L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé

Durant l’Occupation, Jan Bojarski, un ingénieur polonais réfugié en France est approché par un malfrat intéressé par ses talents dans la fabrication de faux papiers. Mais sa commande est d’une tout autre nature : il s’agit de contrefaire de la monnaie. Bojarski va se révèler plus que doué dans cet exercice, au point de mettre en échec les meilleurs experts et limiers de la police — à commencer par le commissaire Mattei qui va le traquer pendant des années. En vain…

Depuis son « retour aux affaires » après sa parenthèse comme président de l’organisme professionnel UniFrance, Jean-Paul Salomé semble avoir trouvé un second souffle créatif ainsi qu’une martingale pour enchaîner les films réussis. La Daronne (2020), La Syndicaliste (2023) et maintenant L’Affaire Bojarski poursuivent son exploration du genre policier sous toutes ses coutures, en mode fictionnel ou en empruntant la voie la reconstitution de faits réels ; tantôt avec légèreté, tantôt sur un mode plus grave. Le parcours de Jan Bojarski est pour lui du pain béni puisqu’il lui permet d’opérer une sorte de synthèse.

Cours après moi

Film noir, film gris, film pastel, Salomé ne choisit pas : il fond en un long métrage toutes les nuances pour raconter l’itinéraire de son personnage devenant héros de roman populaire, à l’instar du General de John Boorman (1998), brigand sympathique parce qu’il défie les autorités et les tourne en ridicule. Et si la course-poursuite entre le policier élégant et le faussaire taquin rappelle beaucoup celle de Arrête-moi si tu peux (2002), il faut aller au-delà de ce jeu du chat et de la souris — fort plaisant, au demeurant. Car ce qui meut Bojarski, ce n’est pas la volonté d’enfreindre les règles ni la loi, mais le désir d’être reconnu à sa juste valeur d’artiste et d’inventeur. Et accepté, intégré, au lieu d’être sans cesse renvoyé à son origine étrangère par la société française.

L’ombre et le labeur sont omniprésents dans L’Affaire Bojarski. La dissimulation de l’activité illicite l’exige, mais elle s’accompagne d’une compartimentation de l’existence poussée à l’extrême : c’est le prix à payer pour offrir une apparence de respectabilité et de confort bourgeois à sa famille. Avec les séquences nocturnes et les lieux interlopes, les lieux secrets d’élaboration de la fausse monnaie permettent de composer de images aux lumières bien contrastées, sculptées par les ténèbres, qui redonnent de la vigueur à l’élégante esthétique visuelle des années 1950. De la belle ouvrage,
jusque dans la B.O. de Mathieu Lamboley, dont les cliquetis métalliques rappellent la Batucada meurtrière de Michel Colombier pour Le Pacha de Lautner (1968).

Post scriptum

Quant à cette reconnaissance publique de son talent qu’il n’a pas obtenue de son vivant, ni après sa mort, Jan Bojarski va peut-être enfin la récolter par l’entremise du film, autre œuvre d’art. Un peu comme Elmyr de Hory, le peintre faussaire “héros” du documentaire/menteur F for Fake de Orson Welles et François Reichenbach (1975). Avec un renversement amusant au passage pour Bojarski, dont le nom va supplanter en notoriété ceux des peintres et graveurs officiels des administrations postales, de la Monnaie de Paris ou de la Banque de France (Lagriffoul, Roty, Gandon, Dieudonné, Fontanarosa, Piel, Armanelli et tant d’autres…) qui pour certains, avaient leurs noms inscrits sur les timbres, pièces et billets en circulation. Sic transit…

L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé (Fr., 2h08) avec Reda Kateb, Bastien Bouillon, Sara Giraudeau, Pierre Lottin, Olivier Lousteau, Quentin Dolmaire, Camille Japy, Arthur Teboul, Lolita Chammah…Sortie le 14 janvier 2026

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“Victoria” de Sebastian Schipper

Sans pitié de Julien Hosmalin

Rayan et son petit frère Dario vivent avec leur mère Maria, qui tient un stand de tir dans une fête foraine. Un jour que Rayan avait pour mission de s’occuper de lui, Dario est kidnappé pendant quelques heures avant d’être relâché, choqué et martyrisé. Une vingtaine d’années plus tard, l’enterrement de Maria provoque le retour de Dario, qui avait préféré fuir cet environnement délétère. Obligé de s’y confronter, il va remuer un passé sordide et entreprendre une vengeance trop longtemps refoulée…

