L’Amour c’est surcoté de Mourad Winter

Trentenaire habitué au vide abyssal sentimental, Anis est de surcroît plombé par la perte de son meilleur pote d’enfance survenue il y a trois ans. Pour se changer les idées, il sort en boîte et croise Madeleine, une fille peu conventionnelle, qui va le mettre au défi de la retrouver. Peu à peu, l’ébauche d’une relation va naître entre eux malgré la tendance d’Anis à se dissimuler derrière les mythos, les vannes et sa pudeur…

À la lecture du palmarès d’un festival, il n’est pas rare que l’on soit interloqué par la formulation d’un prix — en général, parce qu’il reconnaît des qualités passe-partout ou un peu trop cryptiques à un film. En décernant leur “Mention Spéciale du Jury” à L’Amour, c’est surcoté, les juré de l’Alpe d’Huez ont judicieusement agi. D’abord, parce que ce film mérite amplement cette épithète de “spécial” (à comprendre comme “original”, “singulier”, “novateur”, “rafraichissant”) ; ensuite parce qu’il se devait de figurer parmi les lauréats, tous moins centrés sur la “comédie pure” que sur des relations affectives et/ou sentimentales repensées, en phase avec cette nouvelle gentillesse prônée par Karim Leklou lors de l’attribution de son César.

Éloge du mâle bêta

Adaptant ici son roman, Mourad Winter ose quelque chose d’inattendu : la romcom dans le cadre peu coutumier d’une banlieue, en choisissant de surcroît un serial loser sentimental chambré par sa bande de potes. Cerise sur le gâteau, sa dulcinée s’avère davantage princesse que Cendrillon, ce qui ajoute à ses complexes et traumas de mâle plus bêta qu’alpha, une possibilité de devenir un transfuge de classe. Certes, l’inversion des clichés n’est pas totalement nouvelle (Coup de foudre à Notting Hill) mais l’inscription dans ce cadre socio-urbain a le mérite de rebattre les cartes des rapports masculin/féminin et de torpiller  le virilisme à front de taureau. 

Rythmé par l’osmose assez stupéfiante entre Hakim Jemili et Laura Felpin (confirmant après Joli Joli sa prometteuse inflexion) et un montage dynamique, L’Amour c’est surcoté bénéficie d’un autre atout : sa cohorte de second rôles. D’Abbes Zahmani à Steve Tientcheu, en passant par Clotilde Courau, cette (belle et) éclectique distribution est toutefois dominée par Benjamin Tranié, franchement hilarant dans le rôle de Paulo, le meilleur pote. Gatling à saillies racistes, il est un peu l’équivalent du faire-valoir infréquentable joué par Rhys Ifans dans Notting Hill. Mais ses provocations sont, tout autant que les pirouettes et vannes incessantes d’Anis, des paravents dissimulant sa fragilité de célibataire. Ne passez pas à côté.

L’Amour c’est surcoté de Mourad Winter (Fr., 1h38) avec Hakim Jemili, Laura Felpin, Benjamin Tranié, Abdulah Sissoko, Clotilde Courau, Abbes Zahmani, Steve Tientcheu… En salle le 23 avril 2025.

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Familia de Francesco Costabile

Rome, années 1980. Victime de Franco, son époux violent, Licia obtient une mesure d’éloignement lui permettant d’élever ses deux enfants Gigi et Alessandro à l’abri de cette brute invétérée. Une décennie plus tard, alors que Gigi évolue dans la mouvance néo-fasciste, Franco refait surface dans leur vie comme si de rien n’était et prétend revenir dans le giron familial. Mais a-t-il changé ?

S’il fallait résumer sommairement Familia par un proverbe, ce serait : « les chats ne font pas des chiens » ; si l’on devait user d’une parabole, celle du scorpion et de la grenouille telle que la raconte Orson Welles dans Mr. Arkadin (1955). Car ni Franco, ni Gigi ne peuvent s’empêcher d’être ce qu’ils sont ; de réprimer leur jalousie ni leur brutalité. Cela étant posé, Francesco Costabile ne se borne pas ici à décrire la reproduction d’une violence intra-familiale : bien qu’étant un sujet en soi, l’argument serait un peu mince et surtout — hélas — rebattu. Le cinéaste montre comment la mouvance néo-fasciste détecte et enrôle ses proies susceptibles de présenter ce caractère explosif dans le but d’attiser leur colère à des fins politiques et séditieuses.

