De la Comédie-Française de Martin Darondeau & Bertrand Usclat

Comédienne au Français, l’indécise Nina va présenter dans trois heures sa première mise en scène avec la troupe. Est-ce lié au fait qu’elle a choisi, Macbeth — la pièce maudite de Shakespeare —, les ennuis se mettent à pleuvoir en cascade. Actrice absente, acteurs superstitieux ou drogués, découverte d’infidélité conjugale, décors bancals, absence de solution de garde, présence de ministre dans la salle… La liste des raisons de ne pas lever le rideau ne cesse de s’allonger. Mais dans la Maison de Molière, on n’annule pas une représentation !

Bien que descendant direct de différentes formes d’arts scéniques, le cinéma ne manque jamais une occasion de leur rappeler combien il s’en distingue. On rapporte souvent cette anecdote d’un Billy Wilder racontant pince-sans-rire son expérience de spectateur à l’opéra : « la représentation commençait à huit heures. À minuit, je regardai ma montre : un quart d’heure s’était écoulé. » — et c’était du Wagner, en plus ! Là où le théâtre claquemure le public avec les artistes dans la fixité d’un même présent, le cinéma leur propose grâce au luxe du montage de multiples variations de temporalité, de lieux, de focalisations, de plans, de durées… Comment concilier les atouts des deux formes sans tomber dans le principe absurde (et soporifique) du “théâtre filmé” ? De la Comédie-Française en apporte une virevoltante réponse.

Règle du jeu…

Avouons-le, il y a encore un bon quart de siècle, la Comédie-Française était une autorité respectable mais nimbée d’austérité. Et le poids des siècles, ainsi que certaines traditions grotesques liées au respect de la hiérarchie (sans parler de ses intrigues de cour dignes de Racine), risquaient de fossiliser l’édifice dans son marbre. Dès les années 1990, l’arrivée de sang neuf à l’administration comme parmi la troupe a favorisé une meilleure porosité avec le “monde extérieur” — notamment le cinéma. Gagnant des talents, la Maison de Molière a perdu de sa morgue sans déchoir ni se compromettre ; De la Comédie-Française en est en quelque sorte, sinon l’accomplissement, du moins l’illustration.

Semi-film de commande (puisque réalisé sous l’œil bienveillant de l’institution, en partie à sa demande et avec sa collaboration), cette première œuvre écorne suffisamment les travers du Français pour éviter d’être suspectée d’hagiographie. Son secret ? Un savant mixte d’auto-dérision, de rythme et d’intelligence comique, placé dans les mains des premiers concernés : les comédiens de la troupe qui jouent ici, dans tous les sens du terme.

… et règle de trois  

Et l’on devine qu’ils prennent un plaisir supérieur dans cet exercice de chambrage majuscule. Sans doute parce qu’il ne s’agit pas d’une entreprise où se célèbrent l’entre-soi, ni la boutique hôte (malgré un intermède un brin publicitaire qu’endosse avec ce qu’il faut d’élégance l’impeccable Benjamin Lavernhe). Ce qui prévaut d’abord ici, c’est l’aventure de Nina en proie à la déflagration intérieure d’une Loi de Murphy exponentielle, parfait prétexte pour décliner une galerie de figures et de professionnels gravitant en ce lieu. Accessoirement, la règle des trois unités du théâtre classique confirme ici sa stupéfiante pérennité.

Enfin, comment résister à cette réunion de talents, chacun déployant sa propre vis comica et apportant sa nuance à l’ensemble. Bien sûr, il y a Pauline Clément, centre de l’’attention, mais quel plaisir de voir enfin Julien Frison dans un rôle conséquent à l’écran ; Christian Heck drôle comme il ne l’a jamais été en régisseur ; Laurent Stocker tragique sans jamais être ridicule… On peut s’amuser en outre à guetter les caméos visuels et sonores puisque tout un chacun ici est membre de l’illustre compagnie. Sauf Bertrand Usclat & Martin Darondeau, derrière la caméra, mais ils mériteraient pour services rendus, d’être faits sociétaires honoraires.

En résumé…

Vous aimez le théâtre ? Allez voir ce film célébrant la dévotion et l’abnégation des artistes, étoiles microbiennes dans le cosmos d’un spectacle. Rouages indispensables à l’accomplissement de l’œuvre collective, ils n’en sont pas moins hommes et femmes soumis à leur passions intimes ; des écheveaux d’imperfections et de contradictions faits pour ne pas s’entendre et qui, pourtant, à chaque représentation, se transcendent pour parvenir à renouveler un miracle.

