Parlons, pour commencer, de la mise en œuvre peu commune de ce film, signé Laurent Cantet mais dont vous avez assuré la réalisation après son décès. Dans quelles conditions s’est décidée la poursuite du projet initial ?

Robin Campillo : Laurent avait déjà écrit un traitement avec Gilles Marchand, qui devait faire une vingtaine pages. Il hésitait entre ce film et un projet en Thaïlande ; il n’était plus sûr du scénario. Il m’ a fait lire les vingt pages et moi j’étais très enthousiaste. Au même moment, il a découvert qu’il avait un cancer assez grave mais possiblement traitable. Je lui ai proposé un pacte : qu’on se remette comme à l’époque — que j’écrive le scénario et que je fasse le montage — mais que je sois aussi un peu plus sur la prépa. Et le tournage, évidemment,  pour faire des retours entre les techniciens, les comédiens… parce qu’on se disait qu’avec les traitement, il risquait d’être crevé. 

En janvier 2024, on avait commencé à écrire le scénario, on avançait bien c’était assez joyeux — ça le maintenait, ça lui donnait beaucoup d’énergie. Mais on s’est aperçu que c’était encore plus grave que ce qu’on pensait. Il avait commencé à faire des repérages : il a trouvé notamment le chantier à La Ciotat, où il avait un petit appartement avec sa compagne Isabelle. On a commencé le casting, on a trouvé les quatre acteurs principaux ; il a annoncé aux deux acteurs non professionnels, Maksym et Éloy, qu’ils étaient pris. Une semaine après, il est tombé très malade et il a eu une infection J’ai pu discuter avec lui à l’hôpital la dernière journée.. On a parlé de trucs personnels mais aussi, avec la productrice Marie-Ange Luciani et avec sa compagne, de ce qu’on faisait de ce film..

Au début, quand je suis rentré dans la chambre d’hôpital, il m’a dit : « bon bah c’est bon tu vas pouvoir faire ton film, on oublie tout ça. » J’ai dit : « t’es sûr ? »  Après, j’ai appelé ma productrice qui m’a dit : « mais est-ce que tu lui as bien dit que tu avais envie de le faire ? » Donc je suis retourné dans la chambre et je lui ai dit que j’avais envie de le faire ; sa compagne lui a dit qu’elle avait envie de voir le film… et donc on a décidé — je pense qu’il en était content — qu’on continue. Il est décédé dans la nuit juste après. 

On a commencé le film le lundi suivant, on tournait sept semaines après. C’est donc parti comme ça. Sept semaines, cela peut paraître long par rapport au tournage mais ça m’a paru très très court pour me relancer dans le film ! Ça peut paraître un peu dur mais en même temps l’hypothèse inverse aurait été encore pire : c’est-à-dire ne plus rien faire, jeter le scénario et se dire qu’on était dans la perte. Je ne me voyais pas en train de continuer à écrire mon scénario. Ce qui fait qu’on est parti plutôt joyeusement sur le tournage avec, en plus, deux acteurs non professionnels pour qui c’était quand même aussi un événement très très important pour leur vie de se lancer dans ce film. Ça nous a un peu tous portés. 

Il y avait une volonté de pas s’écrouler qui faisait qu’on est parti un peu énergiquement dans le film. Et ce truc que, personnellement, je trouvais très agréable : quand je fais un film, je suis très inquiet donc j’ai tendance à reculer pour mieux sauter. Là, me suis aperçu que c’était la même merde qu’on mette un an de plus ou sept semaines : on est obligé de résoudre les problèmes — et même plus rapidement. Et puis Gilles Marchand m’a rejoint sur le tournage, avec Marie-Ange Luciani qui était là quasiment tous les jours, avec qui on discutait beaucoup. Voilà comment ça s’est fait…

Laurent et vous aviez-vous tous les deux la même vision du personnage de Enzo ?

Ce qui est fou, c’est qu’on avait la même idée de ce qu’il devait faire et de ce qu’il devait dire, mais on n’avait pas la même vision de ce que ça signifiait — ce qui n’est pas exactement la même chose. C’est curieux parce qu’avec Laurent, on n’a jamais créé des personnages contraints : on avait toujours l’impression que c’était surtout sur des ambiguïtés, des choses qu’on ne pouvait pas décider. Sur le gamin, pour moi c’est difficile de savoir si c’est juste un adolescent d’aujourd’hui qui a une certaine fluidité sexuelle et qui rêve un peu, qui est tombé amoureux de Vlad ou si c’est un garçon qui n’avait pas réalisé qu’il pouvait être attiré par les hommes ; ou encore si c’est un garçon qui, dans son désir de se confronter à la dureté de la réalité, est dans ses fantasmes de guerre. C’est, comme dirait Deleuze, un “agencement” d’un ensemble  de choses…

