Comment en êtes-vous arrivé à ce titre, La Petite Vadrouille ?

Bruno Podalydès : Parce que ça me semblait être une petite vadrouille (sourire) ! Je voulais l’appelerLa Pénichette au début, un truc comme ça… Et puis en blaguant, une fois, pour parler de La Grande Vadrouille, qui est un film que j’admire, que j’aime énormément, j’ai dit : « tiens, le pendant rigolo, c’est La Petite Vadrouille». C’est vraiment un clin d’œil ; pas du tout pour me réclamer du même niveau. 

Vos films précédents trahissent un amour certain pur la navigation : le canoë, le voilier et ici la pénichette…

Ah oui, oui, oui ! J’ai un tropisme terrible ! Mais dans la vie aussi, dès que je vois un bateau… En venant, j’ai regardé les bateaux — c’était des bateaux électriques. Je regarde tous les films de bateaux, tous les films de sous-marins, tous les film d’avions et tous les films de tracteurs. J’ai neuf kayaks et canoës. Parce j’emmène beaucoup de gens en bateau. Je suis quasiment un moniteur de canoë. Je n’ai pas de voilier : Liberté Oléron le raconte bien.

Il vous a pourtant fallu vingt ans depuis Liberté Oléron pour traiter frontalement d’un sujet “nautique”. Mais la principale différence, c’est qu’entretemps, vous êtes devenu comédien – et qu’ici, vous êtes en plus le seul maître à bord après Dieu…

Oui, c’est vrai (sourire) J’ai réabordé le truc de manière apaisée par rapport à Liberté Oléron. Là, c’était rigolo, parce que j’avais trois casquettes en même temps : je jouais, je réalisais, et je dirigeais vraiment le bateau. Et c’était vachement bien ; j’ai beaucoup aimé. J’avais un retour vidéo dans le tableau de bord et je mettais moi-même le bateau dans le plan. J’étais complètement souverain. L’équipe m’appelait “mon capitaine”, j’était complètement dans le rôle, tous les matins, en blanc c’était rigolo… J’’avais l’impression d’accueillir l’équipe sur le bateau de manière apaisée, d’assumer…  Au moment où Daniel  Auteuil me dit : « on ne peut pas aller plus vite ? », je me sentais un peu le capitaine de croisière.

Vous sentez-vous vraiment dépossédé quand il prend les commandes ?

Non non, il ne faut pas exagérer ! Mais le fait de diriger un bateau et le film, je n’ai aucun trac d’acteur parce que pour moi, jouer arrive après tout le reste. Je n’investis rien… Quand il m’arrive de jouer chez les autres, j’ai un trac fou. Mais chez moi, j’ai l’impression de mettre les pieds sous la table : tous les problèmes sont résolus…C’est le seul endroit où je n’ai pas le trac comme acteur. Où le réalisateur qui me regarde s’en fout un peu — je ne me regarde pas : je ne vais pas voir les prises avec moi. Parce que je sais que je pourrais garder la meilleure : je serai au montage. L’enjeu, c’est les autres. Moi, je peux refaire une prise si je veux. Je regarde les autres, en fait : on voit si ça va dans le regard des autres.

Dans vos films, il y a toujours beaucoup de bricolages, d’inventions de structures…

J’aime bien les objets (il désigne le micro) ; je trouve que cet objet-là est beau, avec les micros croisés comme ça. J’ai un intérêt pour les objets réels, tout ce qui est chiné… Quand on fait un film, je n’ai pas envie de voir le truc usuel, normal… Là, il me fallait un truc pour recueillir le pourboire : comme une pince, rétractable… Un gars me l’a construite, ça “clappe” comme les pièges à souris, c’est plus rigolo qu’un truc normal. Étant enfant, j’ai fabriqué des trucs en Mecano ou en Lego. Denis, lui, n’est pas du tout bricoleur.

La glaviole sur laquelle Daniel Auteuil trébuche est-elle la même depuis Liberté Oléron ?

Toujours la même ! Vous êtes un habitué, vous (rires) !

Vous faites aussi appel au talent de peintre de Jean-Noël Brouté, en exposant ses toiles…

C’est chouette parce qu’il en a fait une quinzaine pour le film. Je lui avais demandé de faire un chevreuil qui ressemble à une vache et il l’a fait ! Mais il peint bien mieux que ça…

Au début du film, vous présentez vos personnages endettés les uns envers les autres…

Oui, c’était important. J’ai appelé ça “la chaîne des endettés”. Chacun à des choses à rembourser aux autres. C’était un moyen rigolo de les présenter, pour éviter de faire la bande de copains d’école, le truc un peu fastoche… Ce qui crée le lien entre eux, c’est qu’ils se doivent de l’argent. C’est un truc d’amitié : on ne prête pas à n’importe qui et ils sont tous redevables les uns les autres. Ça va forcément cimenter l’équipe parce qu’ils sont tous enferrés dans leurs histoires sur un truc pas gagné au départ. 