Vous détestez le théâtre ? Courez le voir, pour savourer ce jeu de massacre total et jouir de la manière dont les egos y sont malmenés — un pur concentré de Schadenfreude ! Au bout du compte, vous éprouverez sans doute de la compassion pour les personnages ainsi que la malheureuse metteuse en scène. Vous admirerez également l’architecture interne d’un bâtiment historique des cintres aux coulisses sans avoir à vous y rendre. Et surtout, vous ressortirez avec la certitude que le 7^e Art était bien le seul à même de restituer cette délicieuse sarabande infernale…

De la Comédie-Française de Martin Darondeau & Bertrand Usclat (Fr., 1h15) avec Pauline Clément, Laurent Stocker, Julien Frison, Marina Hands, Adeline D’Hermy, Danièle Lebrun, Sefa Yeboah, Christian Hecq, Serge Bagdassarian, Séphroa Pondi, Florence Viala, Guillaume Gallienne, Benjamin Lavernhe, Françoise Gillard, Nicolas, Chupin, Elissa Alloula, Nicolas Lermeau, Gilles David, Suliane Brahim, Julie Sicard, Éric Ruf… Sortie le 22 juillet 2026.

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La Fille dans les nuages de Philippe Riche

Providence a 11 ans et ce qu’elle adore, c’est la lecture. Surtout les récits d’aventures des Sentinelles de la terre écrits par son voisin Octavius. Un beau jour, elle apprend que la plume servant à rédiger ces histoires est magique : ce qu’elle imprime sur le papier se produit dans le monde réel. Mais aussi qu’il faut user de son pouvoir pour empêcher une catastrophe de se produire en Afrique. N’écoutant que son courage, Providence décide de s’y rendre en volant, grâce aux pouvoirs de la plume et accompagnée par son inséparable cochon d’Inde, Airbag…

Il fut un temps où l’animation française se cherchait une place et une forme dans le cosmos mondial. Et puis les auteurs, artistes ou techniciens ont imposés leur voix, y compris face aux colosses hollywoodiens et nippons. Venu de la bande dessinée, passé par la télévision (Code Lyoko, Les Lapins crétins…) où il a étoffé son bagage, Philippe Riche signe ici son premier long métrage qu’on pourrait qualifier de conte à  rebond ou de fable multiple.

Providentiel !

Sur le motif connu du voyage initiatique, il offre sa jeune orpheline-héroïne (au prénom ô combien symbolique de Providence) un buddy movie aventureux, aux enjeux considérables : rien moins que la sauvegarde du monde vivant. Leçon de vie et de philosophie face à la tentation de la facilité, La Fille dans les nuages renvoie au passage une image déplorable de la sphère adulte — mais n’est-elle pas la fidèle à la réalité ? On apprécie les ambitions humanistes sans êtres pontifiantes de ce film, autant que l’interprétation des comédiens en charge des voix, qui s’écartent de leur registre habituel (notamment Jamel Debbouze) pour vraiment composer leur personnage. Une jolie surprise.

La Fille dans les nuages de Philippe Riche (Fr.-Bel., 1h28) animation à partir de 6 ans avec les voix de Louane Emera, Jamel Debbouze, Grégoire Ludig… Sortie le 22 juillet 2026.

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Votre idée de mettre à nu la Comédie-Française a-t-elle suscité l’enthousiasme ou l’inquiétude des principaux concernés ?

Martin Darondeau : Alors pour faire la genèse du film, Bertrand et moi travaillons ensemble depuis des années sur le programme court Broute. On a ensuite fait le programme court de Pauline Clément, Moitié.e.s. Et c’est en voyant ces programmes courts que la Comédie-Française est allée voir Pauline en lui disant : « c’est sympa, les sketches que tu fais sur Internet ; est-ce que ça ne te dirait pas de faire quelque chose sur la Comédie-Française ? » Quand Pauline nous a rapporté ça, on s’est dit « mais c’est génial ; on ne va pas faire juste des petits sketches comme veut la Comédie-Française, on va faire une série ». 

On a donc réfléchi tous les trois à une série autour de la Comédie-Française. Pendant un an, on a été interroger des comédiens (sociétaires, pensionnaires…) pour s’imprégner de ce lieu. Au bout de ce travail, en décembre 2024, toutes les chaînes de télévision nous ont refusé le projet en nous disant « c’est trop niche, ça ne parlera à personne ». Classique, quoi ! Mais en février 2025, nos producteurs nous ont rappellé : « vous ne voudriez pas faire un film de votre idée ? » On s’est regardés avec Bertrand : « bah ouais ». Sauf qu’on était en février et qu’on ne pouvait tourner qu’en juin 2025 parce que la salle Richelieu n’était disponible qu’à ce moment là ; on avait donc très très peu de temps pour le faire. On a dû écrire le film en deux mois et le tourner en trois semaines.

