrant parce que les mains au travail, pour moi, c’était un film de peinture. Je repensais beaucoup au Van Gogh de Pialat et comment il avait filmé la peinture. Et je me suis dit : « il faudrait essayer de trouver l’équivalent pour filmer un homme qui fait des faux billets ». Ne pas avoir peur de filmer un homme seul au travail. J’ai un peu lutté pour y arriver quand même, avec les financiers et tout le système : « dans le cinéma d’aujourd’hui, il faut aller vite ; un homme seul, mais qu’est-ce que tu vas filmer ? Ça va être chiant. Une fois qu’il en fait un, on a compris… » Je disais, oui, oui, oui et puis je me disais, au fond : « non, non, non. De toute façon. je verrai bien, mais il faut que je le filme. Laissez-moi le temps de le filmer. » Et je pense qu’on a bien fait.

RK : J’ai toujours envisagé ce film comme un portrait d’artiste.

JPS : C’était ça qui était intéressant : ce glissement d’un type n’est pas un gangster ni un bandit. C’était pas un ingénieur mais un inventeur qui malheureusement ne savait pas se vendre. Vous avez des artistes qui sont extrêmement doués mais qui ne savent pas se vendre. Or, il faut un peu les deux pour y arriver aujourd’hui. Je trouvais extrêmement touchant que cet homme qui ne savait pas se vendre — sinon, ses descendants seraient multimilliardaires aujourd’hui — comme l’eau d’une rivière qui cherche son lit, ait changé son cours et soit allé ailleurs, dans des zones inattendues. C’est recycler sa créativité et son génie créatif qui était importants.

Il choisit aussi sans choisir parce qu’il est “l’étranger”…

JPS : Bien sûr : il s’attaque à quelque chose qui, à l’époque était extrêmement important et qui aujourd’hui paraît peut-être un peu plus compliqué pour les jeunes générations : le billet, qui était un des fondamentaux de la société de l’époque. S’attaquer à l’argent, c’était s’attaquer à l’État. Pourquoi les faussaires ont écopé de peines parfois plus lourdes qu’un mec qui va prendre des bijoux dans une bijouterie et blesser ou tuer quelqu’un ? Parce qu’ils attaquaient les fondements de l’État.

On a montré le film à des adolescents dont certains issus de l’immigration dans des quartiers défavorisés avec leurs profs d’Histoire.Eet les jeunes collégiens, comprenaient très bien le truc, ils avaient fait le transfert : le film parle de tout ça sans parler de la génération d’aujourd’hui — ce qui peut être stigmatisante quand on en parle. La société française a connu ces différents flots migratoires venant de différents endroits du monde ; à cette époque-là, c’était des gens qui aujourd’hui font partie de l’Europe : des Polonais, des Italiens, des Espagnols — on disait alors que les Polacs, les Ritals, les je-ne-sais-plus-quoi venaient faire le boulot que les Français ne voulaient pas faire.

Et puis il y a eu une volonté d’effacer cet homme. Le commissaire avait quand même tout préparé pour qu’il rejoigne la Banque de France mais De Gaulle a refusé. Est-ce parce qu’il était polonais ? Quand vous parlez aux gens de la Banque de France aujourd’hui, Bojarski est un dieu ! C’était l’ennemi public n°1 à l’époque mais aujourd’hui ils ont une chambre forte qu’on a eu la chance de visiter avec ses brevets, les photos des machines, les vraies plaques qu’il a gravées… Plus des liasses de faux Bojarski et chacune, c’est plus d’un million d’euros la liasse — parce que chaque billet coûte entre 7 et 8000 euros. Pour eux, c’est un peu la Joconde.

L’équivalent d’un Bojarski aujourd’hui, ce serait un hacker. Or un un hacker de ce talent serait embauché par les services de renseignement ou la police…

RK: Sauf s’il a fait beaucoup de profits avant. Un hacker qui a envie d’être embauché, il va trouver une manière de signifier qu’il peut craquer les codes et faire ce qu’il veut sans le faire. S’il prend des millions…En tout cas, dans cette notion de propriété, je crois même dans le premier ou le second article des Droits de l’Homme, juste après « les hommes naissent et demeurent libres et égaux en droits », il y a tout de suite la sacralisation de la propriété — ce que représente aussi la monnaie.

Aujourd’hui justement, où l’on parle de la possible disparition des billets qui est la seule valeur intraçable, il faut se replonger un petit peu dans cette chose-là. Je me souviens enfant, que sur les billets en francs, je lisais cette chose sur les pertes de prison encourues ; et comme tous les enfants on était fascinés par cet objet-là. Ou quand il y avait un nouveau billet : le Saint-Exupéry, qu’il était un peu original — déjà c’était un peu bizarre déjà d’avoir un billet de couleur alors que les billets étaient grands. Je crois qu’on a envie de retrouver aujourd’hui cette chose du papier, comme quand on prend un bouquin au lieu de lire sur une tablette… 

En jouant ce rôle, j’ai adoré le coaching que j’ai pu avoir sur les machines ; me plonger dans ces gestes répétitifs. Ça m’a même beaucoup aidé à construire le rôle : en le faisant, j’ai senti tout d’un coup une espèce de bulle méditative dans laquelle ce personnage se trouvait. Et j’ai compris qu’il pouvait trouver une forme de paix dans cet atelier, dans ses gestes, dans ses bruits, dans ses sons, dans cette matière… C’est à la fois un geste de copiste, de faussaire, de créateur et d’artisan à répéter sans cesse les mêmes gestes. Même sur sa manière d’écouler ses billets : ce type avec sa valise qui sillonne les routes de France tout seul pour aller écouler des billets, c’était tout de suite un personnage fascinant pour moi.