On peut faire des très belles choses avec des moteurs pas très élégants. J’essaie de dire ça parfois à des enfants : pour de l’argent, on peut faire un très bon filme et parfois, on est pétri de bons sentiments et faire une saloperie dans la vie. En les réunissant tous comme ça pour une arnaque, tout ce qui arrivera au nom de l’amitié et du partage sera quelque chose d’un peu noble..

Il est d’ailleurs beaucoup question d’argent dans ce film…

J’essaie de ne pas avoir de morale (rires). J’aime au cinéma quand on parle d’argent, parce que tout le monde écoute toujours. C’est très concret, l’argent ; on peut évoquer plein de choses, ça donne une vision très lucide des choses… Étant jeune, on dit que ça dénature les choses, que ça les rend moins poétiques ; au cinéma, on est tout le temps à compter tout, parce que tout est très cher. Dans tout le film, l’argent est partout et c’est trivial. Au cinéma, on ne fait que parler d’argent et après on essaie d’oublier combien un film a coûté. C’est un terreau, c’est un trait de comédie qui n’est pas très commun les histoires d’argent alors que souvent que c’est hyper cruel, hyper réaliste.

Comment avez-vous opéré le choix des chansons du film, notamment Elle était si jolie d’Alain Barrière ?

C’est une très belle chanson, qui vieillit très bien — qui ne vieillit pas, d’ailleurs. Une chanson que ma mère aimait beaucoup, que j’ai beaucoup entendu à la maison. Sandrine Kiberlain l’adore aussi, Daniel aussi… Elle réunissait tout le monde. C’est un tube. J’aime bien l’idée des tubes à la radio. Ça se perd un perd un peu, maintenant : c’est très parcellaire. Par les réseaux, on n’écoute que notre algorithme à nous. Alors qu’il y avait des chansons que  différents milieux sociaux, culturels ou géographiques, mais aussi générations, partageaient grâce à la radio. Je trouve que l’idée de chanson “trait d’union” est toujours valable.

J’aime aussi, c’est que c’était des paroles les plus simples possible. C’est pas si facile que ça, d’écrire des paroles très simples : « elles était si jolie/que je n’osais l’aimer » Les paroles de cette chanson sont très belles: elles apparaissent basiques. Mais il y a une espèce de complexité…

Et pourquoi entend-on l’Hymne à la joie ?

C’est l’hymne européen. Et moi, je suis un peu barré : je levais chaque matin les couleurs de l’Europe. Je n’ai pas d’explication… L’Hymne à la joie est par ailleurs un morceau que j’aime beaucoup. Je l’ai déjà mis dans un film auparavant. Le fait que ce soit à L’Hymne à la joie me paraissait pas mal pour notre époque.

Vous faites chanter faux vos comédiens…

Ils chantent super bien, en vrai. Et ça, c’est très dur de chante faux quand on chante bien. Ils m’ont terrassé parce qu’ils répétaient avant… et j’ai trouvé que c’était trop bien. Mais une fois que ça tournait…

Les comédiens apportent-ils beaucoup de choses au tournage ?

C’est très écrit, très appris. Il y a très peu d’impro. Ils apportent chacun leur style, leur jeu. Je ne peux pas dire que ce soit des idées de textes ; c’est plus comme un violoniste qui joue, dans l’interprétation.

L’amateur de bande dessinée que vous êtes fait-il des story-boards ?

Pas de storyboard : si le film est dessiné, je n’ai plus envie de le réaliser. Ça me tue le désir. J’adore le matin. Les matins de chaque journée de tournage, j’ai fait un découpage avant ; j’adore quand le plan advient… de lui-même. Plutôt que si j’ai un dessin qui dit : « on va faire comme ça, avec l’épaule, avec des mains, un cadré, l’avant-plan » Je comprends ça quand il y a des trucages, des effets spéciaux. Il faut décider. Mais moi, je n’en  ai pas besoin.

La Petite Vadrouille sort un an pile après Wahou ! Avez-vous déjà entamé un autre projet ?

J’ai plusieurs projets, mais je ne sais pas lequel que je fais. Je n’ai pas écrit, par contre. J’attends l’envie. Wahou !, c’était un cas particulier. C’est vraiment un mois d’écriture, un mois de prépa, un mois de de tournage. Je l’ai fait un peu trop vite. Là, je fais toutes les rencontres avec les exploitants. Et je suis très content : à chaque fois, je veux faire un débat. Si on défend le climat d’auteur, si on défend l’art et essai, il faut aller sur toutes les places. 

