Un simple accident de Jafar Panahi

Iran, de nos jours. Garagiste à l’écart de la ville, Vahid pense reconnaître dans un client tombé en panne l’homme qui l’a torturé lorsqu’il était en prison. Décidé à se venger, Vahid l’enlève et le séquestre mais redoutant de commettre une erreur sur la personne, il part à la recherche d’autres victimes de ce bourreau avec son encombrant colis caché dans une camionnette…

Que restera-t-il de ce film dans quelques années ? Outre sa Palme d’Or (qui confère à Panahi le prestige d’être le seul cinéaste à avoir ravi la récompense majeure à Venise, Berlin, Cannes et Locarno), son écho politique, et sans doute son plan final — moins pour des raisons strictement visuelles que pour son usage glaçant du hors champ sonore, faisant peser sur le héros une menace dont on ne saura pas si elle se concrétisera.. Un simple accident est en effet, à l’instar de Faute d’amour (2017) de Andreï Zviaguintsev ou La Vie est belle de Benigni (1997), une de ces œuvres abritant un instant si décisif, si lourd de symboles qu’on ne peut l’oublier.

Retour de bâton du réel

Pourtant, Un simple accident oscille en permanence entre deux modes : le suspense lié à l’incertitude de l’identité du séquestré comme à l’issue de son enlèvement (fera-t-il où non l’objet de la vengeance de Vahid et de ses comparses ?) est tempéré par un surprenant ton de comédie à l’italienne. La troupe hétéroclite d’anciennes victimes agrémentée d’un couple de jeunes mariés en habit de cérémonie, avale des kilomètres avec son prisonnier dissimulé dans une estafette, se retrouvant dans des situations où l’absurde côtoie l’humour noir. 

Malgré le cocasse apparent de certaines scènes, on ne se départ jamais d’un sentiment de malaise, pareil à l’ombre d’une épée de Damoclès. Son origine ? Le contexte du pays où se déroule cette histoire, qu’on suppose empruntée au vécu parce qu’elle est signé par un cinéaste lui-même victime du régime. On devine même quelles séquences sur l’espace public ont dû être, suivant l’habitude des réalisateurs iraniens, tournées en caméra cachée pour échapper aux foudres de la censure. Leur violence non feinte nous apparaît encore plus térébrante.

Un simple accident n’est donc pas qu’un thriller, c’est une fiction qui “subtilise” du réel dans l’espace contrôlé par les bourreaux pour faire exister son récit clandestin, au risque de se faire rattraper par la réalité. Quant à sa fin, elle ne dit pas autre chose : même lorsque l’on se croit à l’abri de sa menace, le réel trouve toujours un moyen de rappeler son emprise et un chemin pour achever sa besogne.

Un simple accident de Jafar Panahi (Ir.-Fr.-Lux., 1h42) Vahid Mobasseri, Maryam Afshari, Ebrahim Azizi…En salle le 1^er octobre 2025.

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“Victoria” de Sebastian Schipper

Stups de Alice Odiot & Jean-Robert Viallet

Au Tribunal de Marseille, on juge des affaires en lien avec le trafic de stupéfiants. Le président entend les prévenus et leurs avocats, pour certains multi-récidivistes habitués à feindre la bonne foi ; pour d’autres pris dans des spirales destructrices et contraints à se livrer à des activités criminelles. Dans tous les cas, c’est la mise au jour d’une économie de l’enfer face à laquelle la justice dénuée de moyens…

Après avoir filmé le quotidien de détenus à la prison des Baumettes dans Des hommes (2020), Alice Odiot & Jean-Robert Viallet s’intéressent donc à la case judiciaire précédente. Si effectuer un tournage à des fins documentaires dans un prétoire n’est pas en soi une chose nouvelle — les précédents Juvenile Court (1973) de Wiseman et surtout 10^e chambre – Instants d’audience (2004) de Raymond Depardon ont laissé des traces vivaces dans les esprits —, un projet de cette nature demeure un événement rare pour des raisons évidentes : la somme d’autorisations qu’il nécessite a de quoi dissuader. 

Stupéfiant !