Quid des inventions de Bojarski que vous montrez dans le film ?

JPS : Eh bien, elles sont toutes réelles. On a retrouvé les brevets, reconstitué ses machines grâce aux brevets et à des photos qu’on avait. Comme il n’était pas un commercial, il ne déposait pas forcément très bien ses brevets, ni ne les renouvelait quand il le fallait. Du coup, ils tombaient dans le domaine publique et d’autres s’empressaient de les prendre — je ne sais pas si on lui a piqué ses trucs, mais en tout cas, s’ils avait été enregistrés, c’est sûr qu’il aurait forcément eu des royalties sur certaines machines… 

L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé (Fr., 2h08) avec Reda Kateb, Bastien Bouillon, Sara Giraudeau, Pierre Lottin, Olivier Lousteau, Quentin Dolmaire, Camille Japy, Arthur Teboul, Lolita Chammah…Sortie le 14 janvier 2026

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Anora de Sean Baker

Issue d’une famille russophone de Brooklyn, la jeune Anora tire le diable par la queue — et pas que le diable — en travaillant comme strip-teaseuse dans un club. Lorsque Ivan le jeune fils d’un oligarque russe veut s’attacher ses services pour une virée quelques jours, l’effeuilleuse entrevoit l’occasion de se faire un joli pécule. L’escapade se métamorphosant en proposition de mariage, Anora croit vivre un miracle… jusqu’à ce que les parents d’Ivan décident de reprendre le contrôle par l’intermédiaire de leurs hommes de main. Seulement, Anora n’est pas du genre à se laisser faire…

On trouvera dans Anora ce que l’on s’attend à y découvrir. Surtout depuis que la caisse de résonance cannoise (et la Palme d’Or afférente) ont lancé la machine et révélé qu’il s’agissait d’une relecture modernisée du mythe de Cendrillon, recontextualisé dans le bling bling de Las Vegas et les néons des boîtes new yorkaises. Leur rouge vitaminé est d’ailleurs repris sur l’affiche comme dans la bande-annonce — laquelle met en avant le tempérament pétaradant de l’héroïne-titre, comme elle dévoile une séquence-clef du film (on y reviendra), au risque d’en tuer la surprise pour les spectateurs.

Sean Baker opte peut-être ici pour des décors plus luxueux et des plans moins statiques, il n’empêche : Anora s’inscrit dans la continuité de ses films précédents, qui sont autant des portraits que des tranches de vies de personnages issus de la frange inférieure de la société américaine. Peu enclin à la pudeur ou à la réserve, son cinéma affiche frontalement les addictions, les lâchetés, la misère… Toute cette réalité térébrante qu’une moitié de l’Amérique fantasmant sa gloire passée tente d’occulter en cherchant des boucs émissaires.

Bouquet final 

Anti conte de fées malgré son début idyllique, Anora tiendrait plus dans sa seconde partie de la farce noire à la After Hours pour sa course-poursuite nocturne à la poursuite du jeune marié ou de la comédie absurde façon Arizona Junior pour ses pieds nickelés chargés d’escorter l’épousée (avec un peu de Fargo, pour suggérer le froid). Le point de bascule s’effectue lors de cette fameuse séquence dévoilée par la bande-annonce, présentée par Baker lui-même comme le nœud du film. Son statut de “moment charnière” est en effet très, voire trop visible, à l’instar de son écriture dramatique, surcomposée quand le reste du film semble viser — malgré les excès inhérents aux personnages — une forme de réalisme. Baker eût affiché un carton : « attention, morceau de bravoure ! » qu’on n’eût pas été davantage surpris.

Le réalisateur n’est pas le seul à pratiquer ce genre de hameçonnage redoutablement efficace sur les jurys. Ruben Östlund ne doit-il pas ses deux (!) Palmes d’Or à des séquences-chocs ? Deux dîners durant lesquels il malmène des bourgeois : avec un acrobate singeant un primate dans The Square (2017) ; avec une tempête faisant vomir les passagers du paquebot de luxe de Sans Filtre-Triangle of Sadness (2022). S’il est un cache-misère bien commode pour certains, l’exercice de virtuosité que constitue ici la séquence centrale ne pas (heureusement) l’alpha et l’oméga d’Anora. Car au-delà de la trajectoire douce-amère de la strip-teaseuse, derrière l’écran des défaites et des désillusions, il y a ce que Baker réussit sans doute le mieux : montrer que malgré le cynisme et la brutalité triomphants subsistent des mains secourables et des cœurs purs — tel le personnage incarné par Willem Dafoe dans The Florida Project (2017). Celui d’Anora est moins visible de prime abord, il offre en tout cas au film un finale d’un dépouillement, d’une intensité et d’une tendresse indicibles. La grâce de cette simple scène de clôture, qui va à l’encontre des artifices du vaudeville médian, est de celles qu’on n’oublie pas.

