L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé

Durant l’Occupation, Jan Bojarski, un ingénieur polonais réfugié en France est approché par un malfrat intéressé par ses talents dans la fabrication de faux papiers. Mais sa commande est d’une tout autre nature : il s’agit de contrefaire de la monnaie. Bojarski va se révèler plus que doué dans cet exercice, au point de mettre en échec les meilleurs experts et limiers de la police — à commencer par le commissaire Mattei qui va le traquer pendant des années. En vain…

Depuis son « retour aux affaires » après sa parenthèse comme président de l’organisme professionnel UniFrance, Jean-Paul Salomé semble avoir trouvé un second souffle créatif ainsi qu’une martingale pour enchaîner les films réussis. La Daronne (2020), La Syndicaliste (2023) et maintenant L’Affaire Bojarski poursuivent son exploration du genre policier sous toutes ses coutures, en mode fictionnel ou en empruntant la voie la reconstitution de faits réels ; tantôt avec légèreté, tantôt sur un mode plus grave. Le parcours de Jan Bojarski est pour lui du pain béni puisqu’il lui permet d’opérer une sorte de synthèse.

Cours après moi

Film noir, film gris, film pastel, Salomé ne choisit pas : il fond en un long métrage toutes les nuances pour raconter l’itinéraire de son personnage devenant héros de roman populaire, à l’instar du General de John Boorman (1998), brigand sympathique parce qu’il défie les autorités et les tourne en ridicule. Et si la course-poursuite entre le policier élégant et le faussaire taquin rappelle beaucoup celle de Arrête-moi si tu peux (2002), il faut aller au-delà de ce jeu du chat et de la souris — fort plaisant, au demeurant. Car ce qui meut Bojarski, ce n’est pas la volonté d’enfreindre les règles ni la loi, mais le désir d’être reconnu à sa juste valeur d’artiste et d’inventeur. Et accepté, intégré, au lieu d’être sans cesse renvoyé à son origine étrangère par la société française.

L’ombre et le labeur sont omniprésents dans L’Affaire Bojarski. La dissimulation de l’activité illicite l’exige, mais elle s’accompagne d’une compartimentation de l’existence poussée à l’extrême : c’est le prix à payer pour offrir une apparence de respectabilité et de confort bourgeois à sa famille. Avec les séquences nocturnes et les lieux interlopes, les lieux secrets d’élaboration de la fausse monnaie permettent de composer de images aux lumières bien contrastées, sculptées par les ténèbres, qui redonnent de la vigueur à l’élégante esthétique visuelle des années 1950. De la belle ouvrage,
jusque dans la B.O. de Mathieu Lamboley, dont les cliquetis métalliques rappellent la Batucada meurtrière de Michel Colombier pour Le Pacha de Lautner (1968).

Post scriptum

Quant à cette reconnaissance publique de son talent qu’il n’a pas obtenue de son vivant, ni après sa mort, Jan Bojarski va peut-être enfin la récolter par l’entremise du film, autre œuvre d’art. Un peu comme Elmyr de Hory, le peintre faussaire “héros” du documentaire/menteur F for Fake de Orson Welles et François Reichenbach (1975). Avec un renversement amusant au passage pour Bojarski, dont le nom va supplanter en notoriété ceux des peintres et graveurs officiels des administrations postales, de la Monnaie de Paris ou de la Banque de France (Lagriffoul, Roty, Gandon, Dieudonné, Fontanarosa, Piel, Armanelli et tant d’autres…) qui pour certains, avaient leurs noms inscrits sur les timbres, pièces et billets en circulation. Sic transit…

L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé (Fr., 2h08) avec Reda Kateb, Bastien Bouillon, Sara Giraudeau, Pierre Lottin, Olivier Lousteau, Quentin Dolmaire, Camille Japy, Arthur Teboul, Lolita Chammah…Sortie le 14 janvier 2026

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“Vers un pays inconnu”, “On ira” en salle le 12 mars 2025

Sans pitié de Julien Hosmalin

Rayan et son petit frère Dario vivent avec leur mère Maria, qui tient un stand de tir dans une fête foraine. Un jour que Rayan avait pour mission de s’occuper de lui, Dario est kidnappé pendant quelques heures avant d’être relâché, choqué et martyrisé. Une vingtaine d’années plus tard, l’enterrement de Maria provoque le retour de Dario, qui avait préféré fuir cet environnement délétère. Obligé de s’y confronter, il va remuer un passé sordide et entreprendre une vengeance trop longtemps refoulée…

Un an après Le Dossier Maldoror, voici une nouvelle variation autour de ce traumatisme longtemps refoulé par la Belgique, celui de l’affaire Dutroux et des réseaux pédo-criminels. Mais à la différence de
Fabrice du Welz, Julien Hosmalin n’en fait pas le l’alpha et l’omega de son premier long métrage : il s’agit ici d’un élément contextuel. En somme, s’il n’y avait pas cette toile de fond, le drame originel affectant l’existence de Dario et de sa famille ne serait pas advenu. 

Ajoutons que la Belgique n’est pas explicitement désignée comme le lieu où se déroule l’action. Aucune signalisation, plaque minéralogique ne permet de l’identifier avec certitude ; ce territoire septentrional et doté de côtes pourrait l’être comme il pourrait épouser les contour d’un pays imaginaire. De la même manière, aucune époque n’est spécifiquement mentionnée : nous sommes dans un premier quart flou du XXI^e siècle.

Ne pas dire, ne pas voir

En “neutralisant” l’espace et le temps, Hosmalin, atteint à une forme d’universalité répondant à cet esprit de la tragédie antique que vivent Dario et Rayan. Pris dans un cycle de représailles et de vendetta — façon “œil pour œil” — de trahisons et de ruptures entre bandes alliées, ils sont contraints d’ouvrir une funeste boîte de Pandore n’ayant tendance à se refermer en même temps que les cercueils. Ce schéma bien connu pourrait laisser croire à un film d’une grande violence ; il s’avère habile dans la gestion de ce qu’il met à l’écran, privilégiant la suggestion. 

