L’Intérêt d’Adam de Laura Wandel

Un hôpital en Belgique. Lucie, une infirmière en service pédiatrique tente par tous les moyens d’aider Adam un petit patient de 4 ans que Rebecca, sa jeune mère toxique dissuade de manger. Ménageant l’enfant comme sa génitrice entêtée, Lucie contourne sa hiérarchie et use d’une patience infinie malgré les coups de tête de Rebecca : elle pense avant tout à l’intérêt d’Adam…

Laura Wandel avait frappé à l’estomac avec Un monde, son précédent et premier long métrage filmant à hauteur d’enfant une fratrie prise dans la mécanique complexe du harcèlement scolaire ; la revoici toujours aussi soucieuse du bien-être des plus fragile dans cette histoire en temps réel concentrant en une petite heure l’acmé et la résolution d’un crise en apparence inextricable. Pour le spectateur, c’est un peu comme assister à un tir à pile ou face : impossible durant tout le film de savoir si la pièce va tomber du côté favorable à Adam ou de l’autre ; voire si une position médiane sur la tranche ne risque pas de geler la situation en annihilant les efforts désespérés de Lucie pour ménager l’enfant et sa mère à leurs bénéfices mutuels.

Urgences made in Belgium

De par le respect quasi parfait de la triple unité temps/lieu/action, c’est donc à une sorte de thriller hospitalier qu’on assiste, avec l’histoire d’Adam comme intrigue principale et quelques cas secondaires agrémentés de détails parfois anecdotiques pour densifier la toile de fond — en somme, tout ce qui faisait jadis l’ordinaire de l’excellente série Urgences, conflits entre chefs de services et praticiens inclus. Caméra fluide attachée aux moindres pas de Lucie/Léa Drucker, vision à 360° sur les coulisses de l’hôpital et tous les services, immersivité complète qui donne l’impression de passer dans une lessiveuse… L’empathie du spectateur, forcément sollicitée lorsqu’il s’agit d’un récit touchant à un enfant,  est renforcée par ce partage de subjectivité. D’aucuns pourraient parler de manipulation, il s’agit juste d’un usage pondéré des outils narratifs. Dans l’intérêt du récit.

L’Intérêt d’Adam de Laura Wandel (Bel.-Fr., 1h18) avec Léa Drucker, Anamaria Vartolomei, Jules Delsart… En salle le 17 septembre 2025.

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Nino de Pauline Loquès

Après des examens de routine, le jeune Nino apprend par hasard qu’il est atteint d’un cancer et doit entamer au plus tôt un traitement par chimiothérapie. Un peu sonné, il tente de se confier à ses proches, mais comme par un coup du sort, chaque tentative achoppe et Nino entame un week-end d’errance doux-amer dans Paris…

Nino est un film en forme de cycle, débutant ex abrupto et s’achevant là où il a commencé. Entre ces deux moments, il ne se passe que deux-trois jours mais c’est une vie qui défile au présent : le passé du jeune homme est convoqué via la rencontre avec sa mère et son ex petite amie ; son futur à travers l’injonction qui lui est faite de préserver ses spermatozoïdes s’il tient à avoir une progéniture après son traitement. D’une grande délicatesse malgré un sujet grave, ce premier long métrage dépourvu de pathos repose sur la silhouette longiligne de son personnage-titre (et donc sur son interprète Théodore Pellerin, quasi assuré du César du meilleur espoir), abasourdi par le tour soudain pris par son existence.