La Petite Vadrouille de & avec Bruno Podalydès (Fr, 1h36) avec également Daniel Auteuil, Sandrine Kiberlain, Denis Podalydès, Isabelle Candelier… en salle le 5 juin 2024.

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Aviez-vous vu Debout les femmes ?

Nessim Chikhaoui : Non. Ni À temps plein, parce que j’étais en pleine écriture et que je voulais pas ni me censurer en voyant des choses, ni m’inspirer d’autres inconsciemment. Je voulais vraiment avoir mon truc à moi, sans avoir d’influence négative ou positive. Sauf des véritables protagonistes : j’ai rencontré Rachel Kéké, ses comparses de lutte, plus d’autres femmes dans d’autres hôtes. J’ai suivi une femme de chambre pendant une journée pour discuter, pour m’inspirer, piocher des anecdotes ou des choses de la vie. Ça m’a beaucoup nourri ; après fallait piocher, inventer, accentuer.

Mais ce n’est pas un biopic sur Rachel. Il y a le Park Hayatt en 2018, il y en a eu à Marseille énormément. À la fin, Je voulais citer le Ibis, le Park Hayatt mais en je n’avais pas envie de ne rester qu’avec ces luttes-là ; ça serait invisibiliser les autres — en plus ça a commencé en Espagne. Je ne voulais pas mettre la lumière sur une seule. Et puis Rachel est une figure de cette lutte. Elle a été élue députée, mais d’autres ont continué d’être femmes de chambre.

Avez-vous trouvé facilement un hôtel pour vous accueillir ?

NC : Pas du tout ! (rires) C’était un peu compliqué et pas dans l’intérêt de la plupart. On a eu la chance de tourner au Bristol, un palace renommé qui a la particularité d’avoir internalisé ses femmes de chambre. Il est géré par une famille, pas par un grand groupe avec des actionnaires. C’est souvent ça, les hôtel indépendants.

Dans votre premier film Placés, il y avait une partie autobiographique où vous utilisiez votre connaissance du milieu éducatif. Est-ce que ça a été plus difficile ici d’entrer dans une histoire dont vous étiez moins partie prenante ?

NC : Plus difficile, oui. Déjà, écrire pour des femmes, ce n’est pas forcément facile quand on est un homme. J’ai eu la chance de rencontrer des syndicalistes qui ont mené différentes luttes et qui nous ont fait part de beaucoup de leur expérience, raconté beaucoup d’anecdotes et expliqué tout ce qui était sous-traitance, hiérarchie dans les hôtels… Ça m’a beaucoup été utile. C’était des personnes de la CGT, c’est pour cela qu’on ne voit qu’eux. J’ai rencontré ces femmes de chambre. Mes tantes étaient femmes de chambre dans des hôtels ; ma mère était auxiliaire de vie-aide à la personne. Donc j’ai pioché dans toutes tranches de vie, ces personnages que j’ai rencontrés. J’ai mis un peu de moi sur certaines choses. Déjà, mes valeurs, mes luttes et mes revendications…

Et puis, je me suis permis de mettre Lucie Charles-Alfred, qui jouait Emma dans Placés. Je voulais faire une sorte de suite à son personnage — j’ai juste changé une lette de Emma à Eva.

Lucie, avez-vous ressenti l’évolution du personnage, une écriture faite pour vous ? Et de manière plus anecdotique, qu’est-ce que c’est que cette histoire de dents carrées [une des femmes de chambre affirme que son personnage est antillais en voyant ses dents, NDR] ?

Lucie Charles-Alfred : De dents carrées ? (Nessim rit) Non, mais j’ai les dents carrés ! En fait, aux Antilles, je le constate aussi, on a les dents carrés. Mon papa est antillais de Martinique et il a les dents carrés, sa sœur a les dents carrés… C’est un truc que je ne savais pas avant que Nessim l’écrive.

Il s’est donc inspiré de vous…

LCA : Oui, il a écrit pour moi.

NC : En fait, j’avais un pote, un collègue martiniquais. Je l’invite à la bande première de Placés et il voit Lucie qui est blonde aux yeux bleus. On ne peut pas dire qu’elle est antillaise. Mais quand on le sait…

LCA : Oui, il y en a qui le voient Vraiment, ça dépend. 

NC : Et du coup mon pote la voit et me dit : « elle est de chez nous — Comment tu sais ? » Il me montre ses dents « —Elle a les dents carrées, elle est de chez nous » Pour être sûr, à chaque fois que je croisais des amis antillais : «—Fais voir tes dents » (rires) Bon, il y en a qui ne les ont pas, évidemment, mais beaucoup, vraiment beaucoup les ont. J’avais une copine algérienne mariée avec un Guadeloupéen ; quand je lui ai dit ça, elle a explosé de rire : « Mais notre fille aussi, elle a les dents carrées ! » C’est pour ça, je voulais être vraiment sûr, pour Lucie, dire qu’elle est antillaise. En plus, je savais que ça lui tenait à cœur, aussi, cette identité.

