On vous croit de Charlotte Devillers & Arnaud Dufeys

Accompagnée par ses deux enfants, Alice se rend au tribunal pour une audience très importante puisqu’elle doit décider de la garde de ses enfants. Face à eux, leur père tente de récupérer ses droits après avoir été accusé d’abus sur Ulysse, le plus jeune. Durant la confrontation devant la juge, chacun assène sa vérité avant que les enfants n’expriment la leur à huis clos…

XÀ la fois film-concept et film “à contenu”, On vous croit va au-delà de la mise en lumière d’un sujet de société pour en livrer une proposition artistique radicale, pensée pour les spécificités du cinéma, sans pour autant transiger avec celles du droit. Le fait qu’il émane d’un duo d’auteurs venus d’horizons différents mais complémentaires pour traiter de la question — une infirmière et un réalisateur —  et bénéficie de la présence devant la caméra du concours de comédiens ainsi que d’authentiques avocats, explique sans doute ce mixte rare d’exactitude et de sensibilité.

Parole contre parole

La brièveté relative (1h18) est compensée par tension grandissante au fur et à mesure que la confrontation entre les différentes parties s’engage. Le cadre resserré et le décor aseptisé de ce huis clos obligeant à se concentrer sur ce qui est dit d’un côté comme de l’autre, mais aussi à scruter les remous agitant les visages quand ils ne les débordent pas, il s’avère impossible de lâcher prise. Rien à voir avec un dispositif théâtral où la scène n’offre qu’un plan large et force le spectateur à sélectionner ce qu’il veut voir ; ici, le montage et les valeurs de plans dirigent sans ambiguïté aucune le regard. Conséquence : les réalisateurs composent avec plusieurs hors champs : celui activé par le récit (ce qui s’est passé ailleurs à un autre moment) et ce qui ne rentre pas de la cadre durant hic et le nunc de l’audition.

Tour de force pour l’ensemble des interprètes – à commencer pour Myriem Akheddiou, dont le monologue habité apporte ce qu’il faut d’humain pour ne pas héroïser le personnage — On vous croit est un film “juste” dans le sens où il place le spectateur dans une position d’arbitre : à lui de forger son opinion (et d’anticiper une décision que le film ne délivre pas) à partir des éléments recueillis durant l’audience. Avec pour seule boussole sa “conviction intime” et cette encourageante phrase de la juge à l’adresse des enfants : “On vous croit”. Nul besoin d’en dire davantage. 

On vous croit de Charlotte Devillers & Arnaud Dufeys (Bel., 1h18) avec Myriem Akheddiou, Laurent Capelluto, Natali Broods, Ulysse Goffin, Adèle Pinckaers… En salle le 12 novembre 2025.

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Kika de Alexe Poukine

La vie, et son cours qui tient à un fil. À cause d’une poignée de porte cassée, Kika, assistante sociale en couple et mère, tombe à nouveau amoureuse. Bonheur de courte durée puisqu’elle perd brutalement son compagnon et se trouve confrontée à des galères pécuniaires. Pour y pallier, elle s’aventure à tâtons et à reculons dans un monde en apparence turpide : celui des fétichistes et du travail du sexe. L’argent n’a pas d’odeur…

Le titre, l’affiche bariolée ; la trame mélodramatique de l’histoire comme le traitement décalé des choses du sexe… Tout semble évoquer par de furieux clins d’œil l’univers d’Almodóvar. Et pourtant, le premier long métrage d’Alexe Poukine n’est en rien un décalque de l’univers du cinéaste espagnol ; au contraire cultive-t-il son propre ton et sa propre écriture. Loin des outrances ornementales superfétatoires dont Pedro pare (souvent) ses propres œuvres, la réalisatrice brosse dans Kika un portrait délicat de son personnage-titre, bien ancrée dans le monde réel et non dans on ne sait quel fable métaphorique suresthétisée.

Tout sobre, la mère

Film empreint de réalisme, Kika n’en est pas moins une œuvre à la construction subtile où le montage témoigne d’un magistral art de l’ellipse. Less is more disent (à raison) les Anglo-Saxons : la suppression de séquences à la plus-value informationnelle inutile pour le spectateur crée ce léger hiatus permettant de se rendre compte combien l’absence peut se révéler éloquente… Voilà qui fait parfaitement sens avec une histoire de deuil, sans rien surligner par ailleurs. 

Réaliste également, à la limite du documentaire parfois, s’avère également le rapport ingénu, voire décalé que Kika entretient avec la prostitution et sa clientèle. Plongeant dans un milieu dont elle ignore tous les codes et où elle officie comme une intérimaire-mercenaire, elle rappelle le parcours de l’Irina Palm (2007) de Sam Garbarski campée par Marianne Faithfull. 

Oui à Manon

Comme dans ce précédent film, le choix de l’interprète est ici déterminant tant le fil est ténu entre le sordide, la balourdise et ce à quoi on assiste : une dramédie nuancée. Manon Clavel (aperçue récemment dans Le Répondeur) est idéale dans la peau d’une jeune femme ni belle ni laide mais qui, selon les situations, se métamorphose pour dégager une forme de sensualité — par exemple, lorsqu’elle tombe amoureuse ou lorsqu’elle se acquiert les codes de la domination et module son timbre de voix.

Œuvre bienveillante avec les précaires et les marginaux, Kika étrille en parallèle les moralistes et les petits-bourgeois à l’instar de la mère et du beau-père de l’héroïne, dont la fausse sollicitude charitable masque mal leur absence d’empathie comme leur égoïsme satisfait. Leur vitriolage par Kika tient du pur délice. Pas de doute, Alexe Poukine est une cinéaste à suivre.

Kika de Alexe Poukine (Fr.-Bel., 1h50) avec Manon Clavel, Ethelle Gonzalez Lardued, Makita Samba, Bernard Blancan… En salle le 12 novembre 2025.

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Les Aigles de la République de Tarik Saleh

Star du grand écran égyptien menant une vie plutôt libre et privilégiée,  George Fahmy est contraint d’accepter un engagement professionnel dont il se serait bien passé : le rôle-titre dans un biopic hagiographique dédié au président al-Sissi. Rétif mais piégé, il doit supporter les indications d’un censeur et des menaces à peine voilées sur sa vie privées ainsi que celle de ses proches. Et malgré la surveillance dont il fait l’objet, George entame une relation avec l’épouse du commanditaire du film, un général très puissant…

Imaginez quelqu’un muni d’un bâton qui aurait comme distraction d’agacer la queue d’un lion, d’un crocodile ou le croupion d’un aigle ; voilà à peu de choses près l’équivalent de la relation cinématographique entre Tarik Saleh et l’Égypte. Le Caire Confidentiel, La Conspiration du Caire et maintenant Les Aigles de la République sont autant de manières de titiller un régime qui, malgré les soubresauts révolutionnaires de la dernière décennie, n’a pas fondamentalement changé d’esprit. Seulement de visages : Moubarak, Morsi, al-Sissi… Des têtes interchangeables pour une grande mascarade. 

Faux et usage de faux

Tragiquement comique, cette inébranlable stabilité (rappelant la fameuse sentence du Guépard : « Si nous voulons que tout reste pareil, il faut que nous changions tout ») devient le prétexte d’une farce non moins sombre. À une époque où les infoxs pullulent, où l’image n’a jamais été autant été manipulée au point qu’elle en devient désormais douteuse par essence, la fabrication du film de propagande “à l’ancienne” dans lequel est embringué George Fahmi relève de l’absurdité absolue : non seulement l’interprète ne présente aucune ressemblance avec son “modèle” mais en plus la contrefaçon historique est tellement évidente qu’aucun spectateur ne peut être dupe. En réalité, le tournage constitue surtout une diversion médiatique propre à occuper les esprits.

Acteur devant les caméras et témoin des coulisses du régime, George en devient de facto sa marionnette… même lorsqu’il croit se livrer à une aventure transgressive. En fait, il se retrouve dans une impasse dès lors qu’il donne une suite favorable à la “proposition-qu’il-ne-peut-pas-refuser“ puisque sa carrière et les siens ne sont pas épargnés et que sa réputation est brûlée. Seul l’exil aurait pu le libérer de ce non-choix — toujours se souvenir de l’exemple de Fritz Lang, qui préféra décliner l’offre mirifique de Goebbels et partit rapidement pour Paris puis Hollywood. Le compromis avec les politiques est un match toujours perdu d’avance pour les artistes…

Les Aigles de la République de Tarik Saleh (Suè.-Fr.-Dan., 2h09) avec Fares Fares, Zineb Triki, Lyna Khoudri… En salle le 12 novembre 2025.

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L’Incroyable Femme des neiges de Sébastien Betbeder

Dure à cuire et à geler, Coline Morel n’a jamais eu froid au yeux — ce qui peut aider lorsque l’on exerce comme elle le métier d’exploratrice au Pôle Nord. Seulement, son obstination et son goût pour la bouteille lui ont valu d’être licenciée. En désespoir de cause, elle se replie dans son village natal jurassien où ses frères Basile et Lolo tentent de la requinquer. Hélas, son naturel impétueux reprend le dessus et elle sème la pagaille. L’incroyable femme des neiges ne serait-elle pas mieux au Groenland ?

Si le manque de flocons vous taraude en hiver, faites confiance à Sébastien Betbeder pour y remédier : chaque occasion lui semble bonne en effet de re-tourner au Groenland chez son ami inuit Ole Eliassen.Ce nouveau film ne serait-il donc qu’un prétexte à ces sympathiques retrouvailles — voire un spot publicitaire grand format pour l’office de tourisme groenlandais dont Betbeder mériterait d’être nommé ambassadeur pour services rendus ? On serait tenté de le croire tant le cinéaste la joue ici paresseuse en recyclant ses vieilles lunes : un retour au bercail, des vieux potes/une fratrie, un fugue soudaine, le Nord comme havre de paix. Au milieu ? Des gags semi-drôles et puis Bastien Bouillon avec lunettes, barbe et chapka.

Qu’importe le flocon

Certes, il y a pire et l’on sourit même une ou deux fois — notamment lorsque l’exploratrice campée par Blanche Gardin effectue une intervention totalement inappropriée dans une école au cours de laquelle elle traumatise son jeune auditoire. Hélas, le cinéma de Betbeder, épigone atténué de Peretjatko,  semble entré dans une sorte de cercle écologiquement vertueux (c’est bien de recycler et de valoriser) mais artistiquement vicieux. Il serait temps d’incorporer un peu de fraîcheur… et qui ne vienne pas forcément de Nuuk.

L’Incroyable Femme des neiges de Sébastien Betbeder (Fr., 1h42) avec Blanche Gardin, Philippe Katerine, Bastien Bouillon… En salle le 12 novembre 2025.

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On vous croit

Pourquoi ce choix d’un format 4/3 ?

Charlotte Devillers : Le format 4/3 est arrivé très vite dans nos discussions avec Arnaud [Dufeys, NDR], mon co-réalisateur, co-auteur et co-scénariste. De par notre budget,on savait qu’on n’allait pas forcément filmer des paysages entiers !. On s’est dit que notre paysage, c’était le visage d’Alice et qu’on allait travailler très serré sur son visage afin de capter toutes les émotions par lesquelles elle peut passer et qu’elle va traverser durant le film, notamment durant cette scène d’audience.

Comme je viens du monde du soin — je suis toujours infirmière dans un centre de santé sexuelle à Paris —je sais ô combien les personnes qui vivent des traumatismes sont oppressées, au niveau de la respiration. Lorsque l’on vit un traumatisme comme celui-là — l’inceste, le viol, les violences sexuelle, on a le souffle coupé, on est sidéré. Et cette tension-là, cette pression, on avait envie de la retrouver dans cet espace, dans ce 4/3, dans quelque chose de très serré, très fermé.

Le dispositif de l’audience renvoie évidemment au théâtre…

0n avait peu d’argent, donc très vite, on a été dans quelque chose de très minimaliste, dans conditions légères, qui ressemble aussi à un plateau de théâtre.. On peut le voir aussi dans le cadre de la justice : c’est très théâtral. Donc ça collait très bien avec ce dispositif.

Le scénario était très écrit dès le départ, dans le cadre d’un budget en financement léger présenté en Belgique qui donne la possibilité à de jeunes réalisateurs de travailler. On a d’abord exposé un traitement que j’ai écrit et ensuite, avec Arnaud, on a développé le scénario de façon très claire. On a voulu travailler avec des avocats professionnels pour faire alliance avec eux — pour aussi réfléchir à ce qu’on veut pour nos enfants dans le cadre de la protection de l’enfance aujourd’hui. Comme on a eu tournage de 13 jours, travailler avec des avocats nous permettait aussi d’évacuer le temps de préparation pour apprendre leurs codes et leur façon de parler.

Avez-vous malgré tout fait des répétitions en amont pour avoir au moment du tournage cette espèce d’unité et de tension préservées ?

On a fait en effet des répétitions, notamment pour créer du lien entre la mère et ses enfants. Pas du tout entre le père et la mère : ils ont appris chacun leur texte de leur côté, puisque de toute façon, dans l’histoire, ils ne se parlent plus depuis plus de deux ans ; il n’y avait pas de raison qu’ils se parlent en amont. 

En revanche, c’était un peu un challenge de se dire : « on va travailler avec des avocats professionnels. » On a fait quelques répétitions avec deux groupes d’avocats différents que la directrice de casting a castés, de la même façon que tous les acteurs. On les a fait se rencontrer et on a vu combien ça fonctionnait très vite, en fait. Parce que les comédiens avaient vraiment plaisir à se rendre compte que les avocats avaient une technique qui ressemble très fortement à la leur — notamment dans tout ce qui à trait à l’espace de jeu et de théâtre. Quant aux avocats, ils avaient beaucoup de joie aussi à rencontrer des vrais acteurs, qui maîtrisent autant leur travail et leurs émotions. 

On voulait qu’ils soient chacun au mieux possible pour que sur ce temps d’audience de 50 minutes, se déroule un vrai échange de jeu qui n’existe peu ou pas dans le cinéma — étant donné qu’on reprend plusieurs fois les prises. Là, on a créé un dispositif qui laisse la place au jeu entre eux et à la rencontre où tout peut se passer. Ce qui donne ce côté très proche du documentaire : on est à la frontière entre le travail des avocats et celui des acteurs. 

Lors de la préparation, je me souviens très clairement que Laurent Capelutto disait vraiment « bonjour maître » lorsqu’il accueillait son avocate ; ils ont préparé l’audience comme une vraie audience. Les avocats ont réécrit leur plaidoirie sur la base du scénario et on leur a dit : « surtout n’apprenez pas par cœur ; en revanche, préparez votre plaidoirie comme vous le feriez pour une vraie audience. »

Y a-t-il eu des répétitions avec les enfants ?

Oui, notamment avec Adèle, qui joue Lila. On l’a castée sur une cassette : elle a tourné le regard, je l’ai vue et j’ai dit : « c’est bon c’est elle ! » Ça a été un coup de cœur pour moi — pour Arnaud aussi. C’est un personnage que j’aime beaucoup. Je pense qu’on ne montre pas assez l’impact de la violence et des violences sexuelles sur les frères et sœurs — et sur les familles. Pour moi, elle avait un rôle vraiment très très important, même si à plusieurs reprises elle m’a dit : « Ah mais j’ai l’impression de faire de la figuration ! » On le voit dans la dernière scène.

Pour Ulysse ça a été un peu plus complexe : comment parle-t-on aux enfants de cette question de violences sexuelles ? On a des outils : notamment le travail de Mai Lan Chapiron et le livre Le Loup ou la petite vidéo de prévention sur lesquels on s’est beaucoup appuyé sur. Mais à un moment, on s’est tout de même confrontés à la question : « qui parle à l’enfant ? » Nous, en tant que réalisateurs ? Moi, en tant que soignante et en tant que professionnelle de santé et de prévention ? Les parents ? Comment travailler ça ? On était un peu coincés.

Et puis Ulysse nous a dit : « mais en fait, qu’est-ce qu’il a fait le père ? » J’ai appelé la maman : « Là, il faut lui dire, parce que de toute façon, s’il ne sait pas, il ne fera pas le film, ce n’est pas possible. Est-ce que vous avez besoin d’aide pour parler de ça ? » On s’est rencontrées avec la maman et Adèle pour parler ensemble de cette question de violence avec le support de Mai Lan. Une fois qu’il a compris, Ulysse a dit : « ah ok, c’est bon.. » Et hop, il a joué très bien.

Pour créer de la relation et du lien entre lui et le personnage de sa mère Alice — que joue Myriem Akheddiou, on a fait des temps de répétitions, plus avec Ulysse qu’Adèle. Et ensuite, dans le travail de mise en scène, on a beaucoup demandé à Adèle de le porter — ce qu’elle fait déjà et ce que font les sœurs ou les frères dans ces cas de violences. On lui a demandé de vraiment l’accompagner, en lui donnant des directions très simples de jeu : « là, il faut que tu sortes de cet espace, c’est juste ton objectif ». Pour que ça reste quand même à la fois du jeu et sécurisant pour lui comme pour l’ensemble de l’équipe. 

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Thibault Emin (“Else”) : « Ça me réjouit toujours beaucoup, l’étrangeté »

Lors d’une une séquence, on est tellement happé par ce qui est dit qu’on ne voit pas si le père touche ou non la mère pendant l’audition. Au-delà du sursaut physique qu’il provoque chez le spectateur, ce moment est très symbolique. Car comme le geste paraît être hors champ, il crée un doute : on ne sait pas s’il s’agit d’une manœuvre de diversion du père ou bien de la mère…

Vous l’avez très bien dit : la question du doute est là pour les victimes, tout le temps. Elle est là pour les mères protectrices parce qu’on ne peut pas penser cette violence-là ; elle est bien trop violente pour la penser. Pour les victimes ou les personnes qui prennent en charge les mères — puisque c’est elles qui entendent la majorité du temps les paroles de l’enfant, il y a souvent cette question du doute. Le doute permet de survivre en se disant : « mais non c’est pas vrai » ; comme quand quelqu’un meurt et qu’on va dire : « tu déconnes, c’est pas vrai, il n’a pas pu faire ça ? » La mère le dit d’ailleurs très bien lorsqu’elle prend la parole : « au début, j’ai pas voulu y croire ». En effet on ne peut pas y croire parce que c’est trop violent. Bien souvent, le cerveau disjoncte pour pouvoir survivre. 

