Little Jaffna de & avec Lawrence Valin 

Policier français d’origine tamoule, Michael Beaulieu est chargé d’une mission d’infiltration au sein d’un gang pratiquant l’extorsion de fonds auprès de sa communauté à Paris afin de financer les Tigres, une organisation indépendantiste tamoule du Sri Lanka. S’il parvient à gagner la confiance des chefs du mouvement, sa position l’expose à des risques et à une surveillance accrus…

Dès la première séquence de son premier long métrage, Lawrence Valin donne le ton avec une course-poursuite trépidante parmi les étals d’une fête traditionnelle. Rythme frénétique, couleurs diaprées et saturées comme si l’image cherchait en sus nous faire ressentir la chaleur épicée se dégageant des stands alimentaire, son film nous transporte ailleurs. Mais cet ailleurs n’a rien de folklorique ni de pittoresque, il est une composante de l’ici, porteur donc de cette idée d’une double culture : dans le décor parisien, la diaspora tamoule s’est créée une enclave. Et le personnage infiltré de Michael en est le cicérone.

Double je

Dévoilant une communauté peu connue et peu visible dans le cinéma occidental (exception faite du Dheepan de Jacques Audiard évidemment), Little Jaffna tire avec intelligence parti de la situation historico-politique du Sri Lanka pour asseoir sa trame de polar — virant volontiers au thriller. Si l’enquête met au jour les réseaux d’approvisionnement économique de la mafia tamoule, ainsi que la destination des fonds collectés pour l’armée indépendantiste du Sri Lanka, elle n’a rien d’une opération routinière, exigeant un investissement corps et biens du policier, bousculant sa propre identité.

On n’est pas loin de penser que cette immersion totale résonne avec celle de Lawrence Valin : lui aussi a dû, pour les besoins du film et du rôle, puiser dans ses origines et sa double culture afin de parvenir à cette synthèse adroite souscrivant aux codes attendus par le public européen… sans pour autant rebuter les spectateurs accoutumés aux canons du cinéma tamoul. Interrogeant en permanence ce qui fait appartenance à une tradition (manger avec des couverts versus avec ses doigts trahit par exemple pour les Tamouls un renoncement à ses racines), Little Jaffna joue au point de vue formel sur les deux tableaux, entre tentation de l’extraversion spectaculaire et réserve intimiste. Preuve que le compromis (ou l’hybridation) est toujours possible et source de créativité.

Little Jaffna de & avec Lawrence Valin (Fr., 1h40) avec également Kawsie Chandra, Puviraj Raveendran, Vela Ramamoorthy… En salle le 30 avril 2025.

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Tu ne mentiras point de Tim Mielants 

L’Irlande, au milieu des années 1980. Alors que la crise et la misère frappent le pays, Bill Furlong s’en sort vaille que vaille avec sa petite entreprise de charbonnier. Il compte parmi ses clients le couvent local, institution riche, puissante et crainte dans la région. Mais lorsqu’il découvre à l’occasion d’une livraison qu’une pensionnaire a été sciemment abandonnée en plein hiver dans la réserve à charbon en guise de punition, la vérité de ce lieu lui apparaît. Et un cas de conscience commence à le hanter…

Abrupt et sans fioritures, Tu ne mentiras point exsude à chaque plan cette misère froide et poisseuse qui imprègne les corps de ce village qu’on croirait figé dans les années 1950, voire — s’il n’ y avait pas quelques timides marqueurs de modernité — au XIX^e siècle. L’activité qu’exerce Bill Furlong semble surannée tant elle évoque l’époque de la machine à vapeur, dont ce satané charbon permit l’essor. Ce parallélisme entre archaïsme énergétique et obscurantisme moral n’est sans doute pas anodin : le poids des traditions pèse sur la petite communauté terrorisée par le pouvoir spirituel exercé par les sœurs du couvent. Exerçant une autorité morale “de droit divin”, elles président aussi aux destinées des familles en éduquant les élèves méritantes ou distribuant, selon leur bon vouloir, quelques subsides issus de leur caisse rebondie aux nécessiteux.

