Gourou de Yann Gozlan 

Coach en développement hyper charismatique, Matthieu “Matt” Vasseur exerce une influence redoutable sur des millions d’individus, qu’il galvanise en ligne ou lors de sessions de motivation collective. Son emprise alerte les autorités qui songent à réglementer le secteur flou où il a bâti sa start up psycho-manipulatoire. Mais Matt ne compte pas se laisser faire et est prêt à tout pour poursuivre son idéal de réussite. Vraiment tout…

À l’instar de nombreux cinéastes, Yann Gozlan tourne souvent le même film — comprenez : il poursuit jusqu’à l’obsession une poignée de thèmes (dissimulation, manipulation, usurpation d’identité…) qu’il dissèque, analyse, sous toutes leurs coutures. Le plus fort étant qu’il use volontiers pour cela d’un personnage totem — Matthieu Vasseur, son François Pignon à lui — incarné ici pour la troisième fois par Pierre Niney — même s’il peut parfois endosser d’autres alias, à l’image de celui plus éthéré du personnage-titre de son précédent long métrage, Dalloway (2025). Gourou est donc un nouveau thriller autour d’un mythomane s’enferrant dans ses mensonges, à grande échelle, jusqu’au crime. Mais pas seulement.

Miroir magique

Au-delà de l’apparence de redite avec Un homme idéal (2015), le thriller s’avère prenant : Gozlan a le sens du rythme comme du cadre. S’intéresser à la dramaturgie de l’emprise via le coaching et les fariboles new age du développement personnel est aussi pertinent : cela renvoie à tous les fonctionnements sectaires, d’embrigadement religieux ou politique reposant sur la fascination pour la figure du chef providentiel. L’attirail numérique que Matt déploie pour assujettir ses disciples (en les dupant) devrait dessiller quelques utilisateurs compulsifs des réseaux prompts à vénérer des “influenceurs“. La popularité de Pierre Niney comme cheval de Troie pour éveiller les consciences ?

Mais le plus intéressant est à venir. Dans Gourou, un projet de loi vient à menacer le business de Matt Vasseur en réglementant son activité. Et que fait le “héros” pour rallier à ses intérêts le bon peuple ? Il va plaider sa cause de manière intéressée et complotiste sur le plateau de Cyril Hanouna. Ce dernier n’a-t-il pas eu à un moment l’impression d’effectuer un contre-son-camp majuscule en se faisant l’hôte et le défenseur d’un personnage (certes de fiction) se révélant être un escroc et un criminel — donnant raison à tous ceux qui l’accusaient de pratiquer un sensationnalisme débridé ?

Si Gozlan et Niney ont prémédité cette situation, de surcroît en étant produits et distribués par une filiale du groupe Bolloré, force est de leur reconnaître une certaine forme de malice et de brio dans l’art du troll. Mais ne nous réjouissons pas trop vite : la fin du film verse plutôt dans le pessimisme quant à la puissance des manipulateurs et leur faculté à survivre à toutes les tentatives pour les démasquer.

Gourou de Yann Gozlan (Fr., 2h04) avec Pierre Niney, Marion Barbeau, Anthony Bajon, Jonathan Turnbull, Christophe Montenez, Holt McCallany… Sortie le 28 janvier 2026.

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Rithy Pahn (“Rendez-vous avec Pol Pot”) : « Il faut que la dimension artistique soit dans le film »

Baise-en-ville de & avec Martin Jauvat

Post-étudiant en pleine déconfiture existentielle, Sprite glande dans le pavillon de ses parents en banlieue parisienne. Sommé par sa mère de se remuer, il se résout à trouver un boulot. Mais sans permis de conduire, la tâche est quasi impossible. Et comment payer les leçons de conduite sans travail ? Un miracle lui permet de trouver un emploi nocturne et une monitrice atypique d’auto-école le jour. Mais il va falloir ruser pour concilier les deux en trouvant des plans pour découcher…

Couleurs acidulées, ambiance décalée, comique à la limite de l’absurde ou du bancal (mais assumé comme tel)… Martin Jauvat transforme le rien ordinaire en conte merveilleux pour ravi de la dèche, où sa bonne fée serait une monitrice d’auto-école brute de décoffrage. Cette manière de métamorphoser le réel et ses contraintes en une imagerie adoucie conforte Sprite (!) dans sa posture d’ado attardé peinant à assumer sa vie d’adulte.

Doit faire ses preuves à l’examen

Dans ce film aux enjeux minuscules, aimable mais anodin, il y a quelque chose de singulier de voir l’auteur-interprète coexister avec des “icônes” cinématographiques tels que Hazanvicius ou Bercot. Ont-ils la prescience qu’il incarne une importante voix générationnelle et qu’il faut l’accompagner sur ce qui reste encore un film hybride ? Plus tout à fait court, pas encore tout à fait long ; adolescent dans sa forme comme l’est le protagoniste, Baise-en-ville bénéficie d’une onction professionnelle et médiatique rare, sans doute démesurée au regard de ce qu’il représente. Tant mieux pour Jauvat. Toutefois, ce pécule de sympathie s’avère d’une haute volatilité si les résultats chiffrés ne sont pas au rendez-vous…

Baise-en-ville de & avec Martin Jauvat (Fr., 1h34) avec également Emmanuelle Bercot, William Lebghil, Michel Hazanavicius, Sébastien Chassagne, Géraldine Pailhas, Anaïde Rozam… Sortie le 28 janvier 2026.

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Nuremberg de James Vanderbilt

1945. L’Allemagne vient de capituler après le suicide d’Hitler. Les Alliés se disputent sur le sort des dignitaires nazis : faut-il les fusiller ou bien les juger ? Les Américains obtiennent la constitution d’un tribunal militaire international que l’honorable Robert H. Jackson, juge à la Cour suprême, doit mettre en place. Le psychiatre Douglas Kelley est alors mandaté pour évaluer les prévenus et savoir si leur état est compatible avec un procès. Il va se pencher tout particulièrement sur la personnalité du bras droit d’Hitler, Hermann Göring…

« Qui veut dîner avec le diable doit avoir une longue cuiller », dit le proverbe. L’orgueilleux Dr Kelley aurait dû y penser lorsqu’il crut pouvoir cartographier sans risque la psyché d’un des criminels les plus froids, pervers, retors et manipulateurs que la terre ait jamais portés. Sans surprise, son entreprise lui causa davantage de dégâts qu’elle n’en infligea à son roué patient qui — on ne divulgâche rien, l’Histoire est connue — réussit à partir comme il le souhaitait malgré le verdict des juges. Preuve de la dangerosité, de la venimosité d’une idéologie capable d’intoxiquer psychologiquement par contigüité seule — et ses mises en garde sur le risque d’une résurgence du fascisme à l’attention de ses contemporains ne l’épargneront pas d’une issue tragique.

À l’ancienne

Si l’on comprend la pertinence d’aborder ce sujet, la nécessité mémorielle de rappeler à notre époque oublieuse la réalité et la vérité de ce passé ; si l’on note l’insistance dont Vanderbilt fait preuve pour faire résonner les avertissements de Douglas Kelley, on peut se montrer déconcerté par la forme ou la facture de son film. Comment en effet croire en 2025 que traiter d’un “grand sujet“ équivaut à un blanc-seing ? Que reproduire des schémas narratifs des années 1950 fonctionne encore — telle cette séquence balourde pour présenter Kelley, tentant de séduire dans un train grâce à un tour de magie un personnage prétexte (mais séduisante) de journaliste ? Que placer face à face deux récipiendaires de l’Oscar qualifiera d’emblée le film pour les statuettes ? Pour le coup, c’est raté…

Certes, on peut excuser des aménagements nécessaires pour les besoins de la fiction tant que le sens de l’Histoire n’est pas perverti. Mais le polissage à l’extrême et la conformation hollywoodienne ont ceci d’horripilant qu’ils finissent par saboter les meilleures intentions et transforment une potentielle entreprise édifiante en un impersonnel pudding industriel.

Nuremberg de James Vanderbilt (E.-U.-Hngr., 2h28) avec Russell Crowe, Rami Malek, Richard E. Grant, Michael Shannon… Sortie le 28 janvier 2026.

