Un simple accident de Jafar Panahi

Iran, de nos jours. Garagiste à l’écart de la ville, Vahid pense reconnaître dans un client tombé en panne l’homme qui l’a torturé lorsqu’il était en prison. Décidé à se venger, Vahid l’enlève et le séquestre mais redoutant de commettre une erreur sur la personne, il part à la recherche d’autres victimes de ce bourreau avec son encombrant colis caché dans une camionnette…

Que restera-t-il de ce film dans quelques années ? Outre sa Palme d’Or (qui confère à Panahi le prestige d’être le seul cinéaste à avoir ravi la récompense majeure à Venise, Berlin, Cannes et Locarno), son écho politique, et sans doute son plan final — moins pour des raisons strictement visuelles que pour son usage glaçant du hors champ sonore, faisant peser sur le héros une menace dont on ne saura pas si elle se concrétisera.. Un simple accident est en effet, à l’instar de Faute d’amour (2017) de Andreï Zviaguintsev ou La Vie est belle de Benigni (1997), une de ces œuvres abritant un instant si décisif, si lourd de symboles qu’on ne peut l’oublier.

Retour de bâton du réel

Pourtant, Un simple accident oscille en permanence entre deux modes : le suspense lié à l’incertitude de l’identité du séquestré comme à l’issue de son enlèvement (fera-t-il où non l’objet de la vengeance de Vahid et de ses comparses ?) est tempéré par un surprenant ton de comédie à l’italienne. La troupe hétéroclite d’anciennes victimes agrémentée d’un couple de jeunes mariés en habit de cérémonie, avale des kilomètres avec son prisonnier dissimulé dans une estafette, se retrouvant dans des situations où l’absurde côtoie l’humour noir. 

Malgré le cocasse apparent de certaines scènes, on ne se départ jamais d’un sentiment de malaise, pareil à l’ombre d’une épée de Damoclès. Son origine ? Le contexte du pays où se déroule cette histoire, qu’on suppose empruntée au vécu parce qu’elle est signé par un cinéaste lui-même victime du régime. On devine même quelles séquences sur l’espace public ont dû être, suivant l’habitude des réalisateurs iraniens, tournées en caméra cachée pour échapper aux foudres de la censure. Leur violence non feinte nous apparaît encore plus térébrante.

Un simple accident n’est donc pas qu’un thriller, c’est une fiction qui “subtilise” du réel dans l’espace contrôlé par les bourreaux pour faire exister son récit clandestin, au risque de se faire rattraper par la réalité. Quant à sa fin, elle ne dit pas autre chose : même lorsque l’on se croit à l’abri de sa menace, le réel trouve toujours un moyen de rappeler son emprise et un chemin pour achever sa besogne.

Un simple accident de Jafar Panahi (Ir.-Fr.-Lux., 1h42) Vahid Mobasseri, Maryam Afshari, Ebrahim Azizi…En salle le 1^er octobre 2025.

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“Vers un pays inconnu”, “On ira” en salle le 12 mars 2025

Stups de Alice Odiot & Jean-Robert Viallet

Au Tribunal de Marseille, on juge des affaires en lien avec le trafic de stupéfiants. Le président entend les prévenus et leurs avocats, pour certains multi-récidivistes habitués à feindre la bonne foi ; pour d’autres pris dans des spirales destructrices et contraints à se livrer à des activités criminelles. Dans tous les cas, c’est la mise au jour d’une économie de l’enfer face à laquelle la justice dénuée de moyens…

Après avoir filmé le quotidien de détenus à la prison des Baumettes dans Des hommes (2020), Alice Odiot & Jean-Robert Viallet s’intéressent donc à la case judiciaire précédente. Si effectuer un tournage à des fins documentaires dans un prétoire n’est pas en soi une chose nouvelle — les précédents Juvenile Court (1973) de Wiseman et surtout 10^e chambre – Instants d’audience (2004) de Raymond Depardon ont laissé des traces vivaces dans les esprits —, un projet de cette nature demeure un événement rare pour des raisons évidentes : la somme d’autorisations qu’il nécessite a de quoi dissuader. 

Stupéfiant !

Toutes les parties, du ministère public aux prévenus doivent consentir à ce que leur image et leurs histoires soient ainsi divulguées au grand jour. Dans certains cas en effet, cette exposition constitue davantage qu’un dommage “réputationnel” : un risque pour leur existence puisque l’ensemble des affaires traitées sont en lien avec le milieu de la drogue (le titre ne laisse pas d’équivoque), où les règlements de comptes sont particulièrement nombreux à Marseille. En enchaînant les profils de prévenus, Stups le dévoile à la façon d’un patchwork effrayant, brut et sans commentaire.