Toutes les parties, du ministère public aux prévenus doivent consentir à ce que leur image et leurs histoires soient ainsi divulguées au grand jour. Dans certains cas en effet, cette exposition constitue davantage qu’un dommage “réputationnel” : un risque pour leur existence puisque l’ensemble des affaires traitées sont en lien avec le milieu de la drogue (le titre ne laisse pas d’équivoque), où les règlements de comptes sont particulièrement nombreux à Marseille. En enchaînant les profils de prévenus, Stups le dévoile à la façon d’un patchwork effrayant, brut et sans commentaire.

Se succèdent des camés squelettiques utilisés comme « nourrices », des mineurs multi-récidivistes ou en galère, attirés par l’appât d’un gain facile mais inconscients des dangers auxquels ils s’exposent en mettant un doigt dans l’engrenage ; de vieux caïds roués habitués à jouer aux ahuris à la barre… Défilent en parallèle dans les rappels du président ou les réquisitions, les chiffres hallucinants de cette économie occulte qu’aucune sanction légale ne semble en mesure de contenir. Édifiant et déprimant, Stups rappelle aussi que la justice répond toujours au droit dans notre pays, à une époque où celle-ci est curieusement contestée par de hautes personnalités passant devant les tribunaux…

Stups de Alice Odiot & Jean-Robert Viallet (Fr., 1h26) documentaire… En salle le 1^er octobre 2025.

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Moi qui t’aimais de Diane Kurys

Années 1970. Derrière l’aura du couple phare de l’intelligentsia parisienne, une réalité plus complexe. Entre Yves Montand et Simone Signoret, le quotidien est pollué par les infidélités et les mensonges du chanteur volage. Pour tromper sa douleur et meubler une carrière au ralenti alors que celle de son époux flamboie,, l’actrice se met à rédiger ses souvenirs…

Les biopics se révèlent souvent d’étrange rendez-vous, où les illustres représentés sont rendus à leur essence ordinaire d’humains : désacralisés et soumis à leurs passions tristes ou banales. Mythifié parce qu’il incarna pendant trente ans une certaine idée de la liberté intellectuelle, de la réussite artistique et de la conscience politique, le couple Montand/Signoret voit son aura se ternir encore un peu ; elle avait déjà été passablement assombrie par les révélations de Catherine Allégret notamment sur le comportement de Montand. 

Mise à mort des monstres sacrés

Moi qui t’aimais — titre ambigu dont on ne sait qui le prononce des deux époux, ni avec quel sous-entendu implicite, quel “malgré les apparences” non formulé — ressemble plus en effet à un Qui a peur de Virginia Woolf ? qu’à une langoureuse et continue roucoulade entre stars. Où Simone Signoret/Marina Foïs, loin de l’image de la femme-roc ressemble davantage au personnage qu’elle interprète dans Le Chat (1971), physiquement diminuée par l’âge et sentimentalement délaissée. Si la voir dans une posture implorante écorne son image, celle de Montand est quant à elle atomisée : égotiste, possessif, jaloux et d’une mauvaise foi abyssale, il n’aurait pas tenu trois minutes à l’époque #MeToo. 

Il faut mettre au crédit de Diane Kurys deux bonnes idées. D’abord, dans le générique d’ouverture, elle montre ses comédiens Foïs et Zem se faire grimer en Signoret et Montand, et entrer dans le “décor“ du film comme ils entrent dans leurs personnages. Rappelant Les Garçons et Guillaume, à table ! — qui débute par une séance de “maquillage” de l’auteur-interprète Guillaume Gallienne —, le procédé permet de contractualiser l’accord tacite entre le film et le public : le mimétisme n’est pas recherché, les acteurs portent des masques minimaux et symboliques. Cela étant, pourquoi diable Roschdy Zem s’évertue-t-il à imiter des imitations d’Yves Montand ??

L’original de la bande

Enfin, et cela vient clore le film, la partition a été confiée à Philippe Sarde. Outre le fait qu’un des ses thèmes enveloppe la fin d’une irrésistible mélancolie en (ressus)citant Les Choses de la vie, ce choix s’imposait aux dires de la réalisatrice puisque le compositeur est ô combien représentatif des bandes originales de cette époque, notamment des films de Sautet, Corneau, Trintignant… Bref, il faisait partie de cette bande (sonore) dont il est l’un des ultimes témoins vivants.

Moi qui t’aimais de Diane Kurys (Fr., 1h59) avec Roschdy Zem, Marina Foïs, Thierry de Peretti… En salle le 1^er octobre 2025.

