C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart 

Si Fred et Marguerite se sont jadis mariés à l’église et sont devenus les parents de Léa, ils ont depuis divorcés et refait leur vie — enfin, pour Marguerite qui vit désormais avec Sofiane, le père de sa seconde fille Raphaëlle. Mais voilà que Fred souhaite épouser Chloé, chrétienne fervente, qui n’envisage pas d’union sans passer devant un prêtre. Pour pouvoir convoler selon ses désirs, il n’y a qu’une option : obtenir l’annulation solennelle des noces entre Fred et Marguerite. Une démarche très sérieuse loin d’être une formalité, qui va remuer tout un passé commun et conduire les requérants à plaider jusqu’au Saint-Siège…

Si l’on réduit la comédie à un enchaînement de gags ou de situations destinées à provoquer le fou-rire,  C’est quoi l’amour ? peut faire figure de Grand Prix inattendu pour le Festival de la comédie de l’Alpe d’Huez. En réalité, il semble conforme à la ligne se dégageant des palmarès (et donc des sélections)  précédents puisqu’on y suit l’aventure rocambolesque d’une famille qui ne l’est pas moins — mais toutes le sont un peu — parvenant à une réconciliation général au terme d’un voyage ou d’un road trip. Comme si le besoin d’apaisement, de concorde dans le premier cercle était devenu le nouveau graal. Voilà qui en dit long sur l’état d’un monde si plein de bruit et de fureur qu’il enjoint de se replier sur ses fondamentaux.

Tout juste

La famille, justement, Fabien Gorgeart ne l’aborde pas en dilettante : elle se trouve au cœur de ses trois longs métrages, à travers le rapport à la gestation, à la parentalité et désormais au couple comme à la recomposition du noyau familial. Sa définition n’est pas restrictive aux liens du sang, mais ouverte, et généreuse. Ici, il invente même le concept de “comédie de démariage” pour parvenir à exalter la force des liens choisis, complémentaires de ceux reçus par l’hérédité. Ou comment la formalisation officielle  d’une séparation permet de formuler l’indicible de l’attachement : n’est-ce pas là la meilleur réponse à la question posée par le titre ?

Mais ce qui rend surtout cette histoire attachante, c’est l’adéquation entre la troupe et la “méthode” du réalisateur qui laisse à ses comédiens suffisamment d’espace de jeu pour habiter leurs personnages et donner l’illusion d’un naturel non frelaté. Cela fonctionne d’autant mieux avec des interprètes prompts à spontanéité (telle Laure Calamy) ou à l’intranquillité (comme Vincent Macaigne). L’association des deux est féconde ; quant aux scènes de (grands) groupes, rares sont les metteurs en scène à savoir les mener avec un tel brio. Cette vérité à l’écran n’est pas le fruit du hasard, mais diablement travaillée ; elle a le mérite d’offrir cet inestimable sensation au spectateur : la justesse.

C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart (Fr., 1h48) avec Laure Calamy, Vincent Macaigne, Lyes Salem, Mélanie Thierry, Céleste Brunnquell, Saül Benchetrit, Grégoire Leprince-Ringuet, Jean-Marc Barr, Aurélia Petit… Sortie le 6 mai 2026.

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Mon grand-frère et moi de Ryōta Nakano 

Riko apprend par téléphone la mort brutale de son grand-frère, avec lequel elle avait rompu les ponts depuis des années. Bien que peu émue, elle se résout à partir exécuter les formalités funéraires. En compagnie de son ex-belle sœur, elle accomplit une somme de corvées rituelles qui, peu à peu, la rapprochent de son frère défunt mais aussi du fils de ce dernier qu’elle ne connaissait pas…

Révélé au grand public français par la comédie douce-amère La Famille Asada (2020) — portrait de groupe d’une tribu fantasque valsant entre les périodes, les petits tiraillements du quotidien et les grandes ruptures de l’existence — Ryōta Nakano revient en terres de connaissance : cet intime universel de la famille qu’il chronique à merveille, à l’instar de ses compatriotes Kōji Fukada ou Hirokazu Kore-eda. S’il suit ici le cheminement très formel de l’organisation de funérailles ainsi que les tâches concrètes et/ou administratives que Riko doit accomplir pour solder la “présence terrestre” de son frère, son film propose en parallèle une trajectoire moins orthodoxe, empruntant à l’imaginaire. 

Apaisés

Paradoxalement, c’est en effet grâce à l’absence de son aîné que Riko peut renouer avec lui, en explorant ses souvenirs. Le ressentiment n’ayant plus lieu d’être, elle laisse de côté les travers de l’adulte inconséquent pour exhumer certains hauts faits accomplis à son endroit par l’enfant qu’il fut. D’ailleurs, les surgissement fantomatiques du défunt dont elle est témoin sont autant des pieds-de-nez goguenards du défunt que des incitations à aller chercher au-delà des apparences, à ouvrir les yeux différemment sur le réel. Conte métaphorique sur des réconciliations post-mortem scintille de délicatesse autant que de sororité fraternelle. De la résilience pure mise en images, avec en sus un dénouement surprenant.

Mon grand-frère et moi (兄を持ち運べるサイズに) de Ryōta Nakano (Jap., 2h07) avec Ko Shibasaki, Joe Odagiri, Hikari Mitsushima, Himeno Aoyama, Yota Mimoto… Sortie le 6 mai 2026.

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“Avignon”, “Enzo” en salle le 18 juin 2025

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Sauvons les meubles de Catherine Cosme 

Photographe indépendante épousant tous les clichés du parisianisme, Lucille est appelée au chevet de sa mère dont la santé est préoccupante. Sur place, dans son village d’enfance, elle y retrouve Paul, son frère, et découvre non seulement que sa mère est à l’article de la mort mais que, surendettée, elle a des années durant escroqué sa famille. Se posent alors de douloureuses questions morales et affectives, qu’il va falloir trancher avant qu’il ne soit trop tard…

Parce qu’il induit inconsciemment on ne sait quel second degré souriant, le titre ne rend pas forcément justice à ce film penchant du côté dramédie, et abordant des thèmes plutôt repoussoirs. Entre la préparation au deuil de ses ascendants, la découverte du fait qu’ils ont menti et/ou abusé de leurs enfants et la nécessité d’intenter une action en justice pour se protéger d’eux, on frôle le sublime question tabous sociétaux. Imaginez le concentré de dilemmes personnels, de rancœurs réciproques et de jalousies susceptibles d’être alimentés par cette mécanique ; vous serez encore en-dessous de la vérité.

Compte sur moi !

Sans doute cela tient-il à la discordance émotionnelle subie par les personnages confrontés à deux situations réclament des réactions contradictoires : d’un côté l’agonie de la mère exigea de l’apaisement ; de l’autre la découverte anthume de son “héritage” empoisonné exacerbe les tensions. Déjà paradoxale car faite du vivant de la principale concernée, cette veillée mortuaire ressemble à ces films famille se déroulant à Noël où les commensaux s’écharpent autour de la dinde. Là, c’est moins glamour puisqu’il c’est en épluchant des traites à la pelle et une comptabilité défaillante.

Dans ce drôle de film pas drôle, la distribution contribue à maintenir cet équilibre étrange : outre le père débonnaire et fuyant campé par Jean-Luc Piraux, Yoann Zimmer en Paul lunatique, il y a Vimala Pons, impeccable comme toujours. Au départ pimbêche arty de la captiale, Lucille se défait progressivement de ses oripeaux pour retrouver sa vraie identité. Certes, la charge est un peu lourde, mais elle est à l’aune du du portrait fait en retour de certains des villageois, bien croquignolets. À noter en ouverture la participation inattendue de Benoît Hamon.

Sauvons les meubles de Catherine Cosme (Fr.-Bel.-Sui, 1h26) avec Vimala Pons, Yoann Zimmer, Guilaine Londez… Sortie le 6 mai 2026.