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Avant la sortie, vous avez présenté votre film en festival à des publics très différents tels que les exploitants à Charlieu ou les lycéens à Sarlat. Avez-vous noté des différences de réception ? 

Martin Jauvat : J’ai l’impression que quand ça se passe bien, quand on aime bien l’humour en général, on va peut-être pas rigoler aux mêmes blagues de la même façon si on a 15 ou 75 ans. Même s’il y a quelque chose de très générationnel dans le film, je fais des petits clins d’œil aussi. Rien que le baise-en-ville du titre, c’est quand même pas de mon âge ; ou Bonne nuit les petits qui revient rythmer tout le truc… Après, j’aimerais que tout le monde aime et rigole, évidemment… En tout cas, les gens me donnent beaucoup de bienveillance, quel que soit leur âge.

J’essaie de faire un truc radical. Et quand c’est radical, forcément, c’est clivant : ça laisse des gens de côté. Je sais qu’il y a des gens qui sont pas du tout sensibles à ce type d’humour. Mais pour ceux qui aiment bien, et j’espère qu’ils sont majoritaires, bah, on est assez généreux, on n’est pas avare en blagues. Il y en a beaucoup et même qui sont pas très drôles — et ça fait partie du charme, je trouve (sourire) J’aime bien laisser des blagues pas très drôles, c’est même un luxe ! J’essaie de faire un truc hyper personnel et en allant au cœur de l’intime, ça va finir par devenir un peu universel, c’est mon pari.

Êtes-vous passé comme votre personnage de Sprite par une phase où vous étiez complètement perdu ?

Pas du tout ! Moi, je suis un énorme winner : j’ai fait HEC… non non non pas du tout : j’ai galéré de ouf. Comme le perso, j’ai fait trois licences à la fac ; après je me suis fait larguer, je suis retourné chez mes darons, j’étais en galère, je fumais des joints, je prenais des bains, ma mère m’a confisqué le bouchon de la baignoire… Tout est vrai ! Mon permis, je l’ai eu pour le tournage — pareil, mon code allait se périmer dans les six mois — l’intérim. Il y a juste la start-up que j’ai inventée parce que j’avais besoin que ça se passe la nuit pour qu’il ait le baise-en-ville et tout le truc de devoir dormir. Je bossais plutôt le jour — enfin parfois c’était tellement tôt que c’était encore la nuit. 

J’ai fait pas mal d’intérim à Disney et dans tout ce coin de Seine-et-Marne où j’ai grandi, je retournais dans le pavillon de mes parents…

Mais ce n’est pas parce que j’étais en galère que je n’étais pas inspiré. Au contraire, même : toutes ces galères m’ont donné pas mal de matière. Sur le coup c’était chiant, mais si tu laisses passer quelques mois, tu trouves ça cocasse. Je pense pas que là que les success stories soient inspirantes. Je n’ai pas envie de voir des films sur des gens qui sont au top : c’est pas intéressant. J’aime bien quand c’est compliqué, qu’on trouve des solutions, de la fantaisie, de la poésie pour s’en sortir dans ce monde qui est devenu quand même assez difficile. Le film raconte ça.

Je me suis toujours inspiré de ma vie, en prenant des événements assez tristes pour moi et en les tournant à la comédie : ça permet de les exorciser. Il y a un truc un peu thérapeutique là-dedans ; c’est très intime en fait. Je galérais mais j’avais envie de faire des films : je ne pensais qu’à ça, je ne faisais que regarder des films, je faisais des courts métrages auto-produits qui n’étaient pris dans aucun festival…

Et comment vous en êtes vous sorti ?

Je faisais des courts métrages auto-produits dans mon jardin et j’ai eu la chance de pouvoir montrer un de mes films à un producteur qui aime les profils atypiques, qui aime les outsiders, qui n’ont pas fait les meilleures écoles, qui n’ont pas le meilleur CV. En plus, c’est un producteur qui faisait des films que je trouve géniaux, Emmanuel Chaumet. Il avait fait les films de Le Tourneur, de Triet, de Peretjatko, de Forgeard… Moi, j’étais très fan de Benoît Forgeard et c’est Benoît Forgeard qui a montré mon court métrage à son producteur, après avoir joué dans mon tout premier court métrage auto-produits en bénévole.

À ce moment-là, je galérais de ouf : je faisais des licences, j’étais caissier au cinéma de ma ville… enfin c’était chaud, quoi ! Et ce producteur m’a fait confiance sur mon premier long Grand Paris immédiatement, alors que je n’ai jamais fait un truc produit. Et c’est comme ça que je suis rentré dans le cinéma : par la fenêtre de la salle de bains. C’est cool aussi parce que ça apporte un peu de sang neuf. Parce que sinon, tous les mêmes écoles, tous les mêmes cercles, c’est un peu consanguin…

Vous avez évoqué le territoire dans lequel vous avez grandi. Il est presque un personnage du film mais vous le représentez à la fois comme un espace réaliste et imaginaire, poétique…

J’adore cette tension : je vais aller dans un truc effectivement presque naturaliste — les enjeux du scénario sont hyper triviaux. J’aime bien que ça soit vraiment ancré dans un territoire ; ça donne une âme en plus. En contrebalançant avec un traitement complètement irréaliste : imaginez que ce soit un Tintin en Seine-et-Marne, un Wes Anderson ou un truc aussi esthétisé mais ramené à une réalité banale. Ce décalage me plaît vraiment, je le trouve très poétique : je rajoute toujours des étoiles dans le ciel la nuit ; de la couleur partout… On a beaucoup de plans fixes, très composés, très graphiques contrebalancés par un truc prosaïque : c’est ça qui est beau, justement. L’un sans l’autre, ça ne serait pas intéressant pour moi.

Aviez-vous un moodboard pour Baise-en-Ville ? 

Très très coloré, oui ! J’aime beaucoup les comédies américaines, c’est sûr : j’avais beaucoup de Miyazaki dans mon moodboard. Et figurez-vous qu’il y avait pas mal Les Tuches — qu’on aime ou qu’on aime pas il y a quelque chose de graphique, de radical à l’image. C’est très très très coloré à la différence de beaucoup de comédies françaises où on s’en branle, finalement, de l’image tant que Didier Bourdon fait sa bonne blague — je lui tire dessus mais vrai, je suis fan des Inconnus à la base.

Les comédies un peu interchangeables, c’est peut-être les films qui vont avoir le plus de mal survivre aux IA et c’est dommage parce que pour moi la comédie c’est le genre le plus intéressant. Elle a tendance à s’en foutre de l’image alors que pour moi c’est un médium hyper intéressant. Le son aussi. Moi j’ai tendance à surmixer, à faire beaucoup de bruitage, comme dans un cartoon. À suresthétiser quelque chose de banal mais toujours pour raconter des trucs hyper prosaïques. 

Citer Wes Anderson, ce n’est pas un hasard…

Non c’est pas un hasard du tout. Tati aussi. Demy aussi : la couleur, clairement.

Est-ce rassurant que des comédiens-réalisateurs comme Emmanuelle Bercot ou Michel Hazanavicius aient adhéré à votre projet ?

S’ils viennent, on se dit qu’on n’est pas en train de faire totalement de la merde, c’est vrai. Ils apportent une garantie : ils ne vont pas aller sur n’importe quelle connerie. Je n’étais pas sûr de faire ce film, mais à un moment j’ai décidé de le faire et d’y croire à 100% — on ne peut pas y aller à la moitié. Au début, je trouvais ça trop inintéressant un mec qui passe le permis : ça manquait de folie. Mais les gens étaient très enthousiastes sur le scénario, alors ça me donnait de la force. Je n’avais pas envie de céder à cette euphorie, j’étais assez paranoïaque : je n’ai vraiment pas du tout confiant en moi ; je me demande ce que je fous là tout le temps…

Pour la monitrice d’auto-école, il fallait quelque’un de très haute en couleur. Quand j’ai vu des interviews de Bercot, tellement brute de décoffrage, tellement cash, j’étais sous le charme total. Je l’ai rencontrée et je lui ai dit : « je veux que ce soit toi » ; elle a dit oui. Pour Hazanavicius dans le rôle de mon daron, c’est un rêve de gosse ! Et il est trop bon acteur surtout : il est énorme dans Jacky au royaume des filles ; on n’en parle pas assez mais il a un des premiers rôles. Il est trop drôle, il a le bon timing… C’est un plaisir.

Leurs expériences vous ont-elles servi ?

Michel a fait une petite passe sur le scénario : il m’a proposé des vannes. J’en ai gardé quelques-unes.« On t’aimera quand tu nous laisseras dormir », c’est lui qui l’a trouvé. Il y en a certaines que j’aimais beaucoup, mais je les ai coupées quand même, finalement. Bercot non, elle était là comme actrice. Même si je lui demandais son avis, elle m’encourageait, mais elle n’allait jamais se mettre à ma place et commencer à me dire comment on fait un film. Elle était vraiment au service de la mise en scène.

Hazanavicius, il n’est pas comédien, il était là pour être avec moi, pour faire le truc, on s’amusait. Jamais il m’a dit : « mais pourquoi tu ne fais pas ça ? » Jamais de la vie. Si je leur avais demandé, je pense qu’ils m’auraient donné des conseils. Ce qui est bien, c’est qu’ils sont généreux et étaient à l’écoute ; ils ne sont pas venus m’apprendre la vie mais parce qu’ils savaient que j’étais comme ça, plutôt décontracté avec ma façon de bosser. C’’est pas comme s’ils manquaiten de taf. Ils sont venus parce qu’ils aimaient ce style-là, je pense. Je parle à leur place, mais j’ai compris un peu le truc…

Avez-vous toujours pensé interpréter le premier rôle ?

Je n’étais pas mon premier choix ; c’est mon producteur qui a voulu que je joue… Mais je suis content : en fait, je m’auto-censurais. Je pensais à quelqu’un d’autre en écrivant ; je peux vous dire si vous voulez : Pierre Nin… (rires) Je cherchais une connerie, j’allais dire Lino Ventura (sourire) Ça va vous paraître con, mais à la base je pensais à Lebghil pour jouer mon rôle ; je lui avais même dit. Et après j’ai dû lui dire qu’en fait c’était moi. C’était horrible ! Merci de retourner le couteau dans la plaie (rires)

Le truc, c’est qu’il a passé un âge entretemps : tu le mets en maillot de foot dans la baignoire, c’est un peu glauque. Je ne dis pas que je suis pas glauque, mais il l’est plus que moi. C’est un daron, maintenant !

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Ciel, mes buildings !

Finalement, comment êtes-vous parvenu à ne pas vous auto-censurer ?

Sur le jeu ? Bah je sais ce que je veux, je le fais ; c’est assez fluide, justement. Pour le coup, j’étais plus stressé quand c’était pas moi devant la caméra. Après, tout le monde est assez facilement rentré dans son personnage et c’était c’était trop bien ; je ne changerais personne au casting, je suis trop content ! Mais quand c’était moi, je me disais : « ça va rouler » Je ne me posais pas 36 000 questions : le personnage est hyper proche de moi. 

Quand tu finis la prise, tu sens si tu as fait de la merde ou si ça va. Je commence à avoir de l’expérience là-dessus, à savoir ce que je fais. Et c’est hyper agréable de jouer, je prends du plaisir à faire des blagues. J’essaie de prendre du plaisir sur mes films parce que sinon ça n’a aucun sens. Parfois je me trompe : je suis persuadé d’avoir fait un truc génial et en fait c’est de la merde (rires) J’arrive au montage : « j’aurais dû refaire une prise » (rires)

C’est un pari…

C’est complètement un pari. Chaque blague, c’est un pari : il y en a certaines qui marchent pas, qui marchent moins bien… Je ne pourrais pas, comme certaines grosses prod, faire un questionnaire de satisfaction : « ah, les gens n’ont pas rigolé ; je la coupe ». C’est horrible. Les films qui me plaisent, qui ont du charme, c’est ceux qui ne sont pas parfaits, qui ont des petits défauts, des petits trucs… Si c’est une énorme machine totalement bien huilée, ça ne me parle plus, c’est moins personnel…

Avez-vous déjà une nouvelle idée en tête ?

En général, j’ai des idées depuis longtemps et je laisse un peu vadrouiller dans un coin de ma tête. À un moment je me dis : « bon allez, celle là je la choppe ! » En ce moment, il y a un truc un peu un peu à la Fargo des frères Coen qui me plairait — mais à Chelles et en un peu moins violent — et je m’éclate à l’écrire. Je ne cherche que le plaisir : si ça me fait chier de l’écrire, j’abandonne ; et là, c’est juste du kiff. Il y aura de l’action, donc je vais m’éclater à faire des cascades — j’ai décidé de jouer dedans. 

C’est intéressant de montrer le monde et de réfléchir un peu sur ce qu’on est en train de faire. Je ne veux pas que ça soit trop frontal, trop lourd, trop appuyé mais j’essaie toujours d’avoir une sorte de propos social politique qui sous-tend la comédie. Sinon, je trouve que ça sert à rien.

Baise-en-ville de & avec Martin Jauvat (Fr., 1h34) avec également Emmanuelle Bercot, William Lebghil, Michel Hazanavicius, Sébastien Chassagne, Géraldine Pailhas, Anaïde Rozam… Sortie le 28 janvier 2026.

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Kaamelott – Deuxième volet (partie 1) de & avec Alexandre Astier

Après avoir su fédérer l’armée de Résistance et organiser les Burgondes afin de combattre l’imposteur Lancelot, Arthur a triomphé de son ancien chevalier et l’a banni — à l’instar de bon nombre des traîtres qu’il n’a pas enfermés. Loin de le galvaniser, cette victoire l’a laissé aboulique : il passe désormais ses journées en Carmélide, indifférent à tout et surtout au pouvoir. Au désespoir de Bohort de Gaunes, qui s’ingénie à rétablir une nouvelle Table où Arthur doit siéger en majesté. Comme si cela ne suffisait pas, une nouvelle menace semble peser sur lui — et cette fois, elle vient du Ciel…

Qu’est-ce qui fait d’Arthur (version Astier) un personnage singulier ? Il y a sans doute mille conjectures possibles… et sans davantage de mauvaises réponses. Tentons toutefois une hypothèse : sa normalité, d’autant plus hurlante dans un monde saturé de super-héros, d’êtres surnaturels et de dieux. Loin d’aspirer à l’extra-ordinaire, Arthur rêve d’ordinaire — la Table ronde où il siège primus inter pares n’est-elle pas l’allégorie de cet idéal égalitaire ? Fuyant toute gloire vitrifiante, le seigneur du royaume  de Logres n’a pas la victoire modeste mais dépressive. Comme si un triomphe lui faisait encourir le risque d’atteindre une posture en surplomb de lui-même. Aujourd’hui, on parlerait de syndrome de l’imposteur — alors qu’il en dépose un en toute légitimité.

E pluribus, unum

L’idée d’un héros faillible, fragile ; d’un Sisyphe ou d’un Prométhée puni par les dieux est toujours plus enthousiasmante. Outre le fait qu’il est plus facile de s’attacher à (et se projeter dans) un être imparfait, on éprouve davantage d’empathie pour un personnage luttant conjointement contre des forces externes et internes : son mérite n’en est que plus grand s’il (lorsqu’il) défait ses opposants. Cela, après avoir fédéré ses soutiens — ce qui n’est pas une sinécure tant ils tirent à hue et à dia. Le ciment dont Arthur use pour accomplir cet exploit est son arme favorite — et l’une des deux favorites de son interprète : la parole (l’autre étant la musique). 

À l’instar de son lointain successeur sur le trône britannique Henry V dans pièce homonyme de Shakespeare, Arthur harangue ses troupes pour les gagner à sa cause. S’il n’y a pas de bataille d’Azincourt en ligne de mire, l’enjeu n’en est pas moins de taille : convaincre ses ouailles de (re)partir en quête et de se frotter à un concept tirant sa beauté de son abstraction absolue : l’Aventure.

Cet éloge de l’Aventure en tant que quête existentielle rappelle celle sous-tendant la série Giuseppe Bergman de Manara, personnage réclamant à corps et à cri la possibilité de vivre des histoires fantastiques et exaucé par le destin… tout en étant confronté à des situations de la plus commune trivialité — mais ne sont-elles pas des aventures d’un autre niveau ? 

E pur si muove !

Kaamelott – Premier Volet obéissait à un mouvement centripète en ramenant Arthur exilé (et ses Semi-Croustillants) en son château ; ce Deuxième volet opère une riposte centrifuge, dispersant tout ce petit monde aux quatre vents; Somme de quêtes dans la Quête (celle du Graal), l’épisode distribue les personnages dans tous les décors géographiques possibles, obligeant Arthur lui-même à s’extraire de sa léthargie pour reprendre la route.

À propos de mouvement, il en est un qui n’est pas passé pas inaperçu : la non-présence de Franck Pitiot, interprète historique de Perceval. Le choix du comédien de ne pas apparaître ici n’a toutefois pas condamné son personnage à la disparition puisqu’il existe malgré tout de bout en bout du film in absentia, poursuivant ses répliques ou monologues abscons de chevalier « solitaire, rébarbatif et régional. ». Évoquer un personnage sans bénéficier de son incarnation, Coppola l’avait certes expérimenté dans Le Parrain, 2^e partie (1974) où Brando n’avait pas voulu reprendre son rôle pour un clin d’œil ; Astier pousse ici l’exercice un cran plus loin, laissant la possibilité à Perceval de revenir dans sa forme physique coutumière au-delà du Deuxième volet.

Alius et Idem

Si Kaamelott est globalement nourri de son propre univers étendu, ce volet semble toutefois lorgner en direction de quelques illustres devanciers, notamment en bande dessinée. On a déjà évoqué Manara, mais il faut ajouter Goscinny et Uderzo (ce qui n’étonnera personne) pour le personnage du druide Conle, dont la grandiloquence de pythie rappelle Prolixe, le Devin. La surdité de Guenièvre, frappée par la courroux des dieux, renvoie quant à elle au professeur Tournesol alors que le démon majeur Ssabernock paraît être un petit frère de Thanos. Dans un autre registre graphique, les grimaçantes Ygerne et Crida de Tintagel semblent sorties des peintures noires de Goya — voire de Jérôme Bosch. On a vu pire comme références.

Altior, fortior, melior

Il faut enfin noter le saut qualitatif à tous les postes entre le Volet 1 et cette première partie de Volet 2 ; le temps écoulé profite toujours à la technologie de l’image et du son. Plus ambitieux — la scission en deux parties en témoigne —, ce Kaamelott fait de la mélancolie le carburant de son épopée et s’achève sur plusieurs cliffhangers. Heureusement, il ne faudra attendre qu’un an pour découvrir ce qu’il advient à Arthur et ses compagnons, tous en fâcheuse posture.

Kaamelott – Deuxième volet (partie 1) de & avec Alexandre Astier (Fr., 2h19) avec également Anne Girouard, Jean-Christophe Hembert, Guillaume Gallienne, Virginie Ledoyen, Alain Chabat…En salle le 22 octobre 2025.

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“Le Dossier Maldoror”, “Mémoires d’un escargot”, “Spectateurs !”, “Je suis toujours là” en salle le 15 janvier 2025

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Les Cavaliers des terres sauvages de Michael Dweck & Gregory Kershaw

Dans les hauteurs de l’Argentine subsistent des gauchos, cow-boys et cow-girls faisant perdurer une tradition à la fois élégante et exigeante de l’élevage. De nos jours, une nouvelle génération se prépare à mettre ses pas dans ceux de ses ainés, se frottant aux exercices imposés du métier — qui incluent le rodéo…

Reproche a été fait jadis à Sebastião Salgado (1944-2025) d’avoir porté un regard « esthétisant »sur les sujets de ses reportages. En clair, d’avoir rendu la misère trop belle à regarder, comme s’il fallait accorder la qualité plastique à la situation et dégrader ses images lorsque l’on rend compte des déshérités… sous peine d’être accusé de voyeurisme colonial, d’obscénité ou, pourquoi pas, d’attenter à la morale comme un méchant travelling :— curieusement, le pléonasme entre le fond et la forme ne pose en revanche jamais aucun problème. Espérons que personne ne risquera à un tel procès d’intention face au travail de Michael Dweck et Gregory Kershaw, dont l’approche n’a rien à envier au regretté photographe : le documentaire n’est pas condamné au flou-tremblé-mal cadré, cette caricature du réel gage d’une prétendue authenticité.

Jeune centaure

À l’instar de Claus Drexel, qui peaufine ses cadrages lorsqu’il s’intéresse aux SDF, aux laissés pour compte des États-Unis ou au porstitué(e)s du Bois de Boulogne — bref, ceux que personne ne prend le temps de considérer et encore moins de regarder — Dweck & Kershaw soignent leurs plans afin que l’on observe ce qu’ils filment. Paysages et personnes se trouvent ainsi magnifiés par le format ultra large et un somptueux noir et blanc ; des plans longs ultra composés privilégiant les vues de profil font de chaque phonogramme un tableau captivant. Quant aux chevauchées au ralenti, elles acquièrent une indéniable dimension épique (et hippique) 

Portrait de groupe d’un peuple, étude sociologique, Les Cavaliers des terres sauvages suit aussi le parcours singulier d’un personnage : une jeune gaucha s’affirmant comme dépositaire de cette tradition essentiellement masculine. Adoubée par ses parents et ses condisciples, elle revendique avec fierté les attributs du métier et s’impose les mêmes exercices que les garçons. Un rôle modèle à l’obstination impressionnante dans un monde bienveillant, qui aurait de quoi inspirer pas mal de sociétés occidentales.

Les Cavaliers des terres sauvages (Gaucho Gaucho) de Michael Dweck & Gregory Kershaw (É.-U.-Arg., 1h24) documentaire…En salle le 22 octobre 2025.

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Arco de Ugo Bienvenu

2075, dans un monde ayant dû s’accommoder des crises environnementales, les humains vivent sous cloche pour se protéger des tempêtes et entourés de robots — bien pratiques quand les parents travaillent loin du domicile. C’est cas d’Iris, 10 ans, qui se retrouve en position de “petite” adulte chez elle. Et qui va devoir gérer une situation plus qu’inhabituelle : accueillir un enfant de son âge, Arco, débarqué de l’an 2932. Prisonnier de l’époque d’Iris parce qu’il a effectué le voyage temporel sans permission, Arco cherche à rentrer chez lui. Il aura besoin d’aide car un trio d’hurluberlus tente de mettre la main sur sa personne et le cristal lui permettant de traverser le temps…

Pour son premier long métrage en forme de conte d’anticipation, Ugo Bienvenu pose ses valises graphiques, poétiques et écologiques entre Moebius-Giraud, Miyazaki et Pascale Moreau au sein d’un univers d’anticipation bien sombre… mais hélas plutôt cohérent : les dérèglements climatiques actuels et la fascination pour le tout numérique sont à peine extrapolés. Ce qui ne change pas à travers les âges, c’est la curiosité des préados ni leur goût pour la transgression : sans lui, pas de chance d’infléchir le cours des choses vers un avenir un peu moins sinistre. Ainsi, en effectuant son voyage interdit, Arco crée un paradoxe temporel qui permet à son futur d’exister. Allez ensuite expliquer aux enfants qu’il ne faut pas désobéir ! 

De beaux lendemains

Une preuve que Arco voit juste dans sa dimension prospective ? L’ensemble du film repose sur la quête d’un cristal magique ouvrant les portes du futur ; or Ugo Bienvenu a décroché à Annecy pour son film la récompense suprême — à savoir le Cristal du long métrage. Et comme un Cristal cofinancé par la France a de bonnes chances de poursuivre sa route vers le César du film d’animation, on devrait entendre parler de lui en février… Au reste, la trajectoire du jeune cinéaste était déjà bien lancée : une dizaine d’années de carrière lui a permis d’obtenir le soutien d’une coproductrice nommée Natalie Portman. Son avenir a du futur.

Arco de Ugo Bienvenu (Fr., 1h29) animation dès 8 ans avec les voix de Swann Arlaud, Alma Jodorowsky, Margot Ringard Oldra, Oscar Tresanini, Vincent Macaigne, Louis Garrel, William Lebghil, Oxmo Puccino…En salle le 22 octobre 2025.

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Le Secret des mésanges de Antoine Lanciaux

C’est les vacances pour Lucile ! À 9 ans, la fillette rejoint sa mère Caro, qui effectue des fouilles archéologiques dans le château de Bectoile, le village où cette dernière à passé son enfance. Avec son copain Yann, et en suivant les indices des mésanges, Lucile découvre que le château et les légendes de Bectoile dissimulent des secrets dont la mise au jour va bouleverser Lucile et sa famille…

Le cinéma, ou l’art des extrêmes. Alors que des entreprises promeuvent à grand renfort de démos la capacité de leurs intelligences artificielles à fabriquer à des séquences sur la base de prompts, d’autres recourent à l’artisanat le plus radical pour concevoir des films. On se souvient ainsi que Sebastien Laudenbach avait signé seul un long métrage d’animation en peinture, La Jeune fille sans mains (2016) ; voilà qu’Antoine Lanciaux redonne de l’avenir à la technique du papier découpé, ce mixte subtil entre origami, stop motion, dessin et couleur.

Papivole 2.0

Contée comme une aventure de la Bibliothèque rose (mais version contemporaine), cette chasse au trésor est vécue à hauteur d’un enfant, dont « l’univers [serait] égal à son vaste appétit » dirait Baudelaire. L’esprit est ouvert au merveilleux, le moindre arbre biscornu prend des allures de monstre, chaque sente en forêt devient une route susceptible de mener vers l’aventure… Il y a certes là un charme rétro mais l’histoire n’est en rien désuète — ne serait-ce que parce que les garçons sont ici davantage les faire-valoir des filles — et les nouvelles générations les “réparateurs” des traumas des adultes. Un film familial judicieusement positionné pour les vacances de la Toussaint.

Le Secret des mésanges de Antoine Lanciaux (Fr., 1h17) animation dès 6 ans avec les voix de Marine Le Guennan, Yannick Jaulin… En salle le 22 octobre 2025.

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La Petite Dernière de Hafsa Herzi

C’est l’année du bac pour Fatima, benjamine d’une fratrie vivant en banlieue. Sportive et la tête bien faite, la jeune femme décroche sans problème son diplôme et entame des études de philosophie à Paris. Dans ce nouveau contexte, elle prend du recul et en vient à s’interroger sur ses désirs. Peu à peu, d’expériences en rencontres, elle se découvre plus encline à aimer les filles que les hommes. Est-ce compatible avec sa religion, qui rejette l’homosexualité ?

Mise en images du roman/récit/témoignage de Fatima Daas, le film est-il susceptible de faire avancer le débat ? Rien n’est moins sûr. Nous ne sommes plus à l’ère des films-dossiers de Cayatte contre la peine de mort (Nous sommes tous des assassins, Justice est faite…) et la collection d’étiquettes que La Petite Dernière arbore (#homosexualité féminine #issue de banlieue #musulmane) le transforme en cas d’école analysé par Didier Éribon, accentuant paradoxalement une singularité… qui n’en est pas une puisque le film raconte une éducation amoureuse et les désarrois d’une première peine de cœur, sujet sans drapeau ni genre.

Cas d’école

Mais Hafsia Herzi a la hype et La Petite Dernière épouse une des problématiques clivant la société ; aussi a-t-il été hissé dans la compétition cannoise — on y reviendra. À bien des égards, il est représentatif d’une fragmentation contemporaine où les questions universelles s’effacent derrière des interrogations individuelles, catégorielles. Où l’on ne vise que des convaincus et des concernés en s’en contentant. Une opération blanche en termes intellectuels et sociétaux, mais que d’éclats à l’échelle microcosmique !

Revenons sur son passage à Cannes, où il a décroché une Queer Palm attendue et un Prix d’interprétation féminine pour Nadia Melliti plus surprenant. Non que la comédienne débutante démérite, mais il n’y a rien d’exceptionnel à la voir accomplir ce qu’implique son métier. On craint surtout que ces lauriers aient été attribués ici — comme souvent par le jury officiel — afin de “garantir” au film une place au palmarès, quelle qu’elle soit. Par suivisme ou surenchère (la Queer Palm ayant été remise la veille) ; voire, pire encore, pour le personnage à travers la néo-actrice… Cela, en faisant fi du poids s’exerçant désormais sur Nadia Melliti. Souhaitons-lui de se libérer vite de ce drôle de cadeau.

La Petite Dernière de Hafsa Herzi (Fr., 1h53) avec Nadia Melliti, Ji-Min Park, Amina Ben Mohamed…En salle le 22 octobre 2025.

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L’Intérêt d’Adam de Laura Wandel

Un hôpital en Belgique. Lucie, une infirmière en service pédiatrique tente par tous les moyens d’aider Adam un petit patient de 4 ans que Rebecca, sa jeune mère toxique dissuade de manger. Ménageant l’enfant comme sa génitrice entêtée, Lucie contourne sa hiérarchie et use d’une patience infinie malgré les coups de tête de Rebecca : elle pense avant tout à l’intérêt d’Adam…

Laura Wandel avait frappé à l’estomac avec Un monde, son précédent et premier long métrage filmant à hauteur d’enfant une fratrie prise dans la mécanique complexe du harcèlement scolaire ; la revoici toujours aussi soucieuse du bien-être des plus fragile dans cette histoire en temps réel concentrant en une petite heure l’acmé et la résolution d’un crise en apparence inextricable. Pour le spectateur, c’est un peu comme assister à un tir à pile ou face : impossible durant tout le film de savoir si la pièce va tomber du côté favorable à Adam ou de l’autre ; voire si une position médiane sur la tranche ne risque pas de geler la situation en annihilant les efforts désespérés de Lucie pour ménager l’enfant et sa mère à leurs bénéfices mutuels.

Urgences made in Belgium

De par le respect quasi parfait de la triple unité temps/lieu/action, c’est donc à une sorte de thriller hospitalier qu’on assiste, avec l’histoire d’Adam comme intrigue principale et quelques cas secondaires agrémentés de détails parfois anecdotiques pour densifier la toile de fond — en somme, tout ce qui faisait jadis l’ordinaire de l’excellente série Urgences, conflits entre chefs de services et praticiens inclus. Caméra fluide attachée aux moindres pas de Lucie/Léa Drucker, vision à 360° sur les coulisses de l’hôpital et tous les services, immersivité complète qui donne l’impression de passer dans une lessiveuse… L’empathie du spectateur, forcément sollicitée lorsqu’il s’agit d’un récit touchant à un enfant,  est renforcée par ce partage de subjectivité. D’aucuns pourraient parler de manipulation, il s’agit juste d’un usage pondéré des outils narratifs. Dans l’intérêt du récit.

L’Intérêt d’Adam de Laura Wandel (Bel.-Fr., 1h18) avec Léa Drucker, Anamaria Vartolomei, Jules Delsart… En salle le 17 septembre 2025.

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Nino de Pauline Loquès

Après des examens de routine, le jeune Nino apprend par hasard qu’il est atteint d’un cancer et doit entamer au plus tôt un traitement par chimiothérapie. Un peu sonné, il tente de se confier à ses proches, mais comme par un coup du sort, chaque tentative achoppe et Nino entame un week-end d’errance doux-amer dans Paris…

Nino est un film en forme de cycle, débutant ex abrupto et s’achevant là où il a commencé. Entre ces deux moments, il ne se passe que deux-trois jours mais c’est une vie qui défile au présent : le passé du jeune homme est convoqué via la rencontre avec sa mère et son ex petite amie ; son futur à travers l’injonction qui lui est faite de préserver ses spermatozoïdes s’il tient à avoir une progéniture après son traitement. D’une grande délicatesse malgré un sujet grave, ce premier long métrage dépourvu de pathos repose sur la silhouette longiligne de son personnage-titre (et donc sur son interprète Théodore Pellerin, quasi assuré du César du meilleur espoir), abasourdi par le tour soudain pris par son existence.

Néo existentialisme

Si son errance n’est pas sans rappeler les déambulations dans Paris de l’héroïne d’Agnès Varda dans Cléo de 5 à 7 (1962), elle aussi confrontée à une question médicale, Nino offre un contrepoint très contemporain en s’inscrivant dans ce qui ressemble à une “tendance” au sein du jeune cinéma français : dresser le portrait de trentenaires déboussolés et hirsutes. À la limite de l’androgynie, peu loquaces, dépourvus d’attaches professionnelles ou sentimentales, ils semblent confrontés tardivement à la quête existentielle qui les transformera en adultes. Bastien Bouillon en a endossé quelques-uns, mais une floppée d’autres arrivent tels que Baptiste Perusat (pour Laurent dans le vent), Martin Jauvat (Baise en ville), hérauts de cette masculinité tout en fragilité, bien loin des clichés virilistes. Un mouvement à suivre qui raconte sans doute une évolution dans la perception et la représentation de ce qu’est un héros aujourd’hui.

Nino de Pauline Loquès (Fr., 1h36) avec Théodore Pellerin, William Lebghil, Salomé Dewaels… En salle le 17 septembre 2025.

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Oui de Nadav Lapid

Israël, de nos jours, dans le contexte du 7-Octobre. Y. est musicien. Avec sa compagne danseuse Jasmine, ils vendent des prestations artistico-événementielles (et plus si affinités) à la jet set du pays pour pouvoir vivre au quotidien. Lorsqu’un individu haut placé propose à Y. de composer un nouvel hymne national, celui-ci accepte ce contrat très rémunérateur…

Une ouverture opératique pétaradante montre l’obscénité dans laquelle vivent et se gobergent les nantis, ivres de leur pouvoir et de leur argent, obnubilés par leurs plaisirs extravagants et égoïstes. Le ton est donné : chez ces heureux du monde protégés par l’armée, la sono et les feux d’artifice sont là pour couvrir le bruit des bombes qui tombent quelques kilomètres plus loin, de l’autre côté de la frontière. Et silencier tout ce qui pourrait perturber la fête permanente. Sauf que le réel finit toujours par revenir plus fort qu’un boomerang, même si les autorités tentent de filtrer les informations venues de Gaza. Attentat, otages, victimes militaires…

Un oui qui veut dire non 

Oui est un film hybride qui tient à la fois de la chronique en temps réel/commentaire d’une situation politique (un peu ce que faisait Moretti dans Journal intime, à la différence que Nadav Lapid ne se met pas en scène, il prend des doubles comme témoins). Mais c’est également un film-collage zappant d’un registre à une autre, perméable à des intuitions et des tentatives formelles qui lui font quitter le cadre du réalisme brut pour épouser celui de la triste farce ou d’un fantastique noirâtre. Mais qu’on ne s’y trompe pas : ces détours stylistiques ne visent pas à altérer la crudité des faits que Lapid veut pointer ; ils servent au contraire de véhicules pour atteindre leurs destinataires — en particuliers politiques et israéliens. 

Pop et frontal, ce Oui lesté d’un “Non“ profond et total face aux événements abrite en son milieu un chapitre plus sobre qui par contraste à des airs de “ventre mou” ; or il se déroule à la lisière de Gaza, alors que la mort rôde. Paradoxalement c’est celui où il y a le plus de frivolité potache et de tendre mélancolie entre Y. et son ex. Faut-il comprendre que des fleurs peuvent pousser du chaos ?

Oui de Nadav Lapid (Fr.-All.-Isr.-Chy., int. 12 ans avec avert. 2h30) avec Ariel Bronz, Efrat Dor, Naama Preis… En salle le 17 septembre 2025.

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Trending

Théâtre : Dans la solitude des champs de coton, mis en scène par Roland Auzet

Dalloway de Yann Gozlan

Paris, un futur proche. En résidence dans une résidence pour artistes entièrement domotisée, Clarissa dispose de Dalloway, un assistant numérique pour l’aider à accoucher (avec peine) de son nouveau roman. Mais le traumatisme de la mort de son fils, ajouté à des événements étranges survenant dans l’immeuble, à la canicule, aux dysfonctionnements de Dalloway, finissent par persuader Clarissa que sa vie et son identité sont menacées… 

Rattrapé non par la patrouille mais par la réalité et l’actualité. Paru en 2020, le roman Les Fleurs de l’ombre de Tatiana de Rosnay anticipait les dérives d’une société s’abandonnant aux outils numériques. Cinq ans plus tard, une partie des craintes sont avérées et la menace de multi-nationales avides codant des IA génératives pour qu’elles vampirisent l’originalité des artistes n’a plus grand chose à voir avec de la science-fiction. À deux pas de ce précipice, Yann Gozlan signe un nouveau techno-thriller angoissé et angoissant qui raconte tout autant l’acte de créer qu’il interroge la potentielle (et fantasmée ?) empathie des machines — ce qui serait un comble dans un monde où l’homme se défait de plus en plus de ce qui constitue l’une de ses caractéristiques. La fin pessimiste-optimiste est à ce titre une habile trouvaille. Et un pari sur l’avenir.

Dalloway de Yann Gozlan (Fr., 1h50) avec Cécile de France, Mylène Farmer, Lars Mikkelsen… En salle le 17 septembre 2025.

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Les Tourmentés de Lucas Belvaux

Jadis légionnaire, Skender vit désormais à la limite de la clochardisation. Max, un ancien camarade devenu majordome, le présente à Madame sa richissime patronne, laquelle lui propose un étrange deal : une énorme somme si Skender accepte de lui servir de gibier durant un mois de chasse à courre. Skender accepte à ses conditions…

Belvaux cinéaste adapte Belvaux romancier. Et reste logiquement en terres connues : celles où la voix du plus faible se donne à entendre contre la loi du plus fort. Étude psychologique triangulaire jouant sur une action potentielle, donc une possible frustration (la chasse aura-t-elle lieu et si oui, qui du chasseur ou du gibier l’emportera ?), s’intéresse surtout à la mécanique d’usure de l’attente ; cet affût auquel les deux participants se livrent chacun à leur manière. Chacun spécule également sur l’issue du duel, ce qui donne lieu à des séquences… imaginaires, actant le fait que la préparation à la guerre est autant affaire de corps que de mental. 

Vrais tourments

« Préparation à la guerre » ? En Europe, ce syntagme semblait il y a peu encore appartenir à une réalité parallèle ; on le considère différemment aujourd’hui. Pareillement, le concept de la chasse à l’homme qui a fait florès au cinéma — notamment dans Les Chasses du Comtes Zaroff (1932) ou Le Prix du danger (1982) — quitte dangereusement le rayon de la dystopie horrifique pour s’ancrer dans la société du spectacle. N’a-t-on pas vu ces derniers mois le ministère de la Sécurité intérieure américain étudier le projet d’un jeu télévisé conduisant des migrants à se battre entre eux dans l’espoir d’arracher la nationalité américaine ? Ou “l’influenceur” Mr Beast s’amuser de la possibilité de lancer un jeu inspiré de Hunger Games — « mais sans tuer des gens » ?

Fort heureusement, Les Tourmentés demeure encore (combien de temps ?) une fiction, portée par d’excellents comédiens dosant toutes les ambiguïtés de leurs personnages et de notre époque à la morale élastique. On se rassure comme l’on peut.

Les Tourmentés de Lucas Belvaux (Bel.-Fr., 1h55) avec Niels Schneider, Ramzy Bedia, Linh-Dan Pham… En salle le 17 septembre 2025.

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La Tour de Glace de Lucile Hadzihalilovic

Fuguant en plein hiver du foyer montagnard où elle réside, une adolescente se réfugie sans le savoir dans un studio de cinéma où elle découvre avec fascination une star de cinéma interpréter l’héroïne de conte favori, la Reine des Neiges. La jeune intruse va peu à peu entrer dans l’intimité trouble de la vedette. À ses risques et périls…

Une pincée de giallo pour la patine vaguement intemporelle (mais quand même très connotée années 1970), un soupçon de Mankiewicz (Eve, évidemment), des flocons de conte de fées et la virtuosité visuelle jamais démentie de Lucile Hadzihalilovic. Mais une somme d’ingrédients, de talents et de références fait-elle pour autant un film ? On assiste plutôt ici à une collection de “moments“, à un scrapbook d’idées, à une leçon de choses techniques ; bref à une évocation davantage qu’à une histoire captivante. L’objet est de belle facture mais il ressemble à ces exemplaires de démonstration factices que l’on trouve dans les vitrines des magasins : plaisants à contempler mais hélas creux et inopérants.

La Tour de Glace de Lucile Hadzihalilovic (Fr.-All., 1h58)  avec Marion Cotillard, Clara Pacini, August Diehl… En salle le 17 septembre 2025.

