Le Rêve américain de Anthony Marciano

Années 1990. Bouna et Jeremy ne vivent que pour le basket mais sont loin d’en vivre, tous deux effectuant des jobs alimentaires. Leur vient pourtant l’idée folle de se reconvertir en agents de joueurs et d’emmener leurs poulains vers la NBA. Lorsque l’on part de zéro, sans contact ni trésorerie, le pari relève de l’inconscience ou de l’optimisme débridé. Mais avec du bagout, de l’obstination et juste ce qu’il faut de chance, les miracles peuvent se produire…

À rêve américain, film à l’américaine. Mais dans le bon sens du terme : Anthony Marciano emprunte la construction de son films à ces biopics étasuniens édifiants retraçant la destinée hors du commun de self made men partis de rien mais qui, “grâce à un prompt renfort” (talent, chance, obstination, rencontres…) ont su triompher des adversités et se bâtir un empire. De fait, le parcours de Bouna Ndiaye et Jérémy Medjana coche toutes les cases : point de départ improbable, revers à foison, coups de Trafalgar mais dénouement heureux récompensant une vision novatrice et un engagement sans faille au service de leur passion. 

Complément d’agents

Sous des aspects un peu fantasques, nos deux agents sont en effet des bosseurs acharnés, brûlant jusqu’à leurs meubles pour faire en sorte que les joueurs dont ils ont la charge décrochent le Graal. Y a-t-il de l’idéalisation ici ? Sans doute un peu, mais le discours véhiculé tout au long du film mérite tout de même que l’on s’attache à l’exemple de ce duo. Car si outre-Atlantique la réussite se mesure à l’épaisseur du portefeuille ou aux signes extérieurs de richesse, Le Rêve américain insiste surtout un facteur décisif dans le succès de Bouna & Jérémy : leur entente sans faille (pas de rivalité, de coup fourré entre eux, ni de phase de doute) et leur droiture morale. Des valeurs plutôt salutaires dans le bizness familier des coups de Jarnac, comme dans le sport, où l’esprit de compétition déteint parfois salement sur les comportements.

Exalter la vertu de la parole donnée davantage que les chiffres astronomiques mentionnés par les contrats (OK, ils sont aussi cités, mais cela demeure presque secondaire) tient presque de l’exception, de l’affirmation d’une philosophie que ne dénigrerait pas l’auteur du Pouvoir des gentils, Franck Martin. Sans naïveté excessive ni perdre de temps à ruminer du ressentiment vis-à-vis de ceux qui les trahissent, Bouna et Jérémy tracent ainsi leur route, gravissant les étapes comme un joueur enchaîne les paniers à l’entraînement : à la fin, ils accèdent en élite.

Panier à deux potes

Pareil à un conte de fées, Le Rêve américain se déroule dans une plaisante fluidité. Le mérite en revient à Anthony Marciano, qui a su concilier la légèreté de la comédie sans transformer en farce ce qui demeure une aventure humaine au long cours. Le réalisateur a eu également une intuition lumineuse : confier à une paire de potes à la ville le soin d’incarner les inséparables associés. L’effet buddy movie setrouve tihours renforcé lorsque la complicité dépasse les rôles — revoyez les (nombreux) films avec les paires Walter Matthau & Jack Lemmon ou Ben Affleck & Matt Damon. C’est objectivement le cas avec Quenard et Zadi, qui non seulement sont complices mais complémentaires, sans s’entraîner mutuellement dans le cabotinage. Résultat : un bon moment de cinéma.

Le Rêve américain de Anthony Marciano (Fr., 2h01) avec Raphaël Quenard, Jean-Pascal Zadi, Olga Mouad, Tracy Gotoas, Marlise NGadem Bete, Gabriel Caballero, Yiling Yang… Sortie le 18 février 2026.

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Au-delà de Katmandou de Alexander Murphy

Jamuna et Anmuna Budha Magar — deux sœurs exilées à Katmandou — retournent dans leur village natal, situé loin dans les montagnes népalaises. Les bras chargés de présents pour parents, elles ont pour but de participer sur les hauts plateaux himalayens à la récolte d’un champignon aussi rare que prisé, le yarsagumba. Sa vente assurera un pécule suffisant aux Budha Magar et permettra à Jamuna de réaliser son projet : aller étudier au Japon…

Premier long métrage d’un cinéaste franco-irlandais fasciné par l’ailleurs, Au-delà de Katmandou pouvait difficilement explorer une géographie humaine et physique plus éloignée pour un Européen que celle du Népal ! Mais le voyage que Alexander Murphy propose à ses spectateurs n’a rien d’un livre d’images exotiques car il s’incarne dans une réalité concrète : celle de ses protagonistes, cicérones de ce documentaire à plus de 5000m d’altitude. 

Partir un jour

Prétextant leur “expédition-cueillette”, Murphy dépeint tout autant la vie quotidienne dans ces conditions extrêmes, la raréfaction de cette manne surexploitée pour ses vertus médicinales, que les relations au sein de la famille Budha Magar — car l’on suit les conversations intimes entre les quatre sœurs ou avec leurs parents. Surtout, Au-delà de Katmandou accompagne un moment-clef de la vie de Jamuna, sur le point d’annoncer aux siens son désir d’infléchir le cours de son existence en partant au Japon — une décision lourde de conséquences puisqu’elle risque de ne jamais revoir ses parents. Par comparaison, Katmandou était un bien petit exil, et la jeune femme en est consciente.

Moins didactique que centré sur les échanges interpersonnels, et ce qu’ils racontent en creux d’une inflexion inéluctable de la société népalaise — pas plus épargnée que le reste du monde par le souffle du “progrès” —, ce documentaire nous offre en contrebande des paysages époustouflants dont on ne peut s’empêcher de se demander jusqu’à quand ils demeureront intacts. Sic transit…

Au-delà de Katmandou de Alexander Murphy (Fr.-Nép., 1h29) documentaire avec Jamuna Budha Magar, Anmuna Budha Magar, Lachhin Maya Budha Magar, Anjali Budha Magar… Sortie le 18 février 2026.

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I Love Peru de & avec Raphaël Quenard & Hugo David 

Comédien avide d’arriver aux portes de la gloire, Raphaël est suivi au quotidien par un apprenti cinéaste rencontré sur un tournage. Leur amitié quasi-fusionnelle se fissure lorsque l’acteur goûte au succès et prend la grosse tête. Mais après une rupture amoureuse, Raphaël convoque son pote afin qu’il l’accompagne au Pérou où il espère trouver un remède spirituel à ses tourments sentimentaux et existentiels…

Voici un objet rudement intéressant, dont il peut être difficile de savoir à quel degré il a été conçu et à quel niveau il faut le lire ; c’est d’ailleurs en partie ce qui fait l’un des attraits de ce faux documentaire assumé. Tournant autour du nombril du plus médiatisé des nouveaux venus du cinéma français, I Love Peru a tout pour agacer ceux que Raphaël Quenard insupporte déjà ; le film possède en outre bien des arguments pour achever d’horripiler ceux qui ne savaient pas encore si l’acteur les amusait ou les énervait. De tous les plans ou presque, le “héros” s’y montre en effet sous son pire jour : arriviste, rapiat, ingrat, tyrannique, exhibitionniste, sans le moindre égard pour les autres pas plus que pour sa dignité.

Pérou en la demeure

Voudrait-il se dépeindre en repoussoir qu’il ne procéderait pas autrement, comme si lui et son complice Hugo David se livraient à une entreprise de torpillage de l’image publique de Quenard-la-vedette ! Certes, il y  a bien bien une intention derrière ce projet un brin anar mais pas suicidaire : les auteurs ne se cachent pas d’avoir pris pour modèle le documenteur de Casey Affleck I’m Still Here (2010) retraçant la prétendue descente aux enfers de Joaquin Phoenix, à l’époque où il avait feint une reconversion dans le rap et l’alcool. L’accumulation de travers que Quenard étale ici, en Dorian Gray post-moderne, estompe le reliquat de frontières entre la ville et la scène : Raphaël devient un personnage total, aussi imbuvable que Camille Cottin à ses débuts dans sa caméra cachée Connasse.

Si l’on peut comprendre l’effet de saturation médiatique qu’il suscite — l’acteur a été vu dans 16 films depuis 2023 et vient en sus de publier son premier roman — Quenard l’amplifie dans I Love Peru en dévoilant les coulisses (imaginaires) de son milieu professionnel. Un monde d’apparat et d’apparences, de relations factices ; de frivolités clinquantes masquant un quotidien terne. Cette démythification de l’artiste, observé hors de la scène en “roi nu” n’est rien d’autre qu’une version filmique de ce que l’on suit sur les réseaux sociaux depuis deux décennies : une course aux partages narcissiques enjolivant la réalité. Affichant ici médiocrité et beaufitude, le Raphaël du film tourne en dérision tous ces egos hypertrophiés.

Lui c’est lui

Alors bien sûr, I Love Peru entrient la confusion jusqu’à la lie, voire l’hallali, entre ce que Raphaël Quenard  est ce qu’il interprète ; et le film, avec son côté à l’arrache, ne fait pas grand chose pour être esthétiquement aimable. Mais ce côté bancal, un pied dehors, un pied dedans ne fait que crédibiliser le concept vaguement situationniste. Il y a une vingtaine d’années, un autre comédien-réalisateur (alors très exposé) avait essuyé un torrent de boue pour avoir abordé de manière non conventionnelle l’univers cinématographique : Laurent Baffie avec Les Clefs de bagnole (2003), à qui le temps finira par donner raison. Espérions pour Raphaël Quenard qu’il n’ait pas à subir le même chemin de croix.

I Love Peru (Fr., 1h08) de et avec Raphaël Quenard & Hugo David avec également Anaïde Rozam, José Garcia… 

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Habituellement, les comédiens sont “emplis” des mots des autres, mais il n’est pas rare qu’ils donnent à entendre leur propre voix — tout particulièrement  parmi les acteurs français. Si l’on remonte avant vous, il y a d’autres experts de la “science-diction“ tels que Edouard Baer, Fabrice Luchini…

Raphaël Quenard  : Sacha Guitry…

Tous ceux-là continuent à jouer ; d’autres comme Yasmina Reza ou André Roussin ont presque arrêté de le faire lorsqu’ils ont pris la plume pour donner leur voix aux autres…

Ce qui se comprend parce que c’est plus libre, quand même, quand tu écris. Moi, j’aime bien les analogies. J’ai pratiqué football pendant 16 ans et c’est vrai que c’est plus simple et plus direct au foot : tu peux jeter des t-shirts par terre, une canette, une bouteille et faire un match tout de suite. Pour pouvoir créer quelque chose, tu as juste besoin d’une feuille, d’un stylo et il n’y a pas de barrière à l’entrée. 

Le cinéma, c’est trop dur de devoir déjà convaincre des gens ; qu’ils te fassent confiance, qu’ils le laissent créer ce que tu as envie de faire. Les réalisateurs, ils doivent gratter un petit espace de liberté au fil des films… Mais c’est trop dur de convaincre des gens de donner des millions d’euros sur des choses dont ils doutent qu’elles vont être efficaces, profitables… Il y a la nécessité économique. 

Il n’y a pas beaucoup d’investissement sur un livre. Je crois statistiquement (sourire) que l’avance moyenne, c’est 3000 euros pour écrire un livre, pour un premier livre. Donc, il n’y a pas d’argent. Si tu veux faire un film dans les règles en payant tout le monde, sans cascade, sans tourbillons de caméras, sans bâtiments qui explosent, en mettant des gens dans une pièce avec des face à face, où on se chuchote à l’oreille et on s’échange des banalités, déjà, ça coûte un million d’euros !

Un film de “chambre de bonne…”

Même un huis clos comme ça, ça coûte un million d’euros si tu veux payer tout le monde. Sauf si tu le fais dans des configurations comme I Love Peru, qu’on a fait à l’appareil photo, à deux. Le tournage ne coûte rien, mis à part du temps et de l’énergie de notre part. Mais tout le processus d’après a coûté 450 000 euros pour monter le film, l’étalonner, le mixer, faire en sorte qu’il puisse être projeté dans des salles…  Ça coûte trop cher. 

Alors que là, c’est bien, c’est direct. Donc, je pense que tu te sens plus libre. En plus de ça, il y a moins d’intermédiaires, là où dans le film, il y en a beaucoup qui viennent donner leur avis, t’imposer des sens de réécriture. Là, il n’y a vraiment que l’éditrice Alix Penent d’Izarn qui est exceptionnelle et que je ne peux que remercier. Il n’y a qu’elle entre toi et la personne qui va consulter la création.

L’écrivain est malgré tout un intermédiaire à sa façon : celui de sa propre inspiration. On connaît votre manière de vous exprimer, votre élocution, votre talent pour l’improvisation… Est-ce que cette fluidité à l’oral est la même lorsque vous écrivez ? Improvisez-vous aussi à l’écrit ?

Alors moi, je prends beaucoup de notes dans la vie et je croise des gens, je note des comportements — soit des phrases, soit des parcours de vie qu’on me décrit. Là, j’ai rencontré un chirurgien dentiste qui a tout plaqué pour partir en Afrique mettre des balles dans des têtes d’animaux, se renvoyer des léopards empaillés chez lui et essayer de les vendre en cash à des gens au pif. Bon, je me suis dit : « il est bien, lui. ». Je prends des notes, comme ça…

Après, c’est un cocktail, tu mélanges : un peu de traits de caractère d’une personne de ta famille, de ta mère ; mélangé avec une expérience personnelle… En fait, c’est un amas qui est satisfaisant quand tu vas refouiller dedans et que tu peux tout mélanger parce que tu concoctes ta petite soupe idéale. Comme tu jetterais un sac de légumes ; c’est un pot-au-feu.

Un pot-au-feu, ça a besoin de cuire longtemps…

Comme un livre ! Moi, ça m’a pris sept ans, on va dire. Le temps de l’écrire et après de l’envoyer à tout le monde. D’aller comme un malheureux et de le donner aux maisons d’édition qui, bien sûr, ne donnent pas suite — ou alors, en disant : « on a pris beaucoup de plaisir à lire votre ouvrage, mais malheureusement, il ne s’inscrit pas dans notre ligne éditoriale. ». En fait, tu ne reçois que des lettres comme ça. Après, j’ai rencontré deux éditrices, j’ai commencé à travailler avec elles : ça ne l’a pas fait, j’ai beaucoup procrastiné parce qu’il y avait des films et que je faisais d’autres trucs… Du coup, je l’ai laissé de côté. 

Jusqu’à ce qu’une fois, à la radio une dame me dise : « mais toi, tu réécris les répliques dans tes films ? » — ça, c’est vrai, moi, j’aime bien. Je lui dis oui. « mais tu réécris pas que les répliques, tu écris d’autres choses ? —Ouais, j’ai un livre, il s’appelle Clamser à Tataouine, commencez pas à me voler mon titre ! » Et c’est retombé dans les oreilles de la chef de Flammarion…

Venons-en au contenu. Le commencement de l’aventure du narrateur est un pas — et même un saut — en arrière ; curieusement, le début de la vie du livre est aussi un pas en arrière puisqu’avant de le sortir sous votre nom, vous avez failli le publier sous le nom de Pierrot Tchitch. Cette espèce de mise en abyme était-elle volontaire ?

Aucunement pas, c’était une pure erreur de notre part, une pure maladresse. Il serait faux de vous dire que tout ça était calculé ; il n’y a rien à part de la bêtise et de l’incohérence ! Au début, j’ai voulu mettre ça. J’adorais ce nom, qui est le patois du nom de ma mère. Et la personne, c’est un personnage du village de ma grand-mère, un peu illustre, quelqu’un de qui on parle ; autour de qui il y a des histoires qui circulent — un personnage magnifique.

La première agent que j’ai eue m’avait dit que Quenard, c’était « immonde », pour reprendre ses mots. Elle m’avait dit : « Tu pourrais changer de nom. » Et j’avais pensé à ce pseudo. Après, j’ai changé d’agent avant de changer de pseudo ; du coup, j’ai signé à mon nom. Ensuite, comme il y a des gens qui font la confusion entre un rôle et mon nom, mon identité civile, j’avais envie de dissocier l’activité de l’auteur, Et j’avais trouvé cette idée au bout de laquelle on n’est pas arrivé… Mais peut-être un jour, j’arriverai à signer sous un alias.

Comme une sorte de défi ?

Oui, mais c’est marrant, en fait. Après, ça a été fait par une palanquée d’auteurs — Pessoa bien sûr ! Ça doit être jouissif à voir : imaginer la création d’un autre. Moi, j’aimerais bien une configuration où c’est mon cousin qui part à la télé et qui fait comme s’il avait écrit mon roman. J’aimerais bien imaginer des petites configurations comme ça, c’est amusant. Faut bien distraire (sourire)

À propos de distraction, le personnage essaie de donner un sens à sa vie en donnant la mort — dit comme ça, ça peut refroidir…

Je ne sais pas s’il veut donner un sens à sa vie. En tout cas, il veut mettre sur pied quelque chose qui est une forme de planification funeste, malheureusement, regrettable. Mais c’est un peu son champ du cygne. Son dernier truc. Il n’imagine pas non plus couler des jours complètement heureux des suites de ses agissements qui sont problématiques. Je pense qu’il veut juste faire un dernier coup d’éclat, un peu comme on le voit dans le parcours de gens qui écrivent un manifeste — comme Anders Breivik ou des gens comme ça qui prennent le soin d’écrire 1500 pages qui détaillent leur idéologie et qui ensuite vont commettre un massacre de masse… 

En fait, tu n’arrives pas à imaginer l’intérieur de ces cerveaux-là qui mettent en place des œuvres aussi macabres. Lui, il le fait avec un peu plus de légèreté on va dire — d’autant plus que c’est un personnage de fiction. Ces personnages prennent la place de Dieu en décidant qu’il y a tant de personnes qui doivent mourir tel jour… Ils sont aussi fascinants et aussi mystifiants que peuvent l’être les créatures divines. C’est pour ça qu’ils sont aussi intéressants. Je m’endors quasiment tous les soirs devant une émission où ils racontent le parcours d’illustres barjots comme ça !

Cette manière de traiter du crime, ça fait un peu penser à une version contemporaine De l’assassinat considéré comme un des beaux-arts de Thomas de Quincey. Il y a quelque chose de l’ordre de cet humour noir qui parsème tout votre livre…

Sans en faire évidemment ni l’apologie ni un éloge ni une incitation. Mais oui, c’est vrai qu’il y a plein d’artistes qui esthétisent la violence sans que pour autant leurs œuvres n’en deviennent problématiques. Tu vois, Tarantino : tous ses films esthétisent une forme de violence qu’il rend folklorique, drôle, un peu magique et surréaliste… Et on arrive à profiter devant ça. Mais c’est normal, il faut bien que ce soit abordé : ça existe dans la vie. Même si c’est des actes un peu extrêmes, ça ne doit pas être interdit de les aborder dans une œuvre artistique. Et c’est l’essence-même du processus cathartique, qu’on aille chercher dans les abysses; les tréfonds de nos âmes pour qu’on puisse accepter de se regarder en face et de regarder la monstruosité qui nous constitue.

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Une question “Christine Angot“. Pourquoi Tataouine ?

Pour moi, ce n’était pas vraiment Tataouine pour le lieu en Tunisie ; c’est plus l’expression : ça aurait pu s’appeler Clamser à Pétaouchnok. Mais par contre, moi, j’ai un Tataouine en tête. Je visualise un Tataouine dont je peux affirmer une seule chose ; c’est une île paradisiaque. Et c’est pour ça qu’il y aura un ticket d’or dans un des livres qui va permettre de remporter un voyage à Tataouine. je ne vais pas divulgâcher ce qui se cache derrière cette destination, mais je vais le dire dans pas longtemps. Tataouine existe, en tout cas..

Le livre abrite une autre géographie : des morceaux de Grenoble. Il était indispensable de partager un peu de cette géographie qui est la vôtre avec le personnage — qui n’est évidemment pas vous…

Oui, oui. Il y a notamment un des meurtres qui se déroule dans un cadre qui m’est familier, puisqu’on parle d’une montagne qui surplombe ma ville natale, Grenoble — la plus belle ville du monde, après Lyon, bien sûr (sourire) Je l’ai utilisée comme on utilise des références communes. En fait, il y avait des cadres qui me parlent, que j’étais en mesure de décrire, que j’avais évidemment envie d’utiliser parce qu’ils sont des sources d’inspiration du quotidien. 

Et même dans chacun de mes rôles, il y a Grenoble dans le sens où mes amis d’enfance, ma famille, ma mère, mes oncles, tous les gens que je rencontre et tous les gens que je connais à Grenoble, sont en moi. « Les artistes sont des vampires », c’est une vraie phrase que j’ai entendue, mais c’est vrai. Tu t’inspires des gens qui sont autour de toi. Et comme l’inspiration est à chaque point d’attitude, de regard, de gestes, etc. ; que moi, j’ai passé 22 ans de ma vie à Grenoble, ben, c’est parti !

Est-ce que c’est jouissif, ce sentiment d’être un vampire ou est-ce qu’on le ressent avec une forme de culpabilité ?

Pour ma part, aucune culpabilité, au contraire ! Par exemple,, j’utilise beaucoup d’expressions de gens de chez moi. Il y en a des spécialistes à qui les expressions appartiennent, quasiment, et que je peux réutiliser. Si j’en mets une dans un film, ils vont m’appeler, ils sont contents, c’est comme une dédicace, Par exemple, j’ai un ami peintre en bâtiment qui est riche en créations lexicales. Il ne veut pas faire artiste, ça ne l’intéresse pas de faire profession de dire des textes. Mais quand ça lui fait des dédicaces comme ça par film interposé, il est content. Après, il va au bar PMU et il dit : « t’as vu la phrase qu’il a dite ? »  (sourire)

Mais vous n’avez pas fait que “voler“ des expressions…

Ah mais non. La construction, c’est un mélange. Après, je ne sais pas d’où les choses viennent. C’est aussi des choses que moi, je vis personnellement, des expériences que je traverse tout seul, mais c’est à chaque fois infime, tu grappilles. Par contre, je crois vraiment qu’on est chacun le cocktail de tous les gens qu’on a rencontrés, vu qu’on se construit par mimétisme et que le réflexe depuis l’enfance, c’est d’imiter la personne qui est en face. 

Il n’y a qu’à voir quand tu es avec une personne calme et apaisée, tu te fixes sur son pouls et tu te mets à son diapason. Du coup, tu te cales sur la personne : même toi, tu es changeant et tu es en mutation permanente. Tu es le résultat de tous les gens que tu as croisés au préalable et qui t’ont marqué, même de façon inconsciente.

C’est l’effet des neurones miroirs…

C’est l’effet des neurones miroirs ! L’empathie.

En parlant de cette imprégnation ou du mimétisme, avez-vous été inspiré au niveau de l’écriture par un Isérois fameux ?

Le plus grand, le plus grand ? Le plus grand écrivain isérois ? Sans aucune espèce de compétition, c’est Stendhal.

Je ne pensais pas à un Grenoblois, mais à un Berjallien : Frédéric Dard.

Ah, Frédéric Dard. Je sais qu’il a écrit San-Antonio. je ne l’ai jamais lu San-Antonio. Mais on m’a dit que ça pouvait s’inscrire dans la veine de ce que lui avait fait. Donc, il faut que je dise. J’avoue, j’ai commandé des livre de San-Antonio pour me mettre à la page.

Est-ce que ça a été difficile pour vous d’abandonner ce personnage ?

Alors je n’ai pas du tout ce truc en tant que comédien. Franchement, on finit un tournage, il y a la dernière scène à 16h, à 16h15, je suis dans la régie, je n’ai aucune espèce de problème. Ça me ferait rire moi-même que de m’imaginer dire des phrases comme ça ! J’ai hâte plutôt de développer la nouvelle idée que j’ai et qui m’excite au plus haut point. Non, je suis plus excité par le prochain truc qu’en regret d’un truc qui est fini. L’accouchement a été quand même long : 7 ans d’accouchement !

Bon, ce n’est pas 7 ans parce que ça a été tellement… fragmenté. Je ne saurais pas te dire même, mis bout à bout, le temps que ça représente. De toute façon, si tu veux faire artiste, il ne faut pas mesurer. Si tu commences à travailler au taux horaire… L’artiste, c’est un modèle économique qui ne marche pas. Parce que tu travailles tout le temps. La rentabilité ne fait pas partie des premiers éléments que tu dois considérer si tu veux faire artiste. 

En tout cas, je sais qu’à la fin, quand j’ai connu la date de sortie, j’ai vu un mur face à moi et je me disais : « non, non, non, ça ne va pas sortir comme ça » je voulais le relire à haute voix et tout. En plus, on finissait les films I Love Peru en même temps, je finissais à 3h du matin, je me levais à 7h… Les cernes venaient toucher le bord de l’œil, je te le dis !

Clamser à Tataouine, Raphaël Quenard, Flammarion (192 p., 3h de lecture), 22€

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Commençons par la fin, ou plutôt par les dernières images : le film s’achève sur un double volet, à la manière d’un battement de paupière pendant qu’Hugo dit qu’il a « fait le film qu’il rêvait de faire ». Le spectateur a l’impression, avec lui, de sortir d’un rêve…

Raphael Quenard : C’est vrai que ça pourrait être ça…

Hugo David : Pour l’instant, vous n’êtes pas beaucoup à l’avoir remarqué. C’était plutôt le mouvement de la caméra qui se ferme puisqu’elle s’ouvre au début du film. La fin, puisque le film est enfin fini, on peut enfin éteindre la caméra.. 

RQ : J’avoue qu’on n’y a pas pensé, mais votre interprétation du rêve que Hugo aurait fait un rêve de faire un film, ça pourrait être un truc surréaliste — d’autant plus que tu vois un condor à la fin du film. J’entends que ça puisse être interprété comme ça.

HD : Mais vous avez remarqué le mouvement. Déjà parce qu’il se remarque, qu’il est plus marqué pour la fermeture de la caméra. Et que votre œil averti l’a vu dans une salle et pas sur un téléphone dans le train (sourire).

Avant ce long, vous aviez déjà collaboré sur un court, L’Acteur, ou la surprenante vertu de l’incompréhension (2023). En est-il directement ou non le point de départ ?

RQ : Pas du tout. On avait plus fait un film sur un tournage ; on avait profité de Chien de la Casse sur lequel on s’est rencontrés. Et il y a eu un armas d’images qui s’est formé, parce qu’on était bons clients l’un de l’autre — et qu’on rigolait l’un avec l’autre. On passait du temps ensemble parce que Hugo avait vocation — en tout cas, la profession voulait qu’il conçoive un making of. Donc, il avait cette caméra au poing qui faisait partie de notre relation. Au bout d’un moment, il y avait un tel armas d’images qu’on s’est dit : « Viens, faisons un film ». Et y a eu L’Acteur. Après, c’est autre chose. 

HD : C’est pas un prototype dans le sens où ça n’a pas été réfléchi. Ce n’était pas : « Tiens, ben, on ferait bien un film, essayons déjà sur un court métrage » Le court métrage est né naturellement parce qu’on était déjà en train de filmer ; et tout de suite après le court métrage, j’ai continué de le filmer. On savait qu’on ferait autre chose et qu’on ferait plus long ; mais au début, on ne savait même pas que si serait un film ou une web série.

Nous, ce qu’on voulait faire, c’était un Strip-Tease. Et donc de parler d’une espèce de looser magnifique — et encore, pas trop magnifique ! C’était plus une fascination pour les gens qui, comme dans l’émission Strip-Tease, ont une obsession. Sauf qu’on voit que cette obsession, elle affecte leur vie, elle est catastrophique et qu’il n’y a rien qui tient debout. Là, puisqu’on était sur un tournage de cinéma, il fallait naturellement raconter qu’il soit mauvais.

RQ : En fait, ça n’a pas été théorisé ; ça a été fait avec les moyens du bord. On savait qu’on avait envie de faire un truc ensemble ; le format et le mode de fabrication qu’on avait expérimenté sur L’Acteur, on avait envie de le poursuivre… On ne savait que ça, en vrai. C’est pour ça qu’au début, on est parti sur une idée qui n’a pas été conservée à la finale — d’ailleurs, le projet a été abandonné à mi parcours. Parce qu’au début, on faisait un truc sur l’underground des coulisses du métier de l’industrie du cinéma pour les tourner en dérision, comme on avait accès à plein de plateaux. Et au fil du temps, on a collecté des images, on l’a proposé à un producteur qui nous a demandé de créer un scénario — scénario dont il a estimé qu’il n’était pas présentable à des financiers.

HD : C’était 3 millions d’euros alors que là, on a certainement fait le film le moins cher de l’Histoire (rires). 

RQ : En tout cas depuis la Sortie des Usines Lumière. Et encore avec le nombre de figurants qu’il y avait, s’ils ont été payés, ça dû leur coûter plus cher ! (sourire) Nous, on a tout volé. Y a pas une autorisation, y a pas une personne qui a donné son consentement — on l’a demandée qu’après coup. Ceux auxquels on n’a pas eu accès, on les a floutés, évidemment. C’est pour ça qu’il y a beaucoup de gens floutés dans le film.

Y a-t-il malgré tout des images “volées” à l’intérieur du film, tournées en contrebande ? 

HD : De lui ? Non. Je ne l’ai jamais filmé sans qu’il ne le sache pas.

RQ : Il y a une image volée, mais on ne peut pas dire à laquelle, parce que pour le coup… 

Après avoir abandonné votre projet sur les coulisses du cinéma, comment le film a-t-il pris cette forme ?

RQ : Après avoir écrit le scénario du film non finançable, on a arrêté.

HD : On avait quand même tourné pendant un an des images sur des plateaux — toute la première partie du film que vous voyez, c’est ce qui reste de cette époque où, à la fois, on écrivait un “vrai film” mais en même temps, on était tributaires du tout ce qui se passe dans le présent. Et donc, on avait filmé le maximum de ce qu’on pouvait dans le présent. Donc quand le scénario à 3 millions d’euros (où on se faisait plaisir avec des blagues un peu abrasives et trop provocatrices) a fini la corbeille, on avait ces images.

RQ : Ça a été abandonné, mais il y avait quand même ce billet en suspens pour le Pérou — ça c’est une vérité. 

HD : Je lui ai dit : « on écrit un court métrage… »

RQ : Il devait y avoir 50 pages, mais c’était vraiment indépendant : c’était sur le deuil amoureux. On a tourné au Pérou pendant 5 jours et en revenant, on a fait un petit montage, d’1h10. On l’a montré à Canal+ et à un distributeur. Ils nous ont dit : « vas-y, on vient avec vous ! » Et du coup, le producteur de la première partie a dit : « je vais le voir quand même… » Et là, il nous a dit un vrai truc : « qu’est-ce qu’il lie cette histoire ? Cette votre amitié à tous les deux » C’est comme ça que ça a pris la forme que ça a maintenant.

Celle d’un documenteur ?

HD : Docu-fiction, mockumentaire, tout ce que vous voulez… C’est tout sauf un documentaire ; c’est une fiction qui prend la forme d’un documentaire et qui est à un degré d’authenticité plus poussé parce qu’elle se nourrit de vraies choses. Mais tout ce qu’il dit est faux, tout ce que je dis est faux ; notre relation n’est pas celle dans les enjeux dramatiques qu’on raconte ; c’est une fiction. Même une séquence de plus anecdotique, ou François Civil le met à l’amende sur un plateau, évidemment que c’est de la fiction. Il faut comprendre que c’est une fiction. 

Et en fait, je suis partagé parce qu’il y a des gens qui ont un doute – déjà, c’est très surprenant parce que le film nous paraît très peu plausible. Mais ça veut dire que peut-être que ce film, en tant que fiction, a réussi sa mission qui est de faire oublier que c’est faux au moins pendant le visionnage. Après, quand des gens viennent me voir à la fin, en me disant : « C’est quoi les trucs vrais ? Est-ce qu’il est vraiment radin ? » Là, je me dis : « Aïe ! »

RQ : Ce problème de lecture, il existe même, si tu fais un autre film complètement fictionnel. Par exemple, je sais qu’après Yannick, il y plein de gens qui m’appelaient Yannick et qui croyaient que j’étais ce gars-là. Quoi que tu fasses, je pense qu’il y a toujours une confusion qui s’opère avec ton identité civile. C’est pour ça qu’on ne devrait pas mettre notre identité civile sur les affiches. Sinon, la confusion est trop possible. C’est pour ça que j’avais voulu prendre un pseudo pour écrire mon livre Clamser à Tataouine. Mission échouée.

Est-ce que vous voyez faire un film totalement différent ?

HD : Ah oui, absolument, oui ! Ce film, on l’a fait aussi parce que… C’est notre façon à nous de pouvoir faire un film ensemble au moment où on l’a fait — que ce soit le court ou le long métrage. C’était impossible pour moi, d’aller voir un producteur, en lui disant : « confie-moi ne serait-ce qu’un million d’euros, t’inquiète pas, je vais faire un film. » C’était une façon de faire un film. La seule raison pour laquelle je pourrais refaire un film dans ce dispositif, qui est quand même assez engageant d’un point de vue planning personnel, c’est si Raphaël redevient un inconnu. Peut-être même du vrai documentaire. 

RQ : Comme le film sort, les gens croient qu’on nous a donné de l’argent pour le faire. On a galéré comme des trimards ; on a pas reçu un euro pour faire ce film ; franchement, il est fait avec deux bouts de ficelle. C’est un film de bric et de broc. Vraiment ! Les images, les voix off, on les a enregistrées avec nos téléphones — il doit avoir 500 enregistrements dans son dictaphone. Des trucs de 20 minutes pour tenir une phrase d’une seconde avec l’intonation qui nous convient. C’est pas évident ! 

On me dit : « Ah, peut-être que tu vas faire un film facilement… » Bah non, après, on ne fait pas un film facilement. C’est la bagarre pour tous les réalisateurs, que d’essayer de monter un projet et de réunir la somme d’argent nécessaire à la concrétisation. Il y a quand même un ratio d’efficacité à souligner : pour les 20 premières minutes du film, on avait 190 heures de rushes qui se sont transformées en 20 minutes. Et par contre, pour le Pérou, on a 10 heures qui se sont transformées en 40 minutes. L’enseignement qu’on en a tiré, c’est que c’est mieux quand on écrit, quand même. Et quand on sait où on va (rires)

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Thibault Emin (“Else”) : « Ça me réjouit toujours beaucoup, l’étrangeté »

HD : Et on a fait 25 minutes en 1 an et demi et 40 minutes en 5 jours… En même temps, peut-être que si on avait tout écrit, il y a beaucoup de choses qu’on aurait pas dites.. Et il y a tellement de trucs différents que ça échappe à tout sens de logique narrative, en tout cas au début. Ça fait vraiment documentaire – ce qui est le but de l’exercice.

RQ : Les autres gens qui participent, ils ne sont pas là pour nous. Ils sont là dans le cadre d’un travail pour un autre patron. Donc on peut pas leur demander ni d’apprendre du texte, ni de faire des choses. Alors qu’ils nous donnent déjà de leur temps. Mais s’ils nous donnent 10 minutes, comme ça a été le cas quand on a les épisodes avec les différents acteurs acteurs…. Tout s’attrape un peu à la volée.

HD : La préparation, elle est impossible. On sait pas si l’acteur, le jour même sera dans une forme discutable ou pas… Si son humeur fera qu’il n’aura pas envie de tourner avec nous…

Justement, ce que vous avez tourné sur le plateau de L’Amour Ouf, était-ce écrit ?

RQ : On a été voir mon agent pour ajouter une clause dans les contrats de mes films : deux jours par tournage, Hugo était autorisé à venir. En amont de ces deux jours où Hugo serait présent, moi j’essayais de discuter avec les acteurs en leur disant : « Est-ce que tu accepterais de te prêter au jeu ? » Pour L’Amour Ouf, cette scène on l’a tournée un quart d’heure après que Gilles Lelouche a parlé pour la première fois à Hugo, quand il a été au courant qu’il était là. On s’amusait… Gilles était dans la loge, en train de nous briefer avec François [Civil, NDR] et J.-P. [Zadi, NDR].

HD : Et c’est là que c’est magique : en plus, on ne lui demande même pas d’intervenir mais tu vois que les comédiens, c’est des gens qui ont vraiment envie de jouer. Donc quand Gilles voit que je suis en train de filmer Jean-Pascal, François et Raph’, lui-même commence à rentrer dans le truc sans demander.

On voit des plans tournés sur le plateaux de Pourquoi tu souris ?, mais sans son réalisateur Chad Chenouga — pourtant lui aussi acteur. Il n’a pas été filmé ?

HD : Si, il l’a été, et pas mal !

RQ : Il n’a pas été conservé au montage. Pourtant il y a une réplique de lui qui est restée jusqu’aux dernières heures du montage. 

HD : Une réplique culte, c’est du Belmondo qu’il répète à l’envi. J’aurais aimé voir cette ligne. Il s’est prêté au jeu, hein, de fou !

RQ : Tout le monde, d’ailleurs, sur Pourquoi tu souris ? Je pense que c’est un des tournages où on a le plus d’images. 

HD : Je suis venu quatre jours, C’est pour ça qu’il y a toutes les scènes avec J.-P. et Emmanuelle [Devos, NDR]

Comment avez-vous vécu la sélection du film à Cannes Classics ?

HD : C’est une consécration parce que c’est la plus belle des récompenses aujourd’hui.

RQ : Franchement, on n’y a jamais pensé avant d’être au montage. Au montage, c’est devenu une blague avec le producteur : « Tu verras, on ira à Cannes. Non, ça ne le, mets-le pas dans le montage, ça ne plaira pas au comité cannois » Et à la fin… Je pourrais vous montrer la conversation que j’ai eu avec Thierry Frémaux, je lui disais : « Les frères Lumière l’aurait sélectionné ». J’ai fait des grandes phrases : « C’est un film qui réunit deux gars, une caméra, l’amour du cinéma, et le cinéma dans son plus simple appareil. Ça fait sens que de l’intégrer à ta sélection. » À un moment, il m’a répondu : « Ta pugnacité t’honore, Raphaël. Je cherche une place à ton film. » Alors là… 

Un petit mois après, je n’avais pas eu d’appel. Je lui ai envoyé un message en disant : « Je vois les producteurs tomber en dépression les uns après les autres, dont le mien. Thierry, dis-moi que pour moi le show must toujours go on. » Et là il m’a appelé et il m’a dit : « c’est bon ». Et du coup, il nous a régalé. C’était un honneur de nous inviter, il fallait qu’on soit à la hauteur et qu’on propose quelque chose en retour, c’était la moindre des politesses : tu ne viens pas les mains vides. On a fait la montée des marches avec le condor. Ça a donné aussi un peu plus de lumière : ce film qui était très difficile à faire exister n’avait pas de distributeur ; tout ça est arrivé après. Maintenant, on espère le vendre à une chaîne de télé.

I Love Peru (Fr., 1h08) de & avec Raphaël Quenard & Hugo David avec également Anaïde Rozam, José Garcia… En salle le 9 juillet 2025.

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L’Attachement de Carine Tardieu

Au moment de conduire son épouse Cécileà la maternité, Alex confie à leur voisine Sandra le petit Elliott, 5 ans, né d’une précédente union et qu’il élève comme son fils. Hélas, Cécile va succomber en donnant la vie à une petite fille, laissant Alex et Elliott effondrés. Sandra va alors devenir pour eux trois un repère maternant inattendu, y compris pour cette célibataire quinquagénaire plutôt solitaire…

Il est des films pareils à de petits miracles, touchant par leur délicatesse de chaque instant ; suscitant de surcroît une forme d’admiration parce qu’ils se coltinent des sujets d’une violence intime effroyable, digne des pire mélos. Entre casse-gueule et tire-larmes, L’Attachement tient ainsi du numéro d’équilibriste, où la justesse des sentiments et des personnages prend le pas sur toute tentative/tentation d’en faire trop. Par quel mystère Carine Tardieu est-elle parvenue à évacuer le pathos comme à déjouer les facilités de l’émollient happy end ? Toujours est-il qu’au terme de près de deux heures d’un film nous conduisant du deuil à une reconstruction difficile, aux faux-semblants de l’amour et aux illusions de l’amitié éternelle, on sort non pas d’une fiction mais d’une tranche de vie authentique, quittant à regret les personnages qui nous l’ont partagée.

La vie pour de vrai

À quoi peut-on imputer cette douceur élégante et cette capacité à nous faire éprouver de l’empathie pour Alex, Sandra, Elliott et les autres ? Au filmage, peut-être, si… humain. À hauteur d’enfant ou d’adulte ; semblable à des coups d’œil fugaces, la caméra suit ou surprend les yeux des personnages et crée des contacts visuels. Le premier attachement passe par le regard, le reste vient naturellement. 

Et puis il y a ce ballet des événements et des rencontres : les liens qui se distendent et se renouent ; cette impression d’être dans la vie balloté par l’imprévu, sans que rien ne soit écrit, laissant une part aux erreurs et aux ruptures. Sans crise théâtrale ni cris brutaux : les larmes n’ont pas besoin de porte-voix pour se faire entendre ni être comprises. Quant aux mots, ils sont présents, tirés du quotidien et sans littérature, pour dire les choses. Cela semble banal mais c’est aussi exceptionnel que ces séquences montrant le père et le beau-père du petit Elliott dans une relation non conflictuelle. Où il est question de paternité sans joutes testostéronées de mâles alpha — il y en a une comparable dans le prochain Baya Kasmi, l’excellent Mikado. Coïncidence ou pas, ce regard sur une nouvelle masculinité est dans les deux cas porté par des réalisatrices…

On tresse, à raisons, des lauriers à Kore-eda ou à Kôji Fukada, peintres nippons des déchirements familiaux. Il faut désormais penser à regarder plus près de nous et intégrer Carine Tardieu dans le cénacle des cinéastes parlant du cœur sans penser au nombril. Voilà qui donne envie de se replonger dans sa filmographie, et notamment La Tête de maman ou Ôtez-moi d’un doute: il y a plus qu’une cohérence qui se dessine et se prolonge avec L’Attachement.

L’Attachement de Carine Tardieu (Fr.-Bel., 1h45) avec Valeria Bruni Tedeschi, Pio Marmaï, Vimala Pons, Raphaël Quenard, César Botti… En salle le 19 février 2025

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François Beaune (“Lyon”) : « Ce cliché “Lyon ville bourgeoise“ m’a toujours énervé »

Mercato de Tristan Séguéla

Agent de joueurs de football, Driss se trouve au creux du creux de la vague. C’est pile le moment que choisit un ancien partenaire en affaires tout juste sorti de prison pour réclamer son dû. Peu compréhensif, il laisse à Driss une poignée de jours pour rembourser sa dette. Un compte à rebours insensé s’engage pour tenter de négocier LE transfert rémunérateur qui le sortirait de la panade. Mais si Driss ne manque ni de tchatche, ni d’audace, le sort semble s’acharner contre lui…

Pourquoi le principal sport collectif occidental attire si peu le cinéma ? On pourrait expliquer cette carence par son omniprésence sur tous les écrans et la saturation qu’il impose dans les esprits de janvier à décembre, malgré ses fausses trêves : les aficionados du ballon rond sont suffisamment servis en dramaturgie ordinaire avec les matches et l’actualité footbalistique pour ne pas éprouver le besoin d’en vivre davantage par l’intermédiaire de la fiction, voire du documentaire. Certes, des comédies au crampon pesant investissent parfois la pelouse, mais le jeu en lui-même fait rarement l’objet d’une attention spécifique. Et lorsque c’est le cas, comme dans l’inclassable Zidane, un portrait du XXI^e siècle (2006) de Douglas Gordon et Philippe Parreno, le résultat a de quoi déconcerter par sa radicalité et son abstraction.

Le paradoxe du foot au cinéma réside donc dans cette difficulté à rendre captivantes les phases de jeu à l’écran, a contrario de l’incontournable boxe, où la situation des duellistes accentue la dimension épique de leur face à face. Voilà pourquoi sans doute les cinéastes voient dans les coulisses, lieux de tous les trafics, échanges, coups fourrés et enjeux, de meilleurs terrains, moins exposés de surcroît : les projecteurs étant braqués sur le rectangle de gazon comme pour faire diversion.

Enjeux plus que jeu

Mercato (ou M€rcato si l’on reprend la graphie officielle) affiche d’emblée ses ambitions : traiter du nerf de la guerre, de cette économie de la transaction reposant à la fois sur une affaire de morale douteuse — faire commerce d’êtres humains est en effet, selon les contextes, assimilable à une activité d’esclavagiste ou de Pygmalion — et une part de psychologie digne de Sun Tzu et Machiavel réunis. Ce sujet, certes intéressant, manquerait toutefois de relief s’il n’était complété par le thriller justifiant le compte à rebours rappelant celui d’un match et surtout par la mise à plat de la géo-éco-politique du football contemporain.

Tristan Séguéla pointe une sacrée dissonance cognitive : là où d’aucuns voient de la poésie, du génie dans le jeu ou la technique des footballeurs, les intermédiaires, sponsors et propriétaires entrevoient surtout la possibilité de mannes exponentielles. Et pourtant, les tifosi demeurent attachés à leur club comme à des joueurs, feignant d’ignorer que ceux-ci ne représentent que des capitaux pour des investisseurs à l’autre bout du monde. Sans être pour autant une charge vitriolée — le réalisateur comme les scénaristes étant des mordus du foot —  Mercato laisse percevoir une forme de mélancolie, que les notes de Mozart viennent renforcer.

Si l’on souhaite avoir une vision complémentaire sur le sujet, mais cette fois davantage du côté des joueurs, on se reportera avec profit sur le (très bon) premier long de Camille Perton, Les Arènes, prévu en salle début mai.

Mercato de Tristan Séguéla (Fr., 1h59) avec Jamel Debbouze, Monia Chokri, Hakim Jemili, Mili Machado Graner, Niamh Moriarty… En salle le 19 février 2025.

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September & July de Ariane Labed

Adolescentes proches en âge comme leurs noms le suggère, September et July sont élevées par une mère célibataire, Sheela. Au lycée, July est souvent victime de moqueries ou de harcèlement conduisant September à la défendre… et à se faire exclure de l’établissement. Après une brimade de trop, la famille part se mettre au vert sur la côte, dans la maison grand-parentale. L’ambiance y est pesante et une hostilité sourde semble émaner de September…

C’est le triste lot des films à twist de perdre en attrait dès lors que le spectateur subodore la possibilité d’un retournement final. Voire d’être vidé de tout intérêt lorsque ledit coup de théâtre est deviné dans les premiers instants : car le public, trop soucieux de collecter des indices tangibles validant son hypothèse, se rend aveugle aux autres subtilités du récit, de l’interprétation ou de la mise en scène. On se gardera bien révéler sur quelle mystification narrative repose ici la fin, au plus indiquera-t-on qu’elle relève d’une certaine tradition qui rappellera des souvenirs aux amateurs de fantastique.

Dommage pour cette première réalisation de la comédienne Ariane Labed, qui derrière le film de genre “à chute” traite au fil de son histoire d’une foule de sujets térébrants en créant une atmosphère malaisante plutôt réussie. L’adolescence comme âge charnière, l’univers de la sororité, la promiscuité toxique ou la question du harcèlement sont traités avec assez de subtilité et un attachement notable pour la forme cinématographique pour que l’on espère de sa (future) prochaine réalisation de belles choses… tout aussi dérangeantes. À quoi bon rester dans la norme quand on peut gratter là où cela démange ?

September & July (September Says) de Ariane Labed (All.-Irl-G.-B., int. 12 ans avec avert. 1h38) avec Mia Tharia, Pascale Kann, Rakhee Thakra… En salle le 19 février 2025.

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^{When the Light Breaks de Rúnar Rúnarsson}

Islande, de nos jours. Étudiante en art, Una vient d’entamer une relation secrète avec l’un de ses condisciples. Celui-ci prend la route et se trouve au nombre des victimes d’un terrible accident endeuillant le pays. Se rendant sur les lieux du drame, Una doit alors partager son chagrin avec ses amis mais aussi avec la petite amie officielle du défunt. Tout cela lors d’une (longue) journée…

Film-concept jouant sur les contrastes et les contraires — le deuil vécu par la jeunesse, une unité de temps de l’aube au crépuscule (augmentée par la situation ultra-septrionale et l’été islandais, qui rallonge la période diurne), la nécessité de dissimuler son affliction —, When the Light Breaks tourne malgré tout vite à vide, dans l’attente d’une hypothétique crise ou révélation. Visage marmoréen, Una intériorise ; Rúnar Rúnarsson se repose sur les beautés délivrées par les crépuscules ralentis de l’été boréal.

S’il est toutefois une chose qui parvient à transcender l’horizontalité rasante de ce drame souterrain, c’est bien un plan hypnotique sur la façade d’une cathédrale lisse et blanche, à l’austérité toute protestante. La perte de repères qu’il occasionne, en inversant les perspectives, offre un très rare moment de grâce, d’élévation et de vertigineuse verticalité. Un instant où l’image se transforme en sensation pure.

When the Light Breaks (Ljósbrot) de Rúnar Rúnarsson (Isl.-P.-B.-Cro.-Fr., 1h20) avec Elín Hall, Mikael Emil Kaaber, Katla Njaálsdóttir, Baldur Einarsson, Águst Wigum, Gunnar Kristjánsson… En salle le 19 février 2025.

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“Anémone – Les Racines du mensonge” en salle le 25 mars 2026

“Les Rayons et les Ombres”, “Police Flash 80”, “La Guerre des prix”,  “La Danse des renards” en salle le 18 mars 2026

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Horizon : une saga américaine Chapitre 1 de & avec Kevin Costner

1859. Les premiers pionniers acquéreurs de concessions à Horizon, dans la (future) vallée de San Pedro, sont abattus par des Apaches n’appréciant pas la profanation de leurs terres sacrées. Quelques années plus tard, alors qu’une petite communauté a émergé, un nouveau raid la rase. Les rares survivant sont recueillis par les Tuniques bleus pendant que des chasseurs de primes partent en quête de trophées. En parallèle, une jeune femme fuit le Dakota pour échapper à l’emprise d’une famille criminelle… et un nouveau convoi de charriots fait route vers Horizon…

Il faut d’emblée se souvenir que Kevin Costner a redonné de la vigueur — à l’instar de Leone, Peckinpah, Nelson, Penn ou Siegel avant lui — au western à l’aube des années 1990 : Danse avec les loups avait largement contribué à sauver le genre de sa périclitation. Un genre usé, ringardisé puis logiquement boudé par un public autant lassé par son manichéisme sommaire que par le “récit-fédéral” qu’il contribuait à colporter, au détriment bien entendu des Premières Nations. Grâces soient donc rendues à Costner qui, par une fresque lyrique et humaniste, avait su renouveler le regard des spectateurs.. 

Cette incursion dans le western n’avait rien d’une tocade pour Costner qui par la suite récidiva comme auteur et/ou interprète avec Open Range (2003), la série Yellowstone (2018—) ou l’injustement méconnu L’un des nôtres de Thomas Bezucha (2020). Rien d’anodin mis bout à bout. Mais… oserait-on dire que tout cela n’était qu’un préambule à un magnum opus, ce western-somme que ce premier chapitre de Horizon semble annoncer ? 

Western définitif, définition

Par essence, le western vise à raconter l’appétit pour les grands espaces et le désir des pionniers de les soumettre à leur main ; il y a une logique qu’il ait tôt accouché de fresques à la (dé)mesure des décors et récits fondateurs qu’il retrace : globalisant mais idéologiquement très elliptique (La Conquête de l’Ouest, 1962), opératique et allégorique via l’arrivée du chemin de fer transcontinental (Il était une fois dans l’Ouest, 1969), en s’ouvrant à la voix des Premières Nations (Little Big Man, 1970)… Équivalent cinématographique de la chanson de geste pour l’Amérique naissante, le western sublime tout autant les caractères héroïques que des panoramas hors normes. 

Horizon s’inscrit dans cette tradition en intriquant dans sa trame ample des destins individuels recouvrant plusieurs strates de la population, plusieurs civilisations. Davantage qu’un tableau, le film constitue une mosaïque dynamique — un quilt, devrait-on même écrire, pour rester dans l’ambiance — de l’ensemble des éléments constitutifs de ce paysage en formation du XIX^e siècle sans pour autant faire catalogue. Les lieux iconiques figurent naturellement mais débarrassés du folklore ; les archétypes aussi (cow-boy, prostituée, cavalerie…) mais délestés des clichés ; idem pour les situations canoniques (duel, raid etc.) qui gagnent ici en authenticité. 

Gain de temps

Permettre d’embrasser autant de personnages n’est possible qu’à la condition de s’autoriser la durée. Le premier chapitre de cette saga prend donc le temps de respirer, donnant aux fils dramatiques le temps et l’espace de se dévider en direction de leur horizon. À ce sujet, imagine-t-on un tel récit se déployer sur la diagonale étrécie d’une tablette ou d’un smartphone ? Le grotesque a ses limites que le format panoramique et la photo splendide de photo J. Michael Muro ne devraient pas connaître. Le travail sur la luminosité de l’image vaudrait en effet à lui seul l’expérience de la salle : l’étalonnage renoue avec l’éclat magnétique des paysages classiques, aux montagnes mauves se découpant sur des ciels d’un bleu éclatant. Les trois heures de ce spectacle rappellent le primat indiscutable de la salle sur les autres écrans.

Ce choix esthétique a aussi un prix. Si atteindre l’horizon est dans l’absolu une utopie et s’implanter à Horizon mission périlleuse, Costner a mis de sa poche pour édifier cet Horizon, aidé par le distributeur français Metropolitan Filmexport — qui avait pareillement soutenu Viggo Mortenensen pour Jusqu’au bout du monde. La frilosité actuelle des studios américains, en bout de d’inspiration et en fin de cycles(s), les mène à ignorer toute prise de risque sur des sujets pourtant patrimoniaux… et à manquer aujourd’hui ce qui constituera leur catalogue classique de demain.

Horizon : une saga américaine Chapitre 1 de & avec Kevin Costner (É.-U., 3h01) avec également Sienna Miller, Sam Worthington, Luke Wilson… En salle le 3 juillet 2024.

*^**

Pourquoi tu souris ? de Christine Paillard & Chad Chenouga 

À la rue et sans boulot, Wisi se fait passer pour un sans-papier africain afin d’être hébergé par Marina, une bénévole humanitaire un peu crédule. Las ! sa combine est éventée par Jérôme, tout juste expulsé après la mort de sa mère, qui l’oblige à lui faire une place chez Marina. Le drôle de duo va alors tenter de se sortir de la mouise en accumulant des plans plus pourris les uns que les autres…

Totalement inattendue de la part de Chad Chenouga, plus coutumier des drames sociaux inspirés de son parcours ou de faits divers, cette comédie révèle un goût pour un humour poil à gratter d’autant plus caustique que les situations sont totalement en prise avec le réel. Goût partagé ici avec Christine Paillard du scénario à la réalisation, au fil de situations menant Wisi et Jérôme à expérimenter des magouilles moins génératrices de profit que d’embrouilles et de ridicule.

Seuls two

Trente ans après Les Apprentis (1995) de Pierre Salvadori mettant en scène deux fauchés aux prises avec des difficultés à peu près comparables, Pourquoi tu souris ? dépeint en parallèle la systématisation de l’exploitation intermédiaire dans notre société, où la moindre activité humaine peut être uberisée ; où la solidarité “loachienne” met du temps à ressurgir tant elle a été détrônée par le chacun-pour-soi. Comme dans les comédies cruelles italiennes, les auteurs ne cachent pas les défauts de leurs personnages et s’en servent même pour donner du piquant aux situations. Oui, il y a aussi des petits chefs imbuvables dans le monde associatif ; Jérôme a un sacré fond raciste et Wisi semble un brin homophobe. À quoi bon l’angélisme s’il travestit l’authenticité ?

Bien qu’il suive d’un duo de bras cassés se transformant en trio, puis en quatuor (en intégrant une vieille dame politiquement incorrecte mais prompte à la transgression), Pourquoi tu souris ? est aussi une photographie des solitudes contemporaines, lèpre n’épargnant personne. Mais tout est lié : l’isolement, volontaire ou subi, empêche de créer du lien. Donc de “faire société“, comme l’on dit, et favorise son émiettement. En provoquant des appariements baroques, le film recrée une forme de lien mais offre parfois des arrières-plans savoureux révélant les effets “dynamiques” de ces rencontres imprévues. D’ailleurs, celle de Jean-Pascal Zadi et Raphaël Quenard (qui se retrouve ici après Coupez ! de Hazanavicius) contribuent pour beaucoup aux sourires décochés par le film. On a là en partie l’explication du titre.

Pourquoi tu souris ? de Christine Paillard & Chad Chenouga (Fr., 1h35) avec Jean-Pascal Zadi, Raphaël Quenard, Emmanuelle Devos, Judith Madre, Camille Rutherford… En salle le 3 juillet 2024.

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Pendant ce temps sur Terre de Jérémy Clapin

Spationaute, Franck a disparu corps et biens en pleine mission intersidérale. Trois ans plus tard, sa sœur Elsa est soudainement parasitée par une forme de vie mystérieuse qui lui propose un étrange marché : lui rendre Franck à condition qu’elle lui fournisse d’autres humains “hôtes“ pour héberger les siens…

Après J’ai perdu mon corps(2019) le réalisateur Jérémy Clapin n’en a donc pas fini avec les quêtes organiques ni les cosmos fantastiques. Et s’il passe ici à des recherches d’individus “dans leur intégrité”, il opère toutefois un changement formel de taille en abandonnant (presque) le cinéma d’animation pour la prise de vues réelles. Cette “transmutation” fait d’ailleurs écho avec le thème du film : cette idée d’explorer et d’investir de nouveaux territoires artistiques rejoint le besoin vital des entités extraterrestres de coloniser des organismes humains.

Projet ambitieux, Pendant ce temps sur terre convoque et confronte ainsi de manière synchrone l’infini invisible de l’univers spatial à l’intériorité indicible des êtres. Le for intime d’Elsa se trouve contaminé par une entité capable de décider pour elle, la ravalant au rang de pantin, de coquille dépouillée de sa personnalité réelle. La jeune femme n’est alors guère différente de certains pensionnaires dont elle s’occupe dans l’EHPAD où elle travaille. Et quand elle redevient elle-même, elle se trouve confrontée à un dilemme métaphysico-cornélien : qui sacrifier pour satisfaire son désir égoïste de retrouver son frère ?

En corps ! 

Séduisant sur le papier, le film peine à transformer pleinement l’essai. Premier caillou scénaristique gênant : pourquoi diantre le “marionnettiste” a-t-il besoin de s’assurer de la coopération volontaire de sa “marionnette“ s’il peut la contrôler à sa guise ? C’est beaucoup (trop) d’égards de la part d’un parasite vis-à-vis de son hôte. Et surtout se compliquer la vie pour rien ! Si l’on admet toutefois la mansuétude peu logique de l’entité extraterrestre, on trouve peu judicieux les scrupules et les choix d’Elsa — mais c’est un autre débat ! Question effets spéciaux à présent, Clapin oscille entre une inspiration cronenbergienne volontiers gore et un low tech plus suggestif — une alliance peu encline à produire de la cohérence. Reste l’atout majeur du film : Megan Northam, qui incarne depuis quelques années un intéressant renouvellement des visages du cinéma français. Heureusement qu’il y a l’humain, finalement.

Pendant ce temps sur Terre de Jérémy Clapin (Fr., 1h29) avec Megan Northam, Sofia Lesaffre, Catherine Salée… En salle le 3 juillet 2024. 

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David a rendez-vous pour déjeuner avec Florence, une jeune femme qui le poursuit de ses assiduités et dont il n’arrive pas à se défaire. Sur le chemin du restaurant, il tente de convaincre son ami Willy de séduire Florence en lui vantant ses qualités. Mais Willy se méfie, flairant le piège. Au même moment, Florence est en route, elle aussi accompagnée d’un invité surprise : son père, à qui elle veut présenter « l’homme de sa vie ». Là encore, le trajet ne se déroule pas sans encombres puisque Guillaume sort brutalement de la voiture et surtout de son personnage…

En jeu, fous !

Personnage, car Guillaume est comédien. Cabot, même, trouvant médiocre le rôle qu’on lui fait jouer. Et ne se prive d’ailleurs pas de le signifier à sa partenaire. Prêt à quitter cette production décidément indigne de sa personne, il se rassérène quand son téléphone lui apprend qu’il a été retenu par un prestigieux cinéaste américain. De son côté Willy dévide les pires énormités politiquement incorrectes sur les homos, trans, handicapés faisant rouler des yeux indignés à son interlocuteur. Lequel objecte qu’il ne peut pas professer de telles opinion « car ils sont filmés ». Surtout, il veut pouvoir continuer à travailler sans que sa réputation ne soit entachée par quelque scandale que ce soit. Quant à l’interprète de Florence, elle n’est pas moins névrosée dans le privé, ouvertement méprisée par sa famille et son agent…

Le Deuxième Acte, du nom de la gargote perdue où se retrouvent les protagonistes après leur (longue) déambulation, brouille à nouveau les frontières entre la réalité et un “autre chose” qui lui est contigu, lui ressemble voire cherche à la contrefaire. S’il a longtemps malaxé le rêve et l’imaginaire, Dupieux s’attache ici comme dans Yannick à (dé)mettre en scène le jeu et ceux qui le pratiquent par métier : les acteurs. Démarche symétriquement ludique puisqu’elle dépend d’un contrat entre le joueur et le joué (le public), le jeu se trouve en l’occurrence considéré en tant qu’élément narratif, alimentant la progression de l’intrigue sous le regard complice du spectateur. Dès les premières minutes, avec la rupture du “quatrième mur”, il n’y a — en apparence — pas de doute : la fiction est désamorcée, rattrapée, débordée par le réel. Mais ce réel l’est-il tant que cela ?

Pirouettes pirandelliennes

Au-delà de la mise en abyme des comédiens jouant des acteurs — incarnant eux-mêmes des personnages —, d’autres jeux connivents se nouent de part et d’autre de l’écran. L’un repose sur l’image publique des vedettes, leurs traits de caractère supposés ou des rumeurs (égotisme de Lindon, gouaille de Quenard, sagesse excessive de Garrel, caprices de Seydoux) que les concernés exagèrent, comme s’ils se travestissaient en leur propre caricature. Dupieux reprend à sa sauce un concept que Blier avait expérimenté dans Les Acteurs (2000), mais sur un mode plus cruel et heureusement moins funèbre : plutôt qu’invoquer le passé, il tourne en dérision le présent.

L’autre jeu en découle. Plus subtil, il emprunte à la rhétorique en usant d’une manière de prétérition pour dézinguer à la fois les bas-du-front tenant des propos discriminatoires autant que les nouvelles polices politiques promptes à excommunier tout ce qui n’épouse pas les tendances morales du moment. Premier et second degré se mêlent, incitant le monde de l’art et de la pensée à ne pas tout prendre au pied de la lettre, à retrouver le sens, sinon de l’humour, au moins celui de la distance.

Où est l’auteur ?

Dupieux ne sachant se contenter d’un seul retournement narratif, d’un seul concept ni d’une seule contrainte, il pousse évidemment un cran plus loin son discours autour de l’emboîtement des réalités… sans pour autant en faire trop — son habitude de restreindre la durée de ses films lui évite la “séquence superflue” qui ferait effondrer l’édifice. On a droit toutefois à une progression comique proprement irrésistible digne des meilleurs Blake Edwards où le ridicule, la maladresse et la bêtise des personnage ne peuvent que provoquer le fou-rire. Toujours émule de Buñuel, le réalisateur semble faire ici un double hommage à son cinéaste de chevet ainsi qu’au Godard de Week-end avec ses immenses travelling marchés d’ouverture : l’allusion au Charme discret de la bourgeoisie semble évidente. 

Mais on ne saura rien de cette intention. D’ordinaire volontiers disert en promotion, Dupieux s’est ici imposé un silence médiatique dont la vision du film conforte le bien-fondé : l’effacement délibéré du réalisateur renforce en effet la focalisation sur les acteurs et fait écho à une particularité du “film dans le film“ que l’on se gardera bien de révéler ici. Pour pallier le manque de Mr. Oizo, on proposera à ses aficionados de se replonger dans un entretien récent puisqu’il ne date que d’il y a un petit trimestre (et la sortie de Daaaaaalì !). D’ailleurs, comme il reste plus de 7 mois avant la fin 2024, il dispose encore largement de temps pour d’écrire, tourner, monter et sortir au moins un nouvel opus.

Le Deuxième Acte de Quentin Dupieux (Fr., 1h20)  avec Léa Seydoux, Louis Garrel, Vincent Lindon, Raphaël Quenard, Manuel Guillot, Françoise Gazio… en salle le 14 mai 2024…

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The Palace de Roman Polanski 

31 décembre 1999, quelques heures avant le réveillon dans un prestigieux palace de Gstaad. Avant d’accueillir ses hôtes — tous plus richissimes et capricieux les uns que les autres —, le directeur Hansueli prodigue ses ultimes conseils à ses brigades. Il n’imagine pas à quel point son légendaire flegme et ses talents de diplomates seront mis à l’épreuve durant cette soirée hantée par la peur du “bug de l’an 2000“, chamboulée par la géopolitique et parasitée par une farandole d’événements imprévus… 

Hit the rich !

Cela pourrait être un essai des Pinçon-Charlot transposé à l’écran. Satire sociologique respectant quasiment les règles du théâtre classique, The Palace offre un portrait acide de groupe de super-nantis tout en s’abstenant de forcer la caricature : les personnages sont eux-mêmes des outrances vivantes, par leur apparence, leur comportement ou leur psyché… Dans cette ambiance très Montagne magique créant l’illusion de vitrifier leur existence ad vitam æternam, des aristos fin de règne côtoient d’anciens nouveaux riches, fraient avec des oligarques officiels, de jeunes demi-mondaines ou de vieilles cocottes refaites comme échappées d’une toile de Goya. 

Sûrs de leur supériorité, tous ces convives affichent sans vergogne une vulgarité comportementale comme on brandit un bouclier. Mais ce réveillon aux allures de nuit d’Halloween dissout dans l’alcool ce qui leur reste de masque social, les livrant nus et grotesques dans leur médiocrité et leurs défaillances organiques. Peur de déchoir, de vieillir — il faut d’ailleurs saluer la courageuse auto-ironie de Sydne Rome, actrice défigurée interprétant ici l’une des folles de la chirurgie esthétique —, de mourir… Par contraste, Hansueli et ses troupes ne cessent d’acquérir des quartiers de noblesse par leur élégance et leur professionnalisme discrets. En vitriolant ainsi les dominants, Polanski (ainsi que ses coscénaristes Jerzy Skolimowski et Ewa Piaskowska) réussissent au fond ce que Ruben Östlund avait tenté dans son didactique et opportunément consensuel Triangle of Sadness/Sans filtre.

Est-ce que ça c’est Palace ?

Farce ou comédie acide, voire burlesque, absurde et macabre par instants — lorsqu’il s’agit de promener un macchabée au milieu de vivants qui sont sans doute plus morts à l’intérieur que le défunt lui-même, ayant succombé en pleine épectase — The Palace fait quasiment figure d’exception dans le corpus polanskien où le drame se taille la plus imposante part. Il rejoint en revanche l’un de ses thèmes obsessionnels : celui de la “maison maudite” ou du huis clos. Car même s’il s’agit d’un établissement de prestige où tous les souhaits sont instantanément exaucés, le palace est une cage (dorée), à la manière — dans le désordre chronologique — de l’immeuble de Rosemary’s Baby, de la maison de Cul de sac, de l’appartement de Carnage ou de la copropriété du Locataire — que Polanski avait adapté de Topor… lui-même co-créateur de la série Palace. Celle-ci n’a rien à voir avec ce film, mais on imagine sans peine une communauté d’esprit.

Hier ≠ aujourd’hui ?

Film d’aujourd’hui renvoyant à un passé pas si lointain, The Palace est également, dans sa forme et par un étrange effet de chiasme, une œuvre d’un autre temps parlant singulièrement de notre époque contemporaine. À bien des égards, il ressemble en effet à une production de la fin des années 1990 : pas uniquement du fait de ses têtes d’affiches, mais aussi parce qu’il épouse le genre “film-chorale” — genre alors en vogue grâce à Robert Altman ou Paul Thomas Anderson — et que certains effets ou décors, volontairement ou non, rappellent les débuts du numérique. 

Inversement, le regard qu’il porte sur notre XXI^e siècle bien entamé a de quoi faire rire jaune puisque le 31 décembre 1999 marque l’avénement de Vladimir Poutine comme président (par intérim !) de la république russe. Celui-ci présente ses vœux dans un discours dont on voit un extrait, où il ne manque pas d’assurer que « liberté d’expression, de conscience, les médias indépendants ainsi que droit à la propriété privée… Toutes ces composantes essentielles à une société civilisée sont garanties par l’État ». Vingt-cinq ans plus tard, on trouve là une nouvelle illustration du tristement fameux dicton politique : « les promesses n’engagent que ceux qui les écoutent ». Polanski ajoute par ailleurs quelques allusions aux escroqueries numériques et glisse dans la foule des convives la silhouette d’un putatif Bernard Madoff. Rien n’a changé mais le monde s’est bouleversé en un quart de siècle.

Se bouclant sur une image libertaire se situant quelque part entre Rabelais (pour sa provocation grivoise) et Lautréamont (pour son improbabilité surréaliste), The Palace est un grand film. Encore faut-il pour l’apprécier, le considérer pour ses qualités intrinsèques.

De l’œuvre

Sortir un film mi-mai en salle tient en effet de la gageure lorsqu’il figure hors du dispositif cannois. Car si la planète entière braque ses projecteurs sur la Croisette, semblant avoir le cinéma pour seul horizon, les médias ne rendent alors en réalité compte que de films prévus sur les écrans entre l’été et le printemps prochains. Paradoxalement, cette date compliquée peut s’avérer une aubaine dans deux circonstances diamétralement opposées : quand l’auteur dispose d’une aura tellement vaste qu’il est sûr de ne jamais passer inaperçu quoi qu’il présente ; a contrario quand on souhaite rendre la plus discrète possible la nécessaire (car contractuelle) distribution d’un film qu’on sait déjà voué à l’échec. On sait depuis sa présentation à Venise que l’existence commerciale de The Palace pourrait être menacé, des recensions l’ayant crucifié “par principe” semble-t-il plus que par raison.

Cela fait soixante ans que chacun des nouveaux films de Polanski est attendu et une décennie qu’ils sont guettés. Non pour ce qu’ils représentent en tant qu’objets cinématographiques, mais parce que leur exploitation ouvre une fenêtre médiatique sur le cinéaste. Se substituant aux instances légitimes, certains contempteurs instruisent alors des procès n’ayant lieu de se tenir que dans des tribunaux, prononçant des sentences se réclament de la justice… là où le droit devrait être invoqué. Quelques affaires concernant Roman Polanski ont été jugées, d’autres sont pendantes et led droit sera dit à l’issue d’audiences et de débats équitables. Une chose est cependant sûre : quel que soit le verdict, il ne portera pas sur l’œuvre.

The Palace de Roman Polanski (It.-Fr.-Sui.-Pol., 1h41) avec Fanny Ardant, John Cleese, Mickey Rourke, Oliver Masucci… En salle le 15 mai 2024. 

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La Morsure de Romain de Saint-Blanquat

1967. Interne dans un lycée catholique de province, Françoise est traumatisée par un cauchemar la persuadant qu’il ne lui reste plus qu’une journée à vivre. Désireuse d’en profiter jusqu’au bout, elle fait le mur avec sa copine Delphine et se rend en auto-stop à une soirée costumée dans une maison abandonnée. Elle y fait la connaissance de Christophe, un jeune homme prétendant être un vampire…

Baignée d’onirisme et d’épouvante crypto-érotique, cette histoire de morts vivants creuse non pas la tombe mais le sillon de la résurrection au carré en épousant la forme des productions de la fin des années 1960. Le travail opéré par Romain Saint-Blanquat et son équipe technique — Martin Roux à la photo et Sébastien Gondek au décor — s’avère d’ailleurs estomaquant : l’esthétique soignée rappelle le Jean Rollin des débuts (dont le cycle “vampires” s’engage en 1968) et l’atmosphère psyché-maladive entre chien et loup du Bal des Laze de Polnareff (sorti lui aussi en 1968). Fort bien choisis pour leur physique intemporels et leur jeu blanc, les comédiens achèvent de jeter le trouble sur cette restitution d’un cinéma jadis ignoré, aujourd’hui considéré avec intérêt mais assurément témoin de son temps. Ainsi que de certaines obsessions.

Premier sang

Car si la figure du vampire demeure auprès des adolescents l’incarnation parfaite du combo éros/thanatos, elle s’est sacrément glamourisée au XXI^e siècle, réduisant le non-mort à des contours romantiques mièvres. La Morsure laisse a contrario planer continûment incertitude et menaces sur son héroïne prise en étau entre diverses croyances (la foi des sœurs dirigeant le lycée, l’ésotérisme de son médaillon fétiche, la prémonition de son rêve, sa fascination pour le vampire…), ignorant tous les signaux envoyés par la raison. Telle une Alice traversant le miroir, Françoise fait l’expérience en une nuit du passage vers un autre état ; quant à son désir ardent de verser le sang, il offre là encore une métaphore vintage que chacun saura décrypter. Un coup d’essai prometteur.

La Morsure de Romain de Saint-Blanquat (Fr., 1h27) avec Léonie Dahan-Lamort, Lilith Grasmug, Fred Blin… En salle le 15 mai 2024. 

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Les Trois Fantastiques de Michaël Dichter 

Les vacances d’été approchent pour Max, Vivian et Tom, trois inséparables collégiens vivant dans une petite ville de l’Est de la France. Mais alors que la légèreté devrait être de mise, les tracas s’accumulent et s’amplifient avec le retour du grand-frère de Max, tout juste sortie de prison…

Nul ne saurait nier le désir profond de cinéma de Michaël Dichter, pas plus que son attachement à ses personnages à qui il offre ici des prolongations, après le court métrage Pollux. Ni, enfin, la sincérité de ses intentions lorsqu’il tient à dépeindre un contexte social déliquescent plombé par le chômage des parents, le harcèlement scolaire ou la mauvaise influence d’un aîné toxique. Autant dire que la barque est chargée : n’était la lumière dorée des crépuscules estivaux, le trio aurait de quoi carburer au Lexomil avant l’âge ! Hélas, cette surabondance fait penser à un empilement de paramètres, une construction appliquée de causalités destinées à provoquer des situations canoniques — des “mèmes narratifs“, pourrait-on dire aujourd’hui — là où espère plutôt que la caméra nous surprenne en capturant du réel.

Encore trop prisonnier de ses références pour parler par sa voix propre, Dichter compose un roman d’apprentissage… sage, qui suscite plus de sympathie bienveillante que d’empathie. On attend de voir la suite — comprenez, le prochain film du réalisateur.

Les Trois Fantastiques de Michaël Dichter (Fr., avec avert. 1h35) avec Diego Murgia, Emmanuelle Bercot, Raphaël Quenard… En salle le 15 mai 2024. 

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Les Trois Fantastiques fait suite à un court métrage, Pollux (2018). Portait-il déjà en germe votre long ?

Michaël Dichter : Au départ, j’ai écrit Pollux avec Marie Monge. C’est l’histoire de cette même bande de copains qu’on retrouve dans le long métrage. Sauf que le personnage principal, c’était Vivian — le plus grand des trois. À la fin du court, je savais que j’avais encore envie de travailler sur l’amitié, sur la loyauté, sur la trahison et sur la famille mais je pensais que j’allais continuer sur Vivian. Mais en tournant la dernière séquence (qui était aussi chronologiquement la dernière séquence) je me retrouve face à Max et son grand frère. Et je me suis dit qu’il fallait que Max soit mon personnage principal : c’est lui qui allait générer le plus de conflits. C’est comme ça qu’est né Les Trois Fantastiques.

Votre film explore tous les conflits de loyauté pouvant exister au sein d’un groupe comme aussi au sein d’une famille…

Et même au sein de la ville, avec l’usine. L’usine et les habitants de la ville avaient passé un contrat : on décide d’emménager ici parce qu’il y aura du boulot ad vitam. Personne ne se dit que l’usine qui fait vivre la ville peut être délocalisée, fermée… et c’est ce qui s’est passé. Le point de départ, c’était Revin avec Electrolu : à l’époque 16 000 de familles emménagent Quelques années plus tard, elles finissent par être 5 000. Tout faisait écho au thème principal que je voulais aborder : l’abandon. Un père qui abandonne sa famille — donc la figure paternelle qui disparaît. Max, notre personnage principal, fait tout pour la remplacer par son grand frère. Après, ça s’est décliné sur tout le film : Max abandonne aussi ses amis ; une usine abandonne ses habitants, qui eux abandonnent le territoire… C’est surtout un film sur l’abandon.

Mais aussi une histoire d’amitié…

J’ai grandi avec Les Goonies, avec Stand by Me — je l’ai vu très jeune avec mes deux grandes sœurs, qui m’ont fait découvrir le cinéma. C’est toujours nos aînés qui nous mettent devant des films qu’on n’a pas forcément le droit de regarder mais on y va parce qu’elles ont le droit. Stand by Me ne m’a pas lâché pendant très longtemps : j’ai continué à le regarder au moins une fois par an. Ces histoires d’amitié hyper fortes, liées à un drame comme dans Stand by Me, ont évidemment aussi inspiré Les Trois Fantastiques, consciemment et inconsciemment. C’est un vrai parcours initiatique, qui se termine au lac, aussi avec une arme et aussi avec un cadavre…

La région où se déroule l’histoire a-t-elle été choisie en lien avec votre enfance ?

Non : j’ai grandi en région parisienne. Mais j’avais tourné le court métrage dans les Ardennes, en région Gand Est, à Revin, d’ailleurs. J’ai grandi dans un milieu social modeste et je me suis rendu compte en parlant avec les gamins et les adultes qu’on parlait le même langage. Les territoires oubliés se comprennent. Peu importe si j’avais grandi en région parisienne et eux en province, à la campagne, ou alors dans des zones désindustrialisées : on avait le même rapport à l’enfance et à l’accélération — le basculement de l’enfance à l’âge adulte est plutôt rapide dans les milieux modestes. Le système D est très vite mis en place et on est aussi très vite confrontés aux problèmes d’adultes. Même si dans le film, ils font tout pour l’écarter — le déni, c’est aussi la force de l’adolescence, de l’enfance — à un moment, ça éclate.

Donc on a tout tourné dans le Grand Est. Tous les décors étaient sur 50 km autour de Charleville. Les gamins viennent de la région eux aussi. 

Comment les habitants de la région, témoins de la désindustrialisation, ont-ils vécu le tournage ? L’effet miroir doit être assez troublant quand un cinéaste pose son regard sur leurs problématiques et les transforme en fiction…

Déjà, ils étaient très touchés qu’on s’intéresse à eux avec beaucoup d’empathie. J’essaie de raconter une histoire avec le plus d’empathie possible et surtout de la vivre à travers des enfants : ça crée aussi un décalage — le même décalage que les enfants ont avec les adultes. Après, d’avoir un tournage qui vient… Je me rappelle des tournages qui se faisaient à Bagnolet, ou à Montreuil quand j’étais petit… C’est toujours très excitant de voir un tournage arriver, ça amène tout de suite de la vie, de l’énergie… Les habitants jouent le jeu. On emploie les équipes, les façades, l’intérieur, les appartements, les gamins qui vivent… D’un coup, tout se met en route, et c’est très, très joyeux.

En tournant avec des adolescents, votre “fenêtre de tir” ne devait pas être très large. En témoigne le personnage de Max, dont la voix semble muer…

Pour la post-synchro, vous avez vu juste, c’était difficile parce qu’ils ils avaient déjà mué donc c’était hyper difficile de retrouver la voix d’enfant qu’ils avaient trois mois et demi avant. La fenêtre de tir est très, très mince quand tu tournes avec des ados. Tu les vois changer pendant le tournage quand ça dure un mois et demi. Mais même entre le casting et le tournage, ils avaient déjà changé. Et maintenant, Max c’est le plus grand : il fait 1,85m.

Raphaël Quenard était-il déjà dans le court ?

Non. À l’époque, il n’avait pas fait Yannick, c’était juste un gars qui avait joué dans Family Business et dans un court, Les Mauvais Garçons. Dans ce film, c’est horrible ce qu’il fait et en même temps, il me faisait énormément de peine. Tu as envie de l’aimer et tu n’as pas envie de le détester. Et même si tu le détestes, il a un sourire, un truc qui fait qu’on peut tout lui pardonner. Un personnage autant ambivalent, quelqu’un qui arrive autant à jouer avec mes émotions sur un court, où il n’est même pas personnage principal, il fallait que je le rencontre. On s’est bu un café à Paris, je ne lui ai même pas fait de casting. Il a lu, ça correspondait à son planning chargé — il faisait Yannick quelques semaines plus tard. On s’est tapé dans la main, c’était aussi simple que ça.

Pour Emmanuelle Bercot, ça s’est passé de la même façon. On s’est vus dans un café, on s’est tapé dans la main, on s’est dit : « on le fait ». Et elle a même décalé ses vacances. Elle ne s’est jamais immiscée dans la mise en scène. Elle s’est immiscée dans le jeu mais c’est ce qu’il faut pour un comédien. C’est l’intelligence du comédien qu’on vient chercher. Elle a un instinct qui est très fort. Emmanuelle donne tout de suite le truc qu’il nous faut. Dès la première prise, elle est très forte.

Raphaël, lui, est toujours très en demande de faire des prises et il va toujours apporter quelque chose de nouveau. Ce qui est déstabilisant pour les autres comédiens parce que les dialogues changent, surtout quand c’est des jeunes comédiens qui n’ont jamais tourné. Mais c’est rigolo parce que ça marchait à chaque fois et il donnait toujours, toujours, toujours plus. C’est une force de travail et un esprit très, très créatif. Je pourrais dire de ça de tous les comédiens, même les ados. 

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Qu’est-ce qui vous a donné envie d’être réalisateur ?

L’esprit de groupe… Travailler à plusieurs… Je l’ai compris après. Je ne sais pas ce qui m’a donné envie de faire des films ; je sais que j’ai toujours voulu raconter des histoires. Mais le travail main dans la main de dizaines de personnes, c’est vraiment un truc qui me botte. Avec le cinéma, tu peux tout faire ; tu peux t’amuser avec tout : la musique, la lumière, le cadre, les comédiens… Tu peux vraiment “chef-d’orchestrer” un truc incroyable : t’as un milliard d’instruments… Et j’utilise tout. Tout m’intéresse, même ce qu’on est en train de faire maintenant : pouvoir parler du film. Même la partie d’échanges avec le public. Je suis vraiment trop reconnaissant de pouvoir faire ce que je suis en train de faire ; c’est inconsciemment ce que j’ai toujours voulu faire. Je me rends compte que ma place est vraiment là.

Quel est votre parcours ?

Je n’étais vraiment pas très scolaire : j’ai fait plus d’années de lycée que d’années de collège — cinq, là, où normalement on en fait trois. Je ne connaissais personne dans le cinéma. Dans ma tête, j’étais sûr que tout se faisait en bande. Donc, je me suis dit : « je vais à la fac de cinéma, je vais rencontrer plein de copains, il y en aura un qui sera scénariste, l’autre qui sera chef-op, et on fera notre film ensemble. » C’est pas du tout arrivé comme ça (rires) La fac, c’était beaucoup de théorie, du coup, j’ai arrêté et j’ai commencé à travailler dans un bar et en gros, j’ai gagné de l’argent que je réinjectais en louant du matériel et je faisais des courts métrages. 

Mais c’était toujours impossible de rencontrer du monde. La seule année où j’étais à la fac, j’ai fait un concours de réalisateurs organisé par la Fondation Culture & Diversité. J’avais 21 ans à l’époque. Le concours donnait le droit de faire un court métrage à la FEMIS en trois semaines — avec le matos et des comédiens affiliés à la FEMIS — et le président du jury, c’était Cédric Kahn. Je fais le court et on se dit au revoir. J’avais pris le numéro de téléphone de Cédric mais je change de téléphone et à l’époque, il n’y avait pas le Cloud…

Et je retravaille dans des bars. Trois ans plus tard, je re-rencontre Cédric qui vient en famille manger dans le restaurant dans lequel je travaille : « Incroyable ! Il faut absolument que je vous fasse lire un scénario de court métrage. —Pas de problème ! » Il écrit son adresse mail sur l’addition d’un client. Je lui dis au revoir… sauf que je file l’addition au client en question, qui repart avec. Donc je n’ai plus ni mail ni de contact avec lui (sourire).

Je change de boulot pour un autre bar du 11e arrondissement — je crois qu’il habite dans le quartier, parce qu’il revient à nouveau, avec un copain cette fois-ci, pour boire un verre. Là, je lui raconte l’histoire de l’addition et je lui dis : « alors là, j’ai le film, il faut absolument que tu le vois. —Pas de problème, mais j’y pense : je tourne un film sur un groupe de hippies, j’ai peut-être un rôle pour toi. » Je me dis : « Mika, là, t’as le moyen d’approcher le cinéma de très près : tu vas voir des vraies caméras ». Parce que je ne savais même pas comment ça se passait sur un plateau. J’étais très américanisé : dans ma tête, tout le monde avait une caravane. Je rencontre Antoine Carrard, le directeur de casting, j’ai le rôle, je tourne avec Kassovitz que j’adore. Et je vis pendant trois jours le cinéma. C’était dingue.

Quatre ans plus tard, j’ai 27 ans, je fais toujours des courts-métrages, je n’ai toujours pas de production et je connais toujours personne — à part Cédric dont j’ai le numéro et que je ne lâche plus. On continue à s’appeler, il me donne un milliard de conseils. Il m’en donne encore sur mon film, sur la sortie… Bref. Antoine Carrard me rappelle : « J’ai un casting pour toi. —Ça tombe bien, je suis toujours au point zéro de ma carrière. —Ce serait bien que tu le fasses. —Franchement, si je peux faire n’importe quoi dans le cinéma, je le fais. » À l’époque, on avait monté un restaurant avec ma femme à Montreuil, donc j’étais juste restaurateur du midi. J’y vais, je passe le casting, j’ai le rôle pour Telle mère, telle fille distribué par Jérôme Hilal pour Gaumont. Maintenant il est chez Zinc et aujourd’hui c’est lui qui distribue mon film.

Tout cela me permet de rencontrer du monde, il n’y a pas de lien avec les producteurs de courts métrages que je rencontre aussi en parallèle. Car en fait je rencontre des gens qui font le cinéma, je me fais aussi des contacts — parce que la costumière qui était dans Telle mère, telle fille est devenue aussi ma costumière, et d’un coup tous les liens se créent : je rencontre des producteurs qui me produisent mon premier court métrage Pollux. Voilà comment tout s’est passé…

Pensez-vous que ce sera aussi compliqué pour votre deuxième film ?

Le deuxième, ça a été très dur. Parce que je cherchais le deuxième alors que je n’avais pas encore tourné le premier. En fait, j’avais la hantise qu’on se rencontre et que vous me posiez la question — vous, les journalistes ou même des spectateurs : « Alors, c’est quoi après ? » Et que je dise : « pas grand-chose. Pour l’instant, je vis le moment présent. » J’aime toujours être en mouvement. Mais quand on a fini la post-prod du film et le lendemain, j’avais deux idées. Et j’ai commencé à creuser, creuser, creuser… En fait, je ne fais que ça depuis mars dernier. Je sais que le film se déroulera dans un lieu unique et se tournera en hiver.

Les Trois Fantastiques de Michaël Dichter (Fr., 1h35) avec Diego Murgia, Emmanuelle Bercot, Raphaël Quenard, Jean Devie, Benjamin Tellier… En salle le 15 mai 2024.

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