Couvent odieux

La face sombre que Furlong découvre et contre laquelle il va se dresser, tout chrétien qu’il soit, en tant qu’homme, mari et père, rappellera l’histoire racontée dans The Magdalene Sister. Lion d’Or à Venise en 2002, ce film traitait déjà de la réclusion de jeunes femmes placées de force par leur famille dans des couvents en Irlande, le plus souvent parce qu’elles étaient enceintes et que leurs proches désiraient éviter que le voisinage jase — s’assurer d’une bonne réputation de façade et abandonner sa fille à une vie de pénitence, d’humiliation et de servitude, voilà qui traduit une curieuse interprétation du message d’amour prôné par les Évangiles…

Dans le rôle du bon apôtre, seul contre tous à avoir conservé son intégrité et le sens de la charité, Furlong agit selon sa conscience à l’instar le marin du poème Les Pauvres Gens de Victor Hugo — dont Guédiguian s’était inspiré pour Les Neiges du Kilimandjaro.

Pour Cilian Murphy, acteur irlandais ayant fait preuve d’’engagement par le passé quant à l’histoire de son pays (voir sa participation à Le Vent se lève de Ken Loach, Palme d’Or en 2006), endosser ce rôle — de surcroît après celui d’Oppenheimer qui lui a valu sa reconnaissance internationale — équivaut à un nouvel acte militant. Comme une incitation à mettre davantage en lumière le passé (récent) honteux pour mieux l’affronter et, peut-être, le réparer. Sa prestation de bon samaritain ne doit pas faire oublier celle de son antagoniste, la mère supérieure campée par une inquiétante Emily Watson : comme dans les James Bond, il faut que le méchant soit bon pour que le film le soit.

Tu ne mentiras point (Small Things Like These) de Tim Mielants (Irl., 1h38) avec Cillian Murphy, Emily Watson, Eileen Walsh, Michelle Fairley… En salle le 30 avril 2025.

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Düsseldorf, ville de culture(s)

Une pointe d’amour de Maël Piriou 

Avocate se sachant condamnée à brève échéance par la maladie, Mélanie a décidé de s’offrir un voyage dans une maison close spécialisée en Espagne. Elle oblige davantage qu’elle ne convainc son meilleur ami Benjamin, lui aussi en fauteuil, de l’accompagner. Et recrute pour les conduire à bon port le très ronchon Lucas, un de ses clients à peine sorti de prison, dont elle doit plaider le dossier…

Adaptation de Hasta la Vista (2011), film belge flamand — comme son nom ne l’indique guère — de Geoffrey Enthoven, Une pointe d’amour en est davantage une relecture qu’un remake puisqu’il se resserre sur trois personnages au lieu d’embarquer un groupe de copains en goguette. Il laisse également affleurer une intrigue sentimentale qui si elle semble de prime abord cousue de fil blanc, s’étoffe grâce à de nombreux changements de cap — à l’instar de l’expédition ne cessant de différer le moment d’arriver au terme du voyage.

Pudeur des sentiments

Cette trajectoire en zigzag vers l’Espagne retarde l’échéance mais renforce la promiscuité-proximité entre Mélanie et Benjamin (ainsi que Lucas, par la force des choses) à l’intérieur de leur van hors d’âge. Et leur offre les occasions de se livrer, voire de se délivrer de leurs secrets intimes ou désirs refoulés. À ce petit jeu de séduction rentrée et confessions muettes, Maël Piriou se montre plutôt habile en mêlant sensualité des frôlements et pudeur extrême. Sa distribution épouse à merveille cette ambivalence : Grégory Gadebois en aidant soupe au lait et introverti colle  à l’emploi ; quant à Julia Piaton et Quentin Dolmaire, ils forment non pas un couple de cinéma, mais un couple crédible. 

Au-delà de leur romance à vitesse réduite, Une pointe d’amour pose en parallèle ce sujet de l’assistance sexuelle des personnes en situation de handicap — à la base de tout, il y a tout de même ce voyage en Espagne pour que Mélanie et Benjamin puissent bénéficier d’une première relation charnelle — qui n’est pas légalement reconnue en France puisqu’assimilée à de la prostitution. La question avait déjà été posée à l’écran il y a un quart de siècle (!) par Jean-Pierre Sinapi dans Nationale 7 (2000) ; force est de constater qu’il faudra encore beaucoup de films pour que cette problématique soit considérée sans être remise aux calendes grecques.

Une pointe d’amour de Maël Piriou (Fr., 1h24) avec Julia Piaton, Grégory Gadebois, Quentin Dolmaire, Florence Viala, Louis Meignan… En salle le 30 avril 2025.

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Les Règles de l’art de Dominique Baumard

 Le hasard place sur le même chemin Éric, un receleur hâbleur et Yonathan, un expert en montres de luxe. Vivant d’escroqueries en entourloupes, le premier tire le diable par la queue quand le second végète dans un confort routinier. Embobiné par Éric, Yonathan commet un “coup” facile qui lui donne le goût vénéneux de la transgression. Les choses se compliquent quand Jo, un cambrioleur travaillant avec Éric, dérobe cinq toiles de maître au Musée d’Art Moderne de Paris pour satisfaire une demande d’Éric. Yonathan se retrouve dans un grand bain où il n’a pas vraiment pied…

Ce qui ressemble à une comédie à l’italienne des années 1960 (Sordi, Mastroianni et Gassman ou Tognazzi au générique), voire britannique des 1990’s (avec Hugh Grant, Alan Rickman et Pete Postlethwaite ou Robert Carlyle et Bill Nighy) repose pourtant sur une histoire authentique et bien française de 2010. À peine romancé pour les besoins de la cause cinématographique, le vol (puis la disparition) de cinq toiles du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris est en effet l’œuvre de trois “artistes” amateurs dans ce registre de cambriole. Entre l’audace — ou l’inconséquence — du geste et le fait que le butin n’ait jamais été retrouvé, il y avait de quoi raconter cet enchaînement calamiteux de circonstances.

Images piquées et piqué de l’image

Étrangement, Dominique Baumard ne tire son récit ni vers le polar ni vers la comédie. Bonne intuition : il signe ici un exercice de style hybride cherchant à retranscrire l’effet produit par Éric sur Yonathan : cette étrange séduction tournant à l’emprise. L’escroc s’impose à ses interlocuteurs par son bagout, les hypnotise par des spirales de mots faisant vibrer la corde sensible autant que sa suractivité. La paire Sofiane Zermani/Melvil Poupaud, forme un duo impeccable pour cet intrigant rapport entre un prédateur et sa proie consentante.

Puisque l’on parle de style, évoquons le travail remarquable de l’image — mais doit-on s’étonner lorsque l’on sait que le chef-opérateur Julien Poupard est à la manœuvre ? D’une beauté picturale sur les plans de nuit (il y a une ambiance à la Van Gogh dans les extérieurs de la séquence du braquage), la photo fait écho à la gamme chromatique des toiles disparues : leur absence se trouve ainsi ironiquement suggérée à chaque instant ou presque à l’écran. Et comment ne pas être fasciné par cette composition impressionniste devant cette devanture de café ruisselante de buée lors du face à face final entre Éric et Yonathan ? La forme du film a su se hisser à la hauteur du fond ; il manque toutefois une étincelle de rythme pour faire des Règles de l’art une pièce de musée.

Les Règles de l’art de Dominique Baumard  (Fr., 1h34) avec Melvil Poupaud, Sofiane Zermani, Julia Piaton, Steve Tientcheu… En salle le 30 avril 2025.

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Qu’est-ce qui vous donné envie d’évoquer cette page d’histoire ?