Néo existentialisme

Si son errance n’est pas sans rappeler les déambulations dans Paris de l’héroïne d’Agnès Varda dans Cléo de 5 à 7 (1962), elle aussi confrontée à une question médicale, Nino offre un contrepoint très contemporain en s’inscrivant dans ce qui ressemble à une “tendance” au sein du jeune cinéma français : dresser le portrait de trentenaires déboussolés et hirsutes. À la limite de l’androgynie, peu loquaces, dépourvus d’attaches professionnelles ou sentimentales, ils semblent confrontés tardivement à la quête existentielle qui les transformera en adultes. Bastien Bouillon en a endossé quelques-uns, mais une floppée d’autres arrivent tels que Baptiste Perusat (pour Laurent dans le vent), Martin Jauvat (Baise en ville), hérauts de cette masculinité tout en fragilité, bien loin des clichés virilistes. Un mouvement à suivre qui raconte sans doute une évolution dans la perception et la représentation de ce qu’est un héros aujourd’hui.

Nino de Pauline Loquès (Fr., 1h36) avec Théodore Pellerin, William Lebghil, Salomé Dewaels… En salle le 17 septembre 2025.

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Oui de Nadav Lapid

Israël, de nos jours, dans le contexte du 7-Octobre. Y. est musicien. Avec sa compagne danseuse Jasmine, ils vendent des prestations artistico-événementielles (et plus si affinités) à la jet set du pays pour pouvoir vivre au quotidien. Lorsqu’un individu haut placé propose à Y. de composer un nouvel hymne national, celui-ci accepte ce contrat très rémunérateur…

Une ouverture opératique pétaradante montre l’obscénité dans laquelle vivent et se gobergent les nantis, ivres de leur pouvoir et de leur argent, obnubilés par leurs plaisirs extravagants et égoïstes. Le ton est donné : chez ces heureux du monde protégés par l’armée, la sono et les feux d’artifice sont là pour couvrir le bruit des bombes qui tombent quelques kilomètres plus loin, de l’autre côté de la frontière. Et silencier tout ce qui pourrait perturber la fête permanente. Sauf que le réel finit toujours par revenir plus fort qu’un boomerang, même si les autorités tentent de filtrer les informations venues de Gaza. Attentat, otages, victimes militaires…

Un oui qui veut dire non 

Oui est un film hybride qui tient à la fois de la chronique en temps réel/commentaire d’une situation politique (un peu ce que faisait Moretti dans Journal intime, à la différence que Nadav Lapid ne se met pas en scène, il prend des doubles comme témoins). Mais c’est également un film-collage zappant d’un registre à une autre, perméable à des intuitions et des tentatives formelles qui lui font quitter le cadre du réalisme brut pour épouser celui de la triste farce ou d’un fantastique noirâtre. Mais qu’on ne s’y trompe pas : ces détours stylistiques ne visent pas à altérer la crudité des faits que Lapid veut pointer ; ils servent au contraire de véhicules pour atteindre leurs destinataires — en particuliers politiques et israéliens. 

Pop et frontal, ce Oui lesté d’un “Non“ profond et total face aux événements abrite en son milieu un chapitre plus sobre qui par contraste à des airs de “ventre mou” ; or il se déroule à la lisière de Gaza, alors que la mort rôde. Paradoxalement c’est celui où il y a le plus de frivolité potache et de tendre mélancolie entre Y. et son ex. Faut-il comprendre que des fleurs peuvent pousser du chaos ?

Oui de Nadav Lapid (Fr.-All.-Isr.-Chy., int. 12 ans avec avert. 2h30) avec Ariel Bronz, Efrat Dor, Naama Preis… En salle le 17 septembre 2025.

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“Victoria” de Sebastian Schipper

Dalloway de Yann Gozlan

Paris, un futur proche. En résidence dans une résidence pour artistes entièrement domotisée, Clarissa dispose de Dalloway, un assistant numérique pour l’aider à accoucher (avec peine) de son nouveau roman. Mais le traumatisme de la mort de son fils, ajouté à des événements étranges survenant dans l’immeuble, à la canicule, aux dysfonctionnements de Dalloway, finissent par persuader Clarissa que sa vie et son identité sont menacées… 

