“L’Âge d’Or”, “Il faut brûler maman”, “Les Yeux verts”, “Ce qui nous mène à toi” en salle le 11 novembre 2026

Sur les écrans de cette semaine, des femmes et des enfants ; des morts et des naissances, du rire et du tire-larmes. Entre autres…

L’Âge d’Or de Bérenger Thouin 

Né peu avant le XX^e siècle dans une famille de bouchers de province, Jeanne Lavaur va connaître un de ces destins extraordinaires qu’on ne rencontre que dans les romans. Courtisée, puis abandonnée par le fils du notable à particule de la région, elle va tenter l’aventure (et vivre la galère) à Paris avant de revenir en majesté dans le domaine qui lui était jadis refusé. Tout cela, en traversant deux guerres, tournant sa casaque à l’occasion pour mener à bien son désir d’indépendance…

Le premier long métrage de 🔗Bérenger Thouin est de ces films dont l’audace insolite enthousiasme l’âme : sa seule existence prouve que, grâce à de nouvelles générations de cinéastes, le cinéma conserve la faculté de produire des récits inédits. Derrière un titre aussi ambitieux que redoutable, L’Âge d’or tient en effet la gageure d’accompagner un personnage dépositaire de toutes les contradictions d’un XX^e siècle n’en manquant pas lui-même. À elle-seule, Jeanne incarne une synthèse de destins : roturière devenue comtesse, prolétaire syndicaliste changée en patronne tape-dur ; collabo, amoureuse avortée entretenant une liaison passionnée avec une anarchiste italienne…

French Scarlett

Cette femme puissante traversant le siècle en quête du bonheur et d’une stabilité matérielle peut autant se voir comme une opportuniste sans vergogne qu’une figure de l’émancipation, une victime — n’est-elle pas humiliée du fait de son extraction modeste par la famille de son époux ; tondue à la Libération ? — qu’une individualiste forcenée. Nul ne pourrait la prétendre exemplaire mais qui pourrait, en connaissant sa trajectoire, la condamner sans lui accorder des circonstances atténuantes ? Bérenger Thouin a créé avec Jeanne Lavaur une manière de Scarlett O’Hara française, dont le caractère s’affirme en réaction aux événements zébrant le monde.

On ne craint pas de dire que Souheila Yacoub est de la trempe de Vivien Leigh, passant de jouvencelle candide à matriarche âpre au gain. Si le pari de L’Âge d’Or, peu évident sur le papier (on y reviendra), est gagné, c’est en grande partie grâce à son incarnation du personnage de Jeanne à qui elle confère une vérité à chaque instant de sa vie.

La nouvelle vie des images

Car en plus d’être une immense fresque romanesque aux accents dramatiques, L’Âge d’Or s’avère un objet artistique fascinant ; un film-palimpseste composé à partir d’archives glanées dans les fonds Gaumont et Pathé, exploitant les strates de la mémoire cinématographique pour mieux investir la mémoire humaine. Un film à contraintes, donc, où ce passé authentique se mêle à des prises de vues contemporaines et où des images d’aujourd’hui sont parfois incrustées dans ces archives. Précisons que phénoménal travail d’hybridation ne vise pas à détourner l’Histoire mais à s’en servir comme d’un marchepied pour asseoir la fiction — ce que Zemeckis avait brièvement initié lorsque la technique l’avait permis dans Forrest Gump (1995).

À l’ère du doute raisonnable systématique quant à la véracité des images, l’approche de Thouin n’a rien d’une démarche roublarde. Le cinéaste ne cherche pas à tromper ses spectateurs par une contrefaçon parfaite du passé, mais à inventer un nouvel imaginaire en recyclant des matériaux existants. À convoquer hier pour réinventer demain et, à sa manière, démentir Cocteau qui prétendait que le cinéma « filmait la mort au travail ». Thouin œuvre davantage vers la résurrection.

Bérenger Thouin (“L’Âge d’Or”) : « On a passé des mois et des années à se poser des questions sur chaque raccord » 

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Il faut brûler maman de & avec Albert Dupontel 

Drame dans une famille de croque-morts : la mère meurt un jour de grève des employés. Fernand, le fils un peu simplet qui a repris la boutique, appelle ses sœurs Émilie et Judith au secours pour l’aider à parer au plus pressé — en l’occurrence, trouver un moyen de régler la cérémonie funéraire et l’incinération. Klimek, seul employé présent bien que gréviste, se débrouille pour aider sans trahir sa conscience syndicale. Cela n’empêchera pas les événements de partir en chaos de première classe…

Franc-tireur tenant farouchement à sa singularité, Albert Dupontel demeure l’un des très rares aujourd’hui à perpétuer un registre ayant jadis fait florès —des surréalistes aux fondateurs d’Hara-Kiri : l’humour noir et le macabre. Se moquer de la mort et de son cortège de chagrins obligés pour mieux l’apprivoiser serait-il désormais inconvenant ? La comédie émolliente supplante celle qui ne brosse pas le public dans le sens du poil ou — pire — l’égratigne. C’est que les financiers estiment qu’il est fragile, le client le public ! Et qu’il ne supporte pas qu’on l’offense dans sa petite individualité ou son petit particularisme.