Mecs plus ultra

Cette thématique de l’endoctrinement de jeunes hommes (issus de foyers populaires, adeptes d’activités sportives et viriles, souvent élevés par des parents célibataires) n’est pas sans rappeler l’argument de Jouer avec le feu des sœurs Coulin… mais en plus subtil puisque l’imprégnation radicale n’est pas ici l’alpha et l’omega et que: la porosité de Gigi à cette idéologie découle d’un conditionnement atavique. Dans sa complexité trouble, le rapport père/fils peut rappeler celui qui sous-tendait le trop méconnu At Close Range de James Foley (1986), interrogeant également les questions de loyauté et d’hérédité toxique dans un milieu de délinquants.

Construit comme une tragédie grecque (c’est-à-dire avec une issue en forme d’impasse) Familia a cependant le grand mérite d’être imprévisible dans ses développements et rebondissements : si l’on se doute que le fatum frappera, on ignore quand et comment. Mention particulière à l’interprète du père, Francesco Di Leva, qui insuffle en permanence une tension sourde, même lorsqu’il semble apaisé.

Familia de Francesco Costabile (It., 2h04) avec Francesco Gheghi, Barbara Ronchi, Francesco Di Leva… En salle le 23 avril 2025

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Mexico 86 de César Díaz 

1986. Alors que le Guatemala vit en pleine guerre civile, Maria a dû s’exiler au Mexique sous une fausse identité afin de poursuivre son action militante. Ce faisant, elle a confié son fils Marco à sa propre mère pour éviter qu’il ne soit expédié dans une “ruche” à Cuba — une pension regroupant les enfants des activistes. Un acte de rébellion vis-à-vis de sa hiérarchie et des règles, qu’elle transgresse par ailleurs quand elle prend le risque d’aller voir ou de faire venir son fils…

Découvert avec Nuestras Madres (récompensé par la Caméra d’Or 2019 mais hélas pour lui victime collatérale du Covid 19 qui l’avait contraint à sortir en SVOD l’année suivante), le cinéaste guatémaltèque César Díaz continue à exhumer les cadavres empilés dans les placards de son pays. Un pays n’ayant toujours pas apuré ses comptes avec sa propre histoire. Personnellement concerné par le sujet, il use du cinéma comme le Chilien Patricio Guzmán le fit jadis, en position de témoin et de passeur. Mexico 86 s’inspire en effet vaguement de sa propre enfance et de la figure de sa propre mère, même s’il ne revendique pas un autobiopic.

Son fils, sa bataille

Montrant la vie de bêtes traquées des opposants guatémaltèques, ce thriller politique révèle avec la facilité avec laquelle les émissaires de la junte alors au pouvaient les persécuter et exécuter dans les pays étrangers où ils avaient trouvé refuge (ainsi qu’une nouvelle identité). À croire qu’à l’époque des dictature sud-américaines, le terrorisme d’État jouissait des prérogatives octroyées aux diplomates — voir They Shot The Piano Player.  Mais il n’y a pas que cette dimension édifiante, costa-gavresque oserait-on dire, dans le film de César Díaz gravitant autour de la relation entre Maria et son fils, a priori impossible pour une révolutionnaire qui doit se défaire de toute attache familiale. Mais puisqu’une révolution part du postulat qu’il faut remettre en cause des règles instaurées, pourquoi ne pas contester celle qui voudrait qu’un fils soit séparé de sa mère, au motif qu’elle est dans la clandestinité ?

Très convaincante dans son double, triple rôle de mère/activiste/employée de journal tentant de faire connaître la situation de son pays, Bérénice Bejo trouve dans le jeune Matheo Labbé un excellent partenaire, évoluant sur un registre totalement différent : Marco vit en effet a contrario dans une conscience partielle des dangers environnants, créant malgré lui des situations de péril dont il ne mesure pas la portée du haut de ses 10 ans. Par ses imprudences d’enfant déréglant la machine militaire qui régente la sécurité de sa mère (et de son mouvement), il instille un aléa terrible, mais rappelle aussi ce que c’est que de vivre — ce pourquoi elle se bat, au fond.

Mexico 86 de César Díaz (Bel.-Fr., 1h33) avec Bérénice Bejo, Matheo Labbe, Leonardo Ortizgris, Julieta Ergurrola… En salle le 23 avril 2025.