Se succèdent des camés squelettiques utilisés comme « nourrices », des mineurs multi-récidivistes ou en galère, attirés par l’appât d’un gain facile mais inconscients des dangers auxquels ils s’exposent en mettant un doigt dans l’engrenage ; de vieux caïds roués habitués à jouer aux ahuris à la barre… Défilent en parallèle dans les rappels du président ou les réquisitions, les chiffres hallucinants de cette économie occulte qu’aucune sanction légale ne semble en mesure de contenir. Édifiant et déprimant, Stups rappelle aussi que la justice répond toujours au droit dans notre pays, à une époque où celle-ci est curieusement contestée par de hautes personnalités passant devant les tribunaux…

Stups de Alice Odiot & Jean-Robert Viallet (Fr., 1h26) documentaire… En salle le 1^er octobre 2025.

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Moi qui t’aimais de Diane Kurys

Années 1970. Derrière l’aura du couple phare de l’intelligentsia parisienne, une réalité plus complexe. Entre Yves Montand et Simone Signoret, le quotidien est pollué par les infidélités et les mensonges du chanteur volage. Pour tromper sa douleur et meubler une carrière au ralenti alors que celle de son époux flamboie,, l’actrice se met à rédiger ses souvenirs…

Les biopics se révèlent souvent d’étrange rendez-vous, où les illustres représentés sont rendus à leur essence ordinaire d’humains : désacralisés et soumis à leurs passions tristes ou banales. Mythifié parce qu’il incarna pendant trente ans une certaine idée de la liberté intellectuelle, de la réussite artistique et de la conscience politique, le couple Montand/Signoret voit son aura se ternir encore un peu ; elle avait déjà été passablement assombrie par les révélations de Catherine Allégret notamment sur le comportement de Montand. 

Mise à mort des monstres sacrés

Moi qui t’aimais — titre ambigu dont on ne sait qui le prononce des deux époux, ni avec quel sous-entendu implicite, quel “malgré les apparences” non formulé — ressemble plus en effet à un Qui a peur de Virginia Woolf ? qu’à une langoureuse et continue roucoulade entre stars. Où Simone Signoret/Marina Foïs, loin de l’image de la femme-roc ressemble davantage au personnage qu’elle interprète dans Le Chat (1971), physiquement diminuée par l’âge et sentimentalement délaissée. Si la voir dans une posture implorante écorne son image, celle de Montand est quant à elle atomisée : égotiste, possessif, jaloux et d’une mauvaise foi abyssale, il n’aurait pas tenu trois minutes à l’époque #MeToo. 

Il faut mettre au crédit de Diane Kurys deux bonnes idées. D’abord, dans le générique d’ouverture, elle montre ses comédiens Foïs et Zem se faire grimer en Signoret et Montand, et entrer dans le “décor“ du film comme ils entrent dans leurs personnages. Rappelant Les Garçons et Guillaume, à table ! — qui débute par une séance de “maquillage” de l’auteur-interprète Guillaume Gallienne —, le procédé permet de contractualiser l’accord tacite entre le film et le public : le mimétisme n’est pas recherché, les acteurs portent des masques minimaux et symboliques. Cela étant, pourquoi diable Roschdy Zem s’évertue-t-il à imiter des imitations d’Yves Montand ??

L’original de la bande

Enfin, et cela vient clore le film, la partition a été confiée à Philippe Sarde. Outre le fait qu’un des ses thèmes enveloppe la fin d’une irrésistible mélancolie en (ressus)citant Les Choses de la vie, ce choix s’imposait aux dires de la réalisatrice puisque le compositeur est ô combien représentatif des bandes originales de cette époque, notamment des films de Sautet, Corneau, Trintignant… Bref, il faisait partie de cette bande (sonore) dont il est l’un des ultimes témoins vivants.

Moi qui t’aimais de Diane Kurys (Fr., 1h59) avec Roschdy Zem, Marina Foïs, Thierry de Peretti… En salle le 1^er octobre 2025.

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Amal – Un esprit libre de Jawad Rhalib

Belgique, de nos jours. Enseignante de lettres dans un lycée public bruxellois, Amal soumet à ses élèves des textes exerçant leur esprit critique, notamment ceux des philosophes des Lumières. Quand une lycéenne musulmane est harcelée par des condisciples coreligionnaires au motif qu’elle serait lesbienne, Amal pense déconstruire leur intolérance par la pédagogie et le soutien de l’institution scolaire. Elle va déchanter en découvrant que cette dernière abrite (et protège) la cause du désordre…

La Salle des profs (Autriche), Pas de vagues (France), Amal (Belgique)… En un mois à peine, trois films internationaux situant leur intrigue dans l’enceinte d’un établissement scolaire ont encore surgi sur les écrans. Trois films inscrits dans des contextes différents mais mettant en lumière une problématique commune : le malaise du corps professoral et l’absence de solidarité émanant d’une hiérarchie timorée face aux attaques perpétrées contre ce pilier sociétal. Cette synchronicité par-delà les frontières ne peut se réduire à quelque coïncidence : l’école souffre, et en dépit des dénégations ou pommades enduites par les responsables politiques successifs, ses serviteurs tout autant.