Rattrapé non par la patrouille mais par la réalité et l’actualité. Paru en 2020, le roman Les Fleurs de l’ombre de Tatiana de Rosnay anticipait les dérives d’une société s’abandonnant aux outils numériques. Cinq ans plus tard, une partie des craintes sont avérées et la menace de multi-nationales avides codant des IA génératives pour qu’elles vampirisent l’originalité des artistes n’a plus grand chose à voir avec de la science-fiction. À deux pas de ce précipice, Yann Gozlan signe un nouveau techno-thriller angoissé et angoissant qui raconte tout autant l’acte de créer qu’il interroge la potentielle (et fantasmée ?) empathie des machines — ce qui serait un comble dans un monde où l’homme se défait de plus en plus de ce qui constitue l’une de ses caractéristiques. La fin pessimiste-optimiste est à ce titre une habile trouvaille. Et un pari sur l’avenir.

Dalloway de Yann Gozlan (Fr., 1h50) avec Cécile de France, Mylène Farmer, Lars Mikkelsen… En salle le 17 septembre 2025.

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Les Tourmentés de Lucas Belvaux

Jadis légionnaire, Skender vit désormais à la limite de la clochardisation. Max, un ancien camarade devenu majordome, le présente à Madame sa richissime patronne, laquelle lui propose un étrange deal : une énorme somme si Skender accepte de lui servir de gibier durant un mois de chasse à courre. Skender accepte à ses conditions…

Belvaux cinéaste adapte Belvaux romancier. Et reste logiquement en terres connues : celles où la voix du plus faible se donne à entendre contre la loi du plus fort. Étude psychologique triangulaire jouant sur une action potentielle, donc une possible frustration (la chasse aura-t-elle lieu et si oui, qui du chasseur ou du gibier l’emportera ?), s’intéresse surtout à la mécanique d’usure de l’attente ; cet affût auquel les deux participants se livrent chacun à leur manière. Chacun spécule également sur l’issue du duel, ce qui donne lieu à des séquences… imaginaires, actant le fait que la préparation à la guerre est autant affaire de corps que de mental. 

Vrais tourments

« Préparation à la guerre » ? En Europe, ce syntagme semblait il y a peu encore appartenir à une réalité parallèle ; on le considère différemment aujourd’hui. Pareillement, le concept de la chasse à l’homme qui a fait florès au cinéma — notamment dans Les Chasses du Comtes Zaroff (1932) ou Le Prix du danger (1982) — quitte dangereusement le rayon de la dystopie horrifique pour s’ancrer dans la société du spectacle. N’a-t-on pas vu ces derniers mois le ministère de la Sécurité intérieure américain étudier le projet d’un jeu télévisé conduisant des migrants à se battre entre eux dans l’espoir d’arracher la nationalité américaine ? Ou “l’influenceur” Mr Beast s’amuser de la possibilité de lancer un jeu inspiré de Hunger Games — « mais sans tuer des gens » ?

Fort heureusement, Les Tourmentés demeure encore (combien de temps ?) une fiction, portée par d’excellents comédiens dosant toutes les ambiguïtés de leurs personnages et de notre époque à la morale élastique. On se rassure comme l’on peut.

Les Tourmentés de Lucas Belvaux (Bel.-Fr., 1h55) avec Niels Schneider, Ramzy Bedia, Linh-Dan Pham… En salle le 17 septembre 2025.

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La Tour de Glace de Lucile Hadzihalilovic

Fuguant en plein hiver du foyer montagnard où elle réside, une adolescente se réfugie sans le savoir dans un studio de cinéma où elle découvre avec fascination une star de cinéma interpréter l’héroïne de conte favori, la Reine des Neiges. La jeune intruse va peu à peu entrer dans l’intimité trouble de la vedette. À ses risques et périls…

Une pincée de giallo pour la patine vaguement intemporelle (mais quand même très connotée années 1970), un soupçon de Mankiewicz (Eve, évidemment), des flocons de conte de fées et la virtuosité visuelle jamais démentie de Lucile Hadzihalilovic. Mais une somme d’ingrédients, de talents et de références fait-elle pour autant un film ? On assiste plutôt ici à une collection de “moments“, à un scrapbook d’idées, à une leçon de choses techniques ; bref à une évocation davantage qu’à une histoire captivante. L’objet est de belle facture mais il ressemble à ces exemplaires de démonstration factices que l’on trouve dans les vitrines des magasins : plaisants à contempler mais hélas creux et inopérants.

