À pied d’œuvre de Valérie Donzelli 

Photographe professionnel ayant bien vécu de son art, Paul Marquet a décidé un (beau ?) jour de lâcher le succès, l’argent, la stabilité pour écrire. Dans sa quête d’absolu créative, il va se dépouiller de tout — du confort à sa famille — et devoir financer son nouvel idéal. Pour cela, il se met à accepter des petits boulots d’autant moins bien payés qu’ils sont proposés sur une plateforme en ligne selon une enchère dégressive. L’intello troque son ordinateur contre une expertise de factotum et le dénuement contre la précarité…

« À la sueur de ton front tu mangeras du pain ». Depuis la Bible (et sans doute même avant), l’Homme accepte comme naturelle, voire nécessaire, la pénibilité du travail. Comme si tous les désagréments subis durant son labeur contribuaient à éponger quelque vieille ardoise édénique. Les artistes n’échappent pas à cette malédiction : souvent décrits comme vivant dans des sphères éthérées, dépourvus de toute considération terrestre, on exige d’eux la vache enragée et que leurs œuvres soient consubstantielles à d’infinis tourments… En somme, rien ne peut s’obtenir dans la légèreté ni la joie : chacun doit faire l’épreuve de la souffrance pour mériter sa part. Et peut-être, l’éphémère satisfaction d’une réussite.

En bossant en écrivant

En moine soldat de l’écriture, Paul s’obstine avec une forme de vertige dont on ne saurait dire s’il tient de l’orgueil ou de l’humilité. Son sacrifice jusqu’à l’obsession, à l’avilissement matériel volontaire, se transforme en drogue dans le temps qu’elle devient le carburant de son inspiration. Toucher du doigt la misère des sans grades en étant exploité (et revendiquer l’authenticité de l’être) le légitime dans sa démarche littéraire. Il lui faut vivre la galère et se défaire de ses anciens oripeaux pour pouvoir écrire. La démarche pourrait rappeler les enquêtes documentaires à la Florence Aubenas (Le Quai de Ouistreham), mais elle porte moins sur la révélation d’un contexte social que sur une épiphanie artistique personnelle.

Certes, en creux et dans les marges, À pied d’œuvre montre bien cette économie du diable par la queue, l’uberisation ignoble de la tâche par des particuliers plus ou moins sympas ; de même qu’il évoque les paradoxes de ce monde de l’édition qui rétribue chichement ses auteurs — mais où les éditeurs n’ont visiblement pas de problèmes de loyer. Sans insister sur le sujet, Valérie Donzelli diffuse ces thèmes en arrière-plan, rendant la croisade solitaire de Paul moins égoïste qu’elle ne pourrait sembler de prime abord.

Prix, concours…

Justement distingué à Venise par un Prix du Scénario (pour Valérie Donzelli et Gilles Marchand), À pied d’œuvre est, après L’Affaire Bojarski, le second film depuis le début 2026 où Bastien Bouillon impose sa silhouette. Après une quinzaine d’années de métier, quatre films par an en moyenne et une consécration comme “espoir“ (en 2023 !), il devrait enfin pouvoir être considéré par la profession comme digne d’être éligible aux plus prestigieux trophées. Après tout, il est au moins autant du sérail que Swann Arlaud…

À pied d’œuvre de Valérie Donzelli (Fr., 1h30) avec Bastien Bouillon, André Marcon, Virginie Ledoyen… Sortie le 4 février 2026.

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“Victoria” de Sebastian Schipper

The Mastermind de Kelly Reichardt 

1970, aux États-Unis. La trentaine, Mooney végète professionnellement, au grand dam de son père juge et de sa mère qui accepte en secret de lui financer un hypothétique projet entrepreneurial. Elle ignore qu’elle lui permet de mettre sur pied le casse de trois toiles dans un musée, que Mooney a minutieusement conçu. Mais entre l’exécution du plan contrecarrée par des bras cassés et l’écoulement du butin, rien ne se déroulera pour ce cerveau trop intello…

Est-ce un hasard si The Mastermind arrive après Showing Up (2022) ? Ils forment en tout cas un diptyque édifiant sur la création artistique en échec : d’un côté une plasticienne qui hésite, achoppe, se laisse envahir par ses problématiques familiales alors qu’elle devrait rester concentrée sur la conception de son exposition ; de l’autre un homme obnubilé par l’art dans lequel il voit une issue pour fuir le cul-de-sac de sa vie routinière. Pour Kelly Reichardt, l’œuvre d’art n’est pas une fin en soi mais un prétexte — un McGuffin — permettant de parler de ce qu’il y a autour de sa présence.