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Cinque secondi de Paolo Virzi 

Pourquoi Adriano, avec ses airs de hobereau, a-t-il choisi de s’installer à l’écart de tout, dans la dépendance délabrée d’une demeure ayant connu de meilleurs jours ? Avocat de renom miné par un drame intime, il s’inflige une repentance dans une solitude qu’une communauté vient troubler en s’installant dans la maison de maître voisine. À sa tête, Matilde, héritière en titre de ce domaine abandonné qu’elle entend bien faire revivre malgré l’expropriation. Entre l’homme cabossée et l’aristocrate libertaire, un modus vivendi s’établit…

La partition est connue : un vieil ermite enfermé dans sa douleur ou son aigreur, trouve enfin la paix grâce à l’impétuosité d’une jeunesse plus ou moins insolente. Trois couleurs : Rouge (1994) de Kieslowski, À la rencontre de Forrester (2001) de Gus Van Sant, Grand Torino (2008) de Clint Eastwood ne racontent pas autre chose. Histoire d’une culpabilité et d’une résilience en apparence impossible,  Cinque secondi dissimule la raison de l’exil intérieur d’Adriano au plus profond du film au point qu’elle en devient, sinon secondaire, presque annexe. Virzi montre que l’on ne peut réduire ce personnage en quête de rédemption au drame familial indicible dont il est le responsable — drame qui s’est joué à cinq secondes.

Valierio e Valeria

Si un procès va occuper le dernier tiers du film, l’histoire dans son entièreté renvoie à la question du jugement. À l’importance de lutter contre les a priori ou au fait que des circonstances particulières puissent infléchir un verdict. Ainsi Adriano va-t-il finir par comprendre le mode de vie et le combat  mené par la squatteuse (voire lui prêter main forte à l’occasion) ; sans doute doute projette-t-il dans cette jeune femme davantage que ce qu’il veut bien l’avouer. Cinque secondi est un aussi un portrait des défenseurs (les avocats font profession de l’être) sans lesquels il ne peut y avoir de victoire ni de justice. Et surtout, de tous ces soutiens indéfectibles qui donne plus qu’ils ne reçoivent en échange.

Etonnamment moins diffusé dans les grands festivals étrangers que nombre de ses confrères ou consœurs transalpins, Virzi demeure un cinéaste passionnant ; ne serait-ce parce qu’il construit des personnages complexes, pétri de contradictions et de souffrances mais dont les failles sont autant de reliefs d’humanité. Et il n’est pas défendu de penser que leur épaisseur  doit à la relation de fidélité que le réalisateur a su créer avec ses comédiens fétiches, Valerio Mastandrea et Valeria Bruni Tedeschi. D’autant plus émouvants ici qu’ils forment un couple platonique (et encore, à sens unique).

Cinque secondi de Paolo Virzi (It., 1h45) avec Valerio Mastandrea, Galatea Bellugi, Valeria Bruni Tedeschi… Sortie le 6 mai 2026.

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Pour le plaisir de & avec Reem Kherici 

Depuis vingt ans, Fanny et Tom vivent heureux. Enfin, pas tout à fait puisque Fanny, sur les conseils de sa psy,  révèle à son époux éberlué qu’elle n’a jamais connu le plaisir physique. D’abord déconcerté, celui-ci réagit rapidement en décidant de fabriquer LE sex-toy idéal. Avec amour et acharnement, il se met au travail, enchaînant prototype sur prototype… au mépris du qu’en-dira-t-on. 

« Mon Dieu, quel bonheur ! D’avoir un mari qui bricole » chantait Patachou, sans se douter combien les paroles (de Brassens) auraient pu convenir au personnage interprété ici par Alexandra Lamy. Cela dit, celles de La Java des bombes atomiques de Boris Vian — « Mon oncle, un fameux bricoleur/Faisait en amateur des bombes atomiques/Sans avoir jamais rien appris/C’était un vrai génie question travaux pratiques » —  pourrait également habiller ce film composite. À la fois biopic (puisqu’il assume s’inspirer du parcours des inventeurs allemands du Womanizer) et comédie sentimentale au sous-texte didactico-militant, Pour le plaisir a certes des ambitions louables.

Sérieux comme le plaisir

Parler cru et cash de ces sujets en évitant la gaudriole lourdingue ou le pensum culpabilisant s’avère un défi en soi, Reem Kherici le relève avec élégance, bien aidée par ses interprètes dont l’investissement est manifeste. Et bien qu’un peu trop forcé, son portrait multigénérationnel s’avère assez opérant dans la mesure où il permet des situations de comédies fécondes. Toutefois, le scénario aurait pu s’abstenir de certaines scories telles que l’hypocondrie du personnage de Tom (sans intérêt ni utilité). Quant au traitement surexposé de l’image de type “fromage blanc“, il dessert globalement l’esthétique du film en lui conférant une atmosphère de mauvais soap tourné en studio. Un vrai tue-l’amour…

Pour le plaisir de & avec Reem Kherici (Fr, 1h35) avec également Alexandra Lamy, François Cluzet, Delphine Baril, Camille Aumont Carnel, Mitty Hazanavicius, Kyan Khojandi, François-Xavier Demaison… Sortie le 6 mai 2026.

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Entre le désir d’une comédie sur un sujet de société et un biopic, quel a été le point de départ de Pour le plaisir ?

Reem Kherici : Les deux sont liés. Le sujet sur les deux créateurs du Womanizer existait et on m’a proposé le fil. Mais à ce moment-là, ce sujet ne m’intéressait pas. J’ai décidé d’aller creuser plus en profondeur pour savoir quel pouvait être le lien et l’adéquation entre le sujet et moi. Evidemment, je suis une femme — pas une femme libérée, bien que j’aie fait ce film. Je suis assez pudique, issue d’une éducation assez conservatrice. Pouvoir avoir une réflexion sur ce sujet, et savoir à quel point il avait une résonance pour moi et mes sœurs, ça m’a donné l’envie de mettre le pied à l’étrier, de travailler le sujet, de comprendre qu’en fait, j’étais pleinement concernée. Non que je sois anorgasmique, mais parce que c’est un sujet tabou et nécessaire pour nous les femmes, pour vous aussi les hommes.

Je me suis demandée à quel moment j’allais pouvoir créer un pont élégant, sincère et drôle — parce que je pense que l’humour est un vecteur de transmission — qui dédramatise souvent les sujets profonds. C’était l’obligation absolue pour moi. D’une part parce que je suis maman et à aucun moment je n’ai envie que mes enfants un jour ne soient mal à l’aise parce que j’ai traité ce sujet — bien que je ne sois pas l’actrice principale. D’autre part, parce que je suis femme et qu’au nom des femmes, il était pour moi important de montrer une certaine forme de respect — donc de non “trashitude”. On parle de notre plaisir et ce n’est pas sale, ni honteux, ni malaisant. 

C’est-à-dire ?

J’aurais été incapable de pouvoir filmer quelque chose de malaisant parce que ça l’aurait été pour le public. Or, je mets le public en premier lieu dans ma construction de personnage, dans l’empathie qu’on peut avoir. Je n’ai pas envie de mettre mon public mal à l’aise. Au contraire : ce film a pour but de libérer la parole. Et si ça met mal à l’aise, ça va entretenir un tabou. Alors que si on se rend compte qu’on est capable de parler de manière élégante et avec humour d’un sujet aussi important, un sujet millénaire, là, il y a un point intéressant pour moi en tant qu’artiste.

S’agit-il d’une forme d’éducation sexuelle pour adultes ?

On peut le voir comme une forme d’éducation sexuelle, je n’aurais pas cette prétention. Je dirais que c’est une forme de divertissement… allez, éducatif !

Pourquoi n’interprétez-vous pas le rôle principal ?

J’avais envie de filmer la femme avec précision, amour et quand même de la sacraliser. Mon ego n’est pas assez démesuré pour me filmer dans ce genre de circonstances ! Malgré tout, j’ai aussi une certaine pudeur. Même si mon personnage n’est pas dénudé, je pense que jouer cela et être en même temps le metteur en scène du film m’aurait mise un peu mal à l’aise vis-à-vis de mes chefs de postes. Donc j’ai décidé de ne pas camper le premier rôle par pudeur, par précision et parce que j’avais envie vraiment de mettre mon actrice sur un piédestal. Ça aurait été peut-être un peu trop prétentieux si ça avait été moi. 

Avez-vous eu du mal à convaincre vos deux comédiens principaux ?

Pas du tout. Quand j’ai proposé le rôle à Alexandra Lamy, elle a décroché le téléphone : « écoute, j’ai très envie de travailler avec toi, mais je suis prise jusqu’à 2026. » Je lui ai dit : « lis le scénario, il y a des histoires qui ne peuvent pas attendre d’être racontées. » Elle m’a appelée quelques heures plus tard : « On est dans la merde, il va falloir qu’on trouve une solution pour tourner très vite ! » François Cluzet, qui est un vrai féministe, a a tout de suite été interpellé par le sujet. Il a tout de suite senti qu’il il y avait quelque chose de moderne et de nécessaire. Sa femme, Narjiss Cluzet, a énormément appuyé en disant : « François, tu ne peux pas passer à côté de ce film qui est nécessaire en 2025 ».