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Planète B de Aude Léa Rapin

Dans un futur (trop) proche, le gouvernement traque les activistes luttant pour l’environnement. Afin de démanteler les réseaux qui leur résistent, les autorités ont mis au point un système de prison virtuel, Planète B, où les détenus sont torturés psychologiquement. Mais ce réseau en apparence hermétique est fortuitement piraté par une jeune réfugiée sur le point d’être expulsée. Julia, l’une des prisonnières, y voit une chance de s’évader…

De la synchonicité. Au moment où les géants de la tech cherchent à hâter l’avènement d’un métavers en s’alliant avec des gouvernants fascinés par l’autoritarisme et/ou le populisme, Planète B tombe à point nommé. Non qu’il pose des questions : il présente plutôt un éventail de réponses à toutes les craintes émergeant face à la tentation sécuritaire et au délitement des libertés publiques comme privées dans les grandes démocraties. Le film d’Aude Léa Rapin se place en effet dans la lignée de Matrix (en moins ludique) ou de Philip K. Dick, en plus réaliste et immédiat. Et le 2039 qu’elle nous suggère ici tient davantage de la prospective que de l’extrapolation délirante. Après tout, quinze ans c’est ce qu’il a fallu pour que le monde se retourne idéologiquement depuis la crise des subprimes et les “printemps arabes“.

Enfer au paradis

Crédible et vraisemblable, Planète B l’est également de par son approche synoptique de problématiques effectivement liées entre elles : il n’y a pas de hasard si les réfugiés comme les militants alter-mondialistes sont  malmenés par un État totalement décomplexé. Les premiers, fragilisés par l’attente d’un hypothétique renouvellement de visa, sont “recrutés” sans vergogne comme journaliers pour effectuer l’entretien des bâtiments officiels — pas de petit profit ! Détenus dans leur prison psychique, les seconds subissent en sus d’une torture mentale à la soviétique (voir L’Aveu) mais aussi des manœuvres psychologiques visant à les diviser (cf Le Baiser de la femme araignée, 1984…).

Dans cette geôle mentale très sartrienne, si la contiguïté contribue à obtenir la soumission des captifs, le cadre inhabituel de la prison — une résidence hôtelière isolée dans une crique plombée par un été perpétuel et bordée par des murailles invisibles, achève de saper leurs barrières morales. Difficile de ne pas voir de similitudes avec la série Le Prisonnier (1968) de et avec Patrick McGoohan, où l’ambiance paradisiaque du “Village” dissimule derrière les mines avenantes des concitoyens, la plus retorse des centrales de rétention. 

Bien mené, doté d’une photographie tranchante et d’une musique à l’avenant (signée par Bertrand Bonello), ce thriller est clairement à la hauteur de ses ambitions — la complémentarité entre deux des comédiennes les plus caméléons du moment, Adèle Exarchopoulos et Souheila Yacoub, n’y est sans doute pas pour rien. Avec autant de qualités, Planète B mérite de jouer en série A.

Planète B de Aude Léa Rapin (Fr., 1h59) avec Adèle Exarchopoulos, Souheila Yacoub, Eliane Umuhire, India Haïr, Paul Baurepaire, Marc Barbé… En salle le 25 décembre 2024.

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Joli Joli de Diastème

Paris, la nuit 31 décembre 1976. Écrivain désargenté en perte d’inspiration, Elias croise au fil de ses errances Eléonore, jeune vedette de cinéma. Elle disparaît au lendemain de leur nuit d’amour, non sans le mettre en relation avec un producteur qui lui commande l’écriture d’un film pour elle. Elias espère pouvoir poursuivre leur liaison, hélas Myrette — son ancienne femme de ménage devenue assistante d’Éléonore — sabote à son insu ses tentatives par jalousie…

Comédie musicale duveteuse, à l’image des flocons parsemant son ouverture et son finale, Joli Joli possède également cette morsure sournoise que la neige inflige à ceux qui se laissent abuser par sa fragilité apparente. Car derrière la pétulance des couleurs et des mélodies, l’intrigue n’a rien à envier à une tragédie classique, farcie de trahisons, de complots, de désenchantements — chantés —, d’amours contrariées et de perspectives funestes. D’emblée, le héros se dépeint comme un raté avant de feindre un suicide et de se faire saisir ses maigres biens par un huissier, c’est dire ! Et malgré le choral (presque) final, le film ne s’achève pas vraiment sur un happy end puisque une séquence post-générique en casse l’atmosphère cotonneuse. Comme chez Jacques Demy, où les contingences de la vie réelle rattrapent toujours les héros à la fin.

Le Demy qu’il manquait ? 

Ce lien avec le cinéaste nantais, évident par le genre et la forme, met de surcroît en lumière la criante absence de longs métrages “en-chanté” dans sa filmographie éclectique durant les années 1970. Entre le conte médiéval Peau d’Âne (1970) et le rétro Une chambre en ville (1982), Demy semble en effet avoir dédaigné l’époque dans laquelle il vivait — ou, à tout le moins, ne pas avoir trouvé matière à inspiration pour y tourner un récit contemporain musical. 

Joli Joli donne ainsi l’impression que Diastème et Alex Beaupain ont souhaité combler ce manque par procuration, avec un “chaînon manquant“ empreint de la mélancolie coutumière de leur aîné, bénéficiant toutefois de la patine élégante d’une distanciation nostalgique. Explicitement situé en 1977, Joli Joli se place certes à l’aube de l’avénement du disco et du punk comme au crépuscule d’un monde : Cinecittà et les grandes salles des Champs-Élysées vont bientôt péricliter ; les comédies musicales mélodiques être boudées durant plusieurs décennies. En filigrane, les auteurs révèlent les hiatus générationnels et de premières fissures dans “la norme sociétale”, avec des personnages dénonçant les outrances patriarcales, d’autres militant pour les amours de même sexe sortent du placard…

On ne s’étonne pas de retrouver Alex Beaupain aux partitions, lui qui avait fait merveille avec Les Chansons d’amour et Les Bien-aimés en compagnie de Christophe Honoré. L’alchimie avec Diastème est identique puisqu’ils signent tous deux le livret dans une osmose limpide, mariant des grands thèmes enveloppants et des morceaux à plusieurs voix créant des effets magiques entre dialogue, chœur et canon. 

Ce qui surprend en revanche, c’est la distribution unissant des interprètes majoritairement découverts par la comédie (José Garcia, William Lebghil, Vincent Dedienne, Grégoire Ludig, Laura Felpin, Thomas VDB…) à une débutante à l’écran mais chanteuse confirmée, Clara Luciani. Si chacun évolue ici en décalage par rapport à sa zone de confort, tous se retrouvent en harmonie et à égalité autour de Joli Joli. Il y a quelque chose de plaisant à assister à cette communion sans prise de pouvoir individuelle ni tout-à-l’égo. Faut-il ajouter, aux qualités du polyvalent Diastème (sa filmo en témoigne), un talent supplémentaire dans l’art de composer et emmener ses équipes ? 

Ajoutons pour finir que Joli Joli efface — sans grande difficulté — les récentes comédies musicales lauréates en 2019 de l’appel à projet du CNC (Tralala, Don Juan et La Grande Magie)qui, à tort ou à raison, donnaient l’impression d’être des scénarios opportunément mis en musiques pour souscrire aux règles du concours. Ici, la musique est consubstantielle au film et cela change (chante) tout.

Joli Joli de Diastème (Fr., 1h56) avec Clara Luciani, William Lebghil, José Garcia, Laura Felpin, Victor Belmondo… En salle le 25 décembre 2024.