Lawrence Valin : Depuis que je suis petit, j’ai grandi dans ce conflit qui a opposé les Cingalais aux Tamouls au Sri Lanka. Je suis né en 1989 et il avait déjà démarré et Il s’est terminé en 2009. J’ai toujours baigné dedans par mère et ma grand-mère, qui ont fui le Sri Lanka et sont arrivées en France. Je suis un peu la première génération née ici en France. Quand je rentrais à la maison, on était tamouls ; quand je sortais, on devait être français plus que français. J’ai donc mis toute une partie de mes origines de côté en grandissant et en me disant « je suis français » — dans le film, il y a toujours ce truc d’intégration très important où le personnage [Michael Beaulieu, NDR] gravite entre ces deux cultures. 

Longtemps, je ne connaissais pas mon histoire, ni l’histoire du Sri Lanka. Je savais que c’était tout le temps compliqué. Par exemple, quand on parlait au téléphone avec la famille là-bas, on disait : « Bon bah il y a eu deux morts devant la maison, et t’as mangé quoi ce soir ? » C’était normal, c’était le quotidien,

Plus tard, on m’a conseillé de parler de ce que je connaissais lorsque j’ai voulu faire un film. Et c’est vrai que je voulais parler du fait d’avoir une double culture, de grandir avec les échos d’un conflit très loin ; de son impact sur les gens en France, à 10 000 km… Ça s’est fait de manière assez évidente. Je voulais parler de ce conflit dans mon premier film et c’était ’ un choix volontaire de ne pas vouloir dater — quand on date, pour moi, c’est du passé c’est terminé — alors que là-bas, la communauté tamoule est toujours dans une situation assez critique. On a eu ce génocide, mais pas de réponse de la part du gouvernement. Mon but était de mettre une lumière sur ces gens, à travers un film de divertissement et de parler au plus grand nombre. 

Si j’avais fait un film uniquement centré sur les Tamouls et le conflit, peut-être que les Tamouls de France et les quelques personnes intéressées par ce conflit seraient partis le voir. Mais j’ai décidé de partir sur le côté infiltration, avec des codes connus de tout le monde — le thriller, le suspense — pour que ce ne soit pas juste un documentaire, mais une fiction (qui s’inspire vraiment de faits réels politiques) qui reste une fiction.

Comment avez-vous vécu votre “double identité” de réalisateur et de comédien pendant le tournage ?

J’ai débuté comme comédien il y a 13 ans. Et c’est la soif de jouer qui a fait que j’ai voulu passer derrière en me disant que je n’avais pas les rôles dans lesquels je pouvais vraiment défendre quelque chose. J’ai commencé à écrire et j’ai été pris à la FEMIS où j’ai fait un film de fin d’études dans lequel je jouais et je réalisais. C’est une méthode de travail ; j’ai appris comme ça : en réalisant et en jouant dans mes films. 

En tant que comédien, quand j’arrive sur mes plateaux, la plupart des acteurs sont des non-professionnels qui n’ont pas d’expérience ; et ils ont peur car il y a une soixantaine de techniciens qui s’activent autour. Moi aussi j’ai peur, mais on va le faire ensemble. Le fait d’avoir le réalisateur avec eux, ça les rassure énormément. C’est comme ça que j’arrive à mettre en place ma mise en scène en tant que réalisateur dans le jeu.

Par contre, en tant que réalisateur, je fais toute une préparation très en amont : chaque plan, chaque cadre est verrouillé avec le chef-opérateur, la scripte ; tout est pensé pour que quand j’arrive sur le plateau, je sache exactement ce qui se passe. Je  ne viens pas en tant que Lawrence Valin, mais en tant que Michael Beaulieu, le personnage. Même quand je réalise, je suis Michael Beaulieu qui réalise. Comme ça, les gens ne voient pas le changement acteur/réalisateur. 

Et en tant que comédien/réalisateur, quand on joue, on a besoin de regarder quelqu’un pour savoir si c’est bien ou pas. Moi, j’ai un coach là uniquement pour me regarder dans le jeu. Dès qu’une prise se termine, c’est la première personne que je vais regarder pour voir comment c’était. On a des signes très simples pour savoir si je dois en refaire une. Si je ne l’ai pas sentie, je ne vais pas perdre de temps à aller la revoir ; j’attends que lui me valide. Si je l’ai sentie intérieurement, je la vérifie. Et une fois qu’on l’a vérifiée, on la double.

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Est-ce pour symboliser son appartenance à une double culture que le personnage de Michael a du vitiligo sur le visage ?

J’ai un réel vitiligo qui s’étale sur tout le dos. Pendant l’écriture, je me suis dit que dès le début du film, sans aucun dialogue, on aurait comme ça la problématique de notre personnage : une partie blanche, une partie tamoule et ces deux parties sont mélangées. C’est tout son parcours qu’on va découvrir au fur et à mesure. C’était l’idée et le vitiligo a fait énormément peur à beaucoup de personnes, parce que c’était un pari risqué au maquillage : si ça ne marchait pas, on pouvait ne pas rentrer dans le film. On a fait plein d’essais en amont avec le chef opérateur, l’étalonneur. Parce que j’y tenais absolument : c’était un challenge. Dans chaque département — costume, maquilleur, image — je demandais à chaque technicien : « Je veux voir votre travail ».

Le polar ou le thriller d’auteur — à l’instar de Coppola pour LeParrain pour le milieu italo-amércain ou Cimino avec L’Année du dragon centré sur Chinatown — est-il la voie royale pour décrire avec le plus de réalisme une communauté ou une culture ?

Quand j’ai commencé à écrire Little Jaffna, on m’a dit : « Pourquoi tu ne ferais pas une comédie ? ». Mais je n’avais pas forcément envie de rire sur la communauté. Les représentations que j’ai de la communauté tamoule dans le cinéma français, c’est Jacques Audiard avec Dheepan :un immigré qui ne parle pas le français. Derrière, on a eu Le Sens de la fête, avec une petite représentation d’un Tamoul qui ne parle pas le français, un immigré. Après, on a eu Le Grand Bain, où pareil, on a un mec qui ne parle pas du tout, qui se promène en slip, et dont on n’a pas le passé…

C’est les représentations qui nous arrivent. Comment changer cette représentation-là, d’une autre manière ? Étant petit, je regardais Scarface, Le Parrain… J’ai grandi avec ces films et je me disais qu’être italien, c’était quand même cool. Pour Halloween, on était en costume de parrain italien — alors qu’on était franco-tamoul, ça n’avait rien à voir ! Ça m’est resté du gamin de 13 ans que j’étais, quand je faisais ce film. J’ai envie qu’un Franco-Tamoul de la prochaine génération (ou un gamin qui n’est pas blanc, par exemple), puisse se dir que c’est cool un Tamoul. Parce que ce n’est pas commun. 

Et puis c’est vrai que les films de gangsters ont un côté un peu underground : on ne voit pas ce qui est caché et c’est plus facile de rentrer dedans. Souvent, il y a a le syndrome du « whitesaver », avec un immigré et un personnage blanc qui lui va donner de la force. Pour une fois, j’avais envie que le spectateur blanc s’identifie à un personnage principal qui a ma couleur de peau. Et ce n’est pas un problème, finalement. Parce que j’ai grandi en regardant des personnages blancs que ce soit Alain Delon ou Jean-Paul Belmondo. Je m’identifiais tellement que je voulais faire comme Jean-Paul Belmondo en me tenant l’hélicoptère et en faisant une vraie cascade. C’est ce côté un peu naïf et innocent que j’avais quand j’étais plus jeune, que j’ai voulu garder dans ce film. 

Il n’en demeure pas moins qu’il s’agit d’un premier long métrage très ambitieux…

Mon astuce, c’est que je ne l’ai pas pensé comme un premier film, mais comme mon dernier film ! Quand on pense que c’est un premier film, on a toute une pression de devoir réussir quelque chose, de se dire qu’il faut que ça marche. Ma mentalité était de me dire : « j’ai plus rien à perdre ». C’est le côté challenge, le côté artisanal, ça m’a toujours plu dans le cinéma. Et plus c’est dur à fabriquer, plus moi, en tant que réalisateur, je prends du plaisir à arriver.