La Tour de Glace de Lucile Hadzihalilovic (Fr.-All., 1h58)  avec Marion Cotillard, Clara Pacini, August Diehl… En salle le 17 septembre 2025.

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Le titre renvoie à la position de l’artiste — et donc à l’artiste officiel. Pensez-vous qu’un artiste face au pouvoir a l’obligation, ou le devoir, de dire non ? 

Nadav Lapid : Je pense que mes positions changent avec le temps ; ça vient du fait qu’il y a une différence entre mes positions en tant qu’individu et mes positions en tant que cinéaste. En tant qu’individu, j’essaye de me situer du côté de ce que je trouve juste à faire ; en tant que cinéaste, je suis surtout captivé par ce que je reconnais comme la vérité du moment. En tant qu’individu, je pense qu’un artiste doit toujours mordre la main qui le nourrit, doit toujours faire enrager, énerver tous les gens qui appartiennent à un parti politique — tout ce que je suis en train de dire, je le vis en ce moment ; en ce sens, il y a de la cohérence. Mais il n’a aucun camp, aucune famille, aucune tribu.

D’une certaine manière, il représente déjà depuis le début la vérité du mensonge parce que le cinéma c’est du mensonge : on essaye de trouver une vérité à travers ces mensonges. Il est dans une sorte de position paradoxale et le paradoxe, c’est sa seule maison. En tant que cinéaste, j’ai l’impression qu’on est dans un point assez intéressant — et assez horrible — dans le sens où l’artiste qui résiste appartient d’une certaine manière au passé. Pour être un individu qui résiste, il faut avoir un certain orgueil, un certain sentiment d’importance. On imagine le lieutenant qui crie : « après moi ! », qui se retourne et voit qu’il est tout seul. En une seconde, vous passez du côté de l’héroïsme au côté pathétique.

Je pense que l’état d’artiste ne permet plus vraiment de se positionner du côté de la résistance. En Israël, quand il y a une pétition d’artistes contre ceci ou cela, personne n’en a quelque chose à foutre. À part peut-être deux ou trois individus chanceux, les artistes savent plus faire rêver les gens. Et donc parler des obligations morales d’un artiste, c’est presque archaïque dans un pays pareil. Parce que qui a des obligations ? Celui qui a du poids. Personne parlera des obligations morales d’un chauffeur de taxi…

En tant qu’artiste, vous devez d’une certaine manière vous attaquer à vous-même avant d’attaquer les autres. Moi, je connais mes parts de soumission. J’ai toujours un peu peur de tomber dans une forme de complaisance, je ne suis jamais sûr de ne pas déjà être là-dedans — est-ce que je ne suis pas dans une forme de complaisance avec vous, peut-être ? Et avec le public français ? 

Vous savez, je viens d’un petit pays — de mon point de vue, quand on parle de cinéma, tous les pays sont petits, à part les Etats-Unis et la France ; quel compliment pour les Français (sourire) ! Qu’est-ce que ça veut dire être un grand pays quand on parle de cinéma ? C’est être capable de donner les deux choses qui comptent dans le cinéma : l’argent et la gloire. Les Français et les Américains sont capables d’accorder aux autres de la gloire, de la reconnaissance, du financement Donc je pense que quand vous venez d’un petit pays, la question de fidélité à vous-même vous hante beaucoup.

Il y a un mot qui se répète sur Oui : « le film est courageux » Ce qu’on voit dans l’élite des festivals du cinéma mondial, c’est les films les plus libres et le plus sauvages. Qu’est-ce qu’on récompense exactement ? Ce sont des questions qui méritent au moins d’être posées.