Anora de Sean Baker (É.-U., 2h19) avec Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yuriy Borisov, Karren Karagulian… En salle le 30 octobre 2024.

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Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau de Gints Zilbalodis

Dans une nature où subsistent les vestiges d’une civilisation humaine, un chat mène une existence solitaire, entre routines et prudence. Sa quiétude va être mise à mal par la soudaine submersion des terres. Contraint d’embarquer sur un bateau à la dérive, il doit partager son esquif avec d’autres animaux pas toujours amicaux. Mais entre ce salut flottant et sa peur maladive de l’eau, son choix est vite fait… 

Rares, hélas, sont ceux qui avaient découvert Ailleurs (2020, trop mal sorti pendant la période Covid), le premier long métrage du cinéaste letton. Ce tour de force visuel empruntant aux jeux vidéos de quête dans un univers post-apocalyptique avait pourtant de quoi séduire par son esthétique 3D épurée. Sans qu’on le sache, ce coup d’essai — et déjà authentique réussite — préparait à une nouvelle aventure immersive d’un calibre encore plus saisissant. Car si Flow reprend les fondamentaux d’Ailleurs (l’idée d’un voyage-fuite immersif en direction d’une hypothétique “issue”, le tout dans une absence totale de dialogue), la réalisation — à la fois la mise en scène et la “facture artistique” de l’ensemble – opère ici un saut qualitatif prodigieux. 

Nouvelle vague

On a certes l’habitude de s’ébaudir sur les miracles de la technologie ; Flow ne vise toutefois pas la surenchère mimétique pratiquée par Le Roi Lion version Favreau dans la contrefaçon de la réalité. Ici, c’est la fluidité du vivant qui épouse la pureté d’un trait ne cherchant pas masquer son origine artistique, jouant sur l’aspect “presque réel“ de la ligne claire ou du flat design. Cet espace laisse justement tout l’espace à l’interprétation poétique. D’autant que Flow est aussi une fable : avec cet nef embarquant des animaux ontologiquement distants ou concurrents, la référence à l’Arche de Noé ou à L’Odyssée de Pi est évidente. Ce qui change ici, c’est l’évacuation totale de l’Homme et la préservation des caractéristique propres à chacune des bêtes. Sans aller jusqu’à dire qu’il s’agit d’un film anti-spéciciste, Flow incite les spectateurs à éprouver le ressenti de chaque espèce, et non à partager des affects copiés sur les humains par l’habituel (et confortable) anthropomorphisme.

Impossible de finir sans évoquer le sous-texte écologique de cette fable montrant une nature regagnant ses droits avec violence. Elle pourrait en soi servir de leçon ou d’avertissement mais c’est avec la toute fin que l’on prend la pleine mesure de sa morale faisant de surcroît un écho terrible aux inondations frappant actuellement l’Europe.

Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau de Gints Zilbalodis (Let.-Fr.-Bel., 1h25) animation dès 8 ans… En salle le 30 octobre 2024.

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Sur un fil de Reda Kateb

Acrobate dans une troupe d’artistes de rue, Jo est victime d’un accident en plein spectacle. Blessée et sans ressources, elle effectue sa convalescence en se rapprochant d’une association de clowns d’hôpitaux spécialisés dans l’accompagnement d’enfants et de leur entourage. Encouragée par un partenaire de jeu, elle se lance dans l’aventure; Mais cette nouvelle discipline requiert peut-être encore plus d’équilibre et d’adresse que son ancien métier. Et Jo, malgré sa bonne volonté, commet quelques faux pas…

Marquant les premiers pas du comédien Reda Kateb dans la réalisation, Sur un fil est de ces films où le cinéaste fait preuve d’humilité en se plaçant derrière son sujet — doublement, pourrait-on dire, dans la mesure où il n’apparait même pas devant sa propre caméra. Valorisant la mission humaniste et sanitaire des clowns d’hôpital et le dévouement du personnel médical (versus les costumes-cravates en charge de la gestion comptable/administrative des établissements médicaux). il habille son plaidoyer d’un conte sur la reconstruction personnelle, mise en abyme aérienne de la guérison, en évitant les poncifs sur les clowns tristes. Lumineux et pudique, notamment grâce à Aloïse Sauvage, alias Jo.

Sur un fil de Reda Kateb (Fr., 1h56) avec Aloïse Sauvage, Philippe Rebbot, Jean-Philippe Buzaud… En salle le 30 octobre 2024.

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