« Je ne voulais pas montrer ce qu’il y avait sous la trape », explique en substance le réalisateur, faisant allusion à la salle des tortures du repaire des prédateurs. En refusant la crudité gratuite, le gore inutile ou une obscénité complaisante, Julien Hosmalin adopte un parti-pris cohérent avec la ligne de ses personnages enferrés dans un mutisme tenace et une culpabilité partagée : après tout, eux-mêmes ont tenté de rejeter le passé sous un tapis de silence. L’immontrable doit demeurer dans un hors champ — et quand bien même : chaque spectateur ingurgite ordinairement tellement d’images brutales qu’il n’a pas besoin de voir ce que l’ellipse suggère. 

Très prometteur, Sans Pitié sait tirer profit des non-lieux dans lesquels il s’inscrits (terrain vagues, sites industriels péri-urbains, univers nocturnes etc.) et de l’intensité de  comédiens bien assortis pour fabriquer des atmosphères et des ambiances fascinantes. On a hâte de découvrir la suite du travail de Julien Hosmalin.

Sans pitié de Julien Hosmalin (Fr.-Bel., 1h34) avec Adam Bessa, Tewfik Jallab, Jonathan Turnbull… Sortie le 14 janvier 2026.

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Jusqu’à l’aube de Shô Miyake

Souffrant d’un syndrome prémenstruel affectant parfois son humeur et son comportement, Misa a dû quitter son emploi. Elle arrive dans une entreprise d’astronomie à taille humaine où elle détecte peu à peu derrière la misanthropie apparente de l’un de ses collègues, Takatoshi, des symptômes qui lui semblent très familiers : celui-ci est en effet sujet à de violentes crises de paniques qui sapé sa carrière. Après une approche prudente, leurs faiblesses mutuelles finissent par les rapprocher…

De Shô Miyake, on avait découvert en 2023 ce film insolite aux allures de documentaires, La Beauté du geste retraçant le parcours acharné d’une boxeuse sourde promise au meilleur avenir mais brisant elle-même  paradoxalement ses chances de victoire. À sa manière, Jusqu’à l’aube explore à nouveau les mystères intimes de l’individu, prisonnier de démons invisibles l’empêchant de s’épanouir comme il le souhaiterait. Et cette fois-ci, ils sont deux, en miroir, à partager cette douloureuse affection. 

Le soleil a rendez-vous avec la lune

Cette symétrie s’avère également une histoire de contraires, Misa et Takatoshi étant le jour et la nuit. Si l’une est bienveillante, l’autre beaucoup plus hautain et persuadé notamment que sa maladie est plus sérieuse que celle dont souffre sa collègue, qu’il ravale (en la minorant suivant des critères bien sexistes) à un banal désagrément féminin. Takatoshi éprouve par ailleurs un sentiment d’être au purgatoire dans l’entreprise d’astronomie, en attendant de pouvoir reprendre son existence de cadre supérieur. En fait, il vit autant enfermé dans le déni que claquemuré chez lui lorsqu’il est sujet à ses crises. Jusqu’à ce que Misa vienne sur son territoire et l’apprivoise

Le rapprochement mutuel se fait d’abord chez lui et puis cette zone intermédiaire qu’est l’entreprise où des activités collectives les conduisent à partager davantage ; où ce qui les sépare des autres en vient à les rapprocher encore plus. Symboliquement, c’est grâce à une sorte de “projet fantôme“ et dans une temps n’appartenant ni au jour ni à la nuit qu’ils scellent leur complicité. Au passage, on admire la petite entreprise (ses dirigeants comme son personnel) accueillant ces deux profils atypiques en tenant compte de leurs particularismes et en prenant soin de leurs besoins. Un bel exemple d’inclusion professionnelle où la différence n’est pas vue comme une contrainte : elle simplement comprise et intégrée.

Komorebis

Tout en délicatesse, ce film n’est pas sans rappeler Perfect Days de Wim Wenders — où le protagoniste a préféré lui aussi se mettre à l’écart de la vie qu’il menait en effectuant une activité professionnelle en apparence peu gratifiante mais essentielle. Il donne sa pleine place aux beautés simples du monde qu’on néglige de contempler ; ces cadeaux gratuits du quotidien. Et donne l’envie furieuse de découvrir le prochain film de Shô Miyake, Un été en hiver, Léopard d’Or à Locarno en 2025.

Jusqu’à l’aube (夜明けのすべて) de Shô Miyake (Jap., 1h59) avec Hokuto Matsumura, Mone Kamishiraishi… Sortie le 14 janvier 2026

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Furcy, né libre de Abd Al Malik

1817, Île de La Réunion. Esclave dans la plantation de la famille Lory, Furcy Madeleine découvre à la mort de sa mère des documents établissant qu’on lui a spolié sa liberté depuis toujours. Ayant eu la chance d’être instruit, il prend contact avec les cercles abolitionnistes pour porter son cas devant la justice, intentant à son “propriétaire“ afin de faire valoir son droit à la liberté. Son combat durera jusqu’en 1845…

Au départ, un destin humain hors norme illustrant une de ces anomalies entachant notre Histoire commune ; un scandale politique, procédural et judiciaire dont Mohamed Moussaoui avait tiré un essai biographique. Un “sujet“, comme l’on dit, rappelant l’arbitraire des périodes coloniales et la manière dont le droit est malmené lorsqu’il vient entraver des intérêts considérés comme supérieurs — en l’occurrence, l’économie. Au moins deux bonnes raisons de trouver des résonances possibles et utiles entre  ce hier du XIX^e siècle et notre XXI^e siècle oublieux du passé.