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Dominik Moll & Gilles Marchand (“Dossier 137”) : « L’argument de dire : “les images n’ont plus de valeur” sera utilisé par ceux qui veulent qu’il n’y ait pas d’image »

Nosferatu de Robert Eggers

Wisborg, ville allemande de la côte baltique au XIX^e siècle. Tout juste marié, Thomas Hutter doit laisser sa mélancolique épousée Ellen pour se rendre en Transylvanie à la demande de son employeur Herr Knock afin de vendre une propriété au Comte Orlock. Ce dernier se trouve être le vampire responsable des tourments d’Ellen, avide de convoler avec elle en semant mort et désolation à Wisborg…

« Le cinéma est un art ; et par ailleurs, c’est aussi une industrie. » Si la plupart des studios s’en tiennent à la seconde partie de la sentence de Malraux — et s’abîment en gobant avec voracité les ultimes œufs d’or de leur poulailler de plus en plus dépeuplé (coucou Disney) —, il en est d’autres moins court-termistes qui persistent en conciliant diversification du catalogue, audaces créatives et entretien du fonds… tout en accueillant les auteurs éjectés par les concurrents. C’est le cas notamment d’Universal — actuelle “maison” de Christopher Nolan, Paul Thomas Anderson, Jeff Nichols… — prouvant avec ce Nosferatu que l’on peut en un même film cocher toutes les cases d’un coup. 

Sang mêlé

Pari osé, cette nouvelle résurrection d’un classique du muet se trouve à des des degrés divers en adéquation avec son sujet. D’abord parce qu’il s’agit d’un “non-mort”. Ensuite parce qu’un remake comme une adaptation ne saurait vivre sans se nourrir d’une création préexistante, il serait tentant de voir dans l’exercice de Robert Eggers une transposition métaphorique du “parasitisme vampirique” obligatoire. Mais à l’instar d’Orlock convoitant Ellen, le cinéaste pourrait invoquer une pulsion, voire un amour incoercible pour l’œuvre, l’ayant conduit à en proposer sa version. 

D’ailleurs, de quelle œuvre-source s’agit-il ici ? Là où Murnau avait truandé Bram Stoker pour ne pas avoir à payer de droits en portant son roman à l’écran, Eggers a moins de scrupules à éprouver, Dracula et Nosferatu étant tombés dans le domaine public. Il effectue de fait une double adaptation, croisant les deux matériaux, hybridant le référent littéraire de base — on n’a d’ailleurs rarement vu restitution plus fidèle de la physionomie du vampire en son château transylvanien — et le substrat filmique originel. Le parti-pris s’avère fécond puisque Eggers accouche d’un “néo-expressionnisme gothique” empruntant à la grammaire du muet, incorporant à dessein des phases ou des fragments monochromes représentant les moment où Orlock a l’ascendant et exerce son empire sur les personnages à travers l’onirisme. Plastiquement saisissant, l’effet laisse la même impression qu’au sortir d’une nuit blanche ou blême. C’est dire s’il touche juste.

Ami et anémie 

Quelques réserves malgré tout. Comme toute relecture, ce nouveau Nosferatu passe sous les fourches caudines de son époque. On se souvient Coppola faisait dans son Dracula un lien entre vampirisme et empoisonnement du sang — nous étions en 1992 et l’épidémie au VIH faisait rage. Eggers quant à lui joue avec un peu d’ostentation la carte du consentement et d’un féminisme rétrofuturiste. Ainsi, la possession vampirique d’Ellen ressemble aux cas d’hystérie documentées par Charcot à la même époque ; las, le médecin qui la suit la maltraite au lieu de la traiter. Plus surprenant,  Orlock refuse de s’approprier le corps et l’âme d’Ellen sans son accord : s’il vient à elle, c’est parce qu’elle l’a sorti (malgré elle) de son repos et il lui faut un contact en bonne et due forme pour “consommer“ leur union !

Et puis il y a un problème de rythme affectant le dernier tiers d’un film se diluant un peu trop dans une sa propre fascination et succombant au “mal du siècle” : une durée excessive. Cerise sur le tombeau, la tonalité élégiaque de Nosferatu mène vers une fin tragique, sans réel crescendo et anti-spectaculaire au possible — donc susceptible de déconcerter des spectateurs formatés par les canons du cinéma d’épouvante. Là réside peut-être une source d’effroi imprévue, plus terrible encore que l’apparence de Bill Skarsgård…

Nosferatu de Robert Eggers (E.-U., 2h12) avec Bill Skarsgård, Nicholas Hoult, Lily-Rose Depp, Aaron Taylor-Johnson, Emma Corrin, Ralph Ineson, Simon Mcburney, Willem Dafoe… En salle le 25 décembre 2024.

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My Sunshine de Hiroshi Okuyama 

L’hiver au Japon. Alors qu’il est de coutume que les garçons fassent du hockey et les filles du patinage artistique, le jeune Takuya est fasciné par la belle Sakura au point de l’imiter dans ses enchaînements. Détectant le potentiel de leur duo, l’entraîneur de la petite championne leur propose de se préparer ensemble à une compétition…

Comme une fabulette poétique saisonnière, ou un haïku cinématographique, My Sunshine est de ces petites formes peu bavardes où le spectateur est davantage incité à éprouver, à partager le ressenti des protagonistes. Un exercice d’émotion et de sensorialité où l’on retrouve cet éloge de la contemplation que Wenders avait su si bien illustrer dans Perfect Days à travers le komorebi.

Si l’intrigue est mince, elle doit aussi se mesurer à la hauteur du protagoniste pour qui elle constitue l’un des événements fondateurs de son existence : un premier amour, une rencontre avec la grâce… ainsi que la première déchirure sentimentale. Hiroshi Okuyama ne superlative rien, mais fait de son film un écrin où tout semble neuf au regard — notre position d’occidental face à la culture nippone aide sans doute à apprécier les choses avec davantage d’ingénuité. En parallèle, My Sunshine montre l’emprise du déterminisme et des habitudes sur les enfants japonais — mais n’en va-t-il pas de même sous chaque latitude ?

Riche de sa pudeur et de son économie verbale, My Sunshine parlera sans doute beaucoup à chacun à travers son silence. Les images parfois sont terriblement loquaces.

My Sunshine de Hiroshi Okuyama (Jap.-Fr., 1h30) avec Sosuke Ikematsu, Keitatsu Koshiyama, Kiara Nakanishi… En salle le 25 décembre 2024.

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Le Déluge de Gianluca Jodice 

France, 1792. Alors que la Révolution française bat son plein, la famille royale est transférée au donjon de la Tour du Temple. Fataliste, Louis XVI se soumet aux nouvelles lois et à son destin mais Marie-Antoinette peine à accepter la perte de ses suivants, de son rang voire davantage…

Lorsque le roi déchu descend de son carrosse, on est surpris d’emblée par l’étrange mine qu’arbore Bruno Magimel… Rien d’étonnant en définitive puisqu’il s’agit de Guillaume Canet, affublé entre autres prothèses, d’un fort nez bourbonien lui donnant de faux-airs de Nicolas Beytout croisé avec Guillaume Roquette, en version bouffie. Au-delà de la plaisanterie, ce parti-pris interroge sur l’intention première du cinéaste : à quoi bon faire oublier le visage de son interprète derrière des kilos de latex (trop) visibles et l’espoir d’une ressemblance avec le modèle historique, lorsqu’autant d’artifices viennent interférer ? Car Le Déluge s’intéresse moins au spectaculaire du mimétisme et de la reconstitution qu’à la retenue et à l’intime — Gianluca Jodice se situant davantage dans la filiation de Bresson que de Guitry. 

L’intime, c’est aussi l’étude de la divergence des regard face à la situation : la résignation presque tranquille du roi bientôt débarrassé d’un fardeau dont il n’a jamais voulu ; la résistance arquée de la souveraine se refusant à subir l’humiliation de la perte progressive — et inéluctable — de ses privilèges. Sa discordance cognitive qui lui fait accepter d’être un symbole lorsqu’il renvoie à la puissance mais refuser d’être déposée (puis châtiée) pour les même raisons et, pire que tout, lui fait découvrir son essence humaine. 

Une séquence, particulièrement édifiante, la montre interroger le valet Cléry sur la manière dont les femmes “ordinaires” s’occupent de leur ménage ; s’il est difficile d’apprendre à faire la cuisine… Grande s’avère la tentation de transposer cette situation aux giga-héritiers contemporains comme aux techno-addicts incapables de se débrouiller par eux-mêmes, sans l’assistance d’une armée de laquais humains ou numériques. Le passé instruit toujours le présent.

Le Déluge de Gianluca Jodice (Fr.-It., 1h45) avec Guillaume Canet, Mélanie Laurent, Aurore Broutin, Fabrizio Rongione… En salle le 25 décembre 2024.

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