Un an après Le Dossier Maldoror, voici une nouvelle variation autour de ce traumatisme longtemps refoulé par la Belgique, celui de l’affaire Dutroux et des réseaux pédo-criminels. Mais à la différence de
Fabrice du Welz, Julien Hosmalin n’en fait pas le l’alpha et l’omega de son premier long métrage : il s’agit ici d’un élément contextuel. En somme, s’il n’y avait pas cette toile de fond, le drame originel affectant l’existence de Dario et de sa famille ne serait pas advenu. 

Ajoutons que la Belgique n’est pas explicitement désignée comme le lieu où se déroule l’action. Aucune signalisation, plaque minéralogique ne permet de l’identifier avec certitude ; ce territoire septentrional et doté de côtes pourrait l’être comme il pourrait épouser les contour d’un pays imaginaire. De la même manière, aucune époque n’est spécifiquement mentionnée : nous sommes dans un premier quart flou du XXI^e siècle.

Ne pas dire, ne pas voir

En “neutralisant” l’espace et le temps, Hosmalin, atteint à une forme d’universalité répondant à cet esprit de la tragédie antique que vivent Dario et Rayan. Pris dans un cycle de représailles et de vendetta — façon “œil pour œil” — de trahisons et de ruptures entre bandes alliées, ils sont contraints d’ouvrir une funeste boîte de Pandore n’ayant tendance à se refermer en même temps que les cercueils. Ce schéma bien connu pourrait laisser croire à un film d’une grande violence ; il s’avère habile dans la gestion de ce qu’il met à l’écran, privilégiant la suggestion. 

« Je ne voulais pas montrer ce qu’il y avait sous la trape », explique en substance le réalisateur, faisant allusion à la salle des tortures du repaire des prédateurs. En refusant la crudité gratuite, le gore inutile ou une obscénité complaisante, Julien Hosmalin adopte un parti-pris cohérent avec la ligne de ses personnages enferrés dans un mutisme tenace et une culpabilité partagée : après tout, eux-mêmes ont tenté de rejeter le passé sous un tapis de silence. L’immontrable doit demeurer dans un hors champ — et quand bien même : chaque spectateur ingurgite ordinairement tellement d’images brutales qu’il n’a pas besoin de voir ce que l’ellipse suggère. 

Très prometteur, Sans Pitié sait tirer profit des non-lieux dans lesquels il s’inscrits (terrain vagues, sites industriels péri-urbains, univers nocturnes etc.) et de l’intensité de  comédiens bien assortis pour fabriquer des atmosphères et des ambiances fascinantes. On a hâte de découvrir la suite du travail de Julien Hosmalin.

Sans pitié de Julien Hosmalin (Fr.-Bel., 1h34) avec Adam Bessa, Tewfik Jallab, Jonathan Turnbull… Sortie le 14 janvier 2026.

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Jusqu’à l’aube de Shô Miyake

Souffrant d’un syndrome prémenstruel affectant parfois son humeur et son comportement, Misa a dû quitter son emploi. Elle arrive dans une entreprise d’astronomie à taille humaine où elle détecte peu à peu derrière la misanthropie apparente de l’un de ses collègues, Takatoshi, des symptômes qui lui semblent très familiers : celui-ci est en effet sujet à de violentes crises de paniques qui sapé sa carrière. Après une approche prudente, leurs faiblesses mutuelles finissent par les rapprocher…

De Shô Miyake, on avait découvert en 2023 ce film insolite aux allures de documentaires, La Beauté du geste retraçant le parcours acharné d’une boxeuse sourde promise au meilleur avenir mais brisant elle-même  paradoxalement ses chances de victoire. À sa manière, Jusqu’à l’aube explore à nouveau les mystères intimes de l’individu, prisonnier de démons invisibles l’empêchant de s’épanouir comme il le souhaiterait. Et cette fois-ci, ils sont deux, en miroir, à partager cette douloureuse affection. 

Le soleil a rendez-vous avec la lune

Cette symétrie s’avère également une histoire de contraires, Misa et Takatoshi étant le jour et la nuit. Si l’une est bienveillante, l’autre beaucoup plus hautain et persuadé notamment que sa maladie est plus sérieuse que celle dont souffre sa collègue, qu’il ravale (en la minorant suivant des critères bien sexistes) à un banal désagrément féminin. Takatoshi éprouve par ailleurs un sentiment d’être au purgatoire dans l’entreprise d’astronomie, en attendant de pouvoir reprendre son existence de cadre supérieur. En fait, il vit autant enfermé dans le déni que claquemuré chez lui lorsqu’il est sujet à ses crises. Jusqu’à ce que Misa vienne sur son territoire et l’apprivoise

Le rapprochement mutuel se fait d’abord chez lui et puis cette zone intermédiaire qu’est l’entreprise où des activités collectives les conduisent à partager davantage ; où ce qui les sépare des autres en vient à les rapprocher encore plus. Symboliquement, c’est grâce à une sorte de “projet fantôme“ et dans une temps n’appartenant ni au jour ni à la nuit qu’ils scellent leur complicité. Au passage, on admire la petite entreprise (ses dirigeants comme son personnel) accueillant ces deux profils atypiques en tenant compte de leurs particularismes et en prenant soin de leurs besoins. Un bel exemple d’inclusion professionnelle où la différence n’est pas vue comme une contrainte : elle simplement comprise et intégrée.

Komorebis

Tout en délicatesse, ce film n’est pas sans rappeler Perfect Days de Wim Wenders — où le protagoniste a préféré lui aussi se mettre à l’écart de la vie qu’il menait en effectuant une activité professionnelle en apparence peu gratifiante mais essentielle. Il donne sa pleine place aux beautés simples du monde qu’on néglige de contempler ; ces cadeaux gratuits du quotidien. Et donne l’envie furieuse de découvrir le prochain film de Shô Miyake, Un été en hiver, Léopard d’Or à Locarno en 2025.

Jusqu’à l’aube (夜明けのすべて) de Shô Miyake (Jap., 1h59) avec Hokuto Matsumura, Mone Kamishiraishi… Sortie le 14 janvier 2026

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Furcy, né libre de Abd Al Malik

1817, Île de La Réunion. Esclave dans la plantation de la famille Lory, Furcy Madeleine découvre à la mort de sa mère des documents établissant qu’on lui a spolié sa liberté depuis toujours. Ayant eu la chance d’être instruit, il prend contact avec les cercles abolitionnistes pour porter son cas devant la justice, intentant à son “propriétaire“ afin de faire valoir son droit à la liberté. Son combat durera jusqu’en 1845…

Au départ, un destin humain hors norme illustrant une de ces anomalies entachant notre Histoire commune ; un scandale politique, procédural et judiciaire dont Mohamed Moussaoui avait tiré un essai biographique. Un “sujet“, comme l’on dit, rappelant l’arbitraire des périodes coloniales et la manière dont le droit est malmené lorsqu’il vient entraver des intérêts considérés comme supérieurs — en l’occurrence, l’économie. Au moins deux bonnes raisons de trouver des résonances possibles et utiles entre  ce hier du XIX^e siècle et notre XXI^e siècle oublieux du passé.

Les bons et les méchants

Et puis il y a la proposition que constitue ce long métrage. Respectant l’adage tristement connu « on ne fait pas de bons romans avec de bons sentiments », Furcy, né libre est de ces films si outranciers dans la forme et le fond qui se sabordent eux-mêmes. Comprenez qu’il ajoute à un classicisme formel ultra-sage et léché — une suite muséale de tableaux filmés — une dialectique manichéenne assénée à la truelle. D’un côté, on trouve des esclavagistes cruels, perfides, âpres au gain, répugnants (on peut étendre la liste à l’envi, l’idée étant de suggérer qu’ils sont une cause perdue) ; de l’autre, une poignée d’abolitionnistes dans le bon sens de l’Histoire, se livrant au tribunal à des envolées lyriques à la limite de l’anachronisme, histoire de nous bien faire saisir la permanence du propos. Lourd et gênant plus qu’édifiant.

Scolaire à bien des aspects, Furcy, né libre a peu à avoir avec le précédent et premier film d’Abd Al Malik, Qu’Allah bénisse la France (2014). Il est vrai que ce dernier reposait sur un socle autobiographique. En s’emparant ici de celle d’un autre, mais aussi de son héritage, de son message le réalisateur a perdu quelque chose. Au reste, le générique le crédite comme réalisateur seulement, et non auteur du scénario — lequel a été signé par l’éclectique producteur Étienne Comar, connu pour avoir produit Des hommes et des dieux, mais aussi réalisé Django (2017) avec Reda Kateb.

Prise de tête

 Il n’en faut pas davantage pour soupçonner une direction bicéphale et divergente qui pourrait expliquer cet aspect de fourre-tout sans aspérité, rempli jusqu’à la gueule de braves gens semblant accomplir un devoir civique. Bien loin de la puissance de The Birth of A Nation de Nate Parker, et même du (pourtant surestimé) 12 Years a Slave de Steve McQueen (2014).

Furcy, né libre de Abd Al Malik (Fr., 1h48) avec Makita Samba, Romain Duris, Ana Girardot, Vincent Macaigne, Frédéric Pierrot, Micha Lescot, André Marcon…  Sortie le 14 janvier 2026

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Les Musiciens de Grégory Magne

Co-héritière d’une entreprise de BTP, Astrid est sur le point d’achever le rêve de son père défunt : réunir (à grands frais) quatre Stradivarius pour la création d’une œuvre inédite commandée un quart de siècle plus tôt. Hélas, le beau projet bat de l’aile car les quatre instrumentistes choisis — tous des virtuoses — sont incapables de travailler ensemble. Pour souder le quatuor avant le concert, Astrid a l’idée d’aller chercher Charlie Beaumont, le compositeur de l’œuvre. D’abord réticent et un brin misanthrope, celui-ci accepte de guider les musiciens…

Attention : réussite ! Les Musiciens est de ces films où tout concourt à une forme de transcendance et de grâce. C’est aussi le retour qu’on espérait de la part Grégory Magne, dont L’Air de rien — balade mélancolique autour d’un vieux chanteur (Michel Delpech dans son propre rôle) sauvé de la ruine par un huissier fan et compatissant — avait lancé la carrière mais qui n’avait pas vraiment confirmé avec Les Parfums, sentant la redite peu inspirée avec son histoire d’une “nez” déchue. Si Les Musiciens creuse à nouveau le sillon des affres de la création et du rapport au temps détruisant tout (notamment le rapport de l’artiste à sa perception de son œuvre comme à sa capacité à créer), il se passe ici quelque chose d’autre.

Cordes et discordes

Peut-être parce qu’il élargit sa partition et multiplie les interactions entre personnages, donc les enjeux, Grégory Magne retrouve-t-il ce nouveau souffle. Ainsi que de l’enthousiasme à raconter l’édification de cette cathédrale musicale qu’est ce concert impossible sur le papier — car mu par des raisons tout sauf artistiques. Tout est en effet question d’egos derrière ce projet d’un capitaine d’industrie s’offrant un caprice hors de prix où, de l’instrument à celui qui en joue, tout est tape-à-l’œil. Or, la musique n’a pas à taper l’œil mais passer par l’oreille pour toucher l’âme ; et c’est le sens de la démarche d’Astrid, conforté en cela par Charlie. L’héritière accomplit un acte d’amour filial devant aboutir à la célébration de l’œuvre ; le compositeur rappelle aux instrumentistes-solistes les fondamentaux de l’écoute, de l’harmonie.  

D’ailleurs, la simplicité évangélique du titre — Les Musiciens ! —, son dépouillement, renvoie à ce qui fait l’essence de leur art : jouer de la musique avec « amour et acharnement » et surtout, en s’oubliant soi-même. Leçon d’humilité, retour aux valeurs, ce film a le bon goût de ne pas professer mais de proposer de ressentir. « Je fais de la musique parce que ça m’évite des pesanteurs du langage » lance justement Charlie Beaumont, excellemment campé par Frédéric Pierrot, à l’adresse de cette petite troupe indisciplinée dévorée par sa vanité et son image.

Sacrée gageure que Les Musiciens que de parvenir à user de l’image pour viser le son, mais aussi rendre le langage et l’émotion de la musique audibles, compréhensibles à tout un chacun. En faisant entendre raison aux personnages, il fait aussi écouter les spectateurs mélomanes ou non. Mise en abyme réjouissante dont le mérite est partagé : outre les comédiens-musiciens et le metteur en scène, il faut saluer le travail comme toujours remarquable de Grégoire Hetzel, compositeur et donc interprète fantôme du film. Il serait temps que son talent soit enfin reconnu par ses pairs, d’une préoccupante surdité à son égard.

Les Musiciens de Grégory Magne (Fr, 1h42) avec Valérie Donzelli, Frédéric Pierrot, Mathieu Spinosi, Emma Ravier, Daniel Garlitsky, Marie Vialle… En salle le 7 mai 2025.

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Les Arènes de Camile Perton

Jeune espoir du foot, Brahim a toujours eu pour agent son cousin Mehdi. Sur le point de rejoindre le club de Lyon, il entrevoit la possibilité d’accéder à un contrat encore plus mirobolant grâce à Francis, un intermédiaire étranger s’intéressant à lui et dont l’entregent est monstrueux. Brahim se trouve face à un dilemme : lâcher la proie pour l’ombre en faisant confiance à ce Francis ou rester fidèle à Mehdi…

Doit-on reprocher à un sportif qui, par essence, gagne sa vie en pratiquant un jeu, d’être joueur ? Ou de vendre sa propre peau de star en devenir avant d’être qu’elle soit chassée par d’autres ? On pourrait résumer l’enjeu du premier long métrage de Camille Perton à ces problématiques, sans pour autant en l’épuiser totalement. Roman d’apprentissage moderne d’un Rastignac des gazons, Les Arènes a ceci de paradoxal qu’il parle moins du sport footballistique en lui-même que du sport business ou du jeu que de la théorie des jeux dont il constitue une brillante illustration. 

Les feux du stade

Tout ce qui se passe hors du terrain ayant depuis longtemps cannibalisé les interactions autour du ballon rond, le film ne montre quasiment aucun match mais bien les décisives coulisses des vestiaires. Sans trop trahir l’intrigue, Les Arènes présente des points de ressemblance avec la mécanique retorse de L’Arnaque (1973) — ce genre de combine où le pigeon n’est pas le dindon de la farce que l’on croit — et naturellement avec le récent (et trop mal payé en retour) Mercato de Tristan Séguéla, dont il constitue une manière de complément, côté joueurs. Où l’on voit à quel point l’ambition et le désir d’excellence sont des moteurs paradoxaux, susceptibles de galvaniser comme de contrecarrer les performances d’un joueur, animal à la psyché décidément bien fragile.

Au-delà de l’autopsie d’une magouille roublarde, Les Arènes dépeint ce piège clanique se refermant très tôt autour des joueurs, fatalement coincés dans un conflit de loyauté : la prise de décision individuelle est considérée comme une trahison. Redevable à son cousin de tous les efforts qu’il a accomplis pour lui mais aussi dépositaire des espoirs de sa famille, Brahim doit choisir entre s’affirmer par l’affranchissement ou rester docile dans l’ombre de son mentor. Camille Perton signe peut-être ici un mode d’emploi universel pour comprendre ces gamins à crampons, qu’il faudrait sans doute leur projeter dans leurs centres de formation afin qu’ils prennent un peu de recul sur leur valeur vénale et réelle.

Les Arènes de Camile Perton (Fr, 1h34) avec Iliès  Kadri, Sofian Khammes, Édgar Ramirez, Lorezo Zurzolo, Côme Levin, Grégoire Colin… En salle le 7 mai 2025.

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“Le Royaume”, “Une part manquante”, “En tongs au pied de l’Himalaya”, “On aurait dû aller en Grèce” en salle le 13 novembre 2024

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Un monde merveilleux de Giulio Callegari

Dans un futur proche, le monde s’est accommodée d’androïdes à tout faire — en particulier, toutes les tâches de soin, d’éducation, de contact humain. Ancienne prof condamnée à la déprime et au chômage, Max s’est reconvertie dans la débrouille pour subsister avec sa fille. Son nouveau plan ? Subtiliser un robot haut de gamme pour le refourguer en douce. Malheureusement, elle récupère un modèle invendable et doit partir en cavale…

Rien à dire sur l’argument de base, qui tient de l’allégorie traitée sur un mode drolatique : « un monde merveilleux », c’est ce qu’espèrent avec naïveté toutes celles et tous ceux qui déléguent le moindre compartiment de leur existence aux machines… sans s’interroger sur les potentielles conséquences de leur capitulation (remplacement et donc précarisation de certaines classes sociales, déshumanisation systémique etc.). En parallèle, les supplétifs numériques accèdent au rang d’alter ego et dépassent le mimétisme comportemental, au point de revendiquer le droit d’éprouver des émotions. Comme chez Philip K. Dick, en somme, avec toutefois ceci que la fiction s’avère de plus en plus tangente à notre monde contemporain.

Bien que le sujet soit donc d’une actualité brûlante et que le personnage de Blanche Gardin (en accord avec ce qu’elle incarne à la ville) se montre particulièrement engagé contre la domination de la tech, la mayonnaise ne prend pas vraiment. Est-ce dû à cet idée de buddy movie associant une rebelle anar à un androïde façon C3PO croisé stromtrooper ? Ou au mélange avec une comédie familiale aseptisant les velléités critiques ? La diatribe, au finale, ne porte guère ; par ailleurs, les effets douloureux d’une production réalisée avec des moyens limités se font également ressentir. Dommage.

Un monde merveilleux de Giulio Callegari (Fr., 1h18) avec Blanche Gardin, Angélique Flaugère, Laly Mercier, Lucie Guien, Edouard Sulpice, Georgia Scalliet… En salle le 7 mai 2025.

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Comment avez-vous travaillé l’un et l’autre avec le compositeur du film Grégoire Hetzel ? Grégory, vous l’avez sollicité pour la bande originale et vous, Frédéric, vous l’incarnez d’une certaine manière en interprétant Charlie Beaumont, le compositeur fictif du film ?

Grégory Magne : Il est arrivé à un moment pas précoce, mais quand même : en cours d’écriture. Son regard de musicien et de compositeur a pris toute son importance après, quand il s’est réellement mis à devoir composer. Parce qu’au début il n’y avait pas d’évidence : est-ce qu’on allait entendre que le quatuor de manière diégétique ; est-ce qu’il y aurait d’autres musiques, d’autres instruments, tout était possible… Petit à petit, on en est arrivé à cette idée d’un quatuor uniquement (à l’exception d’un petit piano à un moment), que la musique soit diégétique. J’avais mes problématiques de séquence : il devait se passer ceci entre les musiciens, on devait comprendre cela, et lui il devait traduire ça en musique… tout en restant dans les canons du quatuor qui veulent qu’il y ait quatre mouvements, l’un plutôt lent, l’autre plutôt rapide, etc.

La deuxième contrainte qu’il avait, c’est que la partition avait due être composé dans les années 1990 par ce Charlie Beaumont. Quels étaient nos compositeurs de référence qui auraient pu composer ce style de quatuor à l’époque — Britten, Barber, Glass ? Ce qui était vraiment intéressant pour lui, c’était d’écrire la musique comme on écrirait une scène de dialogue. 

Au début je voulais qu’on sente les tensions ; comment les traduire en musique ? Qu’est-ce qui fait que ça ne marche pas tout de suite quand on file des partitions à des virtuoses qui, par nature, jouent bien ? Et ce qui fait que le spectateur, même profane, va comprendre que c’est pas tout à fait en place ? Puis qu’au fur et à mesure qu’on avance dans le film, dans les répétitions, dans le mouvement ; que Charlie arrive, qu’ils trouvent ensemble les clefs et qu’on arrive à la fin à quelque chose nettement plus harmonieux. Mais tout est bien joué, il n’y a pas de fausses notes, Grégoire avait donc ce petit défi de composer un truc qui raconte cela à chaque étape. Voilà comment j’ai travaillé.