LCA : Tenir à cœur ? Ouais, je comprends ce que tu dis, mais j’ai reçu beaucoup de critiques par rapport à ça quand j’étais plus jeune. Ça a été vraiment un sujet dans ma vie : les gens m’ont insultée, véritablement. En me disant que je n’étais pas martiniquaise, que je voulais faire genre, que je voulais m’inventer une identité… Après, je me dis que c’est des ignorants. Tu perds plus ton temps à y répondre. Faut évoluer. Mais en tout cas, ça me touche particulièrement, c’est vrai qu’il y a cette touche-là de moi. Véritablement.

Et puis, ça montre aussi le métissage : en fait, aux Antilles, il y a plein de gens qui ont ma couleur de peau. Et qui ont les yeux bleus : j’ai plein de cousines et cousins qui sont plus clairs que moi. Ma petite sœur, elle a les cheveux plus blonds et elle est plus claire que moi. 

Quant au scénario, Nessim me l’a proposé en juillet 2022. J’étais super heureuse. J’avais déjà entendu parler un petit peu du fait qu’il allait faire un deuxième film, que peut-être j’allais être rappelée mais rien de sûr. Et là : « Tiens, tu lis, tu m’appelles, je te le propose. » Et j’ai tout de suite accroché. Je me suis tout de suite vue dans le rôle et dans cette bande.

Vous voyez-vous dans une évolution de ce personnage dans un autre film ?

LCA : Hum…Non, pas maintenant. Peut-être après. Je sais que Nessim… je peux parler pour toi ?

NC :  Vas-y !

LCA : Là, il a envie de faire une comédie plus légère. Mais après peut-être, ouais.

NC : Dans l’idée j’aimerais bien.

Pour faire suite à Emma qui devient Eva, vous montrez la situation des 18-21 ans après le foyer, qui vivent une situation assez étrange. Ce n’est pas en lien avec les femmes de chambre externalisées, mais ça montre une préoccupation constante chez vous…

NC : On reste pas indemne après 10 ans d’éducateur. Le sujet de la protection de l’enfance me touche forcément. C’est très bref dans le film, mais important pour moi de le mettre. Ne pas juste dire : « ok j’ai fait un film sur la protection de l’enfance, on passe à autre chose ». Je continue dans cette démarche. Et puis en plus, c’est intéressant qu’une jeune en hôtel social travaille comme femme de chambre dans un hôtel de luxe. Je trouvais le parallèle assez sympathique. Et continuer à essayer de remettre ce sujet sur la table.

Pourquoi avoir choisi Kool Shen pour jouer le leader syndical ?

NC : Déjà parce que le vrai leader était un homme. Et c’était bien de ramener une part de masculin. j’avais déjà beaucoup de rôles de femmes et je trouvais intéressant que ce soit Kool Shen qui interprète ce rôle.

Vous avez aussi choisi une jeune femme noire pour jouer la gouvernante en chef, qui a un rapport un peu décalé vis-à-vis des autres femmes de chambre…

NC : J’hésitais avec une autre actrice que j’aimais beaucoup, mais c’est vrai que le fait que Mariama Gueye soit noire, c’était important aussi de montrer cette complexité : déjà d’être plus jeune. Quand tu es gouvernante et jeune, manager des femmes plus âgées peut être compliqué. Et le fait qu’elle soit noire, on se dit que dans sa backstory, peut-être que sa mère ou ses tantes ont dû passer par ces étapes. Donc, ça a renforcé le personnage — qui n’était pas si évident que ça, en plus et que Mariama interprète justement : empathique et à la fois droite, rigide… On sent une humanité importante ; c’est pour ça qu’elle rejoint aussi le mouvement quand elle se retrouve toute seule. On ne peut pas ne pas être attaché à son équipe quand on est manager. Quand on fait son métier, ça reste des rapports humains.

Eva suspecte qu’elle a elle-même été femme de chambre…

NC : Ce que j’avais écrit au début mais que j’ai enlevé — mais même quand on coupe, c’est des choses qui restent — sa mère était femme de chambre, mais elle ne voulait pas être comme ça mère et elle a fait une école d’hôtellerie. 