Par exemple, je me suis fracturé le poignet dans la scène de course-poursuite. Il y avait au moins 300 personnes qui étaient autour en train de regarder et je me casse bêtement le poignet. Et tout le monde était en train d’applaudir et j’avais le poignet cassé et je me disais il va falloir repartir et faire semblant de ne pas avoir mal au poignet ! C’était la première semaine de tournage. Et j’en ai enchaîné sept derrière avec le poignet fracturé. Mais je préfère réussir avec difficulté que de juste me dire y aller mollo pour un premier film., Au pire, qu’est-ce qui se passe ? Je vais rater, je me suis fracturé le poignet, mais avec panache.

Ce qui m’a aussi beaucoup motivé, c’est toute cette solidarité au sein de la communauté tamoule, qui d’un coup disait : « c’est un premier film qui va parler de nous d’une manière assez singulière. » Par exemple, les mamans des jeunes du film venaient et disaient : « c’est génial ce que tu es en train de faire. » On me disait qu’on pouvait rêver à faire ce métier-là alors qu’avant, ce rêve n’était même pas possible. Je ne pouvais pas partir en Inde faire des films, parce que là-bas, j’étais un Français blanc. Et ici, j’étais un Indien. Et ce film, en fait, c’était pour moi une manière de créer une place. 

Vous avez intégré dans votre film des références à la culture du cinéma indien, notamment dans l’image…

Dans le cinéma de Kollywood [le Bollywood du l’Inde du Sud, NDR] c’est très coloré, c’est pop. J’aime beaucoup le cinéma de Scorsese et je pense que ça se ressent aussi dans mon cinéma. Et en même temps, il y a ce côté un peu pop d’Harmony Korine qu’on peut avoir dans Spring  Breakers, The Beach Bum ; ce côté un peu néon. Du coup, j’ai un peu mélangé mes inspirations.

À Kollywood, on n’a pas besoin de cape ni de collant pour dire que c’est des super-héros ; quand les gens vont au cinéma, ils veulent oublier la réalité et être dans l’extraordinaire. C’est pour ça que quand il y a un coup de poing dans un film indien, le mec vole à 200 mètres.  Sur ce film, je ne pouvais pas faire ça ; quand un public occidental regarde ce genre de film, il le prend comme une comédie — parce qu’il n’a pas la grille de lecture. 

Tout le long du montage, je devais régler mes curseurs pour en pas être trop dans le côté Kollywood, et ramener du côté occidental — ou l’inverse. Sur ce film, je traçais un peu une ligne rouge où je basculais entre l’un et l’autre. Au-delà de l’expérience de la double-culture ou de la langue — on est quasi à 50% en français et en tamoul — c’était un équilibre à trouver entre les deux. 

La question du mélange des cultures à 50% et de l’intégration est, au fond, le cœur du film…

Je vais parler en mon nom : j’ai été le plus heureux quand j’ai accepté ma patrie d’origine. C’est quand je suis les deux que je me sens accompli ; pas en reniant l’un ou l’autre. Parce que forcément, si on doit choisir, on a l’impression de trahir l’autre.

Et je le crie haut et fort : Little Jaffna est un film français ! On a la chance, d’avoir un cinéma qui nous permet de raconter des récits comme ça. Parce qu’en Inde, ils n’auraient jamais de la vie fait un film avec que des Blancs. En tout cas, je pense que je n’aurais jamais pu faire ailleurs ce film qu’en France. Je suis hyper content.

Le film va-t-il sortir au Sri Lanka ?

J’adorerais. Mais je pense que c’est impossible. Ça va être censuré, forcément. Quand on parle en mal du gouvernement, ne serait-ce que le carton de la fin, qui dit : « On voudrait juste avoir une reconnaissance »  Ils vont couper toutes les parties bonnes, ils vont garder toutes les mauvaises en se disant : « Regardez, on avait raison ! » (sourire). Mais en Inde, par exemple, le film a été très bien reçu à un festival qui s’appelle MAMI à Mumbai. Et il y a plusieurs distributeurs qui sont intéressés…

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