Vous montrez la fille du couple plus coincée que ses parents. Est-elle représentative d’une génération moins à l’aise avec les choses du sexe ou bien gênée que ses parents accèdent à une forme de libération ?

Selon moi, peu importe l’âge qu’on a : on a tous une sexualité et une approche de la sexualité très différentes. Cela vient de l’éducation, de notre histoire personnelle… Dans le cas précis de Mitty Hazanavicius qui joue le rôle d’Elsa, elle est très mal à l’aise par rapport à ses parents. Même si on est clairement issu d’un rapport sexuel, on n’a pas envie d’avoir de détails.

À travers Pour le plaisir, j’ai voulu dresser plusieurs portraits de femmes et chaque femme dans le film a une sexualité différente : Camille, qui joue la caissière à la FNAC, est assez libérée, assez cool, pas vulgaire ; la sœur d’Alexandra Lamy, qui a pourtant reçu la même éducation qu’elle, s’est construite probablement en opposition à sa sœur ou à sa mère… En fait, on est chacun des individus et on a chacun notre forme de penser. C’était justement très important pour moi d’avoir des femmes de couleurs, d’origines, de sexualité et d’âges différents, Et c’est mon rôle en tant que metteur en scène de mettre en lumière les femmes dans leur beauté, leur différence, leur folie. Ce film est un joli portrait de femmes malgré tout, au-delà d’être le portrait d’un couple.

La mère du personnage joué par Alexandra Lamy apparaît par ailleurs très psychorigide…

Elle est conservatrice. Comme beaucoup de mamans, elle a voulu éduquer des filles de bonne famille — et “être de bonne famille“, ça veut dire que ce ne sont pas des “filles faciles“ — par extension, qu’elle devrait peut-être attendre le mariage pour coucher. En tout cas, on imagine que la mère est née en 1940, donc en 1960, c’était vraiment ces croyances et ce qu’elle va faire croire à ses filles. C’est un vrai sujet, la transmission : quelles sont nos croyances et comment on peut casser ces schémas. 

Ça m’a beaucoup questionnée aussi sur ma liberté — et je ne suis pas libre. Je sais pas si je suis contente de pas être libre ; je sais pas si j’aurais pas préféré être un peu plus légère, avoir une éducation un peu plus cool, moins de prise de tête, plus dans le lâcher prise, dans le plaisir. En vrai. Pourquoi s’interdire le plaisir, pourquoi le juger ? C’est des vraies questions que je me suis posée en écrivant ce film et ce film m’a fait beaucoup de bien parce que je me suis vraiment moi-même remise en question sur mes propres croyances. Ça ne se fait pas en deux secondes ; ce n’est pas parce que j’ai envie d’y croire que je suis légère demain : ça prend du temps, ça prend un film, ça prend des débats avec vous….

Les personnes qui me connaissent bien arrivent à lire comme un livre ouvert dans mes films (…) je peux dire que ce sont mes bébés, je les aime profondément (…) Je peux être une lionne sur un plateau (…) ou en promo, où je veux accoucher de ces bébés et qu’ils soient beaux, aimés et respectés.

Reem Kherici

Construire et jouer un personnage de psy comme celui de Pour le plaisir doit être très jouissif… 

La psy que je joue, c’est finalement la réalisatrice que je suis, c’est-à-dire quelqu’un qui va décider d’aborder un sujet, d’expliquer la thématique à un personnage qui est Alexandra — par extension, le public — et qui ne sait pas trop quel est le sujet. En campant le personnage de Victoria, qui dit qu’il faut que la parole se libère, qui explique pourquoi les femmes peuvent être anorgasmiques ou mal à l’aise avec ce sujet-là, c’est finalement moi, la réalisatrice, qui prend la parole.

En ayant quelque chose de complètement exubérant…

Mais je le suis dans la vie ! (sourire) Pour vous dire la vérité, dans chaque film, il y a des objets de décoration qui viennent de chez moi. Donc, chez la psy, il y en a beaucoup et je peux vous garantir qu’il y a des statues personnels… Les chefs déco débarquent chez moi tout le temps ; ils le savent, c’est ma manière de me sentir bien. Ils viennent avec des cartons, mon appart est vidé : des coussins ou des plantes partent… Je joue avec mon propre stylo à plume. Ça m’aide à être vraie. Je suis aussi assez animale ; c’est une manière de marquer mon territoire, probablement.

Tous mes films sont, d’une certaine manière, une sorte de thérapie. J’ai besoin d’infuser une histoire et elle doit avoir une résonance personnelle avec moi. Les personnes qui me connaissent bien arrivent à lire comme un livre ouvert dans mes films ; il y a des sous-textes tout le temps. C’est ce qui peut aussi créer la sincérité d’un propos et surtout l’envie de défendre un projet pendant 3, 4 ou 7 ans comme Chien et Chat. Il faut que ça vienne des tripes. C’est là que je peux dire que ce sont mes bébés, je les aime profondément. Comme pour mes fils, je peux être une lionne sur un plateau et me battre pour quelque chose. Ou en promo, où je veux accoucher de ces bébés et qu’ils soient beaux, aimés et respectés.

Avez-vous rencontré les créateurs du Womanizer, Michael et Brigitte Lenke ?

Probablement dans mes rêves, mais non, je ne les ai pas rencontrés. J’aurais bien voulu. mais l’occasion s’est pas présentée. Pour avoir vu leur interview, j’ai l’impression que ce sont des gens hyper cool, et qu’ils vont dire : « Scheiße, c’est vraiment drôle ! » Je serais curieuse de boire un café avec eux, de rien comprendre à ce qu’ils me disent, mais de sentir par le body language qu’ils sont contents. De toute façon, ça ne peut être que des gens très cool pour avoir créé cette invention. 

Pour le plaisir de & avec Reem Kherici (Fr, 1h35) avec également Alexandra Lamy, François Cluzet, Delphine Baril, Camille Aumont Carnel, Mitty Hazanavicius, Kyan Khojandi, François-Xavier Demaison… Sortie le 6 mai 2026.

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Juste une illusion de Olivier Nakache & Éric Toledano

1985. Une famille ordinaire de la banlieue parisienne dont Vincent, 13 ans, est le benjamin. Pendant que son frère aîné s’affranchit gaillardement de la tutelle parentale, que son père peine à dissimuler qu’il a perdu son emploi de cadre et que sa mère s’initie à l’informatique naissante, Vincent entre de plain-pied dans l’adolescence avec ses mystères, ses bonheurs éphémères et ses nouvelles angoisses liées à la vie, l’amour, la mort — comme dans un film de Lelouch. Un âge où il faut paraître avant d’arriver à être…

« Cette histoire est vraie, mais elle s’est passée il y a bien longtemps, quand vos grands-parents étaient encore des enfants… A cette époque, des charrettes et des fiacres roulaient dans les rues, et quand une auto arrivait, on l’entendait venir de bien loin (…) C’est pour vous dire que le monde change vite… » Voilà comment Marcel Pagnol présente ses Souvenirs d’enfance écrits en 1957, soit un peu plus de quarante années après qu’il les a vécus.

À des poussières près, c’est le même écart temporel qui sépare la date de sortie de Juste une illusion de l’époque à laquelle il est fait référence, contemporaine de l’adolescence des ses auteurs. S’il n’y a certes plus de fiacres dans les rues, la différence entre leur “jadis” et notre “aujourd’hui” n’en demeure pas moins vertigineuse : il suffit d’observer l’emprise du numérique dans nos existences pour mesurer combien ce XX^e siècle pas si lointain appartient à une autre ère. Voire à un Moyen Âge !

La nostalgie, camarades ?

Réfutant toute forme de nostalgie, Nakache & Toledano livrent une chronique de ces années 1980 sans idéaliser quelque âge d’or que ce soit — fût-il celui de leur prime jeunesse. À la fois intérieur et lucide, leur regard rétrospectif embrasse les moindres gestes de leur jeune héros tout autant que les mouvements de son entourage. À l’écoute de ses propos également, ils ne perdent pas non plus une miette des bruits de fond — en particulier du tapis sonore (et musical) donnant paradoxalement une consistance cette évocation. Travail d’orfèvre, d’ailleurs, que cette minutieuse restauration de l’époque qui sonne juste puisqu’elle est, comme tout artifice cinématographique réussi, invisible.