Mon père est arrivé de Tunisie. Il a été plongeur, il faisait des ménages et ensuite il vendait des pâtisseries orientales à travers la France et depuis tout petit, il me disait : « tu seras avocat ou médecin ». Malheureusement pour lui, j’ai été éducateur (rires). Quand tu viens de Tunisie, que tu n’avais pas d’eau courante, d’électricité et que tu allais chercher l’eau à dos d’âne, tu te dis : mon fils, il ne fera pas ça. On se projette. Mo,i je ne dis pas au mien : « tu sera médecin ». Réussir sa vie, c’est vraiment faire ce que tu veux. «  Si tu veux être homme de ménage et que c’est ton aspiration, tu le feras. » Ce qui est important, c’est d’être en accord avec son choix de vie et d’être heureux.

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Vous ne montrez pas les patrons…

NC : Non. Comme dans Placés, où je n’avais pas montré les parents des jeunes, je ne voulais pas stigmatiser ni être dans un cliché. Pour moi, c’est pas un film à charge contre la hiérarchie, contre les hôtels, mais sur l’importance du dialogue social et de dialoguer directement. Les femmes de chambre que j’ai rencontrées, qui ont fait des manifestation à l’Ibis, n’ont pas été internalisées ni eu tout ce qu’elle demandait, mais disent qu’elles ont gagné la considération. Elles parlent directement dès qu’il y a quelque chose, il n’y a plus besoin de faire toute cette manifestation. Je ne montre pas les clients non plus. Ils sont présents par leur absence : on voit leurs vêtements par terre. Je ne suis pas là pour diviser. Ce qui m’intéressait, c’était les brigades de femmes ; donc je ne mets la lumière que sur elles.

Ce film, et d’autres dans la même mouvance, peuvent-il faire changer les mentalités des clients ?

NC : Je ne pense pas que ça changera quelque chose au niveau politique ou de la sous-traitance. Les Misérables a fait un gros succès a avait marqué les esprits ; six mois après, il y avait encore des émeutes on était toujours dans les mêmes problématiques et je pense que ça sera de pire en pire. Donc je ne pense pas que ça changera. Mais beaucoup de gens m’ont dit qu’après ils laisseront un pourboire aux femmes de chambre. Moi, je ne le faisais jamais et depuis que j’ai commencé à écrire, j’en laisse. Alors c’est des mini trucs mais si on peut avoir ça…

Mais c’est pas que les clients des palaces : il y a des exploitants de cinémas qui m’ont dit que c’était pareil avec les popcorns et les cocas. Si c’est pas toi, c’est quelqu’un d’autre qui le ramassera. J’’espère que ça peut éveiller. Je n’ai pas la prétention de dire que mon film sera vu par 60 millions de Français ; je ne sais pas l’impact qu’il aura, mais si ça peut éveiller certaines consciences. on aura gagné quelque chose. Peut-être des gens déjà éduqués, qui ont déjà des valeurs ; peut-être que ça leur rappellera des choses. 

Netflix apparaît en coproduction…

NC : Mais c’est Le Pacte qui est à l’origine, par Alice Labadie qui m’avait proposé le sujet parce qu’elle avait produit Placés. Quand elle l’a vu, avant qu’il soit sorti, elle m’a dit : « ça fait un an que j’aimerais faire un film sur ces femmes qui ont fait des manifs. Tu es peut-être la bonne personne parce que je veux vraiment le ton Placés : parler d’un sujet fort, mais sans être misérabiliste. » Le Pacte a vraiment été le premier à financer, ensuite on est venus avec mon producteur Matthieu Tarot. Netflix est arrivé vraiment à la dernière minute et nous a sauvés parce qu’on avait du mal à financer le film. Et c’est parti. Je ne connais pas leur politique, mais je crois qu’ils ont un budget pour les petits films sociaux. Maintenant, ils sont intégrés dans le financement du cinéma français. Ils font leur part, ce qui est bien.

Petites mains de Nessim Chikhaoui (Fr., 1h37) avec Corinne Masiero, Lucie Charles-Alfred, Marie-Sohna Condé… en salle le 1^er mai 2024.

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Avez-vous eu des difficultés pour trouver le ton juste permettant d’être dans la comédie tout en gardant un esprit corrosif ?  

Artus : Je pense que ça s’est fait naturellement parce que c’est mon ton. Si je me pète la gueule là, les gens vont rire et je ne vais pas leur en vouloir : ce sera de la moquerie. C’est le rire vicieux qui est malsain, le côté « on va rire tous les deux de vous en messe basse ». Pas si je fais une vanne ouverte qui fait rire tout le monde et que la personne la prend bien….

