Les Musiciens de Grégory Magne

Co-héritière d’une entreprise de BTP, Astrid est sur le point d’achever le rêve de son père défunt : réunir (à grands frais) quatre Stradivarius pour la création d’une œuvre inédite commandée un quart de siècle plus tôt. Hélas, le beau projet bat de l’aile car les quatre instrumentistes choisis — tous des virtuoses — sont incapables de travailler ensemble. Pour souder le quatuor avant le concert, Astrid a l’idée d’aller chercher Charlie Beaumont, le compositeur de l’œuvre. D’abord réticent et un brin misanthrope, celui-ci accepte de guider les musiciens…

Attention : réussite ! Les Musiciens est de ces films où tout concourt à une forme de transcendance et de grâce. C’est aussi le retour qu’on espérait de la part Grégory Magne, dont L’Air de rien — balade mélancolique autour d’un vieux chanteur (Michel Delpech dans son propre rôle) sauvé de la ruine par un huissier fan et compatissant — avait lancé la carrière mais qui n’avait pas vraiment confirmé avec Les Parfums, sentant la redite peu inspirée avec son histoire d’une “nez” déchue. Si Les Musiciens creuse à nouveau le sillon des affres de la création et du rapport au temps détruisant tout (notamment le rapport de l’artiste à sa perception de son œuvre comme à sa capacité à créer), il se passe ici quelque chose d’autre.

Cordes et discordes

Peut-être parce qu’il élargit sa partition et multiplie les interactions entre personnages, donc les enjeux, Grégory Magne retrouve-t-il ce nouveau souffle. Ainsi que de l’enthousiasme à raconter l’édification de cette cathédrale musicale qu’est ce concert impossible sur le papier — car mu par des raisons tout sauf artistiques. Tout est en effet question d’egos derrière ce projet d’un capitaine d’industrie s’offrant un caprice hors de prix où, de l’instrument à celui qui en joue, tout est tape-à-l’œil. Or, la musique n’a pas à taper l’œil mais passer par l’oreille pour toucher l’âme ; et c’est le sens de la démarche d’Astrid, conforté en cela par Charlie. L’héritière accomplit un acte d’amour filial devant aboutir à la célébration de l’œuvre ; le compositeur rappelle aux instrumentistes-solistes les fondamentaux de l’écoute, de l’harmonie.  

D’ailleurs, la simplicité évangélique du titre — Les Musiciens ! —, son dépouillement, renvoie à ce qui fait l’essence de leur art : jouer de la musique avec « amour et acharnement » et surtout, en s’oubliant soi-même. Leçon d’humilité, retour aux valeurs, ce film a le bon goût de ne pas professer mais de proposer de ressentir. « Je fais de la musique parce que ça m’évite des pesanteurs du langage » lance justement Charlie Beaumont, excellemment campé par Frédéric Pierrot, à l’adresse de cette petite troupe indisciplinée dévorée par sa vanité et son image.

Sacrée gageure que Les Musiciens que de parvenir à user de l’image pour viser le son, mais aussi rendre le langage et l’émotion de la musique audibles, compréhensibles à tout un chacun. En faisant entendre raison aux personnages, il fait aussi écouter les spectateurs mélomanes ou non. Mise en abyme réjouissante dont le mérite est partagé : outre les comédiens-musiciens et le metteur en scène, il faut saluer le travail comme toujours remarquable de Grégoire Hetzel, compositeur et donc interprète fantôme du film. Il serait temps que son talent soit enfin reconnu par ses pairs, d’une préoccupante surdité à son égard.

Les Musiciens de Grégory Magne (Fr, 1h42) avec Valérie Donzelli, Frédéric Pierrot, Mathieu Spinosi, Emma Ravier, Daniel Garlitsky, Marie Vialle… En salle le 7 mai 2025.

