Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen

Dans l’Ouest américain des années 1860, Vivienne Le Coudy tranche par son indépendance d’esprit. Femme d’esprit et de défis, elle jette son dévolu sur un émigré danois, Holger Olsen, qui vit dans bicoque spartiate à l’écart d’une ville du Nevada. Par amour, elle accepte de le suivre et de l’attendre quand il s’engage à la déclaration de la guerre. Durant son célibat forcé, elle est agressée et violée par Weston, le fils du potentat local, Alfred Jeffries. À son retour, Olsen doit reconstruire leur histoire sur des lambeaux…

L’affiche proclame que « Ford et Hawks adoreraient ce western ». S’il est toujours douteux de préjuger des goûts des disparus — autres temps, autres mœurs… — ajoutons que Eastwood, Siegel, Pollack ou Penn pourraient eux aussi trouver à leur goût le parcours de Olsen qui condense à lui seul tant de paradoxes étasuniens. Plutôt humaniste, éclairé et progressiste dans une époque violente à la limite de barbarie, ce personnage n’hésite pourtant pas à partir au combat lorsque la Nation réclame son dû (“e pluribus unum”), ni à recourir à la vengeance individuelle quand loi et justice font défaut. Mais Olsen tient quasiment ici de l’élément périphérique au sein d’un western classique, que son ambiance et sa forme rendent plus avant-gardiste.

Irréversible

Car c’est bien Vivienne la protagoniste réelle de Jusqu’au bout du monde, à la fois femme dans dans un monde d’hommes et fantôme dans un monde de vivants — puisque les premières minutes nous font assister à son trépas. Sa double singularité (à laquelle on pourrait presque ajouter celle d’être de langue maternelle française dans une terre anglophone, ou bien encore d’avoir une imaginaire davantage construit que la plupart des pionniers-hors-la-loi peuplant le Nevada) lui confère un statut à part : comme si elle incarnait une image de futur pour ce pays en train de s’édifier. Construite de surcroît dans le mythe émancipateur de Jeanne d’Arc, Vivienne a tout pour mettre en panique une meute masculine n’ayant jamais envisagé la contestation sa domination.

Viggo Mortensen chahute lui aussi la tradition du western, autant qu’il en respecte l’essence et l’authenticité — crasse pulvérulente, justice expéditive, corruption et violence institutionnalisées… Bousculant la chronologie comme avait pu le faire Gaspar Noé dans Irréversible (mais de manière moins radicale, tout de même), il donne à son récit une perspective plus mélancolique et mélodramatique en scellant le sort de son héroïne. Son destin inachevé hante le film comme une culpabilité pour Olsen. Peu de mots sont dits, la musique et les paysages parlent alors pour exprimer la tristesse et la beauté malgré tout qui survit au drame puisqu’il y a un enfant dans l’équation. L’espoir, comme dans la boîte de Pandore•

Jusqu’au bout du monde de & avec Viggo Mortensen (Mex.-Can.-Dan., 2h09) avec également Vicky Krieps, Solly Mc Leod, Garret Dillahunt, Danny Huston… en salle le 1^er mai 2024.

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Le Tableau volé de Pascal Bonitzer 

Portant beau, parlant clair et roulant en Aston-Martin, André Masson est l’un des brillants commissaires-priseurs de la maison Scottie’s. Sollicité par courrier pour expertiser un supposé tableau d’Egon Schiele découvert chez un particulier, il tombe des nues en constatant l’authenticité de la toile. Sa jeune stagiaire Aurore, une mythomane compulsive, apprend beaucoup à ses côtés. Même s’il l’horripile…

Privilégiant (en apparence) une comédie sur la superficialité et la vanité — le monde des salles de ventes tient quand même du théâtre où les egos se mesurent en comparant leurs comptes en banque —, Pascal Bonitzer traite avec élégance de la question des invisibles (ceux qu’on a oblitérés jadis, comme la classe populaire aux yeux d’une certaine bourgeoisie) comme de la fausseté dans tous ses états. Son spectre large va du silence par omission à la pratique active (et intéressée) du mensonge : admis à petite dose et valorisé lorsqu’il agit en tant que fluidifiant social ou vernis civilisationnel, celui-ci suit l’adage de Paracelse lorsqu’il est inoculé à haute concentration.