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“Vers un pays inconnu”, “On ira” en salle le 12 mars 2025

Des jours meilleurs de Elsa Bennett & Hippolyte Dard

Mère célibataire depuis la mort de son époux, Suzanne a trouvé dans l’alcool la béquille illusoire pour tenir au quotidien. Un jour, c’est la goutte de trop : un accident de voiture avec les enfants et une syncope au boulot. Pour espérer retrouver leur garde, elle doit suivre une cure dans un centre de désintoxication alcoolique. Sur place, en compagnie d’autres malades, elle participe au défi lancé par un intervenant extérieur : monter une équipe pour participer à un rallye automobile au Maroc…

Ce film à quatre mains et aussi un film double, voire doublement double. Du bon côté des choses,
l’incorporation de séquences donnant voix au chapitre aux personnages secondaires, dans lesquelles elles racontent leur itinéraire d’alcooliques; Placés comme des respirations scandant le récit, ces témoignages-confessionnal ancrent davantage celles qui s’expriment dans le réel en réinjectant du naturel, même s’il est brutal (ou tragique, ou comique) à entendre.

Boire ou conduire

A contrario, la dichotomie entre vie au quotidien dans le centre de soins/course au Maroc n’est guère emballante : on devine (et comprend) l’intention de rendre un drame social aride un peu sexy en l’hybridant avec l’expédition improbable de pieds nickelées au Maroc. S’il constitue le morceau de bravoure du film, à la fois décalé et spectaculaire, il donne lieu tout au long de sa préparation et lors de son déroulement, à une série de gags et d’effets convenus quand ils ne sont pas prévisibles — tout ça pour ça…

Restons plutôt sur l’intérêt prophylactique de Des jours meilleurs qui, comme The Lost Weekend de Billy Wilder (1946), Le Dernier pour la route de Philippe Godeau (2009) ou La Fête est finie de Marie Garel-Weiss, dont on vient d’apprendre la disparition (2017), raconte l’enfer de l’intoxication alcoolique ou aux stupéfiants et la non moins problématique question de la désintoxication en centre. À chaque fois, le titre est évocateur…

Des jours meilleurs de Elsa Bennett & Hippolyte Dard (Fr., 1h44) avec Valérie Bonneton, Michèle Laroque, Sabrina Ouazani, Clovis Cornillac… En salle le 23 avril 2025.

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La Chambre de Mariana de Emmanuel Finkiel

1943, en Ukraine. Une nuit, la mère du jeune Hugo mène son fils vers une maison inconnue afin de le confier aux bons soins de Mariana. Prostituée dans un bordel, celle-ci cache Hugo dans le placard de sa chambre, lui intimant de ne pas faire le moindre bruit pour leur sécurité à tous les deux…

« La guerre, la guerre, toujours recommencée ! », pourrait-on dire en parodiant Valéry à propos de la Seconde Guerre mondiale. Verrue du XX^e siècle, cette abomination est la colonne vertébrale de l’œuvre de Emmanuel Finkiel qui l’ausculte et la dissèque sous différentes facettes. Après avoir travaillé avec les survivants à ses débuts dans des fictions-documentarisantes, voici qu’il se replie sur des reconstitutions plus classiques ; des adaptations littéraires de témoignages, d’expériences vécues durant le conflit — La Chambre de Mariana, tiré d’Aharon Appelfeld, arrive après La Douleur, transposé de Duras.

Sans lui faire injure, Finkiel se montre moins inspiré dans l’exercice de l’adaptation, livrant des films au maniérisme froid donnant la détestable impression qu’ils servent d’écrin non à l’interprétation mais à la recherche de performance de sa comédienne fétiche, Mélanie Thierry — on ressent en effet comme une insistance à mettre en avant l’actrice devant le personnage, en dépit de la logique. Ajoutez les artifices maladroits censés donner l’illusion du temps qui passe (la perruque douteuse du jeune Hugo indiquant que ses cheveux ont poussé…) et l’on perd le fil de ce qui devrait être l’essentiel ici : l’émotion — et non la démonstration.

La Chambre de Mariana de Emmanuel Finkiel (Fr.-Bel.-Hon.-Isr.-Port., 1h43) avec Mélanie Thierry, Artem Kyryk, Julia Goldberg… En salle le 23 avril 2025.

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Est-ce vous qui êtes à l’origine du projet d’adaptation de votre livre ?

Mourad Winter : Non : je ne m’étais même pas posé la question de l’adapter. Quand j’ai sorti le bouquin, au bout d’une semaine, j’ai eu 5, 6 propositions. Et puis une prod me contacte, me me dit : « Tu réalises ? » Let’s go, quoi ! 

Comédie romantique, drame, histoire de copains… Comment définissez-vous votre film ?

C’est vraiment personnel, je ne parle qu’en mon nom, mais j’ai beaucoup de mal avec les registres — enfin, avec les films qui restent sur un seul registre. J’aime bien mélanger les genres. On est dans une époque où tout le monde est un peu touche-à-tout. Se cantonner à la comédie, au drame, au film d’horreur, ça ne marche plus à mes yeux. J’aime bien prendre l’exemple de Succession, qui n’a rien à voir avec une série comique, mais où j’ai rigolé comme jamais. Parce que les dialogues sont marrants.

Avec ce bouquin et ce film, j’ai essayé de raconter des histoires du quotidien, mais avec des dialogues marrants, sans pour autant finir avec un nez rouge et une peau de banane au sol. Je pense qu’il y a d’autres manières de créer de la comédie que juste amener des séquences fortes de blagues et de scènes comiques. Maintenant, ça passe par les dialogues. C’est pour ça qu’on est entre la dramédie, la comédie et puis surtout la comédie romantique, l’histoire d’amour qui ne prend pas. C’est sûr que ça peut être assez dense sur 1h40…

C’est quand même comme une comédie romantique…

Oui, oui, oui, mais parce que l’histoire d’amour est quand même centrale et c’est par l’histoire d’amour que Anis règle son problème avec la mort de son meilleur ami et cette place du deuil. Quand j’écris le bouquin, j’ai envie de traiter de l’amour, mais dans sa tridimensionnalité : le couple, la famille et les amis. Parce qu’il ne faut pas se cantonner juste au couple ; généralement, il faut un petit peu des trois pour être heureux. C’est comme ça que j’ai bossé et que je l’ai adapté. Pour la première version, j’avais 180 pages. Pour un scénar qui doit en faire 100, c’est dur de rentrer dans les clous. On a réussi. 

Puisqu’il s’agit de l’histoire d’un couple, il fallait que cela matche entre Laura Felpin et Hakim Jemili…

Hakim, je le connais depuis 2011. C’est vraiment un très bon pote : on a été dans le milieu du stand-up ensemble ; on a toujours bossé et fait des trucs ensemble. Je le connais, je sais que c’est un très bon compagnon ; que tout se passe assez bien. il n’est pas relou. Laura, je l’ai rencontrée juste un peu avant, six mois avant le tournage. On m’a proposé d’aller voir son spectacle. J’ai vu le personnage et son spectacle cinq fois de suite. Les cinq fois, c’était à la virgule près. J’ai vu le niveau de discipline, de justesse. Après, on a commencé à discuter et je me suis rendu compte qu’elle était dans le même délire, pareille que nous. Et ce qu’il lie aussi entre eux, c’est l’Alsace : elle est de Mulhouse je crois et lui de Sélestat. Ils ont ces atomes crochus qui font qu’il y avait un côté potes qui se retrouvaient 10-15 ans plus tard.

Ont-ils ont amené leurs vannes avec eux ?

C’est dans ma façon de bosser. J’écris mon scénario, mais après, je fais des passes avec mes comédiens pour voir comment ça marche ou pas en bouche. Avec des stand-upers comme eux qui ont constamment besoin de bosser en même temps qu’ils sont en train de créer, il y a toujours cette facilité de rendre une vanne cool, de la rendre top. Et je leur laisser un peu de liberté : sur 5-6 prises, j’en ai au moins 2-3 où c’est des impros. Je veux que mon texte soit bien exécuté, mais je leur laisse derrière la possibilité de donner ce qu’ils savent faire. Après, derrière, au montage, je ne vais pas vous mentir : une fois sur deux, je prends la leur. 

Avez-vous procédé de la même manière avec Benjamin Tranié ? 

L’avantage avec Benjamin, c’est que tout ce qu’il raconte, on lui pardonne ! Donc, les pires blagues, avec lui, ça passe. Du coup, oui, on a beaucoup de stock : on a gardé beaucoup de vannes de côté ; on a baissé leur nombre parce que c’était non-stop. Sur les vannes racistes, c’est mon comédien préféré. (sourires) Vraiment, il nous sort à chaque fois des pépites et moi, je suis fan de cet humour-là, donc ça marche.

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Vous venez également du stand-up. Cela ne vous a-t-il pas tenté de passer devant la caméra ?

Pas du tout ! Je suis très timide, en vrai. Je suis monté deux ans à peu près sur scène. J’ai fait un peu de stand-up. C’était assez facile parce que c’est que de la blague. Là, c’est différent : je vais sur des sujets un peu plus marquants, plus touchants. C’est un peu difficile et je ne suis toujours pas à l’aise avec ça. Du coup, je préfère envoyer au casse-pipe mes comédiens (sourire) C’est plus facile. Et puis, je suis très bien où je suis. Il faut laisser la place aux gens talentueux que soi ! C’est à eux de faire le boulot. 

Est-ce  compliqué de réaliser quand on ne joue pas soi-même ?

Ce n’est pas compliqué de filmer, c’est une question de musique : je sens quand la vanne est bien délivrée ou pas. C’est sûr, c’est pas les mêmes formats, J’ai toujours bossé dans le stand-up, c’est-à-dire que la musique et le rythme, c’est quelque chose quand même qui fait 90% du métier d’humoriste. C’est plus important même que la vanne. Parfois, c’est les silences qui apportent les vannes. C’est hyper important pour moi. C’est pour ça que même quand je réalise, je ne vais pas dans mon coin avec mon combo : j’ai besoin d’être proche de la caméra, de voir les émotions, d’être concerné par l’histoire. C’est une question d’oreille. Et après, le montage remet un petit peu plus de rythme et de dynamique. 

Votre film a été présenté au Festival de l’Alpe d’Huez, où il a décroché une Mention spéciale du Jury. L’accueil qu’il a reçu globalement correspondait-il à vos attentes ?

Je n’ai eu que du bien. On a eu une belle standing ovation à l’Alpe-d’Huez. C’est quand même vachement rassurant pour une première projection. J’ai beaucoup de recul sur ce que je fais ; j’ai toujours l’impression que c’est de la merde — c’est perso, je ne sais pas d’où ça vient ; peut-être de l’enfance, il va falloir en parler à mes parents. D’ailleurs, après l’Alpe d’huez, j’ai fait quelques petites petites modifs de montage — pas grand chose : de rythme, de champ/contrechamp… Et même au niveau de la presse, sur le bouche à oreille, je ne m’attendais pas à ça. Donc c’est cool. Pour un premier film, je suis très content. On m’a laissé un peu faire ce que je voulais donc il y avait cette responsabilité de leur rendre un peu la pareille.

Au fait, l’amour est-il surcoté pour vous ?

Justement, c’est tout l’inverse, En fait, c’est magnifique de tomber amoureux. ! C’est une des seules choses qui nous permette de tenir et de survivre. La vie est cool mais elle est dopée quand on est amoureux. C’est ce que j’aime amener à l’écran : le côté antagoniste, tout ça, je m’en branle. Ce qui m’intéresse vraiment, c’est l’amour. On ne va pas réinventer la vie, quoi. Ça peut paraître cliché, ça peut paraître tout ce qu’on veut, mais on ne réinvente rien. C’est que du réassort, ce qu’on fait. Chacun amène sa petite pierre à l’édifice, à sa façon. J’ai essayé de le faire à ma façon et j’espère que ça va plaire.

Êtes-vous déjà en préparation d’un nouveau projet ?

Alors, le prochain… Je bosse beaucoup sur la fratrie. C’est trois frères et sœurs qui, justement, vont affronter des péripéties, apprendre à devenir frères et sœurs, et le dépassement de fonction. Apprendre à se battre pour quelqu’un qui a le même sang. Et je rebosse avec les trois, pour vous dire. Ça s’est tellement bien placé sur le premier qu’on s’est dit avec Hakim, Laura et Benjamin qu’on repartait ensemble. Donc, on devrait tourner cet été. 

L’Amour c’est surcoté de Mourad Winter (Fr., 1h38) avec Hakim Jemili, Laura Felpin, Benjamin Tranié, Abdulah Sissoko… En salle le 23 avril 2025.

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