Ce qui les lie

Qu’il connaisse des triomphes ou des insuccès, récolte des trophées (qu’il ne va pas chercher), Dupontel ne change pas plus qu’il ne met d’eau dans son vin. S’il sème des contes sensible à la Bienvenue M. Chance où des naïfs flirtant avec la marge viennent se confronter avec fracas au reste du monde, c’est toujours en version sale gosse. On en retrouve des traces dans Il faut brûler maman, conseil de famille en mode funéraire réunissant une palanquée de caractères dissemblables. Deux sœurs excellant chacune dans leur métier mais désespérément seules, un frère un peu limité, un employé amoureux transi sombrant dans l’alcool, comme autant de planètes se frôlant autour d’une dépouille difficilement refroidie.

Si ce ballet co(s)mique et entropique rappelle celui du vaudeville théâtral, avec ses portes qui claquent et son rythme frénétique, cela ne doit rien au hasard. Non seulement parce que le film a été répété (et même joué devant public) sur scène comme une pièce avant tournage ; ensuite parce qu’il prend la forme d’un immense plan-séquence, à peine interrompu par quelques flashbacks. Au-delà de la prouesse technique que ce choix conceptuel constitue, il matérialise (ajouté au huis clos) la permanence d’un lien familial invisible et indestructible entre les personnages — appelons-cela l’esprit de la mère défunte, virevoltant continûment de l’un à l’autre. 

Où est Nicolas ?

Les fidèles du cinéma de Dupontel regretteront certainement que le génial Nicolas Marié ne fasse pas partie de cette aventure ; il se réjouiront sans doute de voir Louise Coldefy en tête d’affiche. Sans surprise : son type de beauté mélancolique comme son jeu en font un “modèle” parfait (au sens bressonnien du terme) pour le cinéaste. On serait pas étonné de la revoir dans le prochain…

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Les Yeux verts de Fanny Liatard & Jérémy Trouilh

Avec leur père, Nour et Chaya sont réfugiés en France dans un petit village. Lorsqu’ils reçoivent une obligation de quitter le territoire sous un mois, leur père part gagner de l’argent en urgence en Espagne et Nour est soudainement frappé par un “syndrome de résignation” qui le plonge dans le coma. Sa petite sœur tente alors tout ce qu’elle peut pour le sortir de sa léthargie… 

Petite forme pour le duo révélé dans le long par Gagarine, Affichant l’ambition louable de poursuivre dans la voie du réalisme magique tout en traitant de questions engagées, 🔗Liatard et Trouilh s’égarent plutôt ici dans une forme de grandiloquence visuelle complaisante, où le plaisir de « faire de l’image poétique” l’emporte sur toute autre considération. L’onirisme se trouve sublimé, quand les séquences dans le réel patinent dans l’improbable ou le grotesque — voir la séquence de l’enlèvement de Nour de l’hôpital, façon pieds nickelés !

Oser l’abstrait

Pourquoi les cinéastes s’obstinent-ils à se raccrocher à un fil narratif traditionnel plombant leur film si la voie de l’abstraction et la métaphore les attire tant ? Question rhétorique : on se doute que des exigences de production en sont la cause. Seulement, une injonction à rester “accessible” est-elle bénéfique si elle conduit à cette hybridation bancale ?

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Ce qui nous mène à toi de Khalil Cherti  

Heureux en amour, Charlie et Hicham pourraient l’être davantage si leur couple n’était pas miné par l’infertilité. Ils décident donc de recourir à une Aide médicale à la procréation, un parcours compliqué dont ils n’imaginent pas qu’il sera long et s’accompagnera de beaucoup d’espérances déçues, de chagrins et de douleurs…

Il convient ici de rappeler ce qui semble pourtant être une évidence : un film n’est pas qu’une intention ni un tract. Acte, geste artistique, sa “fonction” lui impose d’aller au-delà de son seul message initial, en transcendant son sujet par son approche formelle comme son fond. Ce préambule semble nécessaire quand tant de spectatrices et spectateurs, se reconnaissant dans le parcours difficile des protagonistes de Ce qui nous mène à toi, s’estiment personnellement injuriés lorsque l’on émet une critique sur le film. Quand elles n’interdisent pas purement et simplement à ceux n’ayant pas vécu le calvaire de l’AMP de s’exprimer sur le sujet !

Dossier vs. art

Faut-il en conclure que, désormais, seules les personnes concernées par une problématique traitée dans une œuvre — quelle qu’en soit la nature — disposeraient d’une voix au chapitre pour en valider ou réfuter l’intérêt ? Étrange conception de la société qui assoit l’idée d’une sur-segmentation catégorielle et d’une vision ultra individualiste des œuvres. La satisfaction d’un ego ou d’une auto-empathie suffirait donc à valider la qualité d’un film, quand bien même celui-ci serait narrativement bancal, visuellement médiocre, dramatiquement poussif ?

Ce qui nous mène à toi ne cumule pas tous ces défauts, mais il en compte un lot. À commencer par celui d’épouser la structure et la forme d’un téléfilm bateau, aux actes prévisibles (tout va bien dans le couple/crise menant à la rupture/happy end). Pour faire simple, il se borne à être un véhicule retraçant un parcours-type, un film-dossier tire-larmes sur une question sociétale, sans réelle plus-value artistique malgré la sa distribution de prestige. En cela, il rappelle 🔗Des preuves d’amour d’Alice Douard (2025) sur l’homoparentalité féminine, entre autres exemples. L’importance du sujet valait sans doute mieux. Reste que le “chantage au vécu” auquel il a donné lieu, visant museler ou discréditer une parole contradictoire, est un signal très préoccupant quant à la liberté d’expression.