1970

C’est en effet ici moins le cambriolage que le contexte d’une époque que la réalisatrice capture et encapsule dans son film — pour rester dans la thématique, on pourrait presque parler d’un travail virtuose de faussaire tant elle parvient à restituer. Dès les premières images, on croirait à un authentique film de la fin des années 1960 : décors, costumes, gueules, cadrage, étalonnage et  rythme global du film… tout concourt à évoquer un film indépendant du Nouvel Hollywood. Le parcours du personnage-titre, stratège à la petite semaine, rappelle également les itinéraires bancals des anti-héros fleurissant dans ces années de guerre du Vietnam, où la jeunesse (les baby-boomers) oscillait entre contestation et désespérance — revoir Macadam Cowboy (1969) ou Le Canardeur (1974).

Loin de se borner à un exercice de contrefaçon, The Mastermind est à l’instar de Inside Llewyn Davis (2013) des frères Coen un très beau et très pathétique portrait d’individu, d’autant plus captivant qu’il le suit quasiment en permanence, usant d’une sobriété pouvant paraître surprenante. Ce “minimalisme omniprésent” fait écho à celui de l’espace à l’écran, encore vierge de ces produits de la société de consommation saturant le moindre recoin de notre existence. Rappeler que le monde occidental était alors encore “empli de vide” et que l’on pouvait espérer y tracer sa route, a de quoi laisser songeur, sinon nostalgique…

The Mastermind de Kelly Reichardt (É.-U., 1h50) avec Josh O’Connor, Alana Haim, John Magaro… Sortie le 4 février 2026.

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L’Accident de piano de Quentin Dupieux

Devenue riche et célèbre sur les réseaux sociaux en publiant des vidéos d’elle s’infligeant des mutilations diverses, Magalie “Magaloche” Moreau a brusquement tout arrêté pour se réfugier dans un chalet des Alpes avec son homme à tout faire, Patrick Balandras. Hélas pour elle, son incognito fait rapidement long feu : non seulement un fan local la reconnaît, mais Simone Herzog, une journaliste use de moyens de pression pour obtenir ce que personne n’a jamais eu d’elle une interview

L’Accident de piano serait-il le quatrième volet d’un tétraptyque non officiel entamé par Quentin Dupieux avec Yannick (2023), puis Daaaaaaalí ! et Le Deuxième Acte (2024)? Une série de films (dont on se gardera bien de dire qu’elle est close tant l’auteur est prolifique) ayant en commun de pousser des artistes dans leurs retranchements ; où des tiers intrusifs (journalistes, public, alter ego) les questionnent non seulement sur ce qu’ils font (leur œuvre) mais sur ce qu’ils sont (leur essence). Dans chacun des cas, l’Homo artis se trouve contraint de justifier sa production comme s’il devait répondre à une instruction judiciaire ; ses inquisiteurs peinant à admettre que son œuvre soit son langage… et réciproquement.

Un talent monstre

Certes, Dupieux s’est déjà frotté à la question de la création artistique, mais davantage pour tenter de décrypter le mystère de l’inspiration et cerner les frontières avec le songe (Reality) ; ou encore pour s’amuser avec le défi narratif du conte (Fumer fait tousser). Cette variation sur le thème de l’artiste malmené (et vaguement incompris malgré le succès) ajoutée à la volonté exprimée du réalisateur de s’alléger les contraintes promotionnelles usantes inhérentes à chaque sortie, plaide pour le message personnel, le germe autobiographique à l’embryon de chacun de ces films. En même temps, qui ne serait pas là d’entendre deux fois par an le même tombereau de questions déversé dix fois par jour durant deux semaines — soit le temps de tourner film selon les critères Dupieux ?