Frédéric Pierrot : J’ajoute quelque chose que m’a dit Grégoire l’autre jour : il a même composé dans le premier mouvement un truc où le deuxième violon était plus brillant que le premier. Je trouve ça super : dans la composition du morceau, à certains moments, il a privilégié la virtuosité du second violon pour qu’elle crée une tension. C’est joli, non ? 

GM : C’est un super exemple de jusqu’où ça va dans sa composition pour continuer à raconter l’histoire. 

FP : Il l’a fait pour le film, pour le cinéma, c’est-à-dire qu’il participe à quelque chose… Alors, moi, de la même manière, j’étais un peu étonné, mais très vite, j’ai eu besoin de le rencontrer parce qu’il a composé aussi des chants d’oiseaux que je suis censé refaire à la clarinette. J’avais donc besoin de le voir pour lui demander un peu d’aide. Parce qu’il avait composé ça sur un “moment” de la clarinette — un changement d’octave, où le doigté est très compliqué.. Et comme j’ai perdu beaucoup de vélocité (sourire) je lui ai demandé l’autorisation de changer la hauteur, pour que ça soit plus facile…

Puis il y a eu une rencontre que Grégory a organisée avec les musiciens, un moment de répétition quelques semaines avant le tournage, où je l’observais faire, bien sûr. Et où je crois m’être inspiré de ce qu’il disait aussi dans les dialogues. Il y a eu un phénomène de… comment on appelle ça ? 

D’imprégnation ?

FP : Oui.

GM : Et à chaque fois qu’il y avait une scène où Frédéric/Charlie devait commenter sa partition auprès des musiciens, Grégoire est venu sur le tournage. Ce qui, je pense, pour Frédéric, était aussi un moyen de se sentir plus libre. Parce qu’il y avait cette sécurité du compositeur qui derrière pouvait lui dire : «  là, tu as dit une bêtise ; ouais, ton image, c’est pas exactement ça que je dirais… »

FP : Je trouvais ça très rassurant qu’il soit là, parce que rien qu’en le regardant, je me disais : « bon, là, il ne valide pas, quoi… » En gros, l’énergie est bonne ou pas… Après, il y a aussi des choses qui peuvent m’être personnelles évidemment, mais c’était très inspirant pour le personnage. 

GM : C’est un personnage, en plus. Et je ne crois pas qu’il soit allé si souvent que ça sur des tournages de films ; il est venu au montage, voir quelle forme ça se prenait… Donc, il y avait son regard à lui ; il y avait ce de Daniel Garlitsky (qui interprète Peter et qui était aussi le conseiller musical) qui venait voir le montage et donnait son avis… Il y avait plein de filets pour essayer d’être le plus cohérent possible par rapport à la musique. 

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Pyramide de chaussures : 20 ans après

Comment avez-vous “composé” votre quatuor, question comédiens  ?

GM : Ce qui est bien, c’est que chacun étant musicien, j’avais autant de “vigies” sur ce que je pouvais faire, ou raconter. Tous ont un avis sur la musique. En plus, c’est marrant, les musiciens : quel que soit leur niveau — même à un très haut niveau — chacun a sa certitude sur comment il faut jouer un morceau. Et donc, ça nourrit et ça décomplexe aussi.

À quel moment vous est venue l’idée d’introduire dans le groupe une instagrameuse, qui tranche par son parcours ?

GM : C‘est un profil de plus en plus fréquent. On voit apparaître des jeunes musiciens classiques qui ne sont pas passés par les voies du conservatoire. Pendant les confinements, des jeunes musiciens doués sont notamment apparus comme ça sur les réseaux. Et, derrière, ils ont signé les contrats dans des maisons de disques, fait des concerts partout à travers le monde et acquis une popularité et une légitimité même aux yeux des musiciens. Ça fait partie de l’époque, donc ça me paraissait intéressant de confronter justement toute la rigueur du musicien classique qui a dû passer des concours, obtenir des prix….

Était-ce volontaire d’en faire une altiste, sachant que dans un orchestre, c’est l’instrumentiste qui est en général le plus “chambré” ?