Votre film était-il trop sauvage pour la compétition cannoise ?

(sourire) À l’opposé des autres, vous avez l’avantagé de ne même pas avoir à prendre le train pour poser cette question…Les relations un peu trop courtes entre Oui et le Festival des Cannes, de mon point de vue, sont un peu triste pour les deux côtés. Par ailleurs, c’est évident que quand tu fais un film tu prends des risques et sur le plan politique, sur le plan artistique, mais tu espères d’être soutenu par les institutions magistrales comme le Festival des Cannes, qui savaient si bien — et peut-être essaient encore parfois — être du côté des artistes qui n’ont pas peur du feu, qui attisent le feu. Et pas du côté de la bonne distance. Pour nous évidemment, c’était un moment pas du tout joyeux.

Si je me permets — désolé pour la cette forme d’arrogance — je pense que c’est aussi un petit peu triste pour le Festival. Un film comme Oui, que vous l’aimiez ou que vous détestiez, incarne quelque chose qui est peut-être même plus grand que le film lui-même. Le point de rencontre entre une urgence politique et le cinéma parce que c’est vraiment un film de cinéma. Mais faire un film de mise en scène alors que la fumée fumée monte et les bruits des explosions couvrent la bande sonore, je pense que c’est quelque chose qu’un festival comme Cannes doit apprécier et doit soutenir. S’il y avait cette année 21 films plus urgents, plus importants, plus audacieux, que Oui, c’est à vous de juger, par à moi.

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La première partie de Oui s’appelle « La Belle Vie » qu’on pourrait traduire en italien par « La Dolce Vita ». Est-ce un hasard ?

(sourire) C’est un des films que j’aime le plus. J’avoue que du point de vue du conscient, je n’ai jamais pensé à ça mais heureusement, je suis quelqu’un de complètement inconscient — ça m’aide beaucoup quand je fais les films. Je n’ai pas eu ça en tête ; après, je pense qu’on peut trouver beaucoup de points commun entre une forme de joie qui n’est pas seulement décadente mais aussi fausse et déprimante. Dans cette partie de fête, on voit bien que les gens dansent sur des cadavres, sur la bouche du volcan. C’est pas exactement la même chose que La Dolce Vita mais oui, il y a une forme de tristesse et quelque chose en commun entre ces deux héros. En adhérant à cette vie, ils perdent de plus en plus leur âme et deviennent de plus en plus un peu des morts-vivants. 

Pourquoi avoir nommé votre personnage par cette lettre unique, Y ?

Comme s’il n’y avait pas suffisamment de choses étranges dans mes films ! (sourire) Y est aussi le nom du personnage dans Le Genou d’Ahed ; et j’ai fait un moyen métrage qui s’appelle Journal d’un photographe de mariage où déjà il y avait Y… Je pense qu’il y a quelque chose chez moi qui se rebelle un peu contre ce concept de personnage. Je vois des réalisateurs qui parlent des personnages comme s’ils étaient vivants ; ils disent : « ce n’est pas Maurice ; jamais il ne pourrait faire cela » comme si ce n’était pas eux qui venaient d’inventer ce Maurice ! 

On rêve toujours d’un film qui serait en guerre contre lui-même ; qui ne voudrait pas être juste un film, qui voudrait être le monde. Chaque film doit aspirer à se dépasser, à être le monde. Pour moi, appeler le personnage Y c’est un peu dire « c’est un film de fiction avec les personnages, mais c’est pas juste un film de fiction avec des personnages ». Ça peut dire : «  Y c’est moi, c’est chacun de vous… »

À quoi ressemble votre scénario ? Porte-t-il des intentions de mise en scène, les mouvements de caméra, la dimension plastique que revêt le film une fois tourné et monté ? Est-il davantage visuel, pictural ou littéraire ?