Les bons et les méchants

Et puis il y a la proposition que constitue ce long métrage. Respectant l’adage tristement connu « on ne fait pas de bons romans avec de bons sentiments », Furcy, né libre est de ces films si outranciers dans la forme et le fond qui se sabordent eux-mêmes. Comprenez qu’il ajoute à un classicisme formel ultra-sage et léché — une suite muséale de tableaux filmés — une dialectique manichéenne assénée à la truelle. D’un côté, on trouve des esclavagistes cruels, perfides, âpres au gain, répugnants (on peut étendre la liste à l’envi, l’idée étant de suggérer qu’ils sont une cause perdue) ; de l’autre, une poignée d’abolitionnistes dans le bon sens de l’Histoire, se livrant au tribunal à des envolées lyriques à la limite de l’anachronisme, histoire de nous bien faire saisir la permanence du propos. Lourd et gênant plus qu’édifiant.

Scolaire à bien des aspects, Furcy, né libre a peu à avoir avec le précédent et premier film d’Abd Al Malik, Qu’Allah bénisse la France (2014). Il est vrai que ce dernier reposait sur un socle autobiographique. En s’emparant ici de celle d’un autre, mais aussi de son héritage, de son message le réalisateur a perdu quelque chose. Au reste, le générique le crédite comme réalisateur seulement, et non auteur du scénario — lequel a été signé par l’éclectique producteur Étienne Comar, connu pour avoir produit Des hommes et des dieux, mais aussi réalisé Django (2017) avec Reda Kateb.

Prise de tête

 Il n’en faut pas davantage pour soupçonner une direction bicéphale et divergente qui pourrait expliquer cet aspect de fourre-tout sans aspérité, rempli jusqu’à la gueule de braves gens semblant accomplir un devoir civique. Bien loin de la puissance de The Birth of A Nation de Nate Parker, et même du (pourtant surestimé) 12 Years a Slave de Steve McQueen (2014).

Furcy, né libre de Abd Al Malik (Fr., 1h48) avec Makita Samba, Romain Duris, Ana Girardot, Vincent Macaigne, Frédéric Pierrot, Micha Lescot, André Marcon…  Sortie le 14 janvier 2026

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“L’Affaire Bojarski”

Faire un film d’époque, et de manière générale faire du cinéma, est-ce un travail de faussaire ?

Jean-Paul Salomé : Oui, de toute façon, faire du cinéma c’est toujours faire du vrai avec du faux ou du faux avec du vrai… C’est un peu comme on veut : ça marche dans les deux sens — et un film d’époque, c’est encore un peu plus compliqué. Après, recréer quelque chose n’’est pas un travail de faussaire mais de copiste, en essayant d’être un copiste doué. C’est-à-dire récréer une époque dans un but précis, avec sa propre sensibilité parce que ce n’est pas un travail d’historien non plus.

Sur mon film Les Femmes de l’ombre, on avait travaillé avec un grand historien, Olivier Wieviorka, qui disait toujours : « l’avantage des films de reconstitution, c’est qu’ils sont le regard de l’époque où ils sont faits ». Un film fait en 2025 qui regarde les années 1950 n’est pas pareil qu’un film qui aura été fait dans les années 2000 ou les années 1970 sur la même époque. Donc il faut un peu se libérer de ça. 

Pour finir, j’avais un peu souffert sur Les Femmes de l’ombre qui se passait pendant la Seconde Guerre mondiale… Je m’étais dit : « c’est trop compliqué, les films d’époque. J’ai plus envie ». Et d’ailleurs pendant 20 ans, je n’en ai pas fait. Mais quand j’ai eu vent de l’histoire de Bojarski et vu que ça se passait dans les années 1950, je me suis dit qu’il allait falloir que je m’y remette. Mais je l’ai fait différemment d’il y a vingt ans, je pense.

Comment avez-vous découvert son histoire ?

JPS : J’étais dans la position des spectateurs d’aujourd’hui : en gros, personne ne connaît l’histoire. Et un producteur m’a parlé de ce sujet ; il m’a fait lire un texte qui ne m’a pas enthousiasmé mais en retournant aux racines de la véritable histoire de Bojarski, je me suis dit : « c’est incroyable, il y a un romanesque dingue, un personnage fou, une histoire très belle… » Des tas de choses qui, tout de suite, m’ont interpellé. Je me suis dit qu’il y avait un sujet, un film… Et après, je me suis lancé.

Et vous Reda, en aviez-vous entendu parler ?

Reda Kateb : Pas du tout. J’étais totalement ignorant de cette histoire, jusqu’à ce que Jean-Paul m’en parle. J’ai tout de suite été fasciné, étonné qu’on ne la connaisse pas, justement. Et senti qu’il y avait un personnage vraiment très fort. J’étais très vite engagé dans le projet, dans la rencontre avec Jean-Paul et dans les échanges qu’on pouvait avoir pendant l’écriture du scénario — à laquelle je n’ai pas participé, mais j’ai été quand même assez impliqué en amont pour avoir le temps de rêver à ce personnage, de le connaître mieux, me l’approprier presque comme on peut le faire avec un personnage de fiction. Parce que je n’avais pas à jouer les codes d’un biopic, d’un personnage que tout le monde identifierait. Pas à faire ce travail de copiste : pour moi, c’était la version originale de Bojarski qu’on pouvait raconter ensemble.

JPS : La curiosité de cette affaire est qu’elle a été extrêmement médiatisée dans les années 1950-60 et est complètement retombée dans l’oubli — ce que je n’arrive toujours pas bien à m’expliquer. Sans raconter le film, il fait la Une de tous les journaux (Paris-Match, Le Figaro, Le Parisien libéré, France-Soir de l’époque…) Il y a eu des articles partout ! Soixante-dix ans plus tard, cette histoire est complètement tombée dans l’oubli. C’’est aussi ça qui m’a donné envie de la faire redécouvrir au grand public.