Avec votre chef-opérateur Jean-Marie Dreujou, vous avez choisi un traitement de l’image particulier : les couleurs sont très contrastées, chaudes…

À un moment, il y avait un côté un peu plus sombre mais je voulais garder un côté lumineux. Le handicap, j’ai l’impression, est toujours filmé dans le nord, sous la pluie… Il y a toujours ce truc à rajouter au handicap : « en plus, ils vivent dans une région où il fait un temps de merde ! » J’avais envie d’un film joyeux, solaire ; de filmer au soleil, quand il fait beau, d’avoir ce sentiment de chaleur. En fait, j’avais envie qu’on soit bien avec eux, qu’on ait envie d’être là-bas, dans cette colo.

Et donner envie d’être éducateur également ?

C’’est un métier qui malheureusement n’est pas du tout valorisé, pas du tout assez bien payé. En France l’accueil des personnes en situation de handicap, est scandaleux. On est en retard sur plein de sujets. Je ne le traite pas dans le film parce que c’est un sujet à part entière. On explique un peu les problèmes de budget — ils mettent tout le budget de l’année dans la colo. Des sujets autour du handicap, autour des éducs, il y en a dix mille : comme le sujet de la sexualité autour du handicap, c’est un gros tabou en France.

Vos personnages sont-ils “taillés sur mesure” pour vos interprètes ? Ils ont en tout cas quasiment tous leur vrai prénom à l’écran…

Il n’y en a que deux pour qui on a changé les prénoms, déjà, parce qu’ils l’ont souhaité. Stanislas, qui joue Alexandre, parce qu’il avait besoin de se mettre dans un personnage ; et Théophile — qui s’appelle Baptiste dans le film — qui est passionné par les instruments de musique. Il avait envie lui aussi qu’on lui crée autre chose. Du coup, j’ai pris le foot, parce que, le “rachat” du rôle de père que joue Clovis Cornillac se fait avec Baptiste.

C’est une compétence propre de Clovis Cornillac que vous avez utilisée, en l’occurrence…

Non, parce que si Clovis avait détesté le foot, il aurait quand même fait du foot (sourire) J’ai pris le foot parce que, vraiment, c’est le sport le plus populaire, le plus connu… Tout papa a joué au foot avec son fils un jour. C’est vraiment pour qu’on ait ce code clair.

La bande originale est largement imprégnée par la musique de Dalida, qui est réellement liée à l’un des personnages… et surtout au comédien qui l’interprète, Arnaud Toupense… 

En fait, je ne savais pas ce que j’allais mettre comme musique. Au moment du montage, je me suis dit, « essayons des morceaux de Dalida ». Et j’ai trouvé que ça marchait très bien. Déjà, elle a fait de tout : la musique de joie au début, Bikini, qui apporte un truc très vacances, le soleil. Après, il y a des dimensions un peu mélancoliques. Par exemple, Love in Portofino qui, pour moi, est jolie parce qu’elle est mélancolique, douce, mais pas triste. Je ne voulais pas aller tirer la larme. Pour la tirer, on met un solo de piano, tu as tout le monde qui chiale. Je ne voulais pas aller dans ce truc-là. 

Au début, j’avais mis une reprise qu’Ibrahim Maalouf a faite au piano avec la voix d’Izïa qui est juste splendide. Et pour le coup, je trouve que c’était trop… Murray Head  avec  Say It Ain’t So à la fin : c’est ce bon truc, quand ça remonte à la fin, il y a un côté : la vie continue, la vie est belle, on ne reste pas sur un truc miné.

Murray Head et Dalida sont des interprètes navigant entre deux pays, deux mondes, était-ce lié au fait que vos comédiens sont aussi entre deux univers ?

C’était vraiment pour chercher les musiques qui correspondaient. Je voulais vraiment la musique qui amenait la bonne énergie. C’est marrant, mais Murray Head est venu très tôt. Say It Ain’t So, je le connais depuis toujours et comme beaucoup de gens, malheureusement je l’avais un peu oublié parce qu’on ne l’entend pas beaucoup. Un jour, elle est passée dans mes écouteurs et il y a eu une évidence. Elle a ce moment de calme très beau avant de repartir.

Pourquoi avoir choisi Alice Belaïdi dans le rôle de l’éducatrice ?

Parce que j’avais déjà tourné avec elle dans Budapest — je n’avais eu que deux jours de tournage, à l’époque. Et je trouve qu’elle avait ce côté simple. En fait, on y croit, Alice, c’est une éduc’. Dès le début du film, il n’y a aucun doute. Je ne voulais pas une comédienne trop comédienne, je voulais une comédienne aussi capable de s’en foutre de son make-up. Avec Alice, ce petit bout de bonne femme qui gère cette colo, dès le départ, on n’a aucun doute. 

Est-ce en référence à votre formation de cuisinier que vous vous attaquez à la malbouffe de la restauration collective ?