Pareil aux bouteilles de garde ou de grande dégustation, Le Tableau volé est de ces longs métrages qu’il convient de laisser décanter afin qu’ils révèlent leurs qualités. La première étant son admirable (et mystérieuse) résistance aux assauts de ce temps qui d’ordinaire s’ingénie à corroder les souvenirs de séquences et va parfois jusqu’à effacer avec une cruelle promptitude certaines intrigues de films. Le Tableau volé, qui justement traite plus qu’en creux d’un passé occulté revenant à la surface, défie l’oubli sans avoir l’air d’y toucher. La persistance de la mémoire, pour rester dans le domaine de l’Art, est décidément le cœur de son sujet.

Enchères et damnation

Si par sa mécanique astucieuse et ses jeux de dupes, Le Tableau volé évoque parfois un film de braquage façon L’Arnaque ou Ocean’s Eleven (mais sans l’action et en mode intello-culturel, restons français) ; s’il renvoie aux films noirs avec son André Masson plus proche en privé du Marlowe version Altman que d’un gendre idéal, ce film ressuscite également ces comédies piquantes menées par un couple chamailleur dont Capra et Rappeneau furent les plus grands représentants. Ce genre ne fonctionnant que si l’élément féminin offre un répondant supérieur à son partenaire masculin, il convient donc d’inscrire le nom de Louise Chevillotte aux côtés de celui de ses devancières Claudette Colbert, Katharine Hepburn, Deneuve ou Adjani. 

Étonnamment peu considérée malgré un parcours artistique sans faute et une polyvalence dont on apprécie ici encore les qualités, la jeune comédienne est à sa façon un chef-d’œuvre méconnu d’interprétation. Faudra-t-il que Quentin Dupieux la fasse tourner pour que le grand public prenne conscience de sa singularité au lieu de s’habituer mollement à sa présence ?  

Le Tableau volé de Pascal Bonitzer (Fr., 1h31) avec Alex Lutz, Léa Drucker, Nora Hamzawi… en salle le 1^er mai 2024. 

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Une affaire de principe de Antoine Raimbault

2012. Commissaire européen chargé de la santé, John Dalli se trouve contraint à la démission dans des rumeurs de trafic d’influence en faveur des lobbies du tabac… mais aussi de coup monté. Bien que d’un bord politique totalement opposé à Dalli, le député européen José Bové va investiguer sur l’affaire avec ses collaborateurs et révéler certains aspects peu reluisant de l’exécutif européen. Un match Parlement versus Commission va s’engager…

Plus de soixante ans après sa création, L’Europe (en tant qu’objet politique) demeure encore trop largement méconnue des citoyens. Beaucoup d’entre eux ignorent ce qu’ils lui doivent, croyant plutôt qu’elle leur coûte par la faute d’une palanquée de démagogues bas de la frontière l’ayant choisie comme bouc émissaire idéal. À quelques semaines du scrutin qui décidera de la composition de son Parlement, Antoine Raimbault montre grâce un thriller judiciaire non seulement certaines opacités coupables de l’institution mais, surtout, qu’elle abrite son antidote démocratique. 

Comme pour son premier long métrage Une intime conviction (2019), c’est du réel que le cinéaste s’est inspiré pour tisser la trame d’une fiction où l’action est sans cesse épaulée par le verbe : une technique “à l’américaine” rappelant les films de Pakula volontiers généreux en procédures et en dialogue. On notera au passage que par un jeu ironique de renversement, si le protagoniste du premier film, Dupont-Moretti est depuis entré en politique, celui de ce nouveau, José Bové, s’en est dégagé. Bien campé par Bouli Lanners, l’emblématique leader paysan s’avère un personnage pratique : facile à caractériser par ses traits distinctifs (moustache, pipe, chemise, caractère libertaire…), il fait un cicérone très crédible lorsqu’il s’agit de pénétrer les arcanes du Parlement afin d’en expurger les parasites. Didactique et efficace, Une affaire de principe remplit son mandat et les promesses de son titre. Voilà qui devrait en inspirer d’autres…

Une affaire de principe de Antoine Raimbault (Fr.-Bel., 1h35) avec Bouli Lanners, Thomas VDB, Céleste Brunnquell… en salle le 1^er mai 2024.

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Petites mains de Nessim Chikhaoui 

Jeune majeure hébergée dans un hôtel social, Eva décroche un emploi de femme de chambre dans un palace, à la faveur d’un mouvement de grève. Cornaquée par la revêche (en apparence) Simone, elle découvre un monde d’inégalités hurlantes entre les employés intégrés au palace et celles, comme elle, précarisées par l’externalisation. Peu à peu, Eva va comprendre la colère des grévistes et les rejoindre…

Vous souvenez-vous de Quand l’inspecteur s’en mêle (1963) de Blake Edwards ? Deuxième opus dans la longue saga de La Panthère rose, cette comédie n’avait pas vocation au départ à en être la suite… puisqu’elle se trouve être, à la base, une adaptation d’une pièce de Marcel Achard. Mais le succès l’année précédente de l’inspecteur Clouseau a conduit Edwards à remodeler le script initial pour y intégrer son personnage fétiche. Nessim Chikhaoui ne procède pas autrement lorsqu’il s’empare de la commande qui lui est formulée — “faire un film sur les femmes de chambre grévistes“ — mais qu’il établit un pont indirect avec l’une des héroïnes de son film précédent, Placés.

Pure démarche d’auteur, ce geste de s’approprier le sujet et de lui insuffler des niveaux parallèles (notamment une continuité sociale) sauve Petites mains du risque majeur de “téléfilmisation” encouru si Chikhaoui s’en était tenu à une simple exécution contractuelle de la demande. L’humain est son territoire : d’ailleurs, lorsqu’il raconte les à-côtés administratifs (notamment le conditionnement aux titres de séjour), la solidarité ou les dissensions entre les différentes catégories de personnels, il se montre plus efficace que quand il filme  la mécanique ouvrière quotidienne des “petites mains”. À sa décharge, Éric Gravel avait mis la barre très haut dans À plein temps  (2024) avec Laure Calamy..

Nessim Chikhaou dispose quant à lui d’une autre actrice, en la personne de Lucie Charles-Alfred, pour co-construire un univers cinématographique dont elle serait la Doinel ou la Dédalus. À suivre….

Petites mains de Nessim Chikhaoui (Fr., 1h37) avec Corinne Masiero, Lucie Charles-Alfred, Marie-Sohna Condé… en salle le 1^er mai 2024.

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Un p’tit truc en plus de & avec Artus 

Après un braquage acrobatique, un fils et son père échappent à la police en se glissant dans un car de personnes en situation de handicap partant en colonie de vacances — le fils tentant de se faire passer pour handicapé pendant le père prétend être son éducateur. Si les colons éventent vite le stratagème, les accompagnateurs n’y voient que du feu. Il faut dire qu’ils ont aussi leurs problèmes…

Le handicap souffre d’une représentation fluctuante au cinéma. Point de départ ou au cœur des plus grands succès du box office (Intouchables, Bienvenue chez les Ch’tis mais aussi Champions en Espagne ou naturellement Avatar), il reste pourtant entre tabou et impensé, notamment lorsqu’il s’agit d’aborder le handicap mental — a fortiori dans une comédie. À une époque où la légitimité de chacun est scrutée (“d’où parles-tu ?”), la démarche d’Artus s’avère d’autant plus précieuse : son film contribue par le rire à normaliser le handicap (et les personnes en situation de handicap) à l’écran. Mais un rire “accessible et inclusif“, pourrait-on dire avec une comédie où « l’on rit “avec” et pas “de” », pour reprendre le mot de Djamel Bensalah à l’époque de Il était une fois dans l’Oued.

Certes, la trame de ce feel good movie est cousue de fil blanc ; elle relève davantage du prétexte ou de “l’habillage” des intentions par des situations concrètes (raconter un rabibochage familial ; montrer la quotidien du handicap…). L’essentiel, on l’a compris, est ailleurs : Un p’tit truc en plus se construit avec tous ses comédiens à égalité, sans précautions de dame-patronnesse et avec une indubitable sincérité. Le message mérite de passer.

Un p’tit truc en plus de & avec Artus (Fr., 1h39) avec également Clovis Cornillac, Alice Belaïdi… en salle le 1^er mai 2024.

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Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas

Jeune couple amoureux, Diego et Elena décollent de Barcelone pour s’installer aux États-Unis. Mais à peine posés sur le sol américain, les formalités d’accueil se transforment en interrogatoire serré et oppressant : Elena peine à comprendre pourquoi on leur cherche avec une telle hargne la petite bête. Apparemment, les agents des frontières savent des choses sur son compagnon qu’elle-même ignore… 

Censé se dérouler durant la mandature Trump, à l’époque d’un renforcement majuscule des contrôles octroyant aux services compétents le pouvoir d’être particulièrement intrusifs et/ou d’entreprendre des rétention musclées, Border Line est certes une mise en lumière dénonciatrice des effets sournois de cette politique Hélas, comme toujours, seul un public acquis y verra le déni de démocratie et notera des méthodes dignes des “meilleures” dictatures. Ce type de film ne prêche que les convertis.

Mais son principal problème repose sur le dispositif qu’il adopte : le huis clos dans la zone de rétention aéroportuaire, avec l’idée vague d’un temps réel afin de partager la tension de Diego et Elena. À tort ou à raison, les réalisateurs font tellement d’entorses à ce postulat qu’ils affadissent leur meilleur auxiliaire dramatique. À titre d’exemple, ils ont ajouté un prologue superflu montrant les personnages avant de prendre l’avion, puis en vol : on se doute que ces séquences avaient vocation à rallonger artificiellement leur film et lui permettre une exploitation dans la catégorie long métrage. N’aurait-il pas mieux valu s’en tenir à un court inoubliable qu’à un long dispensable ?

Border Line de Juan Sebastián Vásquez & Alejandro Rojas (Esp.,1h17) avec Alberto Ammann, Bruna Cusí, Ben Temple… en salle le 1^er mai 2024.

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Le monde de l’art est-il pour vous un monde fascinant ?

Tout dépend de ce qu’on appelle le monde de l’art. L’art est fascinant, la création est fascinante… L’art, la peinture, m’intéressent depuis toujours. Quand j’étais jeune, adolescent, je ne savais pas si je voulais être cinéaste ou peintre. À 14-15 ans, j’ai même pris des leçons de peinture chez un peintre qui avait une certaine cote à l’époque. La peinture m’a toujours intéressé. 

Qu’est-ce qui vous a fait tomber dans le cinéma plutôt que dans la peinture ?

Le cinéma (rires). Le hasard, un peu. Ce qu’on appelle la sérendipité. Ma routé a croisé des gens de peinture, mais aussi des gens de cinéma… On ne peut pas tout faire. Encore qu’après tout, il y a quelques grands cinéastes qui ont été peintres : Bresson, Pialat, Antonioni ont commencé par être peintres… Je ne vais pas du tout me comparer, ce sont deux mondes qui ne sont pas aux antipodes l’un de autre.

Mais moi ce qui m’intéresse, c’est de raconter une histoire par le biais d’une mise en scène et des acteurs. Quand j’écris un scénario — d’ailleurs, mes scénarios sont plutôt des scénarios de dialogue — ça parle beaucoup dans mes films. Je ne fais pas tellement des films d’images. Je regrette quelquefois, mais ce sont des films d’acteurs. Dans celui-ci, pratiquement, ça n’arrête pas de parler, comme dans tous les films que je fais, malheureusement. Les gens sont très bavards.

Pourquoi mettre en scène le monde des ventes aux enchères ?

Je ne peux pas dire qu’a priori le monde des ventes aux enchères, le monde de l’argent qui se dresse là-dessus, me fascinait tellement. C’est l’ensemble de l’histoire qui m’intéressait. À la base, mon producteur m’avait fait une commande d’un film qui se passerait dans ce monde-là. Ma collaboratrice Iliana Lolic a fait une vingtaine d’interviews de galeristes, de commissaires-priseurs, de gens qui appartiennent à ce monde ou qui y ont appartenu, ce qui représente 250 pages serrées. 

Et de ces interviews, j’ai extrait cette histoire qui m’a semblé la plus intéressante pour plusieurs raisons. Parce qu’effectivement, il y a le monde de l’art, la question de la spoliation, qui touche à une part maudite de l’histoire de France. Et puis il y avait la confrontation avec le monde du jeune ouvrier qui se trouve posséder ce tableau en toute innocence. C’est ce contraste, l’ensemble qui m’intéressait, à partir de quoi j’ai imaginé une histoire en me servant de cette histoire qui a réellement eu lieu en 2006, je crois : la découverte de ce tableau-là, d’Egon Schiele. J’ai gardé le tableau — évidemment, c’est une copie (rires) En tout cas, sa référence, un paysage intitulé Herbstsonne, qui avait disparu en 1939.

J’ai repris les circonstances de sa spoliation, de sa disparition, la façon dont on l’a retrouvé, en changeant, bien sûr, les noms des protagonistes. Mais pour l’essentiel, j’ai imaginé les personnages. Par exemple, celui du commissaire-priseur interprété par Alex Lutz, et bien entendu, celui de la stagiaire qui sort absolument de mon imagination. Elle était utile pour donner un passerelle au public pour pénétrer dans ce monde secret des salles de vente, mais elle est un personnage de pure fantaisie. 

Avant ce film, vous étiez-vous intéressé à cette thématique des tableaux spoliés pendant la Shoah ?

Ça m’intéresse, oui, pour plusieurs raisons. De par mes origines, tout simplement, parce que je suis juif. Mais ça m’intéresse sur le plan fictionnel parce que c’est une façon aussi de raconter une histoire qui n’est pas seulement une petite histoire actuelle, mais qui se projette dans la grande d’histoire. 

Des films sur l’art vous ont-ils inspiré ? 

Pas tellement. J’en ai vu quelques-uns — souvent pas très bons, je dois dire. Je ne citerai rien. (sourire) Il y a eu des films sur les faussaires : le film célèbre de Orson Welles, F for Fake, qui parle des faussaires, mais qui est un documentaire. Un film récent joué par Guy Pearce sur Van Meegeren, le faussaire célèbre de Vermeer qui a trompé Goering, entre autres, en faisant des faux Vermeer dont aujourd’hui, on se demande comment on a pu les prendre pour des vrais — mais c’est une autre histoire. Il y a eu un film de Giuseppe Tornatore sur un commissaire-priseur qui se fait arnaquer, que j’ai vu il y a quelques années.

Dès la deuxième séquence, un commissaire-priseur explique qu’il faut jouer, voire se prostituer. Tout le film montre que ce monde de l’art est un jeu d’apparence ou l’on se dissimule derrière des masques ; c’est donc un film sur des comédiens de la vie réelle et sur le jeu…

Oui, tout à fait, parce que ce métier est un métier où il faut séduire, essentiellement. D’ailleurs, un commissaire-priseur très connu m’a raconté que quand il a commencé, son père lui avait dit : « mon garçon, est-ce que tu te rends compte que tu vas devoir faire la cour aux gens toute ta vie ? » Parce que ça consiste à faire le trottoir — j’ai entendu cette expression dans la bouche d’un autre commissaire-priseur. « on fait le trottoir » (sourire) C’est d’ailleurs ce que dit Alex Lutz dans le film à sa stagiaire : « Quand on découvre un chef-d’œuvre, on est Indiana Jones, mais le reste du temps, la plupart du temps, on fait le trottoir. »

C’est une phrase que j’ai extraite d’un véritable entretien. C’est quelqu’un du métier qui m’a dit les choses comme ça. Ça me paraissait intéressant, d’autant qu’il y a pas mal de jeu, de mensonges, de trahisons… Énormément de bluff, forcément, quand il est question d’argent, le bluff est toujours de la partie.

Vous glissez vous aussi des fausses pistes dans votre film…

Oui, je joue aussi. j’aime bien jouer avec le public avec quelques fausses pistes. Notamment le destin du tableau : à moment, on sait pas exactement ce qui va lui arriver. Évidemment, l’histoire de la bagarre avec les copains, c’est de la pure imagination de ma part. Mais, le coup de bluff du directeur de la fondation qui dénigre le tableau publiquement pour ensuite essayer de négocier, ça fait partie de l’histoire réelle de ce tableau. J’ai mis un peu à ma sauce, j’ai changé les noms, évidemment.

Une réaction spontanée est assez déconcertante : celle des deux spécialistes lorsqu’ils découvrent la toile : on s’attend à une épiphanie émerveillée et ils éclatent de rire…

Eh bien, ça, effectivement, c’est quelque chose où les comédiens — enfin, Alex et Léa [Drucker] — ont assez résisté. Ils trouvaient que c’était pas naturel. Mais l’histoire m’a été racontée comme ça. Dans la réalité, ce sont deux hommes — le spécialiste d’art moderne et son collègue habitant à Zurich —, tous deux spécialistes d’art expressionniste. Tous les deux étaient effectivement amateurs de belles voitures, ils s’étaient dit : « on pourra toujours aller à Mulhouse, où il y a la Cité de la voiture, qui est universellement célèbre » Et en voyant le tableau, au premier coup d’œil, ils ont été pris d’un fou-rire qui a été très mal pris dans un premier temps par le jeune homme et sa mère. Elle s’est même mise à pleurer : « vous vous moquez de nous parce qu’on est des gens modestes. —Pardon, c’est nerveux. On l’a reconnu tout de suite. C’est un tableau qu’on croyait être détruit. »

Vous avez féminisé l’un des spécialistes d’art contemporain ; par ailleurs, la stagiaire a un rôle important. Ce n’est pas anodin…

Vous savez, on est dans un moment féminin dans le cinéma. D’ailleurs, la stagiaire dit à un moment : « si vous persistez dans vos réflexes de domination masculine, je vais me coucher. » C’est une phrase que j’ai écrite à la dernière minute, d’ailleurs, au moment de la tourner. Louise Chevillotte était très contente. C’est important. De toute façon, les films où il n’y a pas de femmes, cela m’ennuie toujours. Évidemment qu’il est plus intéressant que les femmes ne jouent pas un rôle de potiche. Et ce ne sont pas des potiches.

Ce personnage de stagiaire que joue Louise Chevillotte a une personnalité un peu perturbée… 

C’est une histoire dans l’histoire. Elle ne s’y rattache pas directement, à part le fait que finalement, c’est elle qui résout l’énigme. Il fallait le personnage de la stagiaire pour donner accès, disons, au public à ce monde assez secret, fermé. Donc un personnage qui est à la fois dedans et dehors, qui a tout à apprendre, à qui son boss apprend les rudiments du métier, donne des informations… Mais ça ne m’intéressait pas d’en faire juste un personnage pour nous permettre d’avoir des informations. Il fallait qu’elle ait elle-même une histoire. Peu à peu, en l’élaborant, je trouvais amusant que ce soit une mythomane, qu’elle ait un rapport bizarre à la réalité, à la vérité ; qu’elle ait une histoire un peu perturbée. Ça permettait aussi de montrer une première vente aux enchères qui n’avait pas de rapport avec celle qui intéresse l’histoire du tableau — chez Drouot. 

C’est une histoire un peu tirée par les cheveux, mais j’ai aussi beaucoup aimé le personnage du père et le fait qu’il soit incarné par Alain Chamfort, dont je ne connais d’ailleurs pas tellement les chansons. Je n’ai pas une particulière connaissance de son personnage comme chanteur, mais je l’avais vu dans un film et j’avais trouvé qu’il était très élégant ; il avait une élégance qui m’intéressait, quelque chose d’un peu mélancolique qui collait parfaitement avec le personnage que j’avais en tête.

La mythomanie de cette stagiaire va bien avec le monde de l’art : on se demande parfois si le tableau est vrai ou pas…

C’est vrai. On est en droit de se poser la question : est-ce que le tableau est vraiment vrai. Finalement, je n’ai pas voulu rentrer dans cette dimension-là parce que sinon, on arrivait dans une espèce de labyrinthe et je pense que je n’aurais pas maîtrisé. Je suis parti du principe que le tableau est vrai… même si on peut se poser la question. Après tout, pourquoi est-ce qu’au premier coup d’œil, ils décident qu’il est vrai ? En principe, je crois que des vrais spécialistes d’art moderne d’une maison de vente réputée devraient au moins s’approcher, regarder les détails… Je sais qu’une rayure dans le haut du tableau leur a permis de l’identifier, ce qui ne pouvait pas être inventé par un faussaire.