Il n’y a que les numismates qui l’ont gardé en mémoire…

RK : Il y a le musée de la fausse monnaie…

JPS : Quand on présente le film dans les salles, je demande toujours au début qui le connaît. Il y a zéro main qui se lève ; une fois de temps en temps une personne d’un certain âge se souvient de l’époque. J’en parlais avec Claude Lelouch qui a vu film et qui se souvenait un peu d’avoir entendu parler dans sa jeunesse du fameux Bojarski mais il n’en savait pas plus. Ce film, c’était refaire découvrir cette histoire au grand public.

Le style du film s’est-il nourri du cinéma de cette époque ?

JPS : J’ai demandé à l’équipe — à Reda, aux comédiens et à tous les postes (chefs-op, déco, costumes…) de revoir un certain nombre de films : les grands classiques du polar des années 1950. Tous les Gabin — Touchez pas au grisbi, Du rififi chez les hommes, Razzia sur la chnouf — ; évidemment les Melville — Le Deuxième Souffle jusqu’au Cercle Rouge qui est un peu plus tardif. C’était important pour moi d’essayer de retrouver les racines de ces films-là, qui étaient quand même des films d’auteurs (Dassin, Becker, Melville et d’autres) mais ne s’affichaient pas à l’époque comme tels. Et en même temps, qui étaient quand même extrêmement tournés vers le public. Ces auteurs-là voulaient toucher le grand public 

Ils ne s’enfermaient pas dans une espèce de démarche plus intellectuelle. C’est un moment où le cinéma français réussissait assez souvent, et largement, à ce que la vision d’un réalisateur soit partagée par un public. C’est le cinéma que j’aime, qui m’a formé, que j’ai vu enfant, adolescent, et qui m’a donné envie de faire ce métier — inconsciemment : je me suis pas dit : «  je veux faire comme ça ». J’ai compris, je ne lutte plus contre ça. Revenons aux fondamentaux de ce type de films.

Ce n’était pas pour faire une copie de ça, ni un hommage ; juste essayer de retrouver ses racines et se dire comment dans le monde et le cinéma d’aujourd’hui, on pourrait peut-être essayer de retrouver cette veine-là. Et c’était vachement bien pour les comédiens aussi : parce que c’est quand même joué par des grands comédiens.On avait des grands personnages et des grands second-rôles qui étaient l’espèce d’ADN de ce type de film. Derrière Gabin dans Touchez pas au grisbi, il y avait une galerie de personnages incroyables. C’est pour ça que Lottin et d’autres arrivent dans le film et tiennent ces emplois assez référencés dans le cinéma français dans le cinéma français de l’époque.

Si vous vous défendez de faire un hommage, vous vous placez quand même dans l’ombre du Cercle rouge avec un commissaire nommé Mattei et un adjoint qui s’appelle Perrier…

JPS : Oui, tout à fait, je l’assume ! À un moment donné, j’ai cherché et allez, voilà, c’est pas grave. Je le sens, quand je fais des projections parmi les plus cinéphiles, ceux qui connaissent Le Cercle Rouge. En plus, moi, c’est l’un des deux films qui m’a donné envie de faire du cinéma quand j’avais 10 ans. En novembre 1970, mes parents m’ont emmené voir Le Voyou et le lendemain Le Cercle Rouge. Et à la fin du week-end, j’ai dit : « je veux faire du cinéma ». C’est incroyable, parce que d’abord, il n’y avait rien d’ultra-choquant mais ce n’était pas des films pour enfants à l’époque. 

Je pense que ma vie de cinéaste a été marquée par le fait d’avoir vu ces deux films dans des grandes salles de cinéma archi-pleines (le Gaumont Ambassade et le Gaumont Colisée sur les Champs-Élysées, qui n’existent plus) ; d’avoir partagé ces gros succès de l’époque au milieu d’une foule dans une salle pleine.

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Elsa Bennett (“Des jours meilleurs”) : « Au départ, personne ne voulait y aller »

Vous filmez beaucoup Bojarski tel un artiste au travail, notamment ses mains…

JPS : C’est marrant parce que les mains au travail, pour moi, c’était un film de peinture. Je repensais beaucoup au Van Gogh de Pialat et comment il avait filmé la peinture. Et je me suis dit : « il faudrait essayer de trouver l’équivalent pour filmer un homme qui fait des faux billets ». Ne pas avoir peur de filmer un homme seul au travail. J’ai un peu lutté pour y arriver quand même, avec les financiers et tout le système : « dans le cinéma d’aujourd’hui, il faut aller vite ; un homme seul, mais qu’est-ce que tu vas filmer ? Ça va être chiant. Une fois qu’il en fait un, on a compris… » Je disais, oui, oui, oui et puis je me disais, au fond : « non, non, non. De toute façon. je verrai bien, mais il faut que je le filme. Laissez-moi le temps de le filmer. » Et je pense qu’on a bien fait.

RK : J’ai toujours envisagé ce film comme un portrait d’artiste.

JPS : C’était ça qui était intéressant : ce glissement d’un type n’est pas un gangster ni un bandit. C’était pas un ingénieur mais un inventeur qui malheureusement ne savait pas se vendre. Vous avez des artistes qui sont extrêmement doués mais qui ne savent pas se vendre. Or, il faut un peu les deux pour y arriver aujourd’hui. Je trouvais extrêmement touchant que cet homme qui ne savait pas se vendre — sinon, ses descendants seraient multimilliardaires aujourd’hui — comme l’eau d’une rivière qui cherche son lit, ait changé son cours et soit allé ailleurs, dans des zones inattendues. C’est recycler sa créativité et son génie créatif qui était importants.

Il choisit aussi sans choisir parce qu’il est “l’étranger”…

JPS : Bien sûr : il s’attaque à quelque chose qui, à l’époque était extrêmement important et qui aujourd’hui paraît peut-être un peu plus compliqué pour les jeunes générations : le billet, qui était un des fondamentaux de la société de l’époque. S’attaquer à l’argent, c’était s’attaquer à l’État. Pourquoi les faussaires ont écopé de peines parfois plus lourdes qu’un mec qui va prendre des bijoux dans une bijouterie et blesser ou tuer quelqu’un ? Parce qu’ils attaquaient les fondements de l’État.