Alors, de quoi Juste une illusion est il le nom ? De cette fin de l’enfance où l’on se rend compte de l’abîme qui s’ouvre devant soi, de la conscience de la perte ? De la prise de conscience des grandes questions qui taraudent l’existence et que l’insouciance des premiers âges occultait ? D’un espoir — appelé à être déçu — en une communion irénique entre les peuples matérialisée par les badges de SOS Racisme ou d’une foi en ces miraculeux ordinateurs susceptibles de procurer de nouveaux emplois et ainsi conjurer le chômage galopant ? De tout cela, encapsulé dans une comédie à la fois tendre, malicieuse et grave. 

Face A/Face B

Depuis toujours, l’écriture de Nakache & Toledano tient du grand art voire de la composition symphonique. D’ailleurs, si chacun de leur film paraît si équilibré, n’est-ce pas parce qu’il ressemble à une note ? Autour de la “fréquence fondamentale” (le genre comédie), les “harmoniques” (en l’occurence, les sous-thématiques du récit que sont l’enfance-adolescence, le couple, la religion, l’amour, la famille, l’évolution, le mensonge etc.) s’enroulent et se déclinent entre les personnages, tout en se faisant miroirs objectifs du contexte social choisi. Exemples les plus évidents, Nos jours heureux (2006), Tellement proches (2009), Le Sens de la fête (2017) ou Hors normes (2019) ne procédaient pas différemment. Juste une illusion s’intéresse peut-être ici à une génération spécifique, mais au-delà, comme toujours, ils s’adresse à tout le monde.

Un dernier mot pour évoquer le regain d’intérêt actuel pour ce “lointain“ passé, en particulier dans les comédies… et la diversité d’approches que les années 1980 permettent. Ainsi, Juste une illusion pourrait se considérer comme l’avers sérieux de cette exploration ; une face A pour rester dans le vocabulaire musical. Ce n’est pas pour autant qu’il faudrait se priver de la face B (son inconscient refoulé), surtout qu’elle existe déjà grâce à Jean-Baptiste Saunier & Thomas N’Gijol dans Police Flash 80, qui donne un éclairage complémentaire trash et rigolard sur cette décennie bancale…

Juste une illusion de Olivier Nakache & Éric Toledano (Fr., 1h56) avec Louis Garrel, Camille Cottin, Simon Boublil, Pierre Lottin, Alexis Rosenstiehl, Jeanne Lamartine… Sortie le 15 avril 2026

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La Petite Graine de Colas & Mathias Rifkiss

La trentaine finissante, Denis et Céline vivent ensemble depuis les années lycée. Le bonheur de leur couple est toutefois voilé par un regret : l’impossibilité d’avoir un enfant. Leurs nombreuses tentatives, toutes soldées par des échecs, les poussent — à reculons pour Denis — à demander de l’aide à Piche, un ancien condisciple perdu de vue depuis longtemps. Ignorant le but de cette prise de contact, celui-ci débarque chez eux, bientôt rejoint par sa fantasque fiancée, la pétulante Mégane…

Couleur trompeuse que celle de l’affiche et des premières images de La Petite Graine : le rose bonbon des idylles renverrait ici davantage à la saveur des dragées au poivre, friandises cruelles adaptées à un baptême jamais célébré. Mais cet aplat obsédant, insolent de normalité artificielle, se volatilise rapidement pour laisser place au réel. À une vie de couple en milieu rural que l’absence d’enfant a insidieusement cisaillée… jusqu’à une nuit décisive dans leur maison.

En avoir ou pas

Cœur de ce film jonglant pourtant entre plusieurs registres comiques, cette fameuse nuit lui confère un air de tragédie classique dont il respecte les trois unités : intrigue, lieu, temps. L’absurdité apparente de la quête des personnages (obtenir des gamètes d’un presque inconnu) révèle peu à peu le long chemin de souffrance qu’ils ont parcouru. Un joli morceau de bravoure au passage puisque tout tient sur (et par) la parole, donc grâce au quatuor de comédiens — avec certes quelques brefs renforts de voisins croquignolets. Et si aucune séquence en flashback ne nous détourne de l’instant présent, celui de l’urgence, de la demande, le passé ne se prive pas de faire irruption à l’intérieur du dialogue… ou des monologues. 

Tel celui que déroule une déchirante Louise Massin, premier rôle idéal et révélation stupéfiante, dont la voix mérite d’être davantage entendue. Il fallait une certaine présence pour offrir un contrepoint à la dynamite Delphine Baril ; c’est peu dire que Louise Massin, mélange de retenue et de détermination, l’incarne à merveille : la vérité sourd de son personnage. Certes, elle le “connaissait” déjà pour en avoir interprété une première version (avec Sébastien Chassagne) dans le court métrage La Charge mentale que Colas & Mathias Rifkiss ont tourné juste avant La Petite Graine — et qui vient ici conclure le film. Elle lui donne ici une autre dimension.

Bonnes notes

La vérité, ou la sincérité, est souvent la clef de la réussite d’un film. Autre axiome vérifié par La Petite Graine : un premier long métrage a toujours, au moins partiellement, une origine autobiographique. C’est en effet en puisant dans leur histoire commune que les frères Rifkiss ont trouvé ce sujet, transcendant une blessure en une création et trouvant la grâce de lui conférer de l’élégance. Mais on peut aussi saluer chez eux une autre écriture puisqu’ils ont signé paroles et musiques des thèmes fort différents habillant le film. Du pastiche pop à la nappe contemporaine semi-inquiétante en passant par la ballade romantique, leur éventail se révèle plutôt large. Et les range, aux côtés de Astier, Amenábar, Eastwood ou Carpenter dans le tout petit monde des cinéastes capables de signer leur B.O. Du beau monde…

La Petite Graine de Colas & Mathias Rifkiss (Fr, 1h38) avec Sébastien Chassagne, Louise Massin, Oussama Kheddam, Delphine Baril… Sortie le 15 avril 2026.

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Bagarre de Julien Royal

Marseille, de nos jours. Prototype du bon gars serviable dont on profite facilement, Naïm est doté d’un talent inné pour la baston. Alors qu’il vient de se faire mettre à la porte de chez lui par son ex- et qu’il doit trouver en urgence de l’argent pour soigner sa chienne, il est recruté par Gary, un margoulin “louant” des gros bras à la demande. À l’occasion d’une de ses “missions“, il fait la connaissance de Laetitia, une barmaid qui n’est pas insensible à son charme candide. Mais Naïm est vraiment long à la comprenette…

Sous ses aspects de comédie bas du front visant à valoriser la plastique avantageuse du comédien caréné comme bodybuilder et servant les bourre-pifs au ralenti à des montagnes de muscles anamorphosées par l’impact, Bagarre cache bien son jeu. D’abord parce que le héros n’a rien du justicier invulnérable : il est d’entrée perclus de failles — comprenez, de “défauts” peu compatibles avec son profil. Ainsi, outre son ingénuité (on y reviendra), il possède un champ de vision drastiquement réduit et est affligé de bromhidrose plantaire — ses pieds sentent le reblochon, en clair. Ensuite, parce que Royal et Lyes vont alourdir la barque jusqu’au bout, au point que Naïm finit dans un état à peine imaginable. Une relecture du masochisme cher à Clint Eastwood, mais poussé à son paroxysme.

Naïm le naïf

Toutefois, c’est le côté un peu benêt, trop gentil et serviable du personnage, qui interpelle le plus. D’autant qu’il est conjugué à une incapacité à comprendre les blagues (et surtout le second degré) ; à décoder convenablement les expressions faciales de ses interlocuteurs ; à être, enfin, volontiers idéaliste et à ne pas soupçonner chez ses vis-à-vis de mauvaises intentions même quand tout clignote en fluorescent. Ce profil ressemble à s’y méprendre à celui d’un individu présentant un TSA (trouble du spectre de l’autisme), non détecté, et dont l’entourage abuse. Un entourage loin d’être exempt de travers.

Ainsi Laetitia, le love interest de Naïm est-elle affligée d’un furieux alcoolisme ainsi que d’un talent pour le chant plus que douteux. Et que dire de la vétérinaire (Dr Couffard !), auto-proclamée « un petit peu raciste » en plus d’être vénale ; ou du patron du bar de plage employant Naïm, de son ex profiteuse… En fait, si l’on y regarde bien, tous les personnages pourraient sortir d’Affreux, sales et méchants de Scola (1976), tant le jeu de massacre est général, mais fort bien senti. À la différence de l’odeur des pieds de Naïm.

Sauce samouraï

Aussi étonnant que cela puisse paraître, Bagarre rappelle Little Big Man (1970) de Arthur Penn. Et plus précisément l’une des multiples vies de Jack Crabb, le héros-titre, as inné de la gâchette… qui s’avère révulsé à l’idée d’utiliser son talent pour tuer quelqu’un. Naïm va suivre à peu près la même trajectoire : déjà réticent à se battre “pour rien” (et encore moins à être payé pour cela, il n’y consent que lorsqu’une femme est maltraitée, comme poussé par un instinct de chevalier servant), le mercenaire va promouvoir le dialogue comme alternative à la violence. Voire évoluer en une sorte de Zatōichi en bout de course. Ce n’est pas le moindre des décalages jouissifs et inattendus de cette comédie fourmillant de détails tordus ou tordants…

Bagarre de Julien Royal (Fr, int.-12 ans, 1h37) avec Nassim Lyes, Anaïde Rozam, Audrey Lamy, Ramzy Bédia, Hakim Jemili… Sortie le 15 avril 2026.

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La Corde au cou de Gus Van Sant

Indianapolis, hiver 1977. Tony Kiritsis se présente à l’accueil d’une société de courtage un colis sous le bras. Le patron n’étant pas là, c’est le fils qui le reçoit… et se retrouve pris en otage grâce à un dispositif rudimentaire mais ingénieux. Au bout du rouleau, Tony n’a trouvé que ce geste spectaculaire et désespéré pour faire valoir ses droits auprès du courtier, responsable selon lui de sa ruine. Exigeant des excuses ainsi qu’une rançon, il suscite l’intérêt des médias locaux puis nationaux, déchaînant un débat sur la légitimité de son acte…

N’était l’aspect politique toujours d’actualité — en même temps, il y a peu de chances pour que la rapacité de la finance disparaisse de ce bas monde — on pourrait croire que Gus Van Sant a tourné ce film pour relever à nouveau le défi d’une reconstitution afin d’y apporter des réponses esthétiques et théoriques singulières. Dans le registre des biopics, les familiers de son œuvre se souviendront sans peine de Last Days (2005), évocation (très) abstraite et non officielle des ultimes jours de Kurt Cobain comme du formellement très classique Milk (2008), qui traitait d’un sujet subversif… ou du moins clivant dans le tout venant hollywoodien. Au chapitre des relectures, comment oublier le stupéfiant Psycho (1998), remake absolu et cependant transgressif du slasher matriciel d’Hitchcock ? La Corde au cou doit aussi s’appréhender comme une manière de prétexte.

La même différence

Sans minorer l’enlèvement ni la prise d’otage, c’est sans doute la dramaturgie de l’événement qui intéresse ici surtout le cinéaste ; et tout particulièrement sa retranscription en temps réel dans un espace médiatique encore rudimentaire… et restreint. Il y a un demi-siècle, c’est l’échelon local et la voix de la radio qui priment, pour quelque temps encore, sur la télévision. Kiritsis est le sujet du film mais il est aussi un sujet pour la jeune journaliste-reporter qui couvre l’affaire (et en use comme d’un marche-pied professionnel) ; il l’est aussi pour la star des ondes d’Indianapolis qui le fait parler à l’antenne. Audience et notoriété : chacune des parties partage les bénéfices de cette exposition.

Dernier aspect “ludique” pour Van Sant : la tentative de fabrication à l’identique du fait divers, scrupuleuse, au cadrage près comme le prouvent les archives en fin de film. Même grain pour les images vidéo d’époque, même dépouillement général à l’image — en cela, on retrouve comme dans le récentThe Mastermind de Kelly Reichardt un paysage urbain d’une frappante sobriété, c’est-à-dire encore épargné par la sur-saturation publicitaire et médiatique. En jouant sur l’identique, le réalisateur nous alerte ainsi sur le différentiel : autrement dit, tout ce qui a changé dans les apparences induit de réfléchir sur ce qui peut avoir muté dans les mentalité de la société, notamment en ce qui concerne l’appréhension de l’injustice sociale. Et là, on pourrait être étonné…

La Corde au cou (Dead Man’s Wire) de Gus Van Sant (É.-U., 1h44) avec Bill Skarsgård, Dacre Montgomery, Cary Elwes, Myha’la, Colman Domingo, Al Pacino… Sortie le 15 avril 2026.

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La Petite Graine naît d’un court métrage, La Charge mentale. Mais aussi — et surtout — d’un sujet très personnel qui aurait pu aboutir à un drame. Cependant, vous avez choisi la voie de la comédie d’auteurs… 

Colas Rifkiss : Ça renvoie à l’ironie de la vie.. La Charge mentale était sur l’injonction au couple, à la famille considérée comme parfaite à partir du moment où elle a 1,7 enfant. On voulait en parler parce que c’est notre lot quotidien. Parce que dans nos couples respectifs, on n’a pas d’enfants — j’espère qu’un jour, on en aura. Comment gère-t-on cela par rapport à nos amis, au regard social, au mépris politique ? Je pense à la fameuse conférence de presse d’Emmanuel Macron qui demandait que les couples opèrent un « réarmement démographique » dans les villes et les campagnes. 

On l’a pris comme une insulte. Quel mépris pour les gens qui ont des difficultés pour avoir des enfants ! C’est comme leur dire : « soit vous réarmez la France, soit vous ne servez à rien ». Alors, au lieu de se lamenter, d’en chialer, d’en faire un drame, tout cela pouvait devenir un vrai départ d’action de comédie. Souvent, tout ce qui vient d’en haut, politiquement ou socialement, impacte ce qui est appelé “ la France d’en bas“. Donc nous, on parle du bas et on montre comment on voit le haut.

Avec un premier long métrage à ce point intime, vous illustrez le fameux vers d’Aragon : « ce qu’il faut de sanglot pour un air de guitare »…

Mathias Rifkiss : Si on ne devait en faire qu’un, c’était vital de faire quelque chose qui vienne de la chair, du corps, de nos pleurs. Et puis on arrivait à un temps dans notre carrière où on avait fait sept courts métrages. Là on montre ce premier film comme on montrerait notre enfant, ou la photo avec le bracelet et le prénom, celle que tout le monde met sur Instagram.

CR : Oui, c’est une vraie sincérité. C’est notre histoire — même si on n’a pas demandé à quelqu’un qu’il nous donne sa petite graine ! (sourire) On est passés par les mêmes interrogations de ce que ce couple-là, dans nos couples respectifs, dans des moments différents au niveau chronologique. Il a fallu se stabiliser avec des femmes qui comprenaient aussi notre problème.

On voulait que ça soit ressenti. Tous les deux, nous irriguons chaque personnage — même ceux qui nous sont contraires. C’est très important dans la vie de comprendre les réactions de chacun. La Petite Graine, c’est une polarisation de quatre personnages qui réagissent au fait d’avoir un enfant ou pas. Il y en a deux [Louise Massin et Sébastien Chassagne, NDR] qui sont obsédés, et prêts à tout — sauf que tu rends compte qu’il y en a une qui à la fin pas prête à tout ni à perdre son couple ou la sexualité qu’il ya dans son couple… Et l’autre qui est prêt à tout mais le truc qu’il met le plus de temps à perdre c’est sa virilité et d’accepter qu’il ne correspond pas au canon de l’homme moderne.

On a Piche [Oussama Kheddam, NDR] qui au début trouve ça complètement con d’avoir un enfant, surfait et superfétatoire, ça fait perdre du temps c’est chiant, ça fait du bruit… Mais qui à la fin comprend le désir de quelqu’un d’autre : il comprend l’empathie. Et lui qui était seul se recrée un groupe d’amis, une famille qu’il n’avait plus. Le quatrième personnage, Mégane [Delphine Baril, NDR], c’est quelqu’un qui a fait les enfants et qui dit : « non mais je ne referai plus jamais ça, c’est des conneries. Si tu veux être libre et t’offrir une vie ». 

Quatre points de vue différents, voilà ce qui nous intéresse ! Plutôt que les films qui n’ont qu’une voix ou manichéens et versent dans le pathos. Ils vont dire : « ne pas avoir d’enfants c’est le drame d’une vie, point » En fait c’est tellement versatile, c’est tellement complexe ! Souvent, on reproche à la comédie d’être souvent très binaire avec des gags qui vont que dans un sens. Nous, on essaie à chaque fois d’avoir une polarisation de personnages qui explorent chaque partie de la thématique. 

MR : C’était vraiment le point de départ, avant même la première version dialoguée. Quand tu travailles sur ton plan tu affiches les personnages, leur passé, leur passif… Tu ne sais pas si tu vas l’utiliser mais c’est important de brosser qui ils sont et souvent quand tu as très bien fait ce travail-là, un truc assez amusant s’opère : ils parlent tout seul dans les scènes..

Plusieurs personnages de La Petite Graine existaient donc déjà dans votre court La Charge mentale. Mais celui-ci était—il dès l’origine une préfiguration du long, avec l’idée qu’il en serait la postface ? 

MR : Pas tout à fait. Comme on l’a exprimé, ce sujet nous travaillait de toutes façons et il aurait pu prendre une toute autre forme sur un long métrage. Mais il s’est passé deux choses dans la fabrication du court métrage : on a trouvé ces personnages, ce couple-là. Et le film a trouvé son public de manière incroyable avec une soixantaine de festivals, et une quarantaine de prix — du public et surtout d’interprétation pour les deux comédiens. Nous revenait cette chose-là : « c’est des corps qu’on ne voit jamais, c’est génial. » Là, on s’est dit : « ok, on a fait plus qu’écrire des bios de chaque personnage, on les a déjà fait vivre, donc on les connaît. »

La Charge mentale avait été fait avec peu d’argent par rapport au budget d’autres courts autour de nous (et même de ceux qu’on avait faits auparavant). À la fin de sa carrière, il avait gagné de petites enveloppes — achat par Canal+, prix à la qualité du CNC, prix dans des festivals… On s’est retrouvés avec le producteur on s’est dit : « ne touchons pas à cet argent, on met un peu de côté, ça peut servir plus tard », au lieu de partir de zéro et de faire trois ans de développement, trois passages au CNC ou en commission pour qu’on nous explique : « c’est sympatoche mais bon, on va pas aider une comédie ».

Comme on avait déjà 25% des rushes, on a travaillé sur le reste à l’écriture, à développer les personnages, à en faire arriver d’autres sur cette polarisation, sur cette question de l’enfant. On a commencé à construire et plus on avançait, plus on recoupait.

CR : Pour revenir à la question initiale, il fallait en tout cas inventer différemment. On avait une intuition de ces personnages.

MR : Je crois que tu l’avais plus que moi !

Colas : Il s’est effectivement posé effectivement la question de la place de La Charge mentale dans la narration chronologique de notre récit. Ç’a été une évidence pour nous, d’ailleurs, après une explication avec notre producteur : on avait tout dit sur la résilience du couple dans La Charge mentale, on ne pouvait pas partir de là, on ne pouvait qu’y arriver. On n’aurait pas une meilleure fin.

C’était beaucoup plus intéressant de creuser ce qu’on appelle la « dernière tentative » avant de se révéler à soi-même dans le couple. Qu’est-ce qui se passe quand tu as tout tenté ? Il restait le ridicule tendre. Pas le ridicule qui se moque : on aime qu’un personnage soit tellement têtu, qu’il s’entête dans son plan. Dans le court-métrage, notre héros s’entêtait pour porter sa femme ; là le couple s’entête à avoir un enfant, quitte à faire un truc que d’aucuns jugeraient ridicule. Mais on comprend leur jusqu’au-boutisme. On les trouve ridicules et en même temps, on a une grande tendresse pour eux.

Vous partagez l’écriture, la direction et la composition, mais travaillez-vous toujours simultanément ou bien y a-t-il des phases où vous avez besoin de progresser séparément ?

CR : Le temps aidant, on a un peu changé notre méthode. Avant, on avait l’illusion de croire qu’il fallait tout faire à deux, tout le temps, au même moment, dans la même pièce… Nos premiers courts métrages, on les écrivait à deux sur l’ordinateur du début à la fin. Mais on s’est aperçu que, tout en étant très proches, nos cerveaux avaient besoin de fonctionner individuellement pour se faire des propositions. Alors on s’est mis à alterner. Mais avant toute alternance, c’est vital pour Mathias et moi — parce qu’on a les mêmes intuitions les mêmes envies — de se mettre d’accord sur des thèmes communs, sur des directions. Donc généralement tout projet part d’heures et d’heures de discussions : on prend des notes manuscrites, on va disséquer un sujet, des thématiques qui nous intéressent. 

Il y a deux phases : la discussion sur la thématique, qui est presque rébarbative pour quelqu’un d’extérieur — c’est un débat rhétorique : en ce moment on questionne le pardon (religieux, judiciaire etc.) — tout en ayant l’intuition qu’on va d’un coup sortir un cas spécial qui mettra à l’épreuve cette thématique, souvent comique. Cela peut survenir après deux semaines ou huit mois, c’est pour cela qu’on en a plusieurs en cours sur nos ordis. Et dès qu’on sent qu’on tient un truc, on commence à creuser non plus le thème, mais l’histoire.

Pour La Petite Graine, on voulait le thème de la non possibilité d’avoir un enfant au sein d’un couple et sur comment on survit à ça. Au début, tu peux raconter mille histoires ; mais quand on a trouvé celle de ce couple qui demande à quelqu’un « la petite graine » pour une insémination artisanale, on s’est dit : qu’on n’allait plus parler que de l’histoire, parce que le thème on l’avait questionné pendant très longtemps.

On est partis sur une sorte de direction de plan, avec des personnages : un début de structure, les fondations du récit… On fonctionne par blocs plus que par actes ; des blocs-séquences qui se succèdent — un peu comme fait Kechiche, toutes proportions gardées, sauf que lui distend la vie. Nous, on fait des blocs qui se rapetissent à vue d’œil et on enchaîne comme cela une première structure. Ensuite, soit Mathias soit moi s’en empare pour écrire le premier jet, la V1, un séquencier, parfois avec un dialogue.

Pourquoi cette méthode ? Étant les deux personnes se comprenant le mieux au monde au niveau du langage, de la pensée, de la rhétorique, si le séquencier de l’un ne parvient pas à convaincre l’autre, c’est qu’il y a un problème d’expression, de clarté, de précision du propos. Ensuite, on fait des navettes : il écrit, je récupère, on alterne… Il n’y a pas de règle de temps : on continue jusqu’à ce qu’on soit contents et qu’on arrive à une version correcte, disons une V4…

Vous passez le texte au tamis comme des orpailleurs…

CR : Exactement. Après, pour ce qui est de la direction et de la réalisation, on archi-prépare : on fait des plans de travail, des storyboards… On sait exactement ce qu’on va faire : c’est plus facile ensuite de se dispatcher de travail. Et sur le plateau, selon les scènes, on échange nos rôles, pour avoir non pas une autre charge mentale, mais implication selon les journées de tournage. On dispatche souvent entre le regard direct et le regard extérieur : le regard direct, c’est celui qui est avec les comédiens juste devant l’œileton de la caméra et qui va les diriger.

MR : C’est le ressenti réel. L’autre est au combo, pour avoir le ressenti spectateur.

CR : Comme s’il regardait sa télé, plus en retrait pour voir s’il y a quelque chose qui le choque dans la continuité, par exemple. Et puis le lendemain, on alterne…

MR : On ne s’est jamais engueulés sur qui prenait quelle scène : c’est venu comme ça, en fait.

CR : Sur le moment, on est vraiment concentrés sur les comédiens et, bien évidemment aussi, sur nos techniciens. On prépare énormément les scènes pour créer un écrin parfait. 

MR : Comme pour l’écriture, notre méthode a évolué : on sait maintenant que parler à deux amène souvent à une confusion. Je préfère ne pas mettre le doute dans la tête d’un technicien ou d’un comédien parce que je vais parler derrière Colas. En plus, on a cette faculté presque magique : même si je vois Colas à 7m parler à quelqu’un, je sais ce qu’il est en train de lui dire (rires) Je n’ai pas besoin de revenir mettre mon grain de sel. Au pire, je vais attendre la prise d’après.

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Vidéo : Igit dans un acoustique inédit

Quid de la musique ?

CR : Sur la composition de la musique, c’est très marrant parce que c’est assez différent : on peut avoir des idées chacun de notre côté : chacun va composer une mélodie chez soi et après se la faire écouter mais généralement on va trouver une sorte de référence commune — par exemple une musique qui ressemble à un morceau des Rolling Stones, de trip-hop ou de piano contemporain pour ce qu’elle nous évoque, son ambiance… Ou parfois, un truc qui sonne années 1980 que des gens chantaient dans un karaoké.

Au début, c’est une espèce de cacophonie : Mathias va s’occuper de tout ce qui est cordes (guitare, basse…) et moi batterie, percussions, piano. Je vais trouver un truc au piano, Mathias joue quelque chose à la guitare, notre cerveau se met un peu sur off, il y a une espèce de brouhaha et émerge à un moment un truc qui va ensemble. Pendant très longtemps c’est faux ; d’un coup je vais entendre quelque chose que je vais harmoniser ou à l’inverse, c’est lui qui va glisser une note dans ce que je fais. Iu on va trouver un petit riff de trois notes et partir de là…

MR : Ça, c’est pour la musique extra-diégétique. Parce qu’il y a toujours un moment dans nos films avec une musique qui vient de la radio, d’une chanson. Ces musiques doivent signifie le réel, c’est-à-dire où on est. Des gens qui ne se sont pas vus depuis 18 ans et qui reconvoquent le lycée, le collège, la cour de récréation, doivent reconvoquer l’habillage musicale qui va avec. Ça ne pouvait pas être un morceau de Jul, mais des groupes qu’ils écoutait dans cette période-là. On s’en est sorti pour la musique mais on a fait appel à deux chanteurs : Suissa et Laurent Coppola. Ce qui permet en plus de donner des signatures différentes.

Après, dans notre duo, il y a une différence : je trouve que Colas a le côté plus intuitif pour pas dire rêveur quand on écrit le scénario comme quand on fabrique la musique ; moi je suis un malade de la structure et de l’architecture.

Pour finir, d’où vient Juillac où se déroule l’intrigue ? Il n’existe pas en Auvergne-Rhône-Alpes où vous avez tourné… 

MR : Quand on fait La Charge mentale, on fait des recherches pour l’affiche de la course. Partisan du moindre effort, j’ai refait juste le logo de la course de porté d’épouses sur une affiche de concours de boules…

CR : …sur un modèle d’une affiche d’un village qui s’appelle Juillac. Mais qui se trouve dans le sud-ouest 

MR : Parce qu’on aimait ce nom qui sonne.

CR : Le truc drôle maintenant, c’est qu’on est en train d’écrire un film et Juillac est devenu notre village fictif de référence.

MR : Comme Pascal Coignard, le personnage du voisin dans La Petite Graine. Dans notre prochain film, le héros s’appellera Pascal Coignard et il vivra à Juillac. J’adore l’idée de poursuivre avec un personnage et un village, plutôt qu’une ville.

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L’Inconnu de la Grande Arche de Stéphane Demoustier

Peu après son accession au pouvoir, François Mitterrand décide de lancer ses « Grands Travaux » — une série de chantiers colossaux visant à scander Paris de gestes grandioses. Pour le site de La Défense, il choisit le projet plutôt abstrait de Otto von Spreckelsen, un architecte danois totalement inconnu n’ayant à son actif que deux ou trois églises. Assuré d’un budget astronomique mais devant se heurter aux embûches de l’administration et de la politique, Otto a-t-il fait une si bonne affaire en remportant ce concours lui permettant de bâtir l’œuvre d’une vie ?

Décidément, le bâtiment est à l’honneur ces derniers temps à l’écran. Mais filmer l’avancée d’un chantier ne revient-il pas à capturer le reflet métaphorique de la fabrication d’une œuvre cinématographique ? Tout y est : la dimension collective et pyramidale, l’artisanat ouvrier au service d’une intuition artistique tiraillée entre son goût pour l’idéal et les contingences imposées par la réalité concrète… et les financeurs. On ne sait pas si Stéphane Demoustier se retrouve (se projette) dans Otto von Spreckelsen ; en tout cas lui aura eu le chance de voir son œuvre achevé. Et pu conserver la maîtrise sur son édification, à la différence de son malheureux aîné, mort avant l’inauguration.

La trace et le geste

Même si elle aura été longtemps confidentielle, ainsi que le titre le rappelle — et qu’il aura fallu l’ouvrage de Laurence Cossé dont ce film est inspiré pour en connaître les tenons et mortaises — l’histoire de von Spreckelsen évoque une fable noire contemporaine à la morale tragique. Où l’on suivrait un modeste artisan signer un contrat mirifique avec le roi d’une lointaine contrée pour lui bâtir un palais somptueux en échange d’une fortune… mais aussi de sa vie. Voilà qui n’arrange pas la réputation de monarchie républicaine dont souffre notre Hexagone. 

La mise en lumière de cette histoire dans l’Histoire, outre son aspect conte, rappelle les enjeux symboliques des fameux Grand Travaux et leur mystique orgueilleuse : le Président souhaiter laisser sa trace dans la capitale à travers de puissants gestes architecturaux (la Pyramide de Pei au Louvre, Bercy ou l’Opéra Bastille en firent également partie). Décidés lors de son premier septennat, ils furent donc jugés “politiques” de la cohabitation et donc contrecarrés dès 1986 par le Premier ministre, maire de Paris et candidat à la présidentielle, Jacques Chirac.

L’effet du Prince

Les querelles picrocholines se jouant au sommet de l’État ont des répercussions amplifiées lorsque l’on descend les strates organisationnelles ; tout particulièrement dans un pays jacobin tel que la France où la verticalité absolue gouverne la moindre action. Dans le cas de la Grande Arche, non seulement von Spreckelsen avait dû s’accommoder d’un partage de la maîtrise d’œuvre avec le Français Paul Andreu, mais il devait rendre des comptes à un exécutif double (et rival), au milieu d’un océan administratif. Le tout avec des interlocuteurs changeant avec la majorité. C’est ce qui s’appelle bâtir dans l’inconnu.

Une entreprise kafkaïenne aux allures de Tour de Babel siphonnant l’énergie de l’architecte que Stéphane Demoustier rend avec plus de réussite dans son précédent film Borgo — racontant là encore la fragilité systémique d’une lourde institution française. Il faut dire qu’il est bien aidé par ses comédiens, à commencer par un second rôle toujours juste dans cet emploi : Xavier Dolan. À l’instar de Mathieu Kassovitz, le réalisateur sait toujours se rendre très disponible pour les films des autres ainsi qu’avec ses partenaires de jeu. Quant à Michel Fau, pourtant éloigné physiquement de François Mitterrand, il en donne une interprétation crédible dans sa dimension marmoréenne d’autorité florentine. 

Sinon, est-ce qu’il y a encore des caprices dispendieux de cette nature de nos jours ?

L’Inconnu de la Grande Arche de Stéphane Demoustier (Fr.-Dan., 1h46) avec Claes Bang, Sidse Babett Knudsen, Michel Fau, Xavier Dolan… En salle le 5 novembre 2025.

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L’art à la machine : l’IA s’impose et s’expose

T’as pas changé de & avec Jérôme Commandeur

La mort d’un de leurs anciens condisciples des années lycée conduit quatre quadras finissant à se retrouver et à dresser un bilan à mi-existence. Rude est constat pour trois d’entre eux, qui prennent conscience que leur vie est aussi peu glorieuse que leurs agissements du passé. Peuvent-ils encore changer ou bien sont-ils voués à se comporter mal avec les autres ad vitam æternam ?

Par son titre ambivalent — compliment sincère ou antiphrase lestée d’une ironie acide —, T’as pas changé dépasse ici la seule citation de Patrick Bruel comme il dépasse la génération des ayant passé le bac dans les années 1990. Derrière les oripeaux de la comédie, le vrai sujet est celui un peu évoqué en sous-titre sur l’affiche (« vieillir c’était pas prévu ») et ressemble pas mal à ce que Nizan écrivait dans Aden Arabie : « J’avais vingt ans. Je ne laisserai personne dire que c’est le plus bel âge. » Où comment l’on peut avoir une perception biaisée de son propre passé et de ce que l’on était dans le passé. La mémoire est sélective et l’objectivité très relative.