Je viens de la littérature, je pense qu’ils sont très littéraires. Mais peut-être que ça dépend comment on définit le mot littéraire. Je pense qu’ils sont littéraires un peu comme un roman ; pas littéraire dans le sens de « il y a plein de conversations ». J’écris mes scénarios en hébreu et après on les traduit en français ; je me suis rendu compte qu’en France, — peut-être parce que le français est clairement une langue mille fois plus détaillée et précise — vous devez amener beaucoup de précisions. 

Par exemple, vous écrivez : « ils sont assis dans la pièce et lui il est assis face à eux ». Il y a toujours le producteur qui dit : «  oui, mais ils sont assis comment ? Où dans la pièce ? Et elle a quelle taille, la pièce ? ». Et moi, ce genre de choses, je n’en ai aucune idée. Mais ce que je sais, c’est quelle sensation il y aura dans la scène. Ça, d’habitude, je le prévois. Et quand j’écris le découpage, j’essaye de garder cette notion. Le découpage peut être le travail le plus technique et bureaucratique pour le travail le plus abstrait et créatif dans la fabrication d’un film.

Sur mes découpages j’utilise très peu des mots comme « travelling, plan large, gros plan »… J’utilise des choses comme : « on le voit dans la pièce et soudain il est tout seul » Je ne vais pas écrire des poèmes en découpage mais je vais garder ça pour le plateau, afin de comprendre quel sentiment j’avais quand on a composé ces plans. Pour moi l’essentiel du travail d’un réalisateur, c’est de détacher son scénario de la bureaucratie du cinéma. Parce que franchement, le cinéma peut être l’art le plus bureaucratique au monde. Ça devient comme payer des factures. D’ailleurs, je suis toujours extrêmement reconnaissant aux cinéastes ou aux moments de cinéma que je vois qui arrivent à me détacher de ces dangers qui guettent n’importe quel réalisateur de devenir un exécuteur de son film.

Avez-vous déjà montré le film en Israël ?

Oui, une fois déjà et au moment où nous parlons, il y a une deuxième projection publique qui commence — d’ailleurs je viens d’apprendre qu’elle est sold out donc c’est sympa. On a montré le film une fois au Festival de Jérusalem. Quelques jours avant la projection, le directeur du festival a reçu une lettre de la part d’un ministre israélien qui l’a sommé de le déprogrammer puisqu’il « se moque de l’héroïsme israélien, de la souffrance… » et toutes sortes de conneries. À la suite de ce qu’on disait auparavant, je dois aussi saluer le courage de ce directeur du Festival de Jérusalem, qui, à l’opposé de d’autres personnes avait vraiment des raisons d’avoir peur, parce qu’il y avait un véritable danger pour eux — pas pour leur vie, mais pour leur poste, pour le festival. 

Ils ont choisi de ne pas répondre à cette lettre et de montrer le film. Je suis allé pour la projection, je n’étais pas dans la salle, la séance était pleine ; j’ai entendu quelques personnes qui ont commencé à crier, à insulter en pleine projection, puis ils ont été sortis. Après il y a eu un débat, où des gens ont demandé à l’agent de sécurité de m’arrêter, en disant que j’exagérais. (sourire) Je trouvais ça assez comique. Mais je dois dire que la projection en Israël était un moment extrêmement émouvant. 

J’ai lu la plupart des critiques sur le film et vu beaucoup de mots comme : « satire, parodie, brûlot » qui se répètent. Mais je pense que pour des Israélien, ce film n’est ni de la parodie, ni de la satire ni du surréalisme, c’est du néoréalisme. Ils se voient eux-mêmes sur l’écran et je pense qu’ils savent qu’il n’y a même pas un millimètre de distance entre eux et l’écran. Et ça a créé quelque chose d’extrêmement fort. 

Oui de Nadav Lapid (Fr.-All.-Isr.-Chy., int. 12 ans avec avert. 2h30) avec Ariel Bronz, Efrat Dor, Naama Preis… En salle le 17 septembre 2025.

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