On a montré le film à des adolescents dont certains issus de l’immigration dans des quartiers défavorisés avec leurs profs d’Histoire.Eet les jeunes collégiens, comprenaient très bien le truc, ils avaient fait le transfert : le film parle de tout ça sans parler de la génération d’aujourd’hui — ce qui peut être stigmatisante quand on en parle. La société française a connu ces différents flots migratoires venant de différents endroits du monde ; à cette époque-là, c’était des gens qui aujourd’hui font partie de l’Europe : des Polonais, des Italiens, des Espagnols — on disait alors que les Polacs, les Ritals, les je-ne-sais-plus-quoi venaient faire le boulot que les Français ne voulaient pas faire.

Et puis il y a eu une volonté d’effacer cet homme. Le commissaire avait quand même tout préparé pour qu’il rejoigne la Banque de France mais De Gaulle a refusé. Est-ce parce qu’il était polonais ? Quand vous parlez aux gens de la Banque de France aujourd’hui, Bojarski est un dieu ! C’était l’ennemi public n°1 à l’époque mais aujourd’hui ils ont une chambre forte qu’on a eu la chance de visiter avec ses brevets, les photos des machines, les vraies plaques qu’il a gravées… Plus des liasses de faux Bojarski et chacune, c’est plus d’un million d’euros la liasse — parce que chaque billet coûte entre 7 et 8000 euros. Pour eux, c’est un peu la Joconde.

L’équivalent d’un Bojarski aujourd’hui, ce serait un hacker. Or un un hacker de ce talent serait embauché par les services de renseignement ou la police…

RK: Sauf s’il a fait beaucoup de profits avant. Un hacker qui a envie d’être embauché, il va trouver une manière de signifier qu’il peut craquer les codes et faire ce qu’il veut sans le faire. S’il prend des millions…En tout cas, dans cette notion de propriété, je crois même dans le premier ou le second article des Droits de l’Homme, juste après « les hommes naissent et demeurent libres et égaux en droits », il y a tout de suite la sacralisation de la propriété — ce que représente aussi la monnaie.

Aujourd’hui justement, où l’on parle de la possible disparition des billets qui est la seule valeur intraçable, il faut se replonger un petit peu dans cette chose-là. Je me souviens enfant, que sur les billets en francs, je lisais cette chose sur les pertes de prison encourues ; et comme tous les enfants on était fascinés par cet objet-là. Ou quand il y avait un nouveau billet : le Saint-Exupéry, qu’il était un peu original — déjà c’était un peu bizarre déjà d’avoir un billet de couleur alors que les billets étaient grands. Je crois qu’on a envie de retrouver aujourd’hui cette chose du papier, comme quand on prend un bouquin au lieu de lire sur une tablette… 

En jouant ce rôle, j’ai adoré le coaching que j’ai pu avoir sur les machines ; me plonger dans ces gestes répétitifs. Ça m’a même beaucoup aidé à construire le rôle : en le faisant, j’ai senti tout d’un coup une espèce de bulle méditative dans laquelle ce personnage se trouvait. Et j’ai compris qu’il pouvait trouver une forme de paix dans cet atelier, dans ses gestes, dans ses bruits, dans ses sons, dans cette matière… C’est à la fois un geste de copiste, de faussaire, de créateur et d’artisan à répéter sans cesse les mêmes gestes. Même sur sa manière d’écouler ses billets : ce type avec sa valise qui sillonne les routes de France tout seul pour aller écouler des billets, c’était tout de suite un personnage fascinant pour moi.

Quid des inventions de Bojarski que vous montrez dans le film ?

JPS : Eh bien, elles sont toutes réelles. On a retrouvé les brevets, reconstitué ses machines grâce aux brevets et à des photos qu’on avait. Comme il n’était pas un commercial, il ne déposait pas forcément très bien ses brevets, ni ne les renouvelait quand il le fallait. Du coup, ils tombaient dans le domaine publique et d’autres s’empressaient de les prendre — je ne sais pas si on lui a piqué ses trucs, mais en tout cas, s’ils avait été enregistrés, c’est sûr qu’il aurait forcément eu des royalties sur certaines machines… 

L’Affaire Bojarski de Jean-Paul Salomé (Fr., 2h08) avec Reda Kateb, Bastien Bouillon, Sara Giraudeau, Pierre Lottin, Olivier Lousteau, Quentin Dolmaire, Camille Japy, Arthur Teboul, Lolita Chammah…Sortie le 14 janvier 2026

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Little Jaffna de & avec Lawrence Valin 

Policier français d’origine tamoule, Michael Beaulieu est chargé d’une mission d’infiltration au sein d’un gang pratiquant l’extorsion de fonds auprès de sa communauté à Paris afin de financer les Tigres, une organisation indépendantiste tamoule du Sri Lanka. S’il parvient à gagner la confiance des chefs du mouvement, sa position l’expose à des risques et à une surveillance accrus…

Dès la première séquence de son premier long métrage, Lawrence Valin donne le ton avec une course-poursuite trépidante parmi les étals d’une fête traditionnelle. Rythme frénétique, couleurs diaprées et saturées comme si l’image cherchait en sus nous faire ressentir la chaleur épicée se dégageant des stands alimentaire, son film nous transporte ailleurs. Mais cet ailleurs n’a rien de folklorique ni de pittoresque, il est une composante de l’ici, porteur donc de cette idée d’une double culture : dans le décor parisien, la diaspora tamoule s’est créée une enclave. Et le personnage infiltré de Michael en est le cicérone.