Cette hypothèse posée, n’en déduisons pas que le cinéaste sanctifie par principe “l’artiste” — ici, la productrice de contenus Magaloche. Sans la juger non plus, il montre comment son insensibilité à la douleur l’a conduite à déverser des tonnes de vidéos auto-mutilatrices/masochistes sur le Web dont les milliards de vues lui ont permis d’amasser une immense fortune. En effet, qui est à blâmer ici : l’exhibitionniste créant des performances limites ou bien la horde internautes voyeuristes encourageant la production de ses films ? 

Comédie noire en blanc

Au reste, Magaloche est-elle à l’instar d’Orlan ou de Crazy White Sean une artiste ? Elle balance entre la citation de Cocteau (« Ce qu’on te reproche, cultive-le : c’est toi ») et les vers d’Aragon (« Ce qu’il faut de malheur pour la moindre chanson/(…)/Ce qu’il faut de sanglots pour un air de guitare ») Quant à l’émanation du public, le fan — incarné par un effrayant Karim Leklou, plus écarquillé que nature — son comportement hystérique et grégaire interroge sur ce qu’il comprend ou apprécie réellement dans la démarche créative…

S’il tient fatalement du jeu de massacre, L’Accident de piano n’épargne aucune bassesse humaine: la tyrannie des artistes-égotistes traitant leurs employés comme des laquais ; les employés à la servilité obséquieuse ou les maîtres-chanteurs au petit pied. À chacun son dû. Le plus cocasse est sans doute que ce concentré de pourriture est en quête d’un blanc virginal : l’essentiel de l’histoire se déroule sous un manteau neigeux, dans une lumière « à la Dupieux » à la luminosité poussée ; quant à Magaloche, elle ne se nourrit que de yaourt nature.

Impossible de conclure sans saluer dans ce quatuor principal Adèle Exarchopoulos dont Quentin Dupieux (après Mandibules) obtient à chaque fois une métamorphose pour ne pas dire une transfiguration. Il ne s’agit pas en effet du simple ajout d’un postiche ou de bagues dentaires, mais d’une incarnation saisissante avec son registre d’expressions, ses spécificités propres. Et plus le temps passe, plus on a l’impression que ce caméléon en a encore sous la pédale. À quand le prochain Dupieux ?

L’Accident de piano de Quentin Dupieux (Fr, 1h28) avec Adèle Exarchopoulos, Jérôme Commandeur, Sandrine Kiberlain, Karim Leklou… En salle le 2 juillet 2025.

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“Le Royaume”, “Une part manquante”, “En tongs au pied de l’Himalaya”, “On aurait dû aller en Grèce” en salle le 13 novembre 2024

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Rapaces de Peter Dourountzis

Journaliste d’investigation pour un magazine spécialisé dans le faits divers, Samuel enquête sur le meurtre sordide d’une jeune femme à l’acide. Flairant un scoop, il décide de suivre son intuition et de passer outre les injonctions de sa hiérarchie lui intimant de changer de sujet. Dans cette affaire, il est épaulé par sa stagiaire de fille, Ava, qui découvre avec lui les ficelles du métier mais aussi ses dangers…

Après Vaurien (2020), Peter Dourountzis signe un film à l’ancienne sur un sujet d’aujourd’hui. “À l’ancienne”, dans le sens où la traque de serial killers par un cavalier (presque) seul flirtant avec la légalité s’avère un motif classique. Le fait qu’il s’agisse d’un groupe mascu ciblant des femmes renvoie a contrario à une préoccupation plus contemporaine, la prise en compte des féminicides, qu’appuient la présence et le regard du personnage d’Ava, incarnation d’une nouvelle génération. Même si la rédaction n’est pas un ramassis de vieux schnocks misogynes — elle est dirigée par une patronne et on y trouve une enquêtrice de choc —, on devine la trace de réflexes et d’habitudes datant d’un autre temps. Voilà pour le portrait du “métier” où les plus habiles faits-diversiers louvoient entre bluff, informateurs et flair. Mais ils ne sont pas les rapaces du titre.