On s’est connus, on s’est reconnus

Moins résigné que Brassens pour qui « le temps ne fait rien à l’affaire », Jérôme Commandeur espère une forme de rédemption et d’amélioration pour son trio de potes lourdingues persuadé d’avoir été les mecs les plus cool du lycée. Si cette charité l’honore, il croit aussi au karma puisqu’il les afflige d’une existence peu enviable : l’un est suicidaire, l’autre un vieux beau survivant sur les braises d’une gloire faisandée ; le dernier un notable tellement hanté par la mort qu’il n’en vit plus. Bref, trois personnages en pleine crise du milieu de la vie aiguë.

Histoire aigre-douce comme certaines comédies italiennes d’antan (auxquelles elle emprunte une partie de son décor), T’as pas changé balance entre cruauté et vérité sur le temps qui passe et la nécessité d’affronter les squelettes du placard. Peut-être Jérôme Commandeur va-t-il relancer la mode des retrouvailles d’anciens ; il s’est en tout cas offert le plaisir coupable de faire chanter faux Vanessa Paradis. Et celui, plus rare, de s’offrir l’illusion de replonger trente ans en arrière grâce à la magie d’un plateau de tournage. On peut l’envier.

T’as pas changé de & avec Jérôme Commandeur (Fr., 1h47) avec également Laurent Lafitte, François Damiens, Vanessa Paradis, Delphine Baril… En salle le 5 novembre 2025.

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Les Pistolets en plastique de Jean-Christophe Meurisse

Identifié par la superstar des policiers comme étant Paul Bernardin — un homme suspecté d’avoir assassiné toute sa famille avant de disparaître mystérieusement — le malheureux Michel Uzès est interpellé au Danemark puis relâché. Au grand dam de deux enquêtrices amatrices, qui poursuivent leurs investigations, persuadé qu’il est bien le monstre recherché. Pendant ce temps, le vrai Bernardin coule des jours heureux en Amérique du Sud…

Si l’on avait observé un authentique saut qualitatif entre Apnée (2016) et Oranges sanguines (2021), ce troisième long métrage réalisé par le patron de la compagnie des Chiens de Navarre déçoit en partie parce qu’il n’offre pas le même renouvellement, voire se complaît [attention spoiler] à revisiter la séquence gore de torture-mutilation ayant valu sa sulfureuse renommée aux Oranges… précités. Pour sanglante qu’elle fût, celle-ci était sans doute moins caustique que le portrait féroce de la société et du cynisme des politiciens brossé par ailleurs dans le film.

Mise en pièces

Les Pistolets en plastique reprend également cette forme hybride empruntant à la tradition du film à sketches — terme que l’auteur récuse — puisque des saynètes faisant intervenir des personnages éphémères, dans des décors extérieurs, s’agrègent à la ligne narrative principale. Ces segments quasi autonomes s’avèrent aussi  bien commodes pour accueillir une foule de caméos disposant ainsi d’un espace où mettre en valeur leur présence autant que leur personnage (Jonathan Cohen, Vincent Dedienne, Aymeric Lompret voire Romane Bohringer  peuvent témoigner). C’est tout juste s’ils ne font pas de l’ombre aux autres interprètes de cette distribution pléthorique, de laquelle se distinguent Gaëtan Peau dans le rôle du faux coupable (aux antipode du modèle hitchcockien) et surtout Charlotte Laemmel en vieille fille introvertie révélant des tendances perverses insoupçonnées.

Sinuant de moments d’une noirceur désopilante (mention ici pour la concierge raciste décomplexée) à des passages plus laborieux, l’univers de Jean-Christophe Meurisse s’inscrit quelque part entre le cinéma de Roy Andersson, le cinéma grolandais et la prolifique production de Quentin Dupieux. Où ? Trop tôt encore pour le dire : il n’a pas encore atteint sa maturité pour affirmer sa pleine et entière singularité.

Les Pistolets en plastique de Jean-Christophe Meurisse (Fr., 1h36 avec avert.) Avec Gaëtan Peau,  Anthony Paliotti, Delphine Baril, Charlotte Laemmel, Laurent Stocker… En salle le 26 juin 2024

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La Famille Hennedricks de & avec Laurence Arné

Justine et Ludo ont recomposé une famille avec Henri l’ado de l’une et Joseph, le fils de l’autre. Mais la vie plutôt roots à la ferme pèse sur l’aîné qui rêve de retourner vivre chez son père plus fortuné. Afin de recimenter sa tribu, Justine entreprend au débotté un road trip sur les lieux de son enfance, le long de la côte atlantique. En cachant à son petit monde qu’ils partent sans un sou en poche…

D’aucuns auront peut-être eu une impression de déjà-vu à la lecture de l’argument du premier long métrage de Laurence Arné. Et pour cause : celui-ci suit de quelques mois la sortie de Nous, les Leroy de Florent Bernard reposant sur une trame voisine (le besoin d’une famille traversant une période critique de revenir dans des endroits fondateurs pour se retrouver), traitée ici de manière moins dramatique. Les grands esprits se rencontrent, pourrait-on dire.

Sur la route

Plus nostalgique que mélancolique, La Famille Hennedricks est aussi un autoportrait de sa réalisatrice qui ne cache pas avoir puisé dans son histoire personnelle outre le sujet de la “cohabitation” dans une fratrie composite, les décors charentais ayant accompagné ses jeunes années, la musique permettant en définitive de lier les membres entre eux… sans négliger la recette des croquettes de coquillettes (qu’elle tient de sa grand-mère). Il ne faut pas creuser loin pour qu’affleure le sel des souvenirs. 

D’une facture classique, le film rappelle toutefois que Laurence Arné possède un goût pour les personnages transgressifs — ne l’avait-on pas découverte en DRH trash dans la série Workingirls ? Car sous ses dehors policés, Justine commet ici sciemment une foule d’actes de délinquance (grivèlerie, vols, extorsion, délit de fuite etc.) et de mensonges en ignorant volontairement des conséquences : celles-ci pèsent moins que l’espoir de ressouder le lien familial. Il y a là comme une tentation d’irrévérence qui mériterait d’être poussée davantage : au cinéma, c’est non seulement permis mais vivement encouragé.

La Famille Hennedricks de & avec Laurence Arné (Fr. 1h38) avec également Dany Boon, Ferdinand Redouloux, Jehan Renard… En salle le 26 juin 2024

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L’Enfant qui mesurait le monde de Takis Candilis

Homme d’affaires austère et égoïste, Alexandre Varda se rend en urgence sur une île grecque où sa fille, qui avait coupé les ponts avec lui, vient de périr. Ayant prévu d’y rester le moins de temps possible, Varda doit revoir ses plans lorsqu’il se découvre grand-père de Yannis, un jeune autiste passant son temps à tout compter et mesurer. À son contact, une lueur longtemps réprimée va se rallumer chez Alexandre…

Jadis réalisateur mais surtout durant plusieurs décennies grand ponte des programmes à TF1 puis sur France Télévisions, Takis Candilis renoue donc ici avec ses premières amours en signant cette adaptation de Metin Arditi… évoquant le retour d’un puissant capitane d’industrie à ses sources familiales grecques. On comprend qu’une corde affective ait pu vibrer face aux thématiques abordées par le roman, démultipliant l’effet de projection dans le personnage d’Alexandre en quête de racines, d’apaisement et de rédemption. 

Hélas, trop d’intentions et peu d’aboutissement plombent ce film qui succombe à des facilités folkloriques — ah, la Pâque orthodoxe et ces œufs bariolés ! — et laisse ses comédiens en roue libre (Campan, abandonné à lui-même, serre des dents avec outrance et grimace pour bien montrer qu’il est méchant). Appuyé là où le sujet exige que chacun se défasse de ses pesanteurs, le conte mute en prêche aussi anodin que dispensable. Admettons que Candilis avait besoin de cette étape, cette réinitialisation personnelle, pour se remettre dans le bain avant d’envisager une nouvelle réalisation.

L’Enfant qui mesurait le monde de Takis Candilis (Bel.-Fr.-Gr., 1h44) avec Bernard Campan, Raphaël Brottier, Maria Apostolakea, Fotinì Peluso… En salle le 26 juin 2024

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