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Anora de Sean Baker

Issue d’une famille russophone de Brooklyn, la jeune Anora tire le diable par la queue — et pas que le diable — en travaillant comme strip-teaseuse dans un club. Lorsque Ivan le jeune fils d’un oligarque russe veut s’attacher ses services pour une virée quelques jours, l’effeuilleuse entrevoit l’occasion de se faire un joli pécule. L’escapade se métamorphosant en proposition de mariage, Anora croit vivre un miracle… jusqu’à ce que les parents d’Ivan décident de reprendre le contrôle par l’intermédiaire de leurs hommes de main. Seulement, Anora n’est pas du genre à se laisser faire…

On trouvera dans Anora ce que l’on s’attend à y découvrir. Surtout depuis que la caisse de résonance cannoise (et la Palme d’Or afférente) ont lancé la machine et révélé qu’il s’agissait d’une relecture modernisée du mythe de Cendrillon, recontextualisé dans le bling bling de Las Vegas et les néons des boîtes new yorkaises. Leur rouge vitaminé est d’ailleurs repris sur l’affiche comme dans la bande-annonce — laquelle met en avant le tempérament pétaradant de l’héroïne-titre, comme elle dévoile une séquence-clef du film (on y reviendra), au risque d’en tuer la surprise pour les spectateurs.

Sean Baker opte peut-être ici pour des décors plus luxueux et des plans moins statiques, il n’empêche : Anora s’inscrit dans la continuité de ses films précédents, qui sont autant des portraits que des tranches de vies de personnages issus de la frange inférieure de la société américaine. Peu enclin à la pudeur ou à la réserve, son cinéma affiche frontalement les addictions, les lâchetés, la misère… Toute cette réalité térébrante qu’une moitié de l’Amérique fantasmant sa gloire passée tente d’occulter en cherchant des boucs émissaires.

Bouquet final 

Anti conte de fées malgré son début idyllique, Anora tiendrait plus dans sa seconde partie de la farce noire à la After Hours pour sa course-poursuite nocturne à la poursuite du jeune marié ou de la comédie absurde façon Arizona Junior pour ses pieds nickelés chargés d’escorter l’épousée (avec un peu de Fargo, pour suggérer le froid). Le point de bascule s’effectue lors de cette fameuse séquence dévoilée par la bande-annonce, présentée par Baker lui-même comme le nœud du film. Son statut de “moment charnière” est en effet très, voire trop visible, à l’instar de son écriture dramatique, surcomposée quand le reste du film semble viser — malgré les excès inhérents aux personnages — une forme de réalisme. Baker eût affiché un carton : « attention, morceau de bravoure ! » qu’on n’eût pas été davantage surpris.

Le réalisateur n’est pas le seul à pratiquer ce genre de hameçonnage redoutablement efficace sur les jurys. Ruben Östlund ne doit-il pas ses deux (!) Palmes d’Or à des séquences-chocs ? Deux dîners durant lesquels il malmène des bourgeois : avec un acrobate singeant un primate dans The Square (2017) ; avec une tempête faisant vomir les passagers du paquebot de luxe de Sans Filtre-Triangle of Sadness (2022). S’il est un cache-misère bien commode pour certains, l’exercice de virtuosité que constitue ici la séquence centrale ne pas (heureusement) l’alpha et l’oméga d’Anora. Car au-delà de la trajectoire douce-amère de la strip-teaseuse, derrière l’écran des défaites et des désillusions, il y a ce que Baker réussit sans doute le mieux : montrer que malgré le cynisme et la brutalité triomphants subsistent des mains secourables et des cœurs purs — tel le personnage incarné par Willem Dafoe dans The Florida Project (2017). Celui d’Anora est moins visible de prime abord, il offre en tout cas au film un finale d’un dépouillement, d’une intensité et d’une tendresse indicibles. La grâce de cette simple scène de clôture, qui va à l’encontre des artifices du vaudeville médian, est de celles qu’on n’oublie pas.

Anora de Sean Baker (É.-U., 2h19) avec Mikey Madison, Mark Eydelshteyn, Yuriy Borisov, Karren Karagulian… En salle le 30 octobre 2024.

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“Le Royaume”, “Une part manquante”, “En tongs au pied de l’Himalaya”, “On aurait dû aller en Grèce” en salle le 13 novembre 2024

Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau de Gints Zilbalodis

Dans une nature où subsistent les vestiges d’une civilisation humaine, un chat mène une existence solitaire, entre routines et prudence. Sa quiétude va être mise à mal par la soudaine submersion des terres. Contraint d’embarquer sur un bateau à la dérive, il doit partager son esquif avec d’autres animaux pas toujours amicaux. Mais entre ce salut flottant et sa peur maladive de l’eau, son choix est vite fait… 

Rares, hélas, sont ceux qui avaient découvert Ailleurs (2020, trop mal sorti pendant la période Covid), le premier long métrage du cinéaste letton. Ce tour de force visuel empruntant aux jeux vidéos de quête dans un univers post-apocalyptique avait pourtant de quoi séduire par son esthétique 3D épurée. Sans qu’on le sache, ce coup d’essai — et déjà authentique réussite — préparait à une nouvelle aventure immersive d’un calibre encore plus saisissant. Car si Flow reprend les fondamentaux d’Ailleurs (l’idée d’un voyage-fuite immersif en direction d’une hypothétique “issue”, le tout dans une absence totale de dialogue), la réalisation — à la fois la mise en scène et la “facture artistique” de l’ensemble – opère ici un saut qualitatif prodigieux. 

Nouvelle vague

On a certes l’habitude de s’ébaudir sur les miracles de la technologie ; Flow ne vise toutefois pas la surenchère mimétique pratiquée par Le Roi Lion version Favreau dans la contrefaçon de la réalité. Ici, c’est la fluidité du vivant qui épouse la pureté d’un trait ne cherchant pas masquer son origine artistique, jouant sur l’aspect “presque réel“ de la ligne claire ou du flat design. Cet espace laisse justement tout l’espace à l’interprétation poétique. D’autant que Flow est aussi une fable : avec cet nef embarquant des animaux ontologiquement distants ou concurrents, la référence à l’Arche de Noé ou à L’Odyssée de Pi est évidente. Ce qui change ici, c’est l’évacuation totale de l’Homme et la préservation des caractéristique propres à chacune des bêtes. Sans aller jusqu’à dire qu’il s’agit d’un film anti-spéciciste, Flow incite les spectateurs à éprouver le ressenti de chaque espèce, et non à partager des affects copiés sur les humains par l’habituel (et confortable) anthropomorphisme.

Impossible de finir sans évoquer le sous-texte écologique de cette fable montrant une nature regagnant ses droits avec violence. Elle pourrait en soi servir de leçon ou d’avertissement mais c’est avec la toute fin que l’on prend la pleine mesure de sa morale faisant de surcroît un écho terrible aux inondations frappant actuellement l’Europe.

Flow, le chat qui n’avait plus peur de l’eau de Gints Zilbalodis (Let.-Fr.-Bel., 1h25) animation dès 8 ans… En salle le 30 octobre 2024.

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Sur un fil de Reda Kateb

Acrobate dans une troupe d’artistes de rue, Jo est victime d’un accident en plein spectacle. Blessée et sans ressources, elle effectue sa convalescence en se rapprochant d’une association de clowns d’hôpitaux spécialisés dans l’accompagnement d’enfants et de leur entourage. Encouragée par un partenaire de jeu, elle se lance dans l’aventure; Mais cette nouvelle discipline requiert peut-être encore plus d’équilibre et d’adresse que son ancien métier. Et Jo, malgré sa bonne volonté, commet quelques faux pas…

Marquant les premiers pas du comédien Reda Kateb dans la réalisation, Sur un fil est de ces films où le cinéaste fait preuve d’humilité en se plaçant derrière son sujet — doublement, pourrait-on dire, dans la mesure où il n’apparait même pas devant sa propre caméra. Valorisant la mission humaniste et sanitaire des clowns d’hôpital et le dévouement du personnel médical (versus les costumes-cravates en charge de la gestion comptable/administrative des établissements médicaux). il habille son plaidoyer d’un conte sur la reconstruction personnelle, mise en abyme aérienne de la guérison, en évitant les poncifs sur les clowns tristes. Lumineux et pudique, notamment grâce à Aloïse Sauvage, alias Jo.

Sur un fil de Reda Kateb (Fr., 1h56) avec Aloïse Sauvage, Philippe Rebbot, Jean-Philippe Buzaud… En salle le 30 octobre 2024.

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