Donc, on n’avait pas la même vision. Ce qui fait que, dans le film, il y a plein de moments où on peut se poser la question. Par exemple quand il est avec sa petite amie — on sent d’ailleurs que c’est très léger, c’est pas une vraie relation —, on remarque que c’est elle qui lui prend la main, qui l’embrasse et que lui se laisse un peu faire On peut interpréter ça comme on veut ; ce genre de détails nous intéressait. On a essayé dans ce film d’être très limpide, très lumineux. C’est beaucoup de lumière sur beaucoup d’ambiguïté : on voulait un film très simple, avec une narration très simple mais avec une complexité sur ce qui peut traverser la tête et le désir des gens.

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Vous avez parlé d’ambiguïté. Une chose n’est pas du tout ambiguë, comme souvent dans les films de Laurent Cantet, c’est d’évoquer ouvertement l’argent ou les questions économico-sociales. Enzo est par ailleurs troublant car il constitue une sorte de miroir de Ressources humaines où le transfuge de classe est inversé. Laurent Cantet l’envisageait-il  comme un reflet ?

Oui, je pense qu’il y a pensé ; c’’est un truc auquel il pensait. J’ai l’impression que dans sa vie personnelle, il a vécu les deux situations : à la fois d’être un transfuge supérieur et un transfuge inférieur de classe. Maintenant je peux dire qu’il avait aussi  un peu le sentiment d’avoir une drôle de place dans le cinéma. Et que ça avait à voir avec un rapport de classe. Parce qu’il était à la fois reconnu et pas tellement reconnu, c’était très étrange. Il fait une percée avec Entre les murs, qui a la Palme d’Or, qui fait qui 1,6M d’entrées. Mais dès son film suivant, il est très vite oublié — enfin, on parle beaucoup moins de Foxfire. 

Quant au miroir… La première histoire qu’il m’avait racontée, c’était vraiment sur la question d’un transfuge de classe dans sa propre famille. On dit que la cellule familiale est le fondement la société, mais il faut faire attention : c’est une cellule très aléatoire. Comme dit la chanson, « on ne choisit pas ses parents, on ne choisit pas sa famille ». Et il peut y avoir de l’étrangeté, on peut se sentir étranger dans sa propre famille. Et puis par rapport à Ressources humaines (qui a quand même un quart de siècle), c’est qu’aujourd’hui, il y a quand même la possibilité que les enfants soient plus précaires que leurs parents et surtout beaucoup plus inquiets que ce que Laurent et moi on a vécu quand on était jeunes. Tout ces trucs, on avait envie d’en parler.

Et sur la question de l’argent… Quand on est enfant, quand on est jeune, le salaire, l’économie, ça reste un truc un peu mystérieux, très tabou de pas savoir exactement combien ses parents gagnent — particulièrement en France. La mère prend ça presque comme une blague, qu’il ose lui demander combien elle gagne. Quand le père dit à Enzo qu’il est un petit bourge qui se raconte des histoires, c’est une vérité quand même ! Le gamin vit dans une maison complètement délirante. Au début, quand il jette ses outils et se barre du chantier, il ne le fait aussi que parce qu’il est bourgeois. Cette manière de résistance à son patron, ça vient d’une espèce d’entêtement qui vient de l’adolescence, mais qui vient surtout d’un statut.

Quand on parle de crise à l’adolescence, on dit que c’est l’adolescence qui est en crise.. En fait, l’adolescence est une déflagration.. La crise, produit de la crise partout et ça bouge les gens dans la famille. Et il le fait aussi avec Vlad pour moi ; au fond, il reproche vaguement à Vlad de ne pas aller faire la guerre en Ukraine. C’est le moment où Vlad a compris qu’ils ne vivaient pas dans le même milieu. C’est vraiment des choses qu’on a déliées avec Laurent au fur et à mesure et qui se sont révélées aussi sur le tournage.

Comme dans Théorème : Enzo sème le désordre…

Oui, c’est vrai qu’il y a un peu de ça… Sauf que c’est quelqu’un qui est dans la famille. Mais c’est pour dire aussi que l’adolescence, c’est un moment de déflagration politique. L’adolescent, tel qui est là, donne à penser à son père : qu’est-ce qui s’est passé chez lui entre sa propre adolescence et le moment où il en est ? Et ça, c’est très perturbateur, cette espèce de renoncement à l’idéal. Tout en sachant, effectivement, que l’adolescent quand même finira par céder, ce moment de trouble est vraiment intéressant.

Enzo de Laurent Cantet réalisé par Robin Campillo (Fr, 1h42) avec Eloy Pohu, Pierfrancesco Favino, Élodie Bouchez, Maksym Slivinskyi…

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Le Mélange des genres de Michel Leclerc

Comédien abonné aux cachetons, Paul est surtout homme au foyer, son épouse et consœur triomphant  sur les planches. Paul a surtout la malchance d’être pris pour cible par une bande de féministes radicales, les Hardies. La faute en incombe à Simone, policière infiltrée au sein du mouvement qui, pour conserver sa couverture, désigne Paul au hasard comme un agresseur sexuel alors qu’il est le plus déconstruit des hommes. Pour lui, le doute et l’introspection s’ajoutent aux ennuis…

Quel plaisir de retrouver dans un film de Michel Leclerc ce mixte de légèreté et de savoureux mordant qui avait fait le succès de l’inusable Le Nom des gens ! Une alchimie peu banale à la vérité puisque l’auteur (et son indispensable co-scénariste Baya Kasmi) étaient parvenus à inscrire une histoire sentimentale digne des meilleures romcoms britannique dans une trame politique sérieusement engagée, le tout servi par une distribution idoine et alerte. Rebelotte donc avec Le Mélange des genres.

Après les mâles de droite à rééduquer, Leclerc s’intéresse ici à la question de l’égalité entre les femmes et les hommes dans notre société, dans chaque strate du corps social  : le niveau volontaire individuel, avec le personnage de Paul se “déconstruisant” en endossant les fonctions traditionnellement dévolues aux femmes dans le couple ; la mouvance militante/associative/revendicative/activiste incarnée par le collectif féministe Hardies et enfin, le cadre légal théoriquement représenté par les services de police. 

Un genre de nouvelle donne

Mais, et c’est tout son intérêt et son art, si Le Mélange des genres ne conteste évidemment jamais la nécessité d’atteindre à cet objectif, cette comédie pointe avec une acuité caustique les paradoxes et les absurdités de chaque “entité” considérée. Seuls (et seules) les dogmatiques auraient la mauvaise grâce de ne pas saisir, derrière la dérision et le burlesque des situations, la pertinence de l’analyse ici proposée. En flirtant parois avec l’absurde Michel Leclerc, n’est pas loin du lanceur d’alertes lorsqu’il rappelle combien des individus peuvent être aussi suivistes que les brebis de Panurge derrière une ou un gourou en carton : seule compte leur appréciation personnelle de la loi et leur désir de revanche. Il n’épargne pas non plus les services de police qui admettent en leur effectif des éléments ouvertement machistes et laxistes face aux violences domestiques.

Notons au passage qu’il “n’essentialise” pas : il pointe des comportements aberrants émanant de personnes dont les actes sont en décalage manifeste avec ce qu’elles professent ou sont censées incarner  de par leur fonction — ce qui ajoute au passage à la causticité de la comédie. Au bout du compte, Le Mélange des genres est moins un pamphlet contre les activistes ou la police — il faudrait vraiment manquer d’autodérision comme les pires des extrémistes pour faire pareil contresens ! — qu’un plaidoyer pour une relation apaisée (et empreinte de douceur) entre les genres. Une sorte de un new deal sociétal et/ou sentimental.

Pas de comédie sentimentale sans sentiments — ici on joue sur le velours de la douceur — ni, surtout, comédie et donc comédiens ad hoc. Comme toujours, Leclerc élargit sa troupe à bon escient avec ici l’arrivée de Benjamin Lavernhe — qui pourrait faire un Benjamin Malaussène parfait tant il est magistral en bouc émissaire. Ce personnage de tragédie essoré par le quotidien est d’autant plus sublime qu’il est porté par une forme de transcendance (la foi qu’il place en son métier de comédien) et sans cesse contrecarré par fatalité alors qu’il s’ingénie à devenir la meilleure version de lui-même. Sa lente et imméritée déchéance, digne de la mise l’épreuve divine de Job, devrait nous apitoyer. Mais l’Homme est ainsi fait qu’il en rit car c’est effroyablement drôle !

Le Mélange des genres de Michel Leclerc (Fr, 1h43) avec Léa Drucker, Benjamin Lavernhe, Melha Bedia, Julia Piaton, Judith Chemla… En salle le 16 avril 2025.

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La Réparation de Régis Wargnier

Alors que son restaurant est sur le point de décrocher sa troisième étoile, le chef Paskal Jankovski disparaît lors d’une partie de chasse en compagnie de son second, Antoine — par ailleurs amant secret de Clara, fille unique de Pascal. Plusieurs mois s’écoulent dans un silence absolu, jusqu’à ce que Clara reçoive une invitation anonyme pour un festival gastronomique à Taipei. Espérant y trouver des réponses et des explications à cette double absence, elle s’envole pour Taïwan…

Le titre résume à lui seul une grande partie de l’œuvre de Régis Wargnier qui a toujours volontiers traité des histoires d’âmes, de corps ou de familles largement endommagées par l’existence, l’Histoire ou la politique… Des individus malmenés en quête d’une restauration (ou d’une rédemption) que raconte le film. Entre réparation et consolation, Clara est bien dans cette attente d’une résolution personnelle que ce parcours initiatique comparable à celui que son père fit jadis en Asie, doit en théorie permettre d’accomplir. Sa quête de sens est de surcroît profondément sensorielle puisqu’elle suit une piste et un atavisme gustatifs. 

Réparer les vivants

Dire de La Réparation (et des films précédents de l’auteur) qu’ils sont d’une facture académique ne devrait a priori pas le heurter. Outre le fait qu’il compte au nombre des rares membres de la section “cinéma et audiovisuel” de l’Académie des beaux-arts, le réalisateur a toujours témoigné d’un attachement à la forme, ainsi qu’à une esthétique picturale plutôt classique. Chaque plan est ainsi susceptible d’accueillir une composition valorisant la beauté exotique des paysages, la subtilité des créations gastronomiques, l’équilibre des personnages ; chaque séquence ou presque bénéficie en sus de l’accompagnement immersif de Romano Musumarra, auteur ici d’une partition sobre aux échos mélancoliques.

Le retour du compositeur de La Femme de ma vie (1986), des paysages asiatiques devant la caméra de Wargnier après Indochine (1991) ou Le Temps des aveux (2014) ne constitue pas une redondance ni un bégaiement. Pour preuve, le cinéaste s’entoure ici d’une distribution privilégiant les nouveaux visages — exception faite de Louis-Do de Lencquesaing et Clovis Cornillac, évidemment. Bonne pioche : Julien de Saint-Jean confirme ce qu’il a déjà démontré ailleurs et Julia de Nunez s’affirme dans ce qui est son premier grand rôle au cinéma. S’il fallait toutefois glisser une réserve, elle concernerait les dialogues un peu trop gangrenés de répliques explicatives et utilitaires. Quand on peut faire des images, la parole est souvent superflue.

La Réparation de Régis Wargnier (Fr, 1h44) avec Julia de Nunez, Clovis Cornillac, Julien de Saint-Jean… En salle le 16 avril 2025.

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Oxana de Charlène Favier

Paris, juillet 2018. Alors qu’elle prépare dans la fièvre le vernissage de son exposition, Oksana Chatchko sillonne la ville avec un mixte de lassitude et de colère : l’ancienne fondatrice des Femen peine en effet à faire reconnaître son statut de réfugiée politique auprès des autorités françaises. En parallèle, on découvre la trajectoire qui a mené cette jeune artiste ukrainienne vers l’activisme féministe. Un parcours qu’elle a payé au prix fort…

Le problème des biopics consacrés à des personnes unanimement respectées rappelle cette impasse que rencontre la littérature noyée sous les bons sentiments : quand le personnage principal se prête à une forme de sanctification laïque, le récit de sa vie tourne vite, qu’on le veuille ou non, à l’hagiographie. En même temps, faudrait-il se forcer à assombrir le portrait pour la seule raison que le sujet manque de zones d’ombres et de nuances ? Tout le monde n’a pas la chance d’avoir à traiter d’une fieffée crapule façon Mister Hyde !

D’autres vies que la sienne

Concernant Oksana Chatchko, il n’y a pas débat : son légitime combat en faveur des droits des femmes ainsi que l’empilement des misères l’ayant frappée au cours de sa courte existence créent une sympathie spontanée à son endroit. Lanceuse d’alerte et militante, la jeune artiste s’est surtout retrouvée à plusieurs reprises en situation de victime : d’abord torturée, molestée et stigmatisée en Ukraine, Biélorussie et Russie puis trahie par d’anciennes sœurs de lutte qui la déposséderont du mouvement qu’elle a fondé, Femen. 

Cet ensemble tragique se soldant de surcroît par un suicide avait à lui seul de quoi dessiner l’arc dramatique du film. Mais par un choix — une coquetterie, presque — d’autrices et pour faire davantage fiction, Charlène Favier et sa coscénariste Diane Brasseur ont imaginé un “dernier jour“ synthétique pour Oksana, haché de flashbacks. Hélas, ces va-et-vient incessant chahutant artificiellement la chronologie brouillent davantage la compréhension qu’ils ne rythment le récit. Voilà qui laisse une impression mitigée : comme si, une fois encore, d’autres voix avaient cherché à recouvrir celle d’Oksana. Paradoxal.

Oxana de Charlène Favier (Fr, 1h43) avec Albina Korzh, Maryna Koshkina, Lada Korovai, Noée Abita… En salle le 16 avril 2025.

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