Une scène de restau impériale

Œuvre noire hantée à la fois par la radicalité de l’authenticité et la mythologie de tout un genre de cinéma (on le voit dans le soin porté aux plans tournés de nuit ; on l’entend dans le travail sur la bande son et le hors champ privilégiant la suggestion à la monstration), Rapaces se trouve néanmoins pénalisé par une inégalité de rythme. Elle se fait d’autant plus criante que certaines scènes ont manifestement bénéficié d’un traitement de faveur en termes d’écriture et de réalisation. À l’image de la séquence se déroulant dans le restaurant Le Napoléon, impeccable de suspense et de tension, qui éclipse même une (trop courte) poursuite finale aux allures de decrescendo après cet apogée. 

De même regrette-t-on la soudaine volatilisation du gentil mentor interprété par Jean-Pierre Darroussin, ravalé au rang de personnage utilitaire dont le scénario se débarrasse lorsqu’il n’en a plus besoin — comme beaucoup d’autres, d’ailleurs. Ce traitement s’avère d’autant plus dommageable que sa silhouette de vieux sage faussement désabusé est fort bien dessinée, à l’instar de celle de ses compagnons de labeur au demeurant. Aussi frustrant qu’un goût d’inachevé.

Rapaces de Peter Dourountzis (Fr., 1h43) avec Sami Bouajila, Mallory Wanecque, Jean-Pierre Darroussin, Valérie Donzelli, Stefan Crépon, Andréa Besson, Gilles Cohen, Paul Hamy, Matthieu Luci… En salle le 2 juillet 2025.

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Les Musiciens de Grégory Magne

Co-héritière d’une entreprise de BTP, Astrid est sur le point d’achever le rêve de son père défunt : réunir (à grands frais) quatre Stradivarius pour la création d’une œuvre inédite commandée un quart de siècle plus tôt. Hélas, le beau projet bat de l’aile car les quatre instrumentistes choisis — tous des virtuoses — sont incapables de travailler ensemble. Pour souder le quatuor avant le concert, Astrid a l’idée d’aller chercher Charlie Beaumont, le compositeur de l’œuvre. D’abord réticent et un brin misanthrope, celui-ci accepte de guider les musiciens…

Attention : réussite ! Les Musiciens est de ces films où tout concourt à une forme de transcendance et de grâce. C’est aussi le retour qu’on espérait de la part Grégory Magne, dont L’Air de rien — balade mélancolique autour d’un vieux chanteur (Michel Delpech dans son propre rôle) sauvé de la ruine par un huissier fan et compatissant — avait lancé la carrière mais qui n’avait pas vraiment confirmé avec Les Parfums, sentant la redite peu inspirée avec son histoire d’une “nez” déchue. Si Les Musiciens creuse à nouveau le sillon des affres de la création et du rapport au temps détruisant tout (notamment le rapport de l’artiste à sa perception de son œuvre comme à sa capacité à créer), il se passe ici quelque chose d’autre.

Cordes et discordes

Peut-être parce qu’il élargit sa partition et multiplie les interactions entre personnages, donc les enjeux, Grégory Magne retrouve-t-il ce nouveau souffle. Ainsi que de l’enthousiasme à raconter l’édification de cette cathédrale musicale qu’est ce concert impossible sur le papier — car mu par des raisons tout sauf artistiques. Tout est en effet question d’egos derrière ce projet d’un capitaine d’industrie s’offrant un caprice hors de prix où, de l’instrument à celui qui en joue, tout est tape-à-l’œil. Or, la musique n’a pas à taper l’œil mais passer par l’oreille pour toucher l’âme ; et c’est le sens de la démarche d’Astrid, conforté en cela par Charlie. L’héritière accomplit un acte d’amour filial devant aboutir à la célébration de l’œuvre ; le compositeur rappelle aux instrumentistes-solistes les fondamentaux de l’écoute, de l’harmonie.  

D’ailleurs, la simplicité évangélique du titre — Les Musiciens ! —, son dépouillement, renvoie à ce qui fait l’essence de leur art : jouer de la musique avec « amour et acharnement » et surtout, en s’oubliant soi-même. Leçon d’humilité, retour aux valeurs, ce film a le bon goût de ne pas professer mais de proposer de ressentir. « Je fais de la musique parce que ça m’évite des pesanteurs du langage » lance justement Charlie Beaumont, excellemment campé par Frédéric Pierrot, à l’adresse de cette petite troupe indisciplinée dévorée par sa vanité et son image.