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Les Arènes de Camile Perton

Jeune espoir du foot, Brahim a toujours eu pour agent son cousin Mehdi. Sur le point de rejoindre le club de Lyon, il entrevoit la possibilité d’accéder à un contrat encore plus mirobolant grâce à Francis, un intermédiaire étranger s’intéressant à lui et dont l’entregent est monstrueux. Brahim se trouve face à un dilemme : lâcher la proie pour l’ombre en faisant confiance à ce Francis ou rester fidèle à Mehdi…

Doit-on reprocher à un sportif qui, par essence, gagne sa vie en pratiquant un jeu, d’être joueur ? Ou de vendre sa propre peau de star en devenir avant d’être qu’elle soit chassée par d’autres ? On pourrait résumer l’enjeu du premier long métrage de Camille Perton à ces problématiques, sans pour autant en l’épuiser totalement. Roman d’apprentissage moderne d’un Rastignac des gazons, Les Arènes a ceci de paradoxal qu’il parle moins du sport footballistique en lui-même que du sport business ou du jeu que de la théorie des jeux dont il constitue une brillante illustration. 

Les feux du stade

Tout ce qui se passe hors du terrain ayant depuis longtemps cannibalisé les interactions autour du ballon rond, le film ne montre quasiment aucun match mais bien les décisives coulisses des vestiaires. Sans trop trahir l’intrigue, Les Arènes présente des points de ressemblance avec la mécanique retorse de L’Arnaque (1973) — ce genre de combine où le pigeon n’est pas le dindon de la farce que l’on croit — et naturellement avec le récent (et trop mal payé en retour) Mercato de Tristan Séguéla, dont il constitue une manière de complément, côté joueurs. Où l’on voit à quel point l’ambition et le désir d’excellence sont des moteurs paradoxaux, susceptibles de galvaniser comme de contrecarrer les performances d’un joueur, animal à la psyché décidément bien fragile.

Au-delà de l’autopsie d’une magouille roublarde, Les Arènes dépeint ce piège clanique se refermant très tôt autour des joueurs, fatalement coincés dans un conflit de loyauté : la prise de décision individuelle est considérée comme une trahison. Redevable à son cousin de tous les efforts qu’il a accomplis pour lui mais aussi dépositaire des espoirs de sa famille, Brahim doit choisir entre s’affirmer par l’affranchissement ou rester docile dans l’ombre de son mentor. Camille Perton signe peut-être ici un mode d’emploi universel pour comprendre ces gamins à crampons, qu’il faudrait sans doute leur projeter dans leurs centres de formation afin qu’ils prennent un peu de recul sur leur valeur vénale et réelle.

Les Arènes de Camile Perton (Fr, 1h34) avec Iliès  Kadri, Sofian Khammes, Édgar Ramirez, Lorezo Zurzolo, Côme Levin, Grégoire Colin… En salle le 7 mai 2025.

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“Victoria” de Sebastian Schipper

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Un monde merveilleux de Giulio Callegari

Dans un futur proche, le monde s’est accommodée d’androïdes à tout faire — en particulier, toutes les tâches de soin, d’éducation, de contact humain. Ancienne prof condamnée à la déprime et au chômage, Max s’est reconvertie dans la débrouille pour subsister avec sa fille. Son nouveau plan ? Subtiliser un robot haut de gamme pour le refourguer en douce. Malheureusement, elle récupère un modèle invendable et doit partir en cavale…

Rien à dire sur l’argument de base, qui tient de l’allégorie traitée sur un mode drolatique : « un monde merveilleux », c’est ce qu’espèrent avec naïveté toutes celles et tous ceux qui déléguent le moindre compartiment de leur existence aux machines… sans s’interroger sur les potentielles conséquences de leur capitulation (remplacement et donc précarisation de certaines classes sociales, déshumanisation systémique etc.). En parallèle, les supplétifs numériques accèdent au rang d’alter ego et dépassent le mimétisme comportemental, au point de revendiquer le droit d’éprouver des émotions. Comme chez Philip K. Dick, en somme, avec toutefois ceci que la fiction s’avère de plus en plus tangente à notre monde contemporain.

Bien que le sujet soit donc d’une actualité brûlante et que le personnage de Blanche Gardin (en accord avec ce qu’elle incarne à la ville) se montre particulièrement engagé contre la domination de la tech, la mayonnaise ne prend pas vraiment. Est-ce dû à cet idée de buddy movie associant une rebelle anar à un androïde façon C3PO croisé stromtrooper ? Ou au mélange avec une comédie familiale aseptisant les velléités critiques ? La diatribe, au finale, ne porte guère ; par ailleurs, les effets douloureux d’une production réalisée avec des moyens limités se font également ressentir. Dommage.

Un monde merveilleux de Giulio Callegari (Fr., 1h18) avec Blanche Gardin, Angélique Flaugère, Laly Mercier, Lucie Guien, Edouard Sulpice, Georgia Scalliet… En salle le 7 mai 2025.

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Partageant avec Vincent Lindon l’affiche de Jouer avec le feu des sœurs Coulin, Benjamin Voisin et Stefan Crepon se connaissent bien : condisciples au Cours Florent, ils furent même colocataires pendant 5 ans ! De quoi retrouver des automatismes sur le plateau. Confidences lors du Festival de Sarlat, où Benjamin Voisin a décroché le Prix d’interprétation masculine… 

Qu’est-ce qui vous a attirés dans chacun des rôles ?

Benjamin Voisin : Le fait de jouer ensemble… Stefan et moi, on se connait depuis dix ans et le Cours Florent ; c’était facile de jouer ensemble. 

Stefan Crepon : Ça donne envie, oui !

BV : Et jouer deux frères, quand on a lu le scénario. Et la souplesse d’esprit qu’avaient les réalisatrices…

SC : … l’intelligence du point de vue…

BV :… quant au vote extrémiste et aux pensées violentes qui peuvent subvenir de nos jours… J’ai trouvé qu’elles étudiaient vachement bien la question et qu’elles l’amenaient avec beaucoup de place pour le public. Il y a plein d’endroits où on a la place de rentrer dans le film et de s’imaginer au sein de cette famille. Que ce soit par l’amour qu’il y a entre nous ; par le désordre des avis de chacun ; par les passions, par la volonté de vivre autre chose et de s’en aller ou par le poids de rester… Il y avait vraiment beaucoup de choses mises en un seul film. Mais en premier c’était le fait de jouer ensemble.

Avez-vous eu la tentation de jouer chacun le rôle de l’autre ?

BV : À un moment seulement. parce que je jouais au théâtre en même temps — j’avais dit : « je me fiche du rôle, je veux jouer sur ce film. » Finalement, ça s’est fait comme ça s’est fait. En amont peut-être mais alors quand on commence à tourner on est très proche de son personnage. On reste dans ce truc d’unité où on joue tous les uns avec les autres ; on pense juste à survivre et à défendre son point de vue. Pas forcément dans un côté égoïste. C’est plus : « comment je peux lui “rendre hommage”, lui donner le respect qu’il mérite ? » Je dois être à la hauteur de ce qu’il raconte.

Aviez-vous identifié des écueils particuliers avant de tourner ?

BV : Le rôle n’était pas compliqué à jouer ; il l’était certainement plus à mettre en scène. Pendant la préparation, les sœurs Coulon me parlaient en permanence de difficultés sur la sympathie : ne pas vouloir que ça soit le mec cool à la mode ; ne pas montrer qu’on aurait pu prédire qu’il allait tourner mal, mais montrer aussi que ça puisse arriver partout, de chez tout le monde… On sentait qu’il y avait beaucoup de travail qui était investi dans mon interprétation sur le plateau. Elles me demandaient plein de trucs ; elles-même ne savaient pas ce qu’elles voulaient…

L’écueil, c’était de ne pas être bon acteur et si les sœurs n’avaient pas eu de goût. Mais j’ai été assez rassuré sur la chose dès la première minute où on est rentré dans la pièce pour passer les auditions avec Stefan : c’était des réalisatrices qui avaient beaucoup de goût. Et souvent quand Vincent [Lindon, NDR] fait un film, il sait de quoi il parle ; si on aborde des sujets politiques, ce n’est pas dans le vent.

SC : Pour moi, c’était plus de trouver ma place. Déjà, à la lecture du scénario c’était comme ça : il y a deux très fortes personnalités qui se déchirent en permanence dans le script et puis ce personnage plus taiseux, plus dans la retenue, qui fait un peu l’équilibre et le balancier dans cette famille. Il fallait savoir comment me positionner vis-à-vis de tout cela. Qu’est-ce qu’il pense de ce qui se passe devant lui ? À quel endroit va-t-il prendre parti ? Est-ce qu’il va plutôt décider de laisser libre cours à son amour juste pour son frère ou son père ? Comment va-t-il se positionner — notamment dans ses silences ? Comme il ne parle pas tant que ça, c’est par ses regards qu’il va raconter comment il va prendre position.

Quand on est comédien et qu’on interprète un personnage défendant ce type d’idées extrémistes, comment fait-on pour ne pas se brûler ?

BV : Alors moi je suis absolument détendu : je pourrais jouer tout et son contraire. Tout mon travail en amont n’est pas là pour changer ma personnalité. J’ai fait très facilement la distinction entre qui je suis et ce que je fais, donc j’ai joué un rôle. Je pourrais jouer un prêtre comme je pourrais jouer un tueur en série : les deux ne m’affecteraient absolument pas dans ma vie.

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Est-ce facile de jouer avec Vincent Lindon ? Prend-il de la place ou, au contraire, vous en laisse-t-il ?

SC : C’est marrant parce qu’en fait, je trouve que c’est les deux. Il prend de la place et il nous accueille. Il prend de la place, forcément : même sans dire un mot il en prendrait. Parce qu’il a la carrière et l’aura qu’il a. Il n’arrive pas vierge sur le plateau. Il a son bagage : ça, on ne peut rien y faire. Et lui-même ne peut rien y faire Il est qui il est. Après, c’est une présence extrêmement forte et puissante, mais sans être écrasante : il nous laissait la place nous de nous exprimer. Très vite il y a eu en fait ce trio qui s’est formé : je trouve qu’on ressent bien le côté “famille” de ces trois personnages. C’était véritablement le cas sur le plateau.

BV : On ne va pas jouer les faux humbles : Vincent nous a beaucoup aimés parce qu’on n’a pas de réseaux sociaux, parce qu’on vient du théâtre. Parce qu’on est impliqués dans des films qui demandent un certain goût artistique… On l’a vu le premier jour, il nous mettait quand même un peu au défi — il nous l’a dit : si jamais il y en avait eu un qui partait en cacahuète, il aurait craqué dès le premier jour. Et il a vu qu’on était là pour faire bien le film et essayer de rendre la cause la plus audible, la plus belle et en même temps la plus violente possible En gros, on était là au travail. Et en deux jours, c’était réglé. 

Franchement on a passé des moments formidables ; je crois même prétentieusement qu’on a offert à Vincent une occasion de faire un film en détente. Il n’en revient pas d’avoir eu un Prix d’interprétation à Venise pour ce film-là Parce qu’on passait le temps à être dans le jardin à jouer au football ensemble. À la fin les assistants mise en scène devaient nous rappeler pour tourner ! On a vraiment passé un très bon moment et je trouve qu’on le ressent dans le film. S’il y avait eu plus d’envie chez les acteurs de vivre chacun sa part de marché, ça aurait pu gêner le film Là, c’est vraiment le film de deux réalisatrices…

SC : …Et nous on s’est mis à leur service. 

Y a-t-il eu des imprévus ou des accidents heureux sur le tournage ?

SF : il y en a eu un qui n’a pas été gardé, malheureusement. Un truc merveilleux, d’un petit déjeuner. [Le personnage de Vincent Lindon] se lève un matin et la veille, il un peu trop bu ; on est dans la cuisine et on essaie de faire pas trop de bruit. Les réalisatrices nous avaient dit : « on vous laisse le temps que vous voulez, vous improvisez ce que vous voulez. Montrez-nous comment vous étiez votre colocation tous les deux Vous devez juste savoir que vous devez faire le moins de bruit possible. » Rien n’était écrit ; on a improvisé dans la cuisine — il me versait du lait sur la tête, on se jetait des trucst À un moment, on savait qu’on devait faire un bruit de trop, que Vincent arrivait et qu’on devait se calmer. 

D’un coup, il est arrivé dans son rôle de père très énervé parce qu’on l’avait réveillé. Il y avait du lait partout et là, il fait : « non mais c’est chiant ». On est très tendus parce qu’on sait pas s’il joue ou pas, on ne sait pas si c’est le père ou si Vincent est vraiment énervé contre nous parce qu’on va refaire la scène une énième fois. Et là, il explose de rire de rire et nous deux, comme on était tendus les 30 secondes avant, pareil, on libère un truc. Et il y a eu une prise avec un fou rire absolument dément. La scène toute seule marchait bien, mais je pense que ça ne rentrait pas dans la continuité du film.

Pensez-vous que ce film peut avoir une influence sur certaines personnes ?

BV : Je crois un peu. J’espère. Oui, je crois ! J’ai l’impression que là où [les réalisatrices] sont très malines, c’est que ça peut autant influer sur des gens qui ont des enfants, qui voient le truc leur échapper et qui n’arrivent pas à leur dire : « assieds-toi, coupe ça, comment ça va. toi ? » Et au jeune qui va se dire : « Bon, c’est pas vers ça que j’aurai les réponses. Même si ça promet beaucoup de choses qui brillent, peut-être que derrière il y a tellement de choses acerbes et sombres que je vais quand même m’intéresser un peu au verso de la pièce. »

Jouer avec le feu de Delphine & Muriel Coulin (Fr., 1h58) avec Vincent Lindon, Benjamin Voisin, Stefan Crepon, Maëlle Poésy, Arnaud Rebotini, Béatrice Pérez, Édouard Sulpice, Sophie Guillemin…

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Jouer avec le feu de Delphine & Muriel Coulin

L’Est de la France, de nos jours. Veuf depuis de nombreuses années, Pierre a élevé ses deux fils du mieux qu’il a pu. S’il a de quoi se réjouir des succès scolaires de son studieux cadet, Louis, l’évolution de son aîné Fus le plonge dans l’incrédulité puis l’effroi : le jeune homme s’est en effet rapproché d’une mouvance identitaire radicale. Pour ce cheminot imprégné de valeurs humanistes, ayant de surcroît jadis beaucoup milité de l’autre côté de l’échiquier, le glissement de Fus vers la haine est vécu comme un désaveu personnel. Pierre tente de raisonner son fils, de préserver son cadet, mais toutes ses tentatives semblent achopper…

Pour leur troisième long métrage de fiction, les sœurs Coulin adaptent un roman — qui n’est pas de la main Delphine — dont les thématiques rappellent beaucoup celles qu’elles ont déjà abordées dans 17 filles (2011) et Voir du pays (2016) : la situation de la jeunesse et l’importance du groupe en tant que refuge contre le monde extérieur. Sauf que le refuge se révèle ici bien fallacieux : un repli sur soi doublé d’une imprégnation idéologique xénophobe.

Et si l’on constate que le désespoir est bien mobilisateur comme l’avait prophétisé Daniel Balavoine (et pas franchement dans une direction susceptible d’inspirer l’alacrité) ; si l’on note l’efficacité des mécanismes d’emprise sur les “proies“ susceptibles de grossir les rangs des groupuscules extrémistes, Jouer avec le feu montre surtout l’incapacité des proches. Comme lesté par une inéluctable fatalité le conduisant à son issue dramatique, le film dégage un cruel pessimisme de mauvais augure : la société serait vouée à subir cette malédiction.

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Pyramide de chaussures : 20 ans après

Prime d’ancienneté

Reste en bout de course une interrogation, à défaut d’être une énigme : le choix du jury vénitien de décerner à Vincent Lindon sa coupe Volpi pour son interprétation dans ce film. Si l’on admet ce principe compétitif — toujours étrange quand on y pense concernant des artistes — visant à comparer des “performances”, celle qu’il livre ici était-elle la plus estomaquante parmi l’ensemble des films en compétition à la Mostra ? Était-elle la plus saisissante parmi celles livrées par les autres comédiens de Jouer avec le feu ? Chacun jugera avec recul et subjectivité, évidemment, mais ne pourra pas nier que Benjamin Voisin réalise ici une prestation bluffante dans le rôle de Fus.

Avec ses faux-airs d’Alain Delon — ce mixte entre arrogance et ingénuité — le jeune comédien a su créer un personnage vénéneux d’autant plus dangereux qu’il est solaire et semble, à son degré d’embrigadement sectaire, totalement étanche à la moindre tentative de discussion. Incarnation physique du désespoir recuit des classes populaires et d’une jeune privée d’avenir, le tout cristallisé en haine de l’autre, sa silhouette tristement banale est jouée sans outrance. Il n’est pas le “méchant” de l’histoire, mais bien une autre victime. Et Voisin, en oscillant entre dissimulation, affirmation de ses idées, faux repentir, violence, incohérence, est plus étonnant qu’un Lindon globalement monochrome ou, disons, engagé dans son sillon coutumier.

On ne peut s’empêcher de voir dans cette sacralisation quasi-automatique des figures aînées (au détriment de la nouvelle génération) une réplique ou une mise en abyme de quelques-uns des facteurs créant le sentiment de déréliction que celle-ci éprouve. Cela, même si dans son (long) discours d’acceptation à la Mostra, Vincent Lindon remerciait Benjamin Voisin et Stefan Crepon — « Ils pensent, eux, que je leur ai apporté des choses, mais ce qu’ils ne savent pas, c’est que je leur ai apporté moins de choses que ce qu’ils m’ont apporté, » La vérité n’est pas toujours dans les palmarès.

Jouer avec le feu de Delphine & Muriel Coulin (Fr., 1h58) avec Vincent Lindon, Benjamin Voisin, Stefan Crepon, Maëlle Poésy, Arnaud Rebotini, Béatrice Pérez, Édouard Sulpice, Sophie Guillemin…

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Veni Vidi Vici de Daniel Hoesl & Julia Niemann

Oligarque autrichien star de la jet set courtisé par les milieux d’affaires et politiques, le charismatique milliardaire Amon Maynard cultive un étrange hobby : la chasse au gibier humain. Longtemps préservé, son secret criminel est mis au jour par un journaliste au rencard… que personne ne veut croire. Maynard ne ménage pas sa peine pour donner des preuves de sa culpabilité, mais plus en il fait, moins on veut le croire coupable. Non seulement il est devenu intouchable mais il a transmis à sa famille son vice…

La fascination pour le pire (et la crainte de le voir à nouveau triompher) taraude encore la psyché germanique, qui sait détecter dans les signes de moins en moins faibles sa proximité. Mettez qui vous voudrez derrière le rictus sardonique d’Amon Maynard, sa manière de défier l’ordre établi tout en revendiquant le cumul des pouvoirs. Son mélange d’esprit ultra-libertaire (au sens individuel) et über-liberaliste (au sens économique) conduisant cet histrion à tenir des conférences de presse en costume folklorique ; à trahir ouvertement ses anciens partenaires ; à provoquer l’opinion publique et la justice sans la moindre conséquence… Les innombrables gages de folie qu’il donne s’avèrent insuffisants ; au contraire le rendent-ils toujours plus désirable aux yeux de la foule, hypnotisée par son succès.

Riches et Ulrich 

D’une ironie grinçante, la forme de cette fable fataliste en épouse le fond. Puisque Maynard emprunte les codes de la classe dominante — en évoluant en super-prédateur parmi les prédateurs dans hautes sphères ou plaçant sa progéniture dans des institutions privées — Daniel Hoesl & Julia Niemann reprennent à leur tout toute l’imagerie associée à la haute société telle qu’elle est véhiculée par les pubs pour les produits de luxe. Photo surexposées, ralentis façon réclame de parfum, villas démesurément grandes et vides… Les clichés visuels pleuvent, accentuant la froideur d’un décor aseptisé dominé par l’uniformité et l’interchangeabilité des objets design, révélant surtout un manque d’attachement à la réalité terrestre. Maynard et les siens possédant tout, plus rien n’a de valeur ni d’importance pour eux.

Dans le rôle du milliardaire maboul, Laurence Rupp est glaçant de crédibilité. Aussi sympathique en apparence que capable de pires atrocités, polyvalent à la manière d’un Christoph Waltz, il constituerait un excellent choix d’antagoniste pour le prochain 007… sans vouloir l’enfermer dans ce genre de prestation. Sa contribution, majeure, boucle une distribution impeccable. Ulrich Seidl se révèlerait-il plus inspiré et visionnaire comme producteur que cinéaste ?

À la différence de cette autre figure de la “relève” cinématographique autrichienne qu’est Jessica Hausner — très inspirée par des devanciers au point de les calquer parfois avec une dévotion obstinée —, notons que les réalisateurs de Veni Vidi Vici adressent au générique un remerciement appuyé à un cinéaste, en l’occurrence Elio Petri. Une manière transparente de payer leur tribut à Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon (1970) dont le protagoniste est également un homme de pouvoir pervers s’ingéniant, en vain, à se faire reconnaître comme responsable du crime qu’il commis…

Veni Vidi Vici de Daniel Hoesl & Julia Niemann (Aut., 1h26) avec Laurence Rupp, Olivia Goschler, Ursina Lardi, Johanna Orsini-Rosenberg… En salle le 18 septembre 2024.

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Les Graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof 

Fonctionnaire intègre, Iman vient de recevoir une promotion en étant nommé juge d’instruction au tribunal révolutionnaire de Téhéran, poste s’assortissant de nombreux à-côtés dont son épouse se fait une joie. Mais les événements politiques qui secouent le pays rendent l’exercice de son métier plus lourd, l’obligeant à prendre des décisions heurtant ses filles Rezvan et Sana, plus proches des mouvements étudiants en révolte. Peu à peu, d’inévitables tensions vont gagner le foyer…

Les Graines du figuier sauvage ne se présentait en compétition pas seulement en tant que film, mais aussi comme symbole. Celui de la voix du peuple iranien et de son réalisateur, longtemps incarcéré, ayant tourné son film dans le secret avant de s’exiler tout aussi clandestinement de son pays. Auréolé d’un Ours d’Or pour son œuvre précédente Le Diable n’existe pas (2020), Rasoulof arrivait en outre en favori, position guère favorable — « qui entre pape au conclave, ressort évêque » dit le proverbe. Certes, la Palme lui a échappé, mais il n’est pas reparti bredouille de Cannes, multi-récompensé (Prix spécial du Jury, de la Critique internationale, du Jury œcuménique, entre autres). Ce qui n’est ni illogique, ni immérité. Mais davantage l’eût-il servi ?

Tel est (le) prix

On sait d’ailleur à quel point les palmarès “engagés” peuvent se révéler à double-tranchant. L’enthousiasme d’un microcosme en tenue de soirée et le bruit médiatique temporaire pèsent en effet peu face au jugement d’une postérité dépassionnée, seule apte à mesurer la justesse artistique de choix influencés par telle ou telle conjoncture. Pour rappeler quelques exemples passés, Fahrenheit 9/11 conserverait-il la Palme d’Or face à Old Boy aujourd’hui ? If… face à Z, pourtant bien plus politique ? 

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“Animal Totem”, “Elle entend pas la moto” en salle le 10 décembre 2025

Il ne s’agit pas ici d’arbitrer spécifiquement entre la comédie Anora (on y reviendra bientôt) et Les Graines du figuier sauvage ; le second toutefois repose moins sur ses qualités intrinsèques que sur l’écho qu’il renvoie d’un contexte. À la différence du Diable n’existe pas(assemblage de courts métrages en apparence disjoints trouvant au finale leur unité), ou d’Un homme intègre (2017, captivante épopée du pot de terre contre le pot de fer), ce nouveau film s’enferre dans sa longueur, neutralisant par la durée la puissance et la tension de ses séquences marquantes. Car il y en a : l’irruption du réel via des images documentaires ; l’interrogatoire de l’épouse d’Iman par un “ami” de la famille ; une course-poursuite aux allures de western et même dans l’ultime segment l’installation de hauts-parleurs qui ressemble à une variation sur une planche des aventures de Tintin (L’île noire) ! 

Sans doute n’éprouverait-on pas ce sentiment de frustration si Rasoulof s’était davantage focalisé sur la trajectoire du juge — et comment il perd son âme en gagnant du galon — ou de ses filles — et comment elles en viennent à le haïr au fur et à mesure que les manifestations fracturent le régime. En conservant le “parti du bien“ du début à la fin, il se piège en péchant par excès de manichéisme.

Les Graines du figuier sauvage de Mohammad Rasoulof (Ir.-Fr.-All., 2h46) avec Misagh Zare, Soheila Golestani, Mahsa Rostami… En salle le 18  septembre 2024.

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Ma vie ma gueule de Sophie Fillières

Poétesse bossant dans la pub, la cinquantaine bien engagée, Barberie “Barbie” Bichette traverse une période de flottement personnel qui la tétanise ou la pousse a contrario à agir de manière impulsive. Face à ses enfants (qui la considèrent comme dérangeante ou dérangée), à son psy (qui n’a pas l’air de l’écouter), à sa sœur, ses amies ou un inconnu (qui en fait n’en est pas un), elle paraît à côté de la plaque. C’est grave ?

La sortie d’une œuvre posthume crée toujours un contexte délicat, où l’appréciation et le regard critique peuvent se trouver embarrassés par la nécessité d’honorer la mémoire de l’artiste défunt ; sans être insincère, le jugement est en somme biaisé par respect des convenances. Disparue après le tournage de ce long métrage, Sophie Fillières nous dispense du moindre attendrissement superfétatoire puisque Ma vie ma gueule peut se voir comme un film testamentaire dénué de toute pompe funèbre. L’héroïne est une variation de la cinéaste ne se ménageant pas — voire s’égratignant volontiers — sans pour autant chavirer dans le nombrilisme.

Lady Barbie

Coutumière des comédies décalées à l’humour bancal (ça passe ou ça casse : soit on est fan, soit on est rétif), la cinéaste a trouvé ici avec Agnès Jaoui une irrésistible alter ego. Parfaite pour incarner les atermoiements et les indécisions ; osant sans impudeur être son personnage bouffée de contradictions et de complexes, la comédienne donne un relief formidable à Barbie sans jamais la rendre insupportable. On s’attache à son côté nature et l’on suit avec douceur son envol progressif, métaphore poétique d’un départ annoncé vers d’autres cieux plus joyeuse que macabre. La présence de Philippe Katerine, dans son propre rôle (mais aussi celui d’une sorte de Charon), compositeur de la bande originale en direct, ajoute au baroque de la chose, sans faire “placement de produit“ d’une célébrité. 

S’achevant sur une idée aussi fantasque qu’aller construire un château en Espagne (mais plutôt en Écosse) Ma vie ma gueule laisse sans amertume avec le sentiment que Sophie Fillières nous a offert en guise d’adieu son plus beau film. Et le plus drôle.

Ma vie ma gueule de Sophie Fillières (Fr., 1h39) avec Agnès Jaoui, Angelina Woreth, Édouard Sulpice, Philippe Katerine, Laurent Capelluto… En salle le 18 septembre 2024.

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