Double je

Dévoilant une communauté peu connue et peu visible dans le cinéma occidental (exception faite du Dheepan de Jacques Audiard évidemment), Little Jaffna tire avec intelligence parti de la situation historico-politique du Sri Lanka pour asseoir sa trame de polar — virant volontiers au thriller. Si l’enquête met au jour les réseaux d’approvisionnement économique de la mafia tamoule, ainsi que la destination des fonds collectés pour l’armée indépendantiste du Sri Lanka, elle n’a rien d’une opération routinière, exigeant un investissement corps et biens du policier, bousculant sa propre identité.

On n’est pas loin de penser que cette immersion totale résonne avec celle de Lawrence Valin : lui aussi a dû, pour les besoins du film et du rôle, puiser dans ses origines et sa double culture afin de parvenir à cette synthèse adroite souscrivant aux codes attendus par le public européen… sans pour autant rebuter les spectateurs accoutumés aux canons du cinéma tamoul. Interrogeant en permanence ce qui fait appartenance à une tradition (manger avec des couverts versus avec ses doigts trahit par exemple pour les Tamouls un renoncement à ses racines), Little Jaffna joue au point de vue formel sur les deux tableaux, entre tentation de l’extraversion spectaculaire et réserve intimiste. Preuve que le compromis (ou l’hybridation) est toujours possible et source de créativité.

Little Jaffna de & avec Lawrence Valin (Fr., 1h40) avec également Kawsie Chandra, Puviraj Raveendran, Vela Ramamoorthy… En salle le 30 avril 2025.

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Tu ne mentiras point de Tim Mielants 

L’Irlande, au milieu des années 1980. Alors que la crise et la misère frappent le pays, Bill Furlong s’en sort vaille que vaille avec sa petite entreprise de charbonnier. Il compte parmi ses clients le couvent local, institution riche, puissante et crainte dans la région. Mais lorsqu’il découvre à l’occasion d’une livraison qu’une pensionnaire a été sciemment abandonnée en plein hiver dans la réserve à charbon en guise de punition, la vérité de ce lieu lui apparaît. Et un cas de conscience commence à le hanter…

Abrupt et sans fioritures, Tu ne mentiras point exsude à chaque plan cette misère froide et poisseuse qui imprègne les corps de ce village qu’on croirait figé dans les années 1950, voire — s’il n’ y avait pas quelques timides marqueurs de modernité — au XIX^e siècle. L’activité qu’exerce Bill Furlong semble surannée tant elle évoque l’époque de la machine à vapeur, dont ce satané charbon permit l’essor. Ce parallélisme entre archaïsme énergétique et obscurantisme moral n’est sans doute pas anodin : le poids des traditions pèse sur la petite communauté terrorisée par le pouvoir spirituel exercé par les sœurs du couvent. Exerçant une autorité morale “de droit divin”, elles président aussi aux destinées des familles en éduquant les élèves méritantes ou distribuant, selon leur bon vouloir, quelques subsides issus de leur caisse rebondie aux nécessiteux.

Couvent odieux

La face sombre que Furlong découvre et contre laquelle il va se dresser, tout chrétien qu’il soit, en tant qu’homme, mari et père, rappellera l’histoire racontée dans The Magdalene Sister. Lion d’Or à Venise en 2002, ce film traitait déjà de la réclusion de jeunes femmes placées de force par leur famille dans des couvents en Irlande, le plus souvent parce qu’elles étaient enceintes et que leurs proches désiraient éviter que le voisinage jase — s’assurer d’une bonne réputation de façade et abandonner sa fille à une vie de pénitence, d’humiliation et de servitude, voilà qui traduit une curieuse interprétation du message d’amour prôné par les Évangiles…

Dans le rôle du bon apôtre, seul contre tous à avoir conservé son intégrité et le sens de la charité, Furlong agit selon sa conscience à l’instar le marin du poème Les Pauvres Gens de Victor Hugo — dont Guédiguian s’était inspiré pour Les Neiges du Kilimandjaro.

Pour Cilian Murphy, acteur irlandais ayant fait preuve d’’engagement par le passé quant à l’histoire de son pays (voir sa participation à Le Vent se lève de Ken Loach, Palme d’Or en 2006), endosser ce rôle — de surcroît après celui d’Oppenheimer qui lui a valu sa reconnaissance internationale — équivaut à un nouvel acte militant. Comme une incitation à mettre davantage en lumière le passé (récent) honteux pour mieux l’affronter et, peut-être, le réparer. Sa prestation de bon samaritain ne doit pas faire oublier celle de son antagoniste, la mère supérieure campée par une inquiétante Emily Watson : comme dans les James Bond, il faut que le méchant soit bon pour que le film le soit.

Tu ne mentiras point (Small Things Like These) de Tim Mielants (Irl., 1h38) avec Cillian Murphy, Emily Watson, Eileen Walsh, Michelle Fairley… En salle le 30 avril 2025.

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“À pied d’œuvre”, “The Mastermind” en salle le 4 février 2026

Une pointe d’amour de Maël Piriou 

Avocate se sachant condamnée à brève échéance par la maladie, Mélanie a décidé de s’offrir un voyage dans une maison close spécialisée en Espagne. Elle oblige davantage qu’elle ne convainc son meilleur ami Benjamin, lui aussi en fauteuil, de l’accompagner. Et recrute pour les conduire à bon port le très ronchon Lucas, un de ses clients à peine sorti de prison, dont elle doit plaider le dossier…

Adaptation de Hasta la Vista (2011), film belge flamand — comme son nom ne l’indique guère — de Geoffrey Enthoven, Une pointe d’amour en est davantage une relecture qu’un remake puisqu’il se resserre sur trois personnages au lieu d’embarquer un groupe de copains en goguette. Il laisse également affleurer une intrigue sentimentale qui si elle semble de prime abord cousue de fil blanc, s’étoffe grâce à de nombreux changements de cap — à l’instar de l’expédition ne cessant de différer le moment d’arriver au terme du voyage.

Pudeur des sentiments

Cette trajectoire en zigzag vers l’Espagne retarde l’échéance mais renforce la promiscuité-proximité entre Mélanie et Benjamin (ainsi que Lucas, par la force des choses) à l’intérieur de leur van hors d’âge. Et leur offre les occasions de se livrer, voire de se délivrer de leurs secrets intimes ou désirs refoulés. À ce petit jeu de séduction rentrée et confessions muettes, Maël Piriou se montre plutôt habile en mêlant sensualité des frôlements et pudeur extrême. Sa distribution épouse à merveille cette ambivalence : Grégory Gadebois en aidant soupe au lait et introverti colle  à l’emploi ; quant à Julia Piaton et Quentin Dolmaire, ils forment non pas un couple de cinéma, mais un couple crédible. 

Au-delà de leur romance à vitesse réduite, Une pointe d’amour pose en parallèle ce sujet de l’assistance sexuelle des personnes en situation de handicap — à la base de tout, il y a tout de même ce voyage en Espagne pour que Mélanie et Benjamin puissent bénéficier d’une première relation charnelle — qui n’est pas légalement reconnue en France puisqu’assimilée à de la prostitution. La question avait déjà été posée à l’écran il y a un quart de siècle (!) par Jean-Pierre Sinapi dans Nationale 7 (2000) ; force est de constater qu’il faudra encore beaucoup de films pour que cette problématique soit considérée sans être remise aux calendes grecques.

Une pointe d’amour de Maël Piriou (Fr., 1h24) avec Julia Piaton, Grégory Gadebois, Quentin Dolmaire, Florence Viala, Louis Meignan… En salle le 30 avril 2025.

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Les Règles de l’art de Dominique Baumard

 Le hasard place sur le même chemin Éric, un receleur hâbleur et Yonathan, un expert en montres de luxe. Vivant d’escroqueries en entourloupes, le premier tire le diable par la queue quand le second végète dans un confort routinier. Embobiné par Éric, Yonathan commet un “coup” facile qui lui donne le goût vénéneux de la transgression. Les choses se compliquent quand Jo, un cambrioleur travaillant avec Éric, dérobe cinq toiles de maître au Musée d’Art Moderne de Paris pour satisfaire une demande d’Éric. Yonathan se retrouve dans un grand bain où il n’a pas vraiment pied…

Ce qui ressemble à une comédie à l’italienne des années 1960 (Sordi, Mastroianni et Gassman ou Tognazzi au générique), voire britannique des 1990’s (avec Hugh Grant, Alan Rickman et Pete Postlethwaite ou Robert Carlyle et Bill Nighy) repose pourtant sur une histoire authentique et bien française de 2010. À peine romancé pour les besoins de la cause cinématographique, le vol (puis la disparition) de cinq toiles du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris est en effet l’œuvre de trois “artistes” amateurs dans ce registre de cambriole. Entre l’audace — ou l’inconséquence — du geste et le fait que le butin n’ait jamais été retrouvé, il y avait de quoi raconter cet enchaînement calamiteux de circonstances.

Images piquées et piqué de l’image

Étrangement, Dominique Baumard ne tire son récit ni vers le polar ni vers la comédie. Bonne intuition : il signe ici un exercice de style hybride cherchant à retranscrire l’effet produit par Éric sur Yonathan : cette étrange séduction tournant à l’emprise. L’escroc s’impose à ses interlocuteurs par son bagout, les hypnotise par des spirales de mots faisant vibrer la corde sensible autant que sa suractivité. La paire Sofiane Zermani/Melvil Poupaud, forme un duo impeccable pour cet intrigant rapport entre un prédateur et sa proie consentante.

Puisque l’on parle de style, évoquons le travail remarquable de l’image — mais doit-on s’étonner lorsque l’on sait que le chef-opérateur Julien Poupard est à la manœuvre ? D’une beauté picturale sur les plans de nuit (il y a une ambiance à la Van Gogh dans les extérieurs de la séquence du braquage), la photo fait écho à la gamme chromatique des toiles disparues : leur absence se trouve ainsi ironiquement suggérée à chaque instant ou presque à l’écran. Et comment ne pas être fasciné par cette composition impressionniste devant cette devanture de café ruisselante de buée lors du face à face final entre Éric et Yonathan ? La forme du film a su se hisser à la hauteur du fond ; il manque toutefois une étincelle de rythme pour faire des Règles de l’art une pièce de musée.

Les Règles de l’art de Dominique Baumard  (Fr., 1h34) avec Melvil Poupaud, Sofiane Zermani, Julia Piaton, Steve Tientcheu… En salle le 30 avril 2025.

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Arrêté à la frontière pour une question administrative, Paul Dédalus est forcé de se plonger dans son passé. Remontent à la surface des moments-clefs de sa jeunesse : des images d’enfance et des aventures d’adolescence, qui ont contribué à le construire. Où figurent en bonne place le visage (et le corps) d’Esther, son amour de Roubaix. L’amour de sa vie…

Après… mais avant

Trois souvenirs de ma jeunesse convoque explicitement Comment je me suis disputé…, puisqu’il s’annonce comme un épisode fondateur dans la vie de son héros, Paul ; un gigantesque flashback — on parlerait de « préquelle », si la saga Dédalus était un space opera — élucidant certaines zones d’ombres. Desplechin nous force à la comparaison, ou plus exactement au rapprochement entre ces deux films marquant deux époques de sa carrière de cinéaste, deux âges de sa vie d’homme. Près de vingt après, la nostalgie ne pèse pas davantage sur son propos : le passé est plutôt un poison avec lequel les personnages sont contraints de se débattre ; demeure une forme aigre-douce de mélancolie, inhérente à son cinéma.

Toutefois, si l’on devait chercher la petite bête, le raccordement n’est pas total. On ne parle pas du fait que les jeunes comédiens n’ont rien de clones de leurs prédécesseurs, même si les intonations et la diction de Quentin Dolmaire sont troublantes de ressemblances avec celles de Mathieu Amalric, au point que les deux se « fondent » littéralement dans le personnage de Dédalus. Mais certaines situations se réarrangent singulièrement : le couple Paul/Esther se trouve réduit ici à six ans (contre dix), Paul n’est apparemment plus normalien et vit à Paris dans une misère sourde quand Esther, issue d’une petite bourgeoisie, présente une assurance qu’on ne lui soupçonnait pas.

Certes, la mémoire est toujours fluctuante sur les détails, certes, il y avait déjà de douces aberrations dans Comment je me suis disputé… (le fait qu’Esther n’ait jamais été présentée aux condisciples parisiens de Paul) ; certes, on n’attend pas de Desplechin qu’il jointe ses scénarios au silicone comme des carreaux de salle de bains, mais cela fait quand même un peu désinvolte.

L’âge de la synthèse

D’autant qu’il n’est pas un seul de ses films qui ne se trouve cité, de manière directe ou indirecte, dans Trois souvenirs de ma jeunesse ! En vrac : le Roubaix de Un conte de Noël, la dépression en clinique de Rois & Reine, les fermetures à l’iris de Esther Kahn, l’anthropologie de Jimmy P., la famille dysfonctionnelle en deuil de La Vie des morts, l’interrogatoire façon ministère des Affaires étrangères de La Sentinelle, les lettres monologues de Léo en jouant « Dans la compagnie des hommes »… Autant de petites pierres, d’indices, de « souvenirs » de la genèse de l’œuvre du cinéaste. Trois souvenirs… est-il un film somme, un bilan provisoire, une synthèse partielle ? Il dialogue en tout cas à l’intérieur de la filmographie de Desplechin, correspond avec les précédents.

S’il possède son autonomie (car il peut se voir en l’absence de références), il parle d’une autre voix aux initiés. À ce titre, on pourrait dédouaner les sélectionneurs cannois de ne pas l’avoir intégré d’office dans la compétition — il reste à examiner le reste des films soumis au jury. Et puis, par deux fois, en 1992 et 1996, Desplechin ayant été « volé » d’une Palme méritée, cela aurait été un peu étrange et ironique qu’il en obtînt une avec une œuvre à ce point auto-référentielle !

Paul ou les ambiguïtés

L’attachement de Desplechin à Paul peut se lire comme un non-détachement, qui s’accroît avec le temps. Héraut très discret de la nouvelle Nouvelle Vague du cinéma français, le réalisateur a, à l’instar de ses pères-pairs éprouvé la nécessité de se construire un homologue de fiction. Le double de Truffaut s’appelait Antoine Doisnel, et était joué par Jean-Pierre Léaud ; Claude Berri interprétait lui-même sous son vrai nom de Claude Langmann le sien-propre. Desplechin a trouvé en Paul Dédalus, généralement incarné par son alter ego Mathieu Amalric, ce substitut nécessaire à l’agrégat de matériel personnel dans un contexte imaginaire. Paul est un être hautement paradoxal, à bien des égards courageux dans ses actes, parfois de façon involontaire. Sa seule force réside dans la maîtrise absolue du langage et son absence de dissimulation : il exprime toujours, et sans aucun filtre, ce qu’il pense.

Cette absence de calcul et d’inhibition le conduit à satisfaire sans aucun scrupule tous ses désirs. Et à considérer que chacun fonctionne sur le même mode que lui — ce qui lui complique le jeu social, ordinairement fluidifié par une cascade de non-dits ou de petits travestissements de la vérité. Paul manque cruellement de diplomatie et d’empathie pour ses proches (le lien familial étant totalement distendu avec les ascendants directs, il n’existe qu’avec la fratrie et les cousins) ; pourtant, il est prêt à sacrifier ses papiers pour aider un refuznik, il s’oriente vers l’anthropologie et finira au Quai d’Orsay !

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Naissance des images

Comment Desplechin fait (re)naître le passé… Cette résurrection mémorielle, en trois chapitres et un épilogue, débute par une induction anodine : un choc extérieur, administratif, créant l’étincelle qui illuminera une pièce secrète de la mémoire du personnage, où étaient stockés ses souvenirs. Paul va ainsi avoir accès au livre de son passé, qu’il n’avait plus guère eu envie de consulter. La première partie du film, fulgurante, n’est composée que de séquences d’enfance, brutales comme des flashes — leur contenu l’est autant. Lui succède un épisode d’adolescence plus composé, se déroulant en URSS, considéré comme le premier acte de Paul en tant qu’individu décisionnaire de son destin. Mais la majeure partie du film concerne la relation Esther/Paul ; comment elle se cristallisa, comment elle se fissura. Leur jeu du chat et de la souris, les contradictions qu’ils entretiennent et… leur soumission réciproque.

Pôle Paul

Si Comment je me suis disputé… laissait davantage de place et d’existence à Esther (ainsi qu’à sa solitude dans un bouleversant portrait, lorsqu’elle s’éloigne définitivement), Trois souvenirs… est centré sur l’édification de Paul à partir de sa romance avec Esther. Son regard seul prévaut, le « je » du titre est cette fois absolu, bien que Desplechin s’autorise à apporter une contribution narrative par le biais de son commentaire off (assez superflu, au demeurant, puisqu’il ne livre aucun élément déterminant pour la compréhension globale). Trois souvenirs… offre à Paul une opportunité : celle de renouer avec son passé, pour au moins solder un mauvais compte avec ancien camarade d’enfance. Mais renouer n’est pas résoudre ni se libérer : tel est le constat amer fait par le Paul Dédalus contemporain, prisonnier à tout jamais d’Esther…

Trois souvenirs de ma jeunesse (Nos Arcadies), de Arnaud Desplechin (Drame, France, 2h), avec Quentin Dolmaire, Lou Roy Lecollinet, Mathieu Amalric… En salle le 20 avril 2015.

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