Sacrée gageure que Les Musiciens que de parvenir à user de l’image pour viser le son, mais aussi rendre le langage et l’émotion de la musique audibles, compréhensibles à tout un chacun. En faisant entendre raison aux personnages, il fait aussi écouter les spectateurs mélomanes ou non. Mise en abyme réjouissante dont le mérite est partagé : outre les comédiens-musiciens et le metteur en scène, il faut saluer le travail comme toujours remarquable de Grégoire Hetzel, compositeur et donc interprète fantôme du film. Il serait temps que son talent soit enfin reconnu par ses pairs, d’une préoccupante surdité à son égard.

Les Musiciens de Grégory Magne (Fr, 1h42) avec Valérie Donzelli, Frédéric Pierrot, Mathieu Spinosi, Emma Ravier, Daniel Garlitsky, Marie Vialle… En salle le 7 mai 2025.

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Les Arènes de Camile Perton

Jeune espoir du foot, Brahim a toujours eu pour agent son cousin Mehdi. Sur le point de rejoindre le club de Lyon, il entrevoit la possibilité d’accéder à un contrat encore plus mirobolant grâce à Francis, un intermédiaire étranger s’intéressant à lui et dont l’entregent est monstrueux. Brahim se trouve face à un dilemme : lâcher la proie pour l’ombre en faisant confiance à ce Francis ou rester fidèle à Mehdi…

Doit-on reprocher à un sportif qui, par essence, gagne sa vie en pratiquant un jeu, d’être joueur ? Ou de vendre sa propre peau de star en devenir avant d’être qu’elle soit chassée par d’autres ? On pourrait résumer l’enjeu du premier long métrage de Camille Perton à ces problématiques, sans pour autant en l’épuiser totalement. Roman d’apprentissage moderne d’un Rastignac des gazons, Les Arènes a ceci de paradoxal qu’il parle moins du sport footballistique en lui-même que du sport business ou du jeu que de la théorie des jeux dont il constitue une brillante illustration. 

Les feux du stade

Tout ce qui se passe hors du terrain ayant depuis longtemps cannibalisé les interactions autour du ballon rond, le film ne montre quasiment aucun match mais bien les décisives coulisses des vestiaires. Sans trop trahir l’intrigue, Les Arènes présente des points de ressemblance avec la mécanique retorse de L’Arnaque (1973) — ce genre de combine où le pigeon n’est pas le dindon de la farce que l’on croit — et naturellement avec le récent (et trop mal payé en retour) Mercato de Tristan Séguéla, dont il constitue une manière de complément, côté joueurs. Où l’on voit à quel point l’ambition et le désir d’excellence sont des moteurs paradoxaux, susceptibles de galvaniser comme de contrecarrer les performances d’un joueur, animal à la psyché décidément bien fragile.

Au-delà de l’autopsie d’une magouille roublarde, Les Arènes dépeint ce piège clanique se refermant très tôt autour des joueurs, fatalement coincés dans un conflit de loyauté : la prise de décision individuelle est considérée comme une trahison. Redevable à son cousin de tous les efforts qu’il a accomplis pour lui mais aussi dépositaire des espoirs de sa famille, Brahim doit choisir entre s’affirmer par l’affranchissement ou rester docile dans l’ombre de son mentor. Camille Perton signe peut-être ici un mode d’emploi universel pour comprendre ces gamins à crampons, qu’il faudrait sans doute leur projeter dans leurs centres de formation afin qu’ils prennent un peu de recul sur leur valeur vénale et réelle.

Les Arènes de Camile Perton (Fr, 1h34) avec Iliès  Kadri, Sofian Khammes, Édgar Ramirez, Lorezo Zurzolo, Côme Levin, Grégoire Colin… En salle le 7 mai 2025.

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Pyramide de chaussures : 20 ans après

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Un monde merveilleux de Giulio Callegari

Dans un futur proche, le monde s’est accommodée d’androïdes à tout faire — en particulier, toutes les tâches de soin, d’éducation, de contact humain. Ancienne prof condamnée à la déprime et au chômage, Max s’est reconvertie dans la débrouille pour subsister avec sa fille. Son nouveau plan ? Subtiliser un robot haut de gamme pour le refourguer en douce. Malheureusement, elle récupère un modèle invendable et doit partir en cavale…

Rien à dire sur l’argument de base, qui tient de l’allégorie traitée sur un mode drolatique : « un monde merveilleux », c’est ce qu’espèrent avec naïveté toutes celles et tous ceux qui déléguent le moindre compartiment de leur existence aux machines… sans s’interroger sur les potentielles conséquences de leur capitulation (remplacement et donc précarisation de certaines classes sociales, déshumanisation systémique etc.). En parallèle, les supplétifs numériques accèdent au rang d’alter ego et dépassent le mimétisme comportemental, au point de revendiquer le droit d’éprouver des émotions. Comme chez Philip K. Dick, en somme, avec toutefois ceci que la fiction s’avère de plus en plus tangente à notre monde contemporain.

Bien que le sujet soit donc d’une actualité brûlante et que le personnage de Blanche Gardin (en accord avec ce qu’elle incarne à la ville) se montre particulièrement engagé contre la domination de la tech, la mayonnaise ne prend pas vraiment. Est-ce dû à cet idée de buddy movie associant une rebelle anar à un androïde façon C3PO croisé stromtrooper ? Ou au mélange avec une comédie familiale aseptisant les velléités critiques ? La diatribe, au finale, ne porte guère ; par ailleurs, les effets douloureux d’une production réalisée avec des moyens limités se font également ressentir. Dommage.

Un monde merveilleux de Giulio Callegari (Fr., 1h18) avec Blanche Gardin, Angélique Flaugère, Laly Mercier, Lucie Guien, Edouard Sulpice, Georgia Scalliet… En salle le 7 mai 2025.

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Comment avez-vous travaillé l’un et l’autre avec le compositeur du film Grégoire Hetzel ? Grégory, vous l’avez sollicité pour la bande originale et vous, Frédéric, vous l’incarnez d’une certaine manière en interprétant Charlie Beaumont, le compositeur fictif du film ?

Grégory Magne : Il est arrivé à un moment pas précoce, mais quand même : en cours d’écriture. Son regard de musicien et de compositeur a pris toute son importance après, quand il s’est réellement mis à devoir composer. Parce qu’au début il n’y avait pas d’évidence : est-ce qu’on allait entendre que le quatuor de manière diégétique ; est-ce qu’il y aurait d’autres musiques, d’autres instruments, tout était possible… Petit à petit, on en est arrivé à cette idée d’un quatuor uniquement (à l’exception d’un petit piano à un moment), que la musique soit diégétique. J’avais mes problématiques de séquence : il devait se passer ceci entre les musiciens, on devait comprendre cela, et lui il devait traduire ça en musique… tout en restant dans les canons du quatuor qui veulent qu’il y ait quatre mouvements, l’un plutôt lent, l’autre plutôt rapide, etc.

La deuxième contrainte qu’il avait, c’est que la partition avait due être composé dans les années 1990 par ce Charlie Beaumont. Quels étaient nos compositeurs de référence qui auraient pu composer ce style de quatuor à l’époque — Britten, Barber, Glass ? Ce qui était vraiment intéressant pour lui, c’était d’écrire la musique comme on écrirait une scène de dialogue. 

Au début je voulais qu’on sente les tensions ; comment les traduire en musique ? Qu’est-ce qui fait que ça ne marche pas tout de suite quand on file des partitions à des virtuoses qui, par nature, jouent bien ? Et ce qui fait que le spectateur, même profane, va comprendre que c’est pas tout à fait en place ? Puis qu’au fur et à mesure qu’on avance dans le film, dans les répétitions, dans le mouvement ; que Charlie arrive, qu’ils trouvent ensemble les clefs et qu’on arrive à la fin à quelque chose nettement plus harmonieux. Mais tout est bien joué, il n’y a pas de fausses notes, Grégoire avait donc ce petit défi de composer un truc qui raconte cela à chaque étape. Voilà comment j’ai travaillé.

Frédéric Pierrot : J’ajoute quelque chose que m’a dit Grégoire l’autre jour : il a même composé dans le premier mouvement un truc où le deuxième violon était plus brillant que le premier. Je trouve ça super : dans la composition du morceau, à certains moments, il a privilégié la virtuosité du second violon pour qu’elle crée une tension. C’est joli, non ? 

GM : C’est un super exemple de jusqu’où ça va dans sa composition pour continuer à raconter l’histoire. 

FP : Il l’a fait pour le film, pour le cinéma, c’est-à-dire qu’il participe à quelque chose… Alors, moi, de la même manière, j’étais un peu étonné, mais très vite, j’ai eu besoin de le rencontrer parce qu’il a composé aussi des chants d’oiseaux que je suis censé refaire à la clarinette. J’avais donc besoin de le voir pour lui demander un peu d’aide. Parce qu’il avait composé ça sur un “moment” de la clarinette — un changement d’octave, où le doigté est très compliqué.. Et comme j’ai perdu beaucoup de vélocité (sourire) je lui ai demandé l’autorisation de changer la hauteur, pour que ça soit plus facile…

Puis il y a eu une rencontre que Grégory a organisée avec les musiciens, un moment de répétition quelques semaines avant le tournage, où je l’observais faire, bien sûr. Et où je crois m’être inspiré de ce qu’il disait aussi dans les dialogues. Il y a eu un phénomène de… comment on appelle ça ? 

D’imprégnation ?

FP : Oui.

GM : Et à chaque fois qu’il y avait une scène où Frédéric/Charlie devait commenter sa partition auprès des musiciens, Grégoire est venu sur le tournage. Ce qui, je pense, pour Frédéric, était aussi un moyen de se sentir plus libre. Parce qu’il y avait cette sécurité du compositeur qui derrière pouvait lui dire : «  là, tu as dit une bêtise ; ouais, ton image, c’est pas exactement ça que je dirais… »

FP : Je trouvais ça très rassurant qu’il soit là, parce que rien qu’en le regardant, je me disais : « bon, là, il ne valide pas, quoi… » En gros, l’énergie est bonne ou pas… Après, il y a aussi des choses qui peuvent m’être personnelles évidemment, mais c’était très inspirant pour le personnage. 

GM : C’est un personnage, en plus. Et je ne crois pas qu’il soit allé si souvent que ça sur des tournages de films ; il est venu au montage, voir quelle forme ça se prenait… Donc, il y avait son regard à lui ; il y avait ce de Daniel Garlitsky (qui interprète Peter et qui était aussi le conseiller musical) qui venait voir le montage et donnait son avis… Il y avait plein de filets pour essayer d’être le plus cohérent possible par rapport à la musique. 

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Comment avez-vous “composé” votre quatuor, question comédiens  ?

GM : Ce qui est bien, c’est que chacun étant musicien, j’avais autant de “vigies” sur ce que je pouvais faire, ou raconter. Tous ont un avis sur la musique. En plus, c’est marrant, les musiciens : quel que soit leur niveau — même à un très haut niveau — chacun a sa certitude sur comment il faut jouer un morceau. Et donc, ça nourrit et ça décomplexe aussi.

À quel moment vous est venue l’idée d’introduire dans le groupe une instagrameuse, qui tranche par son parcours ?

GM : C‘est un profil de plus en plus fréquent. On voit apparaître des jeunes musiciens classiques qui ne sont pas passés par les voies du conservatoire. Pendant les confinements, des jeunes musiciens doués sont notamment apparus comme ça sur les réseaux. Et, derrière, ils ont signé les contrats dans des maisons de disques, fait des concerts partout à travers le monde et acquis une popularité et une légitimité même aux yeux des musiciens. Ça fait partie de l’époque, donc ça me paraissait intéressant de confronter justement toute la rigueur du musicien classique qui a dû passer des concours, obtenir des prix….

Était-ce volontaire d’en faire une altiste, sachant que dans un orchestre, c’est l’instrumentiste qui est en général le plus “chambré” ?

GM C’est vrai (sourire). Non, je n’ai pas fait exprès. Après, il y avait une équation : il fallait qu’ils soient quatre. Il fallait qu’il y ait deux violons, un premier, un deuxième ; un violoncelle, un alto. Si je ne dis pas de bêtises, au cours de l’écriture, les personnages ont dû permuter :  qui était le plus âgé, qui était le plus jeune… À un moment, on est arrivé cette idée ; ensuite on a fait les essais, c’est-à-dire qu’on a casté indifféremment des garçons, des filles de tous âges qui savaient jouer de la comédie et d’un instrument à cordes ; on a aussi casté des grands musiciens.

Et on a commencé à composer notre quatuor à cordes. Je pense que c’est cette espèce de loterie-là qui a fait que l’altiste s’est retrouvée l’instagrameuse. Et ça collait avec ce scénario. Mais il n’y avait pas, au départ, sur la feuille blanche, « l’instagrameuse, elle est altiste »

Dans Les Musiciens, votre compositeur n’est pas en paix avec la partition qu’il a été écrite un quart de siècle plus tôt. Vu que ce n’est pas la première fois que vous travaillez autour de la musique.…

GM :  Ah oui, on peut dire ça…

…Avez-vous un regard rétrospectif sur L’Air de rien ? (2012) où vous dirigiez Michel Delpech ?

GM : Ben non : c’est comme Charlie. L’Air de rien, la dernière fois que je l’ai vu, ça doit être il y a six ou sept ans. C’était un moment absolument douloureux (sourire). Et c’est pareil pour à peu près tous mes films. Alors, des fois, tu te surprends quand tu tombes dessus et puis tu te dis « ah ouais ». Mais non, globalement, c’est douloureux. En fait, j’ai compris le problème : quand tu réalises, quand tu montes, etc, tu es tout le temps à ajuster la longueur d’un plan, un étalonnage, un mixage… Et puis, il y a un moment où on te dit le film est fini. À partir du moment où tu ne peux plus rien faire sur le film, ça devient douloureux parce qu’il te renvoie les défauts, 

Alors oui, il y a le plaisir de voir si la salle réagit ou pas, mais honnêtement, ce n’est pas drôle. Si je ne peux plus rien changer, dans mon essence à moi, ça n’a pas d’intérêt de le regarder, quoi ! Mais ça ne veut pas dire qu’ils sont mauvais ou que je les trouve mauvais ; ça veut dire que c’est juste dur de les regarder.

Vous restez en tout cas dans cette thématique du son, après une parenthèse dans l’odorat pour Les Parfums (2020). La sensorialité vous habite beaucoup…

GM : Il semblerait (rires) Non, mais j’aime l’idée — dans Les Parfums, c’était déjà là — que si on va au cinéma, c’est pour vivre un truc. Comme je ne fais pas des “films à grand spectacle”, comme on dit, je ne vais pas vous en mettre plein à la gueule, il faut que ça vienne d’ailleurs. Les sensations, l’expérience, le souvenir qu’on en garde… C’est une expérience qui dépasse juste les notions de l’histoire. 

C’est pour cela que vous commencez ce film en essayant de nous montrer l’âme ? 

GM : Du violoncelle ? (sourire) Il y avait cela et aussi l’idée de la lutherie : tout ce que ces instruments ont traversé, qu’on voit plus à l’intérieur qu’à l’extérieur Et puis le mystère de ce plan, aussi, je trouvais être un bon moyen d’approche. L’autre truc — finalement, on a un peu abandonné l’idée — c’était l’acoustique à l’intérieur d’une caisse de résonance : comment signifier aux spectateurs d’emblée que ce film, il va aussi falloir le regarder avec les oreilles.

FP : Moi, je pense vraiment que le son au cinéma a plus d’importance que l’image. Et que, par exemple, les voix des acteurs, le grain même avec lequel c’est enregistré ; comment l’acteur lui-même travaille, c’est musical. Une langue est musicale. Avant même de signifier quelque chose, elle sonne. Est-ce qu’on a vraiment besoin de comprendre ce qui est dit ? Ça dépend. des uns et les autres, mais des fois, oui, des fois, non. des fois, la musique suffit.

Les Musiciens de Grégory Magne (Fr, 1h42) avec Valérie Donzelli, Frédéric Pierrot, Mathieu Spinosi, Emma Ravier, Daniel Garlitsky, Marie Vialle… En salle le 7 mai 2025.

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