Vous montrez aussi une opposition entre le monde de l’action et celui de la direction puisqu’à la fin le personnage interprété par Alex Lutz préfère rester dans l’action plutôt que monter en grade…

Oui, c’est aussi quelqu’un de passionné, qui n’a pas seulement la passion des belles voitures, des montres de luxe et du fric. Il est passionné par son métier. Et donc il ne va pas juste profiter du lambeau de pouvoir que son patron lui offre Il préfère rester dans cette dynamique de son métier, ce qui le rend plus sympathique. 

Un scénariste et réalisateur, est-ce un homme d’action ou de pouvoir uniquement ?

Ça ne peut pas être un homme de pouvoir, parce que d’abord on a beaucoup moins de pouvoir que ce qu’on nous prête : un film est malgré tout une œuvre collective. Je ne l’ai d’ailleurs jamais autant éprouvé qu’avec ce film où on avait très, très peu de temps pour le faire — 25 jours. Si je n’avais pas eu une équipe extrêmement chevronnée, des acteurs vraiment au top niveau, j’aurais perdu pied. Donc, on a juste le pouvoir de dire : « action, moteur ! » D’ailleurs, on ne le dit même pas (sourire) Bon, après tout, j’ai écrit ce scénario. Une fois que le scénario passe par les guichets, la machine est mise en route et Il faut suivre. Alors, je suis, je précède, je ne sais pas… 

Quelquefois, je me trompe, quelquefois je me rattrape… Par exemple, la toute première séquence du film, celle avec la dame riche et aveugle, c’était la première qu’on ait eu à tourner dans le plan de travail, C’était avec cinq personnages, assez difficile à mettre en scène et je l’ai complètement ratée. Au point que mon producteur m’a dit : « il faut la retourner ». Je savais qu’il avait raison et il a eu quand même ce geste de producteur de me dire de retourner même si ça coûte plus cher — c’est un jour de plus. On l’a donc entièrement retournée à la toute fin du film et j’ai changé de casting : évidemment toujours avec Alex Lutz et Louise Chevillotte, mais avec Marisa Borini, qui est parfaite.

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Faire un film comme Le Tableau volé s’accompagne-t-il d’une forme de luxe ?

Comment dire ? Ce qui était compliqué, c’est que c’est un film qui est censé montrer un monde de richesses. Et il y avait très peu d’argent : on avait un budget et un temps de tournage très serrés. Il fallait trouver des décor qui malgré tout donnent le sentiment que l’on était chez les heureux du monde. Dans ce type de maisons de ventes internationales où on manipule des choses qui représentent des sommes exorbitantes. La maison de vente imaginaire de mon film s’appelle Scotty’s, En plus d’être un hommage à Hitchcock, est évidemment une allusion à Sotheby’s et à Christie’s, une espèce de mot-valise.

Vous entretenez une collaboration suivie avec Floc’h, votre affichiste…

C’est une fidélité réciproque. Il aime les films que je fais ; j’aime ses affiches. En plus, j’ai une préférence pour les affiches graphiques plutôt que les affiches où on est sur des photos, parce qu’on les voit plus. Et Floc’h, il a un style ; quelque chose de très reconnaissable. Je trouve ça élégant. Et ça me plaît qu’il continue à avoir envie de faire des affiches pour moi. On s’est même pas rencontrés, d’ailleurs sur celui-là : il a vu le film, il a fait l’affiche. On s’est fait un petit signe par mail interposé, c’est tout. C’est un type assez bizarre. J’aime beaucoup l’affiche qu’il a faite. Et puis c’est comme un label. Après tout, il a fait aussi des affiches pour les films de Resnais, de Woody Allen… Donc moi, je me sens flatté qu’il veuille faire les affiches de mes films.

Avez-vous retenu une chose particulière de cette histoire ? 

Je ne sais pas, j’en ai retenu des tas (sourire) J’ai surtout été passionné par cette histoire. J’ai eu à cœur de la restituer dans toutes ses dimensions. Et j’ai été intéressé par cette opposition entre le monde de l’argent et le monde du travail, qui sont au fond, irréconciliables, mais qui ne sont pas ici montrés sous une forme de lutte des classes frontales. Au contraire, à travers une histoire relativement douce. 

Le Tableau volé de Pascal Bonitzer (Fr., 1h31) avec Alex Lutz, Louise Chevillotte, Léa Drucker, Nora Hamzawi… en salle le 1^er mai 2024.

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