Mais j’aime bien le personnage de la cuisinière parce qu’elle a un rapport sain avec eux : elle les traite comme tout le monde. Elle traite tout le monde, comme de la merde (sourire) Au finale, c’est elle qui a le rapport le plus normal avec tous.

Comment avez-vous appréhendé l’après tournage avec vos comédiens non professionnels ?

C’était ma grande crainte pendant tout le film, parce que c’était tellement fort — et en plus pour eux, c’est un premier film. Ils ont eu 35 jours de tournage, c’était vraiment un film-chorale : tout le monde a eu autant de jours, Donc c’est sûr que derrière, quand on rentre dans un IME ou dans un endroit spécialisé qui est rarement ce qui se fait plus chaleureux et de plus agréable, il y avait une appréhension. Mais globalement, ça s’est bien passé, parce qu’en fait, ils sont rentrés avec tellement de choses à raconter. Et puis c’est marrant, chacun est un peu devenu la star dans son IME. 

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Au moment où nous parlons, début avril, vos comédiens ont-ils déjà vu le film ? 

Alors, pas tous. J’ai bientôt la projo d’équipe où toute l’équipe va le voir ; je pense que ça va être très chargé en émotion. Je l’ai montré tôt à Soso parce qu’il y a malheureusement cette réalité…, C’est pour ça que j’ai fait le film vite et qu’il sort moins d’un an après l’arrêt du tournage : on a terminé en septembre, et il sort là parce que je voulais qu’il sorte vite pour qu’il puisse se voir. Soso, j’essaie de lui mettre des petits défis, des stimulants. Il est venu sur la tournée [du spectacle] avec moi dans le tourbus,

Le but de ce film — c’est pour ça que j’aimerais qu’il marche — c’est qu’il permette qu’on leur donne aussi des rôles de “pas-handicapés”. Quand on a un petit rôle d’un boulanger ou  d’un mec qui est dans un bus pourquoi ce rôle-là ne peut pas être pour un acteur porteur de trisomie ?

Vous êtes vous occupé de l’audio-description et tout ce qui va permettre de faciliter la diffusion du film ?

C’est compliqué parce que je ne le saurais pas. Apparemment, l’audio-description s’est bien passée justement, parce que la personne qui l’a gérée a dit : « au début, ça va un peu vite, on a un peu du mal à décrire tous les personnages » — il y a quand même beaucoup de personnages — « mais après, ça marche très bien » donc je suis très content.

Un p’tit truc en plus de & avec Artus (Fr., 1h39) avec également Clovis Cornillac, Alice Belaïdi… en salle le 1^er mai 2024.

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La trame d’Indivision s’inspire-t-elle d’une histoire familiale ou qui vous est proche ?

Leïla Kilani : Je crois que les histoires d’héritage sont certainement les névroses qu’on partage le plus, quels que soient les coins du monde. C’est une histoire qui passe à Tanger, mais ce n’est pas une auto-fiction, il n’y a rien de biographique ; et puis ça ne m’intéressait pas vraiment en fait de travailler une espèce de restitution. Mais je me reconnais dans chacun des personnages : autant dans la petite fille que dans le père — beaucoup — et puis aussi dans la bonne.

Vous parlez de l’inscription tangéroise. Mais on n’a pas franchement de repère géographique permettant de situer l’action, d’autant que l’on baigne dans le mélange de langues parlées par les personnages : le français, l’arabe, l’espagnol…

C’est à double tranchant. Ces endroits de frontière, qui racontent le monde, m’émeuvent beaucoup. Il y a une forme d’insularité où l’on se prend le monde comme ça… C’est des endroits qui sont en confrontation, où il y a eu beaucoup de circulation, de conflits… 

Quand j’étais en Argentine ou à Macao, le mélange des langues était le même. Dans tous ces endroits, il y a une espèce d’espéranto joyeux. J’ai l’impression d’entendre une espèce de langue “babellique”, comme s’il y avait une langue universelle. Je me dis que l’espéranto a foiré, mais un jour ou l’autre, il va y avoir une langue au-dessus, très créole. Je ne le parle pas le créole, mais quand je l’entends, ça provoque chez moi une vraie émotion. Parce qu’on sent à la fois l’Histoire, la violence, l’impossible séparation… Ça a toujours des rythmes invraisemblables et une telle musique — ça a donné le jazz. Tous les créoles, toutes les langues métissées provoquent chez moi physiquement une adhésion. Et puis aussi, intellectuellement, j’aime ce que ça raconte.

Ces langues véhiculaires sont comme les oiseaux de passage entre différents continents. Vous avez choisi avec la petite Lina une héroïne muette qui, cependant, “parle” beaucoup par l’écrit… mais aussi par la voix off. D’ailleurs, est-ce bien la voix de la jeune comédienne que l’on entend ?