Quant à savoir s’il touche ou pas la cuisse de la mère… Dès le départ, on le spectateur vers quelque chose où il se dit : « mais qu’est-ce que c’est que cette mère dysfonctionnelle ? » C’est ce qu’on pense quand on voit une maman galérer avec son enfant au sol comme elle. Quel regard on porte sur ces mères-là, en réalité ? Elle n’assure pas grand chose. Et au fur et à mesure du film, on avait envie de déconstruire cela tout revenant sur le doute. Le fait d’avoir mis en scène ce passage-là, c’était un vrai choix pour se redire : « est-ce qu’il l’a fait ou est-ce qu’il ne l’a pas fait ? » 

Quand Adèle Haenel parle, elle dit : « tout ce qui se passe, c’est derrière la porte et on ne peut pas savoir. » C’est exactement ça. En réalité, si vous revoyez le film, vous n’allez pas voir ce moment-là. Parce que c’est hors champ. Ces violences ne se voient pas, elles ne se disent pas, on ne veut pas les voir. Pour nous, c’était évident de ré-questionner le doute à ce moment-là du scénario et du film. 

Le titre du film renvoie à un autre « On vous croit » qu’on a beaucoup entendu. C’est très déstabilisant de le voir appliqué ici à des enfants…. 

Oui, l’autre, je crois que c’était pour les femmes, c’était « On te croit ». Avec Arnaud, ça a été tout de suite un choix. Dès le départ, on savait que ça allait être ce titre-là. On a un peu bataillé parce qu’on nous a dit : « Ah, mais vous pensez pas que c’est complexe d’utiliser ça ? » En même temps, le président, c’est ce qu’il nous a promis : « on vous croit, on vous protège » au moment du lancement de la Ciivise [Commission indépendante sur l’inceste et les violences sexuelles faites aux enfants, NDR], Ok, Là on voit qu’il n’y a rien de fait puisque les 82 préconisation n’existent plus parce que la Civise aujourd’hui n’existe plus. 

Lorsqu’on appelle le numéro de la Ciivise, il n’y a personne qui répond : c’est fini. La Ciivise 3, c’est terminé les témoignages sont archivés ; les 82 préconisations existent, elles sont là, il y a ce rapport de la Ciivise mais maintenant c’est 10 conseils simplement qui sont mis en place. Je trouve que c’est extrêmement violent à la fois pour les personnes qui ont témoigné et pour la confiance qu’elles ont mise dans le juge et dans cette équipe de la Ciivise 1. Quand j’en discute avec le juge Durand [coprésident jusqu’à 2023 de la Ciivise, NDR], il dit : « j’ai l’impression de leur avoir menti. On leur a promis quelque chose et on ne le fait même pas. » C’est comme des injonctions contradictoires : « parle, mais en fait, je ne vais pas te croire. ». C’est extrêmement violent. 

Pour nous, choisir ce titre-là, c’était aussi rendre hommage aux victimes. Qu’à un moment donné, quelque part, il y ait écrit : « On vous croit ». Parce que ça peut réparer. Le parcours qu’Alice fait durant ce moment d’audience, ça la répare, quelque part. Alors, ça ne fait pas tout, évidemment, mais d’entendre ça et d’avoir ce temps de parole et d’écoute, il y a quelque chose qui est posé. C’est extrêmement important pour se reconstruire. Elle a eu ce « on vous croit » qu’elle va transmettre à sa maman ; elle va se confronter à cette justice dans laquelle elle n’a plus confiance — ces enfants-là perdent confiance dans le monde des adultes et ils perdent confiance dans la justice en réalité. Et il y a de quoi, puisqu’on ne les entend pas ou peu. 

On vous croit de Charlotte Devillers & Arnaud Dufeys (Bel., 1h18) avec Myriem Akheddiou, Laurent Capelluto, Natali Broods, Ulysse Goffin, Adèle Pinckaers… En salle le 12 novembre 2025.

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