Cas d’école

Histoire de loup dans la bergerie, de lanceuses d’alertes non entendues (et à qui malheur arrive), de discriminations gigognes et de manipulation mentale, Amal condense en un film tous les maux pouvant gangrener une institution… et la détruire grâce à la lâcheté complice des tenants — théoriques —de l’autorité, tous démissionnaires lorsqu’il s’agit de rappeler les limites de la loi. Bien que difficilement applicable dans un lycée public en France (où la laïcité se doit d’être respectée sans condition), la situation que présente Jawad Rhalib pourrait se transposer dans n’importe quel autre compartiment de la société, dès lors qu’un leader religieux ou sectaire tient des discours prosélytes identique en vue d’accroître son influence politique, économique ou communautaire.

Chacun sait qu’il n’y a pas de protagoniste solide (ni donc de film viable) sans antagoniste crédible. Ainsi, si Lubna Azabal endosse avec une forme d’évidence costume et combats d’Amal, son personnage ne brillerait pas de son lustre héroïque sans la présence méphistophélique de Nabil, que campe le toujours trop méconnu Fabrizio Rongione. Avec son ton doucereux et son calme permanent, ce converti sournois semble incarner le dicton “trop poli pour être honnête” dans chacun de ses gestes ou propos.

Sans être didactique dans l’exposé des différentes problématiques, Amal – Un esprit libre souffre toutefois une faiblesse au cours de son dernier acte, durant la séquence où le prédicateur au double langage est démasqué. La manière dont ce tartuffe se fait piéger paraît fort peu compatible avec son caractère roué et manipulateur. Toutefois, comme ce rebondissement ne scelle pas la fin de l’histoire — loin s’en faut — on en tolère le caractère improbable.

Amal – Un esprit libre de Jawad Rhalib (Bel., avec avert. 1h51) avec Lubna Azabal, Fabrizio Rongione, Catherine Salée, Kenza Benboutcha… en salle le 17 avril 2024.

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Borgo de Stéphane Demoustier

Venue du continent avec mari et enfants, Mélissa a été affectée comme surveillante pénitentiaire dans une centrale de Corse où la quasi totalité des détenus sont insulaires. Reconnue par l’un d’entre eux, elle tombe dans un cercle vicieux en se trouvant malgré elle redevable d’un service. De fil en aiguille, Mélissa consent à davantage de coups de mains à la limite de la légalité… jusqu’à finir complice d’un assassinat.

Grand consommateur de faits divers et d’histoires authentiques, le cinéma s’ingénie la plupart du temps à les réinventer pour, paradoxalement, leur offrir davantage de réalisme ou un point de vue plus singulier. Casse-tête pour les réalisateurs, ce désir d’originalité aboutit parfois à des situations absurdes où l’artifice prend le pas sur toute autre considération, sabotant sans pitié aucune l’édifice dramatique. Stéphane Demoustier trouvait-il trop classique la structuration du récit de Borgo ? Il a en tout cas choisi d’en dynamiter la linéarité et la chronologie de l’action, alternant en permanence ce qui se passe avant et après l’attentat.

Façon puzzle

Las, cette coquetterie narrative tient surtout de la fausse bonne idée. À la rigueur le procédé permet-il “d’égarer“ le spectateur autant que la police dans son enquête, voire de matérialiser l’idée d’un cycle inextricable en Corse. Mais c’est beaucoup d’énergie dépensée pour tenter de donner un habillage vaguement particulier à une histoire somme tout banale. L’atmosphère de l’île s’avérant à elle seule génératrice d’ambiances extraordinaires (ou d’inquiétude — voir Une vie violente de Thierry de Peretti ou Le Silence de Orso Miret, qui s’attachent à cerner les particularismes corses) — à quoi bon greffer un bricolage de montage dont le secret s’évente assez vite ?

Et puis il y a le personnage Mélanie. Ou plutôt, cet intense engouement (hype, en langue tendance) autour de Hafsa Herzi conduisant à un étrange constat : le jeu déployé par la comédienne ces derniers temps ne varie guère d’un iota. Comme si elle se laissait enfermer dans une image d’elle-même, dédaignant les nuances de l’interprétation. Une prison dont on espère qu’elle parviendra à s’échapper dans les meilleurs délais.

Borgo de Stéphane Demoustier (Fr., 1h58) avec Hafsia Herzi, Moussa Mansaly, Louis Memmi… en salle le 17 avril 2024.

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