GM C’est vrai (sourire). Non, je n’ai pas fait exprès. Après, il y avait une équation : il fallait qu’ils soient quatre. Il fallait qu’il y ait deux violons, un premier, un deuxième ; un violoncelle, un alto. Si je ne dis pas de bêtises, au cours de l’écriture, les personnages ont dû permuter :  qui était le plus âgé, qui était le plus jeune… À un moment, on est arrivé cette idée ; ensuite on a fait les essais, c’est-à-dire qu’on a casté indifféremment des garçons, des filles de tous âges qui savaient jouer de la comédie et d’un instrument à cordes ; on a aussi casté des grands musiciens.

Et on a commencé à composer notre quatuor à cordes. Je pense que c’est cette espèce de loterie-là qui a fait que l’altiste s’est retrouvée l’instagrameuse. Et ça collait avec ce scénario. Mais il n’y avait pas, au départ, sur la feuille blanche, « l’instagrameuse, elle est altiste »

Dans Les Musiciens, votre compositeur n’est pas en paix avec la partition qu’il a été écrite un quart de siècle plus tôt. Vu que ce n’est pas la première fois que vous travaillez autour de la musique.…

GM :  Ah oui, on peut dire ça…

…Avez-vous un regard rétrospectif sur L’Air de rien ? (2012) où vous dirigiez Michel Delpech ?

GM : Ben non : c’est comme Charlie. L’Air de rien, la dernière fois que je l’ai vu, ça doit être il y a six ou sept ans. C’était un moment absolument douloureux (sourire). Et c’est pareil pour à peu près tous mes films. Alors, des fois, tu te surprends quand tu tombes dessus et puis tu te dis « ah ouais ». Mais non, globalement, c’est douloureux. En fait, j’ai compris le problème : quand tu réalises, quand tu montes, etc, tu es tout le temps à ajuster la longueur d’un plan, un étalonnage, un mixage… Et puis, il y a un moment où on te dit le film est fini. À partir du moment où tu ne peux plus rien faire sur le film, ça devient douloureux parce qu’il te renvoie les défauts, 

Alors oui, il y a le plaisir de voir si la salle réagit ou pas, mais honnêtement, ce n’est pas drôle. Si je ne peux plus rien changer, dans mon essence à moi, ça n’a pas d’intérêt de le regarder, quoi ! Mais ça ne veut pas dire qu’ils sont mauvais ou que je les trouve mauvais ; ça veut dire que c’est juste dur de les regarder.

Vous restez en tout cas dans cette thématique du son, après une parenthèse dans l’odorat pour Les Parfums (2020). La sensorialité vous habite beaucoup…

GM : Il semblerait (rires) Non, mais j’aime l’idée — dans Les Parfums, c’était déjà là — que si on va au cinéma, c’est pour vivre un truc. Comme je ne fais pas des “films à grand spectacle”, comme on dit, je ne vais pas vous en mettre plein à la gueule, il faut que ça vienne d’ailleurs. Les sensations, l’expérience, le souvenir qu’on en garde… C’est une expérience qui dépasse juste les notions de l’histoire. 

C’est pour cela que vous commencez ce film en essayant de nous montrer l’âme ? 

GM : Du violoncelle ? (sourire) Il y avait cela et aussi l’idée de la lutherie : tout ce que ces instruments ont traversé, qu’on voit plus à l’intérieur qu’à l’extérieur Et puis le mystère de ce plan, aussi, je trouvais être un bon moyen d’approche. L’autre truc — finalement, on a un peu abandonné l’idée — c’était l’acoustique à l’intérieur d’une caisse de résonance : comment signifier aux spectateurs d’emblée que ce film, il va aussi falloir le regarder avec les oreilles.

FP : Moi, je pense vraiment que le son au cinéma a plus d’importance que l’image. Et que, par exemple, les voix des acteurs, le grain même avec lequel c’est enregistré ; comment l’acteur lui-même travaille, c’est musical. Une langue est musicale. Avant même de signifier quelque chose, elle sonne. Est-ce qu’on a vraiment besoin de comprendre ce qui est dit ? Ça dépend. des uns et les autres, mais des fois, oui, des fois, non. des fois, la musique suffit.

Les Musiciens de Grégory Magne (Fr, 1h42) avec Valérie Donzelli, Frédéric Pierrot, Mathieu Spinosi, Emma Ravier, Daniel Garlitsky, Marie Vialle… En salle le 7 mai 2025.

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