Non, ce n’est pas sa voix. La comédienne n’est vraiment pas quelqu’un qui est dans la parole ; et quand elle parle, on a l’impression qu’elle n’est pas synchrone avec elle-même. C’était assez excitant d’inventer une figure adolescente qui investisse quelque chose d’assez cliché et d’académique (le mutisme et une forme de comportement autistique) et de me dire qu’il y avait autre chose à écrire, d’un peu moins convenu et complaisant qu’une mise en scène mutique sur une ado mutique — ce qui est quand même une posture assez surplongeante. 

Ce n’est pas parce que quelqu’un ne parle pas qu’il n’a pas de mots à l’intérieur. Je l’ai vérifié par une documentation assez sérieuse et par des entretiens avec des filles : il y a des comportements autistiques où il y a des océans à l’intérieur. Un phénomène m’a aussi intéressée : celui les adolescentes qui se tarissent, qui n’arrivent plus à parler, sans qu’on sache si c’est à la suite d’un traumatisme brutal. En Allemagne, il y a eu une fille complètement chavirée, en larmes qui disait que c’était le plus beau film sur l’autisme — elle avait un frère autiste.

Lors de la séance publique aux Rencontres de Gérardmer, vous avez raconté que d’autres spectateurs avaient effectué une lecture écologiste de votre film. Il y a beaucoup d’entrées et projections personnelles différentes permises par Indivision… 

Je m’exprime beaucoup en termes de mise en scène, et je fais une confiance absolue au spectateur ;  j’essaie de lui offrir des espaces entre les plans pour qu’il puisse, lui, s’inventer son film dans son espace de projection. 

Transmission d’héritage impossible, Indivision raconte aussi la fin d’un monde…

Alors la fin d’un monde, mais pas son apocalypse. Lina le dit : « Tous les super-héros ne sont pas en slip » ; « le monde est neuf » ; « la métamorphose »… C’est la fin d’un monde et puis la promesse d’une possibilité. L’apocalypse intervient quand même à la 23^e minute, assez tôt. La guerre intervient pour qu’on puisse justement espérer bricoler autre chose.

Vous dépeignez un antagonisme clair autour d’une terre entre des pragmatiques et des idéalistes…

Je pense que c’est le mouvement versus la stabilité. Le mouvement, c’est un peu les “chtarbés”, les fous, les traîtres à leur condition, forcément désynchronisés à leur appartenance. Le père est un traître à sa famille, à son nom : il est considéré comme fou. La petite-fille trahit de manière complètement barbare son clan ; la domestique est aussi une traître à sa condition, à son genre… C’est des traîtres, mais au sens noble. En exégèse de mon scénario, il y avait cette phrase : « être traître à son clan, à son genre, à sa famille, c’est être traître aux lignes fixes ». Un traître n’est pas un tricheur, mais celui qui réussit à accepter la violence d’être seul. C’est les désaxés contre les forces stables.

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Indivision tient du conte oriental moderne. Mais il en incorpore aussi un plus ancien et traditionnel, le contre du Roi Simorgh des oiseaux. Aviez-vous dans l’idée de rappeler qu’au cœur de tout récit d’aujourd’hui, il reste une place pour le conte classique ?

Ah oui, ça me paraît certain ! Les contes prennent en charge la peur enfantine. C’est tellement enchâssé en nous qu’il est impossible que le conte disparaisse.

Faut-il donner un sens moral à ce conte ?

Celui que spectateur veut lui donner. J’essaie de ne pas être dans une sentence, mais de laisser la place. Et de croire au cinéma.

Ce film vous a réclamé plusieurs années. Comment imaginez-vous la suite ?

Je n’ai pas du tout de syndrome de post partum. Normalement, j’accompagne très peu mes films ; là je l’accompagne pour ne pas faire preuve de déloyauté vis-à-vis de l’équipe, de mes acteurs et d’Emmanuel [Barrault, le producteur NDR]. Après, j’enchaîne avec des choses très différentes, une commande plutôt rapide — ce n’est pas moi qui l’ai écrite — un film musical, j’écris des séries… J’ai horreur de refaire les même choses. Là, j’ai expérimenté, j’ai été au bout d’un cycle et de ce que je voulais. Je n’ai fait aucune concession. C’est un film traversé par un forme de souffle collectif, de mystique collective, une foi dans le cinéma mais ça ne veut pas dire que je vais faire tous mes films comme ça. J’ai du mal à rester en place. La comédie m’intéresse beaucoup et j’ai envie que la difficulté vienne dans le fait d’aller chercher le public.

Indivision de Leïla Kilani (Mar.-Fr., 2h07) avec Ifham Mathet, Mustafa Shimdat, Bahia Boutia El Oumani… en salle le 24 avril 2024.

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