Bugonia de Yórgos Lánthimos

À force de preuves trouvées sur Internet, Teddy s’est convaincu que Michelle — la charismatique et inflexible PDG d’une grande entreprise de Big Pharma — est une extraterrestre infiltrée sur Terre pour éradiquer la vie de la planète. Afin de l’en dissuader, il a conçu un plan consistant à enlever Michelle, à la séquestrer , lui raser le crâne et à la badigeonner d’une crème visant à la neutraliser.. Pour l’aider dans son entreprise tordue, Teddy s’est adjoint les services de son très influençable cousin Don, aussi serviable que benêt. L’humanité peut-elle croire en son avenir en plaçant ses espoirs entre les mains de ces deux énergumènes ?

Vingt ans après l’original coréen (Save the Planet Green!), ce remake à la monde étasunienne par Lánthimos prend davantage de sens, même si l’on se fait peu d’illusions sur son pouvoir de conviction sur la faune grandissante des complotistes qu’il brocarde. Car ces esprits forts, persuadés que la Terre a les pieds plats et que des reptiliens buveurs de sang tirent les ficelles du monde, n’iront sans doute pas voir un tel film qu’ils supposent au moins satanique. Ils préfèrent « faire leurs recherches » scroller H24 sur les réseaux des GAFAM, quitte à leur abandonner sans barguigner toutes les données les plus intimes.

Bzzz bzzz bzzz

Fable noire aux allures d’épisode (un brin délayé) de Twillight Zone — la chute finale y contribue —, Bugonia est une élégante manière d’éveiller à l’imminence du chaos. Ne serait-ce que parce que le cinéaste a recours ici au procédé VistaVision, à l’instar de Brady Corbet pourThe Brutalist. Comme ‘usage de la pellicule, ce choix technico-esthétique vaut manifeste en faveur d’un cinéma « à l’ancienne »  pensé pour le grand écran de la salle et la projection spectaculaire que défendent James Cameron ou Tom Cruise. Sublimant la beauté, ce format d’image est aussi idéal pour amplifier les monstruosités, qui en deviennent également fascinantes. Bugonia se déroulant pour la plupart dans la cave sordide d’individus lambda pas assez aisés pour faire partie du quart-monde, l’ambiance crasseuse qui découle a quelque chose de prodigieux.

Les retrouvailles entre Lánthimos et Emma Stone — mais se sont-ils quittés depuis La Favorite (2018) ? — participent de ce prodige. En quatre longs métrages, l’actrice et le réalisateur ont construit une relation artistique féconde, libérant l’extraordinaire jeu physique de Stone. Si son rôle dans Bugonia semble en apparence plus statique, il exige néanmoins une disponibilité corporelle et une ambiguïté qui ne sont pas si éloignées de celle dont elle fit preuve dans Pauvres créatures. Testant des limites sans donner l’impression de courir après des performances fabriquées, leur duo cherche ainsi a contrario à se renouveler de film en film sans dilapider sa fraîcheur. On attend la suite… si le monde ne s’effondre pas avant.

Bugonia de Yórgos Lánthimos (Irl.-Can.-É.-U.-Co.-du-S.,1h58, int.-12 ans avec avert.) avec Emma Stone, Jesse Plemons, Alicia Silverstone… Sortie le 26 novembre 2025.

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“Victoria” de Sebastian Schipper

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Vie privée de Rebecca Zlotowski

Psychiatre installée — sans doute un peu trop dans ses habitudes —, Lilian Steiner apprend le sucide d’une de ses patientes. Perturbée de ne pas avoir su anticiper ce passage à l’acte mais aussi par l’hostilité de la famille, la thérapeute se prend à imaginer que sa patiente a été victime d’un meurtre. Pour étayer ses soupçons, elle se met en chasse de preuves, quitte à bousculer la loi et déontologie Et à susciter l’étonnement de sa propre famille, pourtant habituée à son caractère original. Plus elle avance dans ses recherches, plus des menaces semblent se faire pressantes…

C’est ce qu’on appelle un joli “coup” : une star internationale irréprochable au service d’un film d’autrice mêlant intrigue psycho-policière et dramédie, le tout s’appuyant sur des soubassements historiques. Ajoutez une grosse distribution — on ne compte plus les récipiendaires de trophées en tout genre — réunissant des comédiens susceptibles de séduire toutes les générations de spectateurs ; un ou deux morceaux de bravoure à suspense et il y a tout pour faire un succès populaire. Personne ne s’en plaindra, surtout pas les salles de cinéma en cette période de disette. Mais si la liste des ingrédients mis en œuvre par la cheffe a de quoi satisfaire toutes les attentes, en va-t-il de même pour le plat qui en résulte ?

L’éléphant dans la pièce (close)

Hélas, même si l’on sait que l’intrigue — fausses pistes incluses — est secondaire comme tout bon McGuffin dans un film à suspense, celle-ci part dans l’à-peu-près n’importe quoi : un vague fantastique fourre-tout, où la (toujours) commode hypnose et les traumatismes héréditaires viennent au secours de l’embrouillamini scénaristique. Passons sur le fait que Vie privé louche avec insistance sur Dead Again (1991) de Kenneth Brannagh, ce n’est rien à côté de cette autre ombre planeantsans cesse sur le film de Rebecca Zlotowski et semble prête à surgir, comme un refoulé — vu le contexte psychanalytique, ça tombe bien.

Difficile en effet de ne pas penser au cinéma de Polanski auquel Vie privée renvoie consciemment ou non. Par sa vedette (Jodie Foster interprète de Carnage), ses échos lointains au post-hitchockien Frantic,  ses personnages irrémédiablement marqués par la Shoah, ses maisons ou demeures hostiles, ses héros persécutés… Sauf que le cinéaste est désormais désormais devenu une référence radioactive, le revendiquer explicitement exposerait Vie privée à un rejet de principe. En définitive, la psychanalyse du film ne nous livre-t-elle pas ce secret inavoué : Rebecca Zlotowski et Anne Berest ont cherché le père (spirituel), à défaut de le tuer ? 

Vie privée de Rebecca Zlotowski (Fr., 1h45) avec Jodie Foster, Daniel Auteuil, Virginie Efira, Vincent Lacoste, Mathieu Amalric, Luàna Bajrami, Sophie Guillemin… Sortie le 26 novembre 2025.

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Partageant avec Vincent Lindon l’affiche de Jouer avec le feu des sœurs Coulin, Benjamin Voisin et Stefan Crepon se connaissent bien : condisciples au Cours Florent, ils furent même colocataires pendant 5 ans ! De quoi retrouver des automatismes sur le plateau. Confidences lors du Festival de Sarlat, où Benjamin Voisin a décroché le Prix d’interprétation masculine… 

Qu’est-ce qui vous a attirés dans chacun des rôles ?

Benjamin Voisin : Le fait de jouer ensemble… Stefan et moi, on se connait depuis dix ans et le Cours Florent ; c’était facile de jouer ensemble. 

Stefan Crepon : Ça donne envie, oui !

BV : Et jouer deux frères, quand on a lu le scénario. Et la souplesse d’esprit qu’avaient les réalisatrices…

SC : … l’intelligence du point de vue…

BV :… quant au vote extrémiste et aux pensées violentes qui peuvent subvenir de nos jours… J’ai trouvé qu’elles étudiaient vachement bien la question et qu’elles l’amenaient avec beaucoup de place pour le public. Il y a plein d’endroits où on a la place de rentrer dans le film et de s’imaginer au sein de cette famille. Que ce soit par l’amour qu’il y a entre nous ; par le désordre des avis de chacun ; par les passions, par la volonté de vivre autre chose et de s’en aller ou par le poids de rester… Il y avait vraiment beaucoup de choses mises en un seul film. Mais en premier c’était le fait de jouer ensemble.

Avez-vous eu la tentation de jouer chacun le rôle de l’autre ?

BV : À un moment seulement. parce que je jouais au théâtre en même temps — j’avais dit : « je me fiche du rôle, je veux jouer sur ce film. » Finalement, ça s’est fait comme ça s’est fait. En amont peut-être mais alors quand on commence à tourner on est très proche de son personnage. On reste dans ce truc d’unité où on joue tous les uns avec les autres ; on pense juste à survivre et à défendre son point de vue. Pas forcément dans un côté égoïste. C’est plus : « comment je peux lui “rendre hommage”, lui donner le respect qu’il mérite ? » Je dois être à la hauteur de ce qu’il raconte.

Aviez-vous identifié des écueils particuliers avant de tourner ?

BV : Le rôle n’était pas compliqué à jouer ; il l’était certainement plus à mettre en scène. Pendant la préparation, les sœurs Coulon me parlaient en permanence de difficultés sur la sympathie : ne pas vouloir que ça soit le mec cool à la mode ; ne pas montrer qu’on aurait pu prédire qu’il allait tourner mal, mais montrer aussi que ça puisse arriver partout, de chez tout le monde… On sentait qu’il y avait beaucoup de travail qui était investi dans mon interprétation sur le plateau. Elles me demandaient plein de trucs ; elles-même ne savaient pas ce qu’elles voulaient…

L’écueil, c’était de ne pas être bon acteur et si les sœurs n’avaient pas eu de goût. Mais j’ai été assez rassuré sur la chose dès la première minute où on est rentré dans la pièce pour passer les auditions avec Stefan : c’était des réalisatrices qui avaient beaucoup de goût. Et souvent quand Vincent [Lindon, NDR] fait un film, il sait de quoi il parle ; si on aborde des sujets politiques, ce n’est pas dans le vent.

SC : Pour moi, c’était plus de trouver ma place. Déjà, à la lecture du scénario c’était comme ça : il y a deux très fortes personnalités qui se déchirent en permanence dans le script et puis ce personnage plus taiseux, plus dans la retenue, qui fait un peu l’équilibre et le balancier dans cette famille. Il fallait savoir comment me positionner vis-à-vis de tout cela. Qu’est-ce qu’il pense de ce qui se passe devant lui ? À quel endroit va-t-il prendre parti ? Est-ce qu’il va plutôt décider de laisser libre cours à son amour juste pour son frère ou son père ? Comment va-t-il se positionner — notamment dans ses silences ? Comme il ne parle pas tant que ça, c’est par ses regards qu’il va raconter comment il va prendre position.

Quand on est comédien et qu’on interprète un personnage défendant ce type d’idées extrémistes, comment fait-on pour ne pas se brûler ?

BV : Alors moi je suis absolument détendu : je pourrais jouer tout et son contraire. Tout mon travail en amont n’est pas là pour changer ma personnalité. J’ai fait très facilement la distinction entre qui je suis et ce que je fais, donc j’ai joué un rôle. Je pourrais jouer un prêtre comme je pourrais jouer un tueur en série : les deux ne m’affecteraient absolument pas dans ma vie.

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Est-ce facile de jouer avec Vincent Lindon ? Prend-il de la place ou, au contraire, vous en laisse-t-il ?

SC : C’est marrant parce qu’en fait, je trouve que c’est les deux. Il prend de la place et il nous accueille. Il prend de la place, forcément : même sans dire un mot il en prendrait. Parce qu’il a la carrière et l’aura qu’il a. Il n’arrive pas vierge sur le plateau. Il a son bagage : ça, on ne peut rien y faire. Et lui-même ne peut rien y faire Il est qui il est. Après, c’est une présence extrêmement forte et puissante, mais sans être écrasante : il nous laissait la place nous de nous exprimer. Très vite il y a eu en fait ce trio qui s’est formé : je trouve qu’on ressent bien le côté “famille” de ces trois personnages. C’était véritablement le cas sur le plateau.

BV : On ne va pas jouer les faux humbles : Vincent nous a beaucoup aimés parce qu’on n’a pas de réseaux sociaux, parce qu’on vient du théâtre. Parce qu’on est impliqués dans des films qui demandent un certain goût artistique… On l’a vu le premier jour, il nous mettait quand même un peu au défi — il nous l’a dit : si jamais il y en avait eu un qui partait en cacahuète, il aurait craqué dès le premier jour. Et il a vu qu’on était là pour faire bien le film et essayer de rendre la cause la plus audible, la plus belle et en même temps la plus violente possible En gros, on était là au travail. Et en deux jours, c’était réglé. 

Franchement on a passé des moments formidables ; je crois même prétentieusement qu’on a offert à Vincent une occasion de faire un film en détente. Il n’en revient pas d’avoir eu un Prix d’interprétation à Venise pour ce film-là Parce qu’on passait le temps à être dans le jardin à jouer au football ensemble. À la fin les assistants mise en scène devaient nous rappeler pour tourner ! On a vraiment passé un très bon moment et je trouve qu’on le ressent dans le film. S’il y avait eu plus d’envie chez les acteurs de vivre chacun sa part de marché, ça aurait pu gêner le film Là, c’est vraiment le film de deux réalisatrices…

SC : …Et nous on s’est mis à leur service. 

Y a-t-il eu des imprévus ou des accidents heureux sur le tournage ?

SF : il y en a eu un qui n’a pas été gardé, malheureusement. Un truc merveilleux, d’un petit déjeuner. [Le personnage de Vincent Lindon] se lève un matin et la veille, il un peu trop bu ; on est dans la cuisine et on essaie de faire pas trop de bruit. Les réalisatrices nous avaient dit : « on vous laisse le temps que vous voulez, vous improvisez ce que vous voulez. Montrez-nous comment vous étiez votre colocation tous les deux Vous devez juste savoir que vous devez faire le moins de bruit possible. » Rien n’était écrit ; on a improvisé dans la cuisine — il me versait du lait sur la tête, on se jetait des trucst À un moment, on savait qu’on devait faire un bruit de trop, que Vincent arrivait et qu’on devait se calmer. 

D’un coup, il est arrivé dans son rôle de père très énervé parce qu’on l’avait réveillé. Il y avait du lait partout et là, il fait : « non mais c’est chiant ». On est très tendus parce qu’on sait pas s’il joue ou pas, on ne sait pas si c’est le père ou si Vincent est vraiment énervé contre nous parce qu’on va refaire la scène une énième fois. Et là, il explose de rire de rire et nous deux, comme on était tendus les 30 secondes avant, pareil, on libère un truc. Et il y a eu une prise avec un fou rire absolument dément. La scène toute seule marchait bien, mais je pense que ça ne rentrait pas dans la continuité du film.

Pensez-vous que ce film peut avoir une influence sur certaines personnes ?

BV : Je crois un peu. J’espère. Oui, je crois ! J’ai l’impression que là où [les réalisatrices] sont très malines, c’est que ça peut autant influer sur des gens qui ont des enfants, qui voient le truc leur échapper et qui n’arrivent pas à leur dire : « assieds-toi, coupe ça, comment ça va. toi ? » Et au jeune qui va se dire : « Bon, c’est pas vers ça que j’aurai les réponses. Même si ça promet beaucoup de choses qui brillent, peut-être que derrière il y a tellement de choses acerbes et sombres que je vais quand même m’intéresser un peu au verso de la pièce. »

Jouer avec le feu de Delphine & Muriel Coulin (Fr., 1h58) avec Vincent Lindon, Benjamin Voisin, Stefan Crepon, Maëlle Poésy, Arnaud Rebotini, Béatrice Pérez, Édouard Sulpice, Sophie Guillemin…

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Quand vient l’automne de François Ozon

Vivant dans un petit village de Bourgogne, Michelle se réjouit à l’idée de recevoir pour les vacances son petit-fils Lucas et sa fille Valérie, même si celle-ci lui témoigne comme toujours une relative animosité. Mais peu après le déjeuner qu’elle leur a préparé, Valérie est emportée par les pompiers, intoxiquée par les champignons que Michelle a cueillis avec sa copine Marie-Claude et cuisinés. Comme elle et Lucas n’en ont pas mangé, d’étranges soupçons se tournent vers la douce grand-mère, peut-être moins lisse qu’on ne le pense…

Accoutumé aux grands écarts de film en film, François Ozon ne déroge pas à sa propre règle en signant ce thriller familial explorant le réalisme jusqu’à sa plus extreme banalité… ce qui ne l’empêche pas de laisser entrevoir des recoins équivoques au creux du quotidien ni de s’aventurer aux confins du fantastique. S’il débute sur un fait divers malheureux, un accident domestique comme il peut s’en produire à foison, le récit prend par la suite un tour inattendu conduisant le spectateur dans les abîmes du doute. Là où on s’attendrait à un whodunit avec résolution finale tranquille, le cinéaste propose une construction plus subtile faite de rebondissements complexifiant les personnages, accentuant les non-dits et les ellipses au fur et à mesure de l’avancée de l’intrigue. Ce qui était donné comme acquis au début devient alors plus incertain à la fin. Inhabituel dans le cadre d’un policier, ce film présente en outre une morale ambiguë qui en renforce le côté délicieusement dérangeant. 

Tu es la mère/tuer la mère ?

Fort justement récompensé au Festival de San Sebastian, le scénario est un modèle de précision faisant l’économie du verbe — un paradoxe supplémentaire pour ce film débutant dans une église par un prêche au contenu très signifiant. Alors que le cinéma français a pris pour (mauvaise) habitude de créer de la tension par le dialogue plutôt que par l’action, Quand vient l’automne la fait survenir en en laissant dans la première partie du temps aux situations pour s’installer et aux comédiens pour habiter leur rôle. Bénéfice collatéral : Hélène Vincent brosse un personnage d’octogénaire quasi-bergmanien dans ses routines ordinaires — l’isolement automnal y contribue. Pimpante dans l’attente de sa famille, éteinte lorsque surgit le risque d’une mise au ban après l’empoisonnement. Le duo qu’elle forme avec Josiane Balasko, d’emblée disparate, trouve rapidement une complémentarité logique.

Les lacaniens et autres amateurs de figures symboliques ne manqueront pas de remarquer la quasi absence de référents masculins dans ce film (elle n’est pas anodine), comme ils pourront noter la prédominance des célibataires ; quant à la structure familiale “traditionnelle“, explosée, elle laisse le champ libre à d’autres modèles où un enfant désiré sera choyé. Ils auront également le loisir d’admirer la manière dont la question de l’automne est déclinée, esthétiquement et sensiblement. Fidèle à ses thématiques de prédilection (la manipulation, l’ambivalence; le deuil…), mais en les traitant ici en mode mineur — comme il l’avait fait pour Frantz (2016 ou Sous le sable (2000), François Ozon signe l’un de ses films les plus accomplis.

Quand vient l’automne de François Ozon (Fr., 1h42) avec Hélène Vincent, Josiane Balasko, Ludivine Sagnier, Pierre Lottin, Garlan Erlos, Sophie Guillemin… En salle le 2 octobre 2024.

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Maya, donne-moi un titre de Michel Gondry

Bloqué aux États-Unis par le confinement, Papa (Michel Gondry) envoie à sa fille Maya des petits films animés qu’il réalise à partir des idées qu’elle lui adresse. Enfin… pas forcément des idées : des titres suffisent. L’imagination fertile du cinéaste s’emballe pour créer des contes fidèle à sa fantaisie surréaliste ou baroque…

Quand on a de l’or entre les doigts et de l’inventivité à gogo comme Michel Gondry, subir des contraintes constitue sans doute l’un des meilleurs carburants artistiques qui soit. Son précédent film, Le Livre des solutions (2023), ne racontait-il pas de manière à peine romancée comment un double de lui-même, créait les pires conditions possibles pour s’obliger à achever un long métrage ? Par le passé, Soyez sympa, rembobinez (2008) ne vantait-il pas les mérites sans limites du système D pour fabriquer des films ? Objet modeste en apparence, Maya, donne-moi un titre se réapproprie conjointement — sans prétention aucune — les principes du home-movie et du cadavre exquis. En résulte un authentique événement artistique.

D’abord, parce que la suite d’histoires courtes s’avère palpitante : on se place vite dans la position de l’enfant demandeur, avide d’imaginaire et d’irrationnel. Ensuite, parce que les techniques utilisées par Gondry (principalement du papier découpé dont il délivre au passage le mode d’emploi) toutes rudimentaires qu’elles soient, sont transfigurées par l’art du conteur : le moindre effet artisanal conçu pour ces cartes postales animées minimalistes est plus opérant que ceux mis en œuvre dans bien des superproductions hollywoodiennes !

Loin des yeux, près du cœur

Des circonstances imprévisibles ont conduit Gondry à pratiquer cet autre langage, à apprivoiser le temps différemment ; à renouer avec une approche plus manuelle de son écriture pour dialoguer avec sa fille à sa hauteur. Sans intention, donc, de faire un film pour son public extérieur coutumier., Dénué de tout “message” parallèle, Maya, donne-moi un titre se révèle intergénérationnel et parfaitement universel : nul n’est besoin de faire partie de la famille Gondry ni de ses fans pour en apprécier la poésie foutraque. Le jeune public raffolera du principe et pourrait même inciter ses géniteurs à le répliquer puisque comme le montre le cinéaste, le matériel requis est basique. À quelques semaines des vacances de la Toussaint, gageons que beaucoup de petits spectateurs réclament à leurs parents un titre et le film qui va avec…

Maya, donne-moi un titre de Michel Gondry (Fr., 1h01) animation avec les voix de Pierre Niney, Maya Gondry… En salle le 2 octobre 2024.

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All We Imagine as Light de Payal Kapadia

Mumbai, de nos jours. La chronique de trois femmes confrontées aux entraves du quotidien : Probbha, infirmière, sans nouvelles de son mari parti travailler en Allemagne depuis des années ; sa jeune colocataire Anu, qui a une liaison cachée avec un Musulman de son âge ; Parvaty enfin, en proie à des difficultés juridiques…

À un degré de la plus haute marche du palmarès cannois, le premier long métrage de fiction de Payal Kapadia semble prolonger “dans la vraie vie” la métaphore de l’empêchement que file All we Imagine as Light. Mais s’agit-il réellement d’une métaphore ? La cinéaste illustre plutôt de manière méthodique des situations où les femmes ne peuvent accomplir ce qu’elle pourraient ou aimeraient faire : vivre une histoire sentimentale sans subir de conséquences sociales ni religieuses, faire valoir leur bon droit… Entremêlant les problématiques de chacune dans une première partie très (voire trop) ancrée dans le réel, la réalisatrice semble vouloir indiquer qu’elle tire la légitimité de son propos du documentaire dont elle est issue. Ou désirer composer, avec ce portrait de groupe, un échantillon représentatif de la réalité indienne.

Le travail sur la photo nous éloigne heureusement du sentiment d’assister à un exercice plus sociologique que cinématographique. Impression totalement balayée par la seconde partie se déroulant hors de la ville, dans un village du littoral. Payal Kapadia ose alors une narration davantage onirique et elliptique, moins conforme aux stéréotypes mais plus riche de sens. Que n’a-t-elle pas emprunté ce chemin poétique plus tôt ! All We Imagine as Light eût été moins boiteux et, sans nul doute, plus lumineux.

All We Imagine as Light de Payal Kapadia (Fr.-Ind.-It.-Lux.-P.-B., 1h55) avec Kani Kusruti, Divya Prabha, Chhaya Kadam… En salle le 2 octobre 2024.

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Juliette au printemps de Blandine Lenoir

Après une longue période dépressive, Juliette est de retour dans sa ville d’enfance où réside toujours sa famille. Encore un peu fragile, elle doit faire face à ses parents séparés, à sa sœur aînée jamais avare de conseils (mais à la vie privée moins policée qu’il ne paraît), à sa grand-mère partant à l’EHPAD ainsi qu’à un secret profondément refoulé…

Les grand-mères, les mères, les sœurs de combat dans le droit de disposer de leur corps, les filles aujourd’hui… Il y a autant une cohérence qu’une évidence dans la galerie de personnages animés par Blandine Lenoir, film après film. Né bien sûr d’une nécessité de combler une faible représentation d’une moitié de l’humanité à l’écran mais surtout de leur octroyer davantage qu’une place : un regard, un intérêt, une considération. Il serait réducteur — pour ne pas dire stupide — de désigner son cinéma comme strictement “féministe” ou “féminin” puisqu’il s’adresse à tout le monde en offrant des personnages peu filmés auparavant ; autant qu’ils soient désormais vus par le plus grand nombre possible.

Héroïne de cette histoire autant que témoin de sa propre famille qu’elle redécouvre, la Juliette du titre est aussi une figure inhabituelle à l’écran de femme émergeant d’une dépression. Loin des clichés kleenex-abandonnée par son mec/sa copine, la protagoniste s’offre une immense introspection permettant à chacun et chacune de reconsidérer son existence. C’est d’ailleurs parce qu’on fait *littéralement* sortir le fantôme du placard — et de la maison — que vont se dénouer les tensions entravant la vie de Juliette, de sa sœur aîné Marylou trop parfaite (et hyper stressée), de leurs parents trop séparés, de leur grand-mère trop muette…

Boucle d’ours

Pour cette seconde adaptation d’une bande dessinée de Camille Jourdy (après le peu convaincant Rosalie Blum de Julien Rappeneau en 2015, où figurait déjà Noémie Lvovsky), Blandine Lenoir a su conserver le ton mélancolique de l’autrice. Sans doute parce qu’elle l’a “incorporée” à travers ses illustrations (c’est sa main qui dessine) et qu’il y a même une séquence animée contribuant à l’ambiance semi-onirique — les créations graphiques de Juliette se nourrissant du réel, de souvenirs refouler pour raconter d’autres histoires, dans un système d’enchâssement de récits finissant par exhumer ce que l’inconscient avait caché. D’un point de vue plus anecdotique, on décèlera dans les images de ce film une lointaine référence visuelle à l’une des premières parutions de Camille Jourdy, Peau d’ours (2006). Le passé refait toujours surface, même s’il se déguise…

Juliette au printemps de Blandine Lenoir (Fr., 1h36) avec Izïa Higelin, Sophie Guillemin, Jean-Pierre Darroussin, Noémie Lvovsky, Éric Caravaca… En salle le 12juin 2024.

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Excursion de Una Gunjak 

Sarajevo, de nos jours. Pendant que leurs parents discutent des modalités de la sortie de fin d’année devant se dérouler en Italie, des collégiens s’occupent en jouant à “action-vérité”. La jeune Iman confesse alors avoir déjà couché avec un garçon. Les jours passant, la rumeur va se répandre et inciter Iman à pousser le curseur un cran plus loin en affirmant qu’elle est enceinte. Les conséquences seront terribles…

La Bosnie-Herzégovine accueille ici une nouvelle étape dans le tour du monde des films faisant de l’institution scolaire non le sanctuaire de l’apprentissage, mais un lieu d’exclusion, de souffrance et de discrimination. Parce ce qu’ils sont jaloux ou soucieux de devancer les réactions du groupe, de leurs aînés par mimétisme, des adolescents mal dans leur peau (pléonasme) se ruent sur celle qui désigne sa différence par rapport aux autres. Qui, à leurs yeux, s’affirme comme bouc émissaire potentiel et dérivatif à toutes leurs déconvenues. 

Una Gunjak prend du temps — parfois un peu trop — pour dépeindre le contexte social et familial d’une grande partie des collégiens. Conséquence : ce que l’on gagne en détails sociologiques sur la vie à Sarajevo (les disparités économiques, la relative harmonie pour ne pas dire indifférence entre les différentes religions…), on le perd hélas en efficacité dramatique. Et quand la mécanique du harcèlement s’emballe quasiment de manière incompréhensible, l’issue saisit le spectateur de manière brutale, le laissant avec le sentiment d’une dommageable absence de résolution pour Iman. C’est là toute la différence entre une fin ouverte et une fin frustrante.

Excursion de Una Gunjak (Bos.-Her.-Cro.-Nor.-Ser.-, 1h30) avec Asja Zara Lagumdžija, Nađa Spaho, Maja Izetbegovic… En salle le 12juin 2024.

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