Il n’y a donc pas eu d’inquiétude de la part des producteurs, puisque ça venait d’eux et que c’est eux qui nous ont motivés. Quant à la Comédie-Française, qu’il a fallu convaincre, on a eu la chance d’être protégés par une bonne étoile, Éric Ruf, l’ancien administrateur qui avait confiance en nous. Et par Pauline Clément qui a réussi à convaincre le Comité — une réunion de dix délégués des sociétaires de la Comédie-Française — de lancer ce projet. Quand il a fallu convaincre les sociétaires, le projet n’était pas encore écrit. C’est grâce à la confiance d’Eric et des sociétaires qu’on a pu le faire.

Comment travaillez-vous tous les deux ?

Bertrand Usclat : L’avantage de travailler depuis quelques années ensemble fait qu’on est vraiment vraiment raccord : sur les blagues : on se fait très très confiance. On a aussi ce luxe d’avoir chacun un premier spectateur à notre blague — à savoir le coauteur — ce qui aide à aller très vite. Au moment où ce projet était une série, on savait que les chaînes prenaient des réalisateurs chevronnés et des débutants. Quand c’est devenu un film, on s’est dit : « ah là, on aimerait bien le faire parce qu’on a très très envie de conserver cette flamme qu’il y a eue à l’écriture — et on pense être les mieux placés pour le faire étant là depuis le début. » Notre grande chance a été d’arriver ensemble, avec un texte qu’on assume tous les deux.

Sur le plateau, Martin était beaucoup à la technique, à la mise en scène, aux caméras ; moi beaucoup avec les acteurs. Ce qui nous permettait de travailler deux fois plus vite. Donc c’était trois semaines de tournage, mais peut-être six semaines en vrai puisque pendant que Martin mettait tout en place, j’étais avec les acteurs et on arrivait très vite avec des premières prises exploitables — ce qui n’arrive quasiment jamais. Là, on était un peu en télépathie (parce que parfois lui était dans les balcons et moi sur scène). Dès qu’on disait « action », on se retrouvait derrière le combo, on échangeait. Et puis on ajustait.

Pourquoi ne jouez-vous pas dedans ?

BU : Je ne suis pas de la Comédie-Française…

MD : C’était une vraie volonté depuis le début : tous les acteurs du film sont de la Comédie-Française, que ce soit évidemment du premier rôle (Pauline Clément) à l’ouvreuse qui a une demi-scène (Julie Sicard, elle aussi une sociétaire). Même l’homme dans l’ascenseur c’est Eric Ruf. C’était hyper important, on s’est battus ! Les producteurs disaient de prendre un figurant pour le mec dans l’ascenseur mais non, on voulait absolument Éric parce qu’il a amené quelque chose de fort : on n’aurait pas pu faire le projet sans lui, donc c’était important d’avoir ce clin d’œil pour nous. Et puis c’était la belle contrainte du film de dire : « il n’y aura que des comédiens de la Comédie-Française dans ce projet. »

Êtes-vous partis d’anecdotes authentiques pour constituer ce kaléidoscope cataclysmique ?

MD : On a évidemment forcé le trait, parce qu’il faut raconter une histoire, faire une comédie pour aligner autant de péripéties en si peu de temps. Avec Bertrand et Clémence Dargent [la coscénariste, NDR], lorsqu’on bossait sur la série, on a fait des interviewes de sociétaires et de pensionnaires pour se nourrir d’anecdotes. Il y a plein de choses qu’on a restituées dans le film.

Quand Laurent Stocker dit : « le matin, j’ai trouvé ma mère morte dans son lit et le soir, j’étais Harpagon dans L’Avare», c’est arrivé à l’un des sociétaires de la troupe et on a voulu le raconter. Il y a des choses vraies, d’autres évidemment fausses ou en tout cas exagérées ; il y a aussi des trucs fous qu’on n’a pas mis parce qu’on se disait que personne n’y croirait. Par exemple, il y a eu des tombers de rideau il y a des années parce qu’un acteur ayant bu un coup de trop n’était plus en capacité de jouer.

On raconte aussi brièvement dans le film comment Laurent Lafitte s’est tranché le doigt pendant un Feydeau. On a demandé s’il y avait un médecin dans la salle, un mec a levé la main et c’était le spécialiste de la chirurgie de la main en France ! Il était en vacances et voulait se faire une soirée tranquille à la Comédie-Française pour penser à autre chose. Il est passé en coulisses et il a sauvé le doigt de Laurent Lafitte.

La scène de début est inspirée de la vie de Pauline, qui pendant 2-3 ans n’était pas reconnue par les gens de la sécurité à l’accueil : son visage n’imprimait pas : « mais vous faites quoi ici ? —je travaille ici. —mais à quel service ? —au service des comédiens. —oh pardon ! oui je vous laisse passer. » Et à chaque fois, ils oubliaient. Plusieurs fois, elle se retrouvait avec un badge visiteur ou ils la prenaient pour pour quelqu’un d’autre, pour une académicienne de la Comédie-Française (des gens en stage pendant un an à la Comédie-Française)… Quand elle elle nous racontait ça, ça nous faisait hurler de rire ; on s’est dit c’était un super démarrage de film pour montrer que c’est comme n’importe quelle entreprise : parfois, il y a des petits chefs à l’accueil…

Comment avez-vous composé votre distribution ? Certains comédiens ont-ils été réticents à participer à une telle expérience ?

BU : On a eu la chance de n’avoir que des gens qui ont accepté : aucun refus sur le script. Et c’est d’ailleurs ce qui l’a emmené beaucoup plus haut, je crois — même ce qui nous a aidé sur le financement à plein d’endroits. Très vite, tout le monde a dit oui, ce qui nous a donné confiance, on n’a pas eu à se battre. Guillaume Gallienne nous a même dit : « je ne lis pas, je suis d’accord pour le faire ; j’ai juste une journée de disponibilité en juin : ce sera le 16. » Parce qu’il était en tournée et faisait la promo de son livre en même temps — quand on y pense, les plannings de ces gens-là sont fous ! On a dit : « d’accord » et on a organisé tout le tournage autour de sa disponibilité (sourire).

C’est des acteurs de théâtre : il savent un an et demi à l’avance ce qu’ils font. Parfois, on n’est pas passés loin. Pour Benjamin Lavernhe qui avait quelques créneaux, on a réussi à les caler et après ça a été un casse-tête. Pour le rôle de Marina Hands, on n’avait personne. 6 jours avant le tournage, Marina a annulé ses deux seules semaines de vacances de l’année alors qu’après, elle jouait Le Soulier de satin de nuit au Palais des Papes. Elle a lu et nous a dit : « c’est trop marrant, je veux trop en être ». Je ne la remercierai jamais assez ! Quant à Laurent Stocker, avant même qu’on ait écrit, on avait pris un café et il m’avait dit : « quoi qu’il arrive, je vous fais confiance, je le fais avec vous. »

Vous montrez que les comédiens ont aussi une vie en-dehors et des préoccupations finalement banales (comme la garde d’un bébé) susceptibles d’entraver leur art…

BU : C’était tout l’objet du film : montrer qu’il y a un certain statut de la Comédie-Française. On voit ces gens avec leur immense talent, leur vie de marathoniens sans arrêt à jouer sur scène… et c’est toujours très beau quand on voit la vie normale qu’il y a derrière ; à quel point cette troupe demande des sacrifices de vie : ces gens vouent leur vie au théâtre.

C’est aussi une manière de leur rendre hommage ; ils font battre cette espèce de poumon culturel qu’est la Comédie-Française, la plus vieille troupe du monde. À une époque où il est dans l’air du temps de baisser des subventions pour la culture, c’est ce genre de choses qu’on attaque. Tout ce qui a été construit depuis 400 ans peut être réduit à néant parce que, sur un tableau Excel, il faut mettre un peu moins d’argent.

C’était une manière de les humaniser un petit peu et de montrer qu’il y a des choses tellement joyeuses qui se passent en coulisses. Par exemple, ils loupent toutes les vacances, tous les Noëls, toutes les fêtes, les anniversaires… On ne peut jamais les inviter parce qu’ils jouent en permanence. Pendant les vacances de Noël, ils jouent deux fois plus parce que la Comédie-Française joue en matinée. Quand nous, les moldus, on est en vacances, ils travaillent deux fois plus parce que on a besoin de divertissement et c’est eux qui s’en occupent. Certains n’ont pas fêté Noël avec leur famille depuis plus de 10 ans. Ils ont cette vie à part, de troupe et ça crée cette espèce de famille parallèle.

Se considèrent-ils comme une famille ?

MD : Je ne me sens pas la légitimité de parler à leur place mais évidemment que que ça se ressent. On l’a vu sur le plateau : c’était incroyable d’avoir des comédiens qui se connaissaient tous par cœur et qui savaient comment ils jouaient, on a gagné un temps fou ! C’est une équipe, ils rigolent entre eux, ils s’apprécient… Alors après, il y a plus ou moins d’affinités, c’est normal, ils sont plus de soixante, mais il y a un esprit de troupe.

Avez-vous dirigé vos comédiens sur ce premier long de la même manière que sur vos courts ?

MD : Oui — en tout cas, c’est comme ça que je le ressens. Un comédien est un comédien, après ça dépend de ce qu’il accepte de faire, comment il prend son rôle… On est arrivés en se disant qu’on allait diriger des pointures, des Rolls et on s’est rendu compte qu’ils se mettaient à notre niveau en acceptant d’être dirigés — c’est vraiment des grands professionnels. Danièle Lebrun qui a 87 ans a accepté qu’on lui dise : « Danièle, je pense qu’il faut le faire comme ça. —OK, pas de problème. » C’est à cette envie de travail qu’on voit que c’est des grands.

Comment avez-vous sélectionné les autres métiers du Français auxquels vous rendez ici hommage ?

MD : On ne s’est pas dit : « de qui on va traiter ? » mais « tiens, ça, c’est marrant ». La costumière sans filtre ou le régisseur qui t’explique toujours les choses en long en large, ce sont personnages qu’on a déjà croisés avec Bertrand au théâtre, ça nous paraissait une évidence. On avait aussi réfléchi à d’autres personnages mais on a réduit à ceux-là, qu’on trouvait les plus intéressants. Parce que les costumières, les régisseurs sont aussi des postes quand même très proches des acteurs.

En revanche, il n’y a pas (ou peu) le public…

MD : On l’a un petit peu, quand même. Mais parce que ce que l’on raconte, c’est la préparation 3 heures avant la pièce.

BU : Le public, on l’a surtout représenté par la pression de cette espèce de monstre à mille paires d’yeux qui nous regarde, qui n’a pas vraiment de consistance en tant que telle. On a voulu remettre un coup de pression par un caractère un peu institutionnel et officiel en faisant venir la ministre de la Culture. De façon à montrer le trac de base quand on est face à un public lambda mais aussi les enjeux politiques d’une représentation devant des personnalités politiques — ce qui leur arrive souvent. Ça ajoute une petite dose de flip. Et on rajoute la mère d’un personnage dans le public, ce qui lui fait plus peur que tout. En fait, il suffit d’une personne dans un public pour que le flip soit énorme.

MD : J’ajoute qu’on a le personnage de la maquilleuse, qui est extérieure au monde de la Comédie-Française : elle est un peu les yeux de tout le monde, puisqu’elle découvre cet endroit et va devoir en comprendre les codes.

Un autre personnage est très important : le lieu-même, où les gens se perdent, avec ses portes qui claquent, ses souterrains…

BU : À notre grand désarroi, il y avait beaucoup plus à montrer ! On a fait une énorme visite avant de tourner. La Comédie-Française, c’est des ateliers de construction, des décors ; beaucoup de costumes… On ne le voit pas, mais il y a aussi des galeries souterraines qui relient la Comédie-Française au ministère de la Culture à côté ; il y a des salons — dont le fameux salon Mounet-Sully… On a dû choisir les endroits les plus fonctionnels : on voulait absolument montrer la salle, les coulisses, les ateliers de costumes et bien entendu la cantine pour ajouter un petit côté “cantine d’entreprise” et montrer que si c’est une institution, ça reste un lieu à peu près comme n’importe quelle boîte avec des gens qui viennent, qui travaillent à la compta…

Et les fameux ascenseurs ! On s’est battus pour récupérer les vrais sons des ascenseurs parce qu’ils nous ont accompagnés pendant tout le tournage. Les haut-parleurs commencent à vieillir, on sent que les notes vibrent un peu.

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Ciel, mes buildings !

Votre le film est court. Était-ce un choix ?

MD : Un choix financier ? (sourire) Depuis le début avec les producteurs, le projet était faire ce film sur la Comédie-Française en étant réalistes : on savait très bien qu’on ne ferait pas un film de 2h20 parce qu’on avait pas beaucoup de temps pour l’écrire ni pour le financer. On avait un cadre et ensuite, on a écrit ce qu’on a voulu écrire et du coup, on a été chercher une histoire qui entrait dans ce cadre-là. Mais on s’est pas dit : « on écrit et puis bon bah là, ça fait 1h15, on arrête ». Pour nous, l’histoire ne méritait qu’1h15.

Parmi le répertoire de la Comédie-Française, pourquoi avoir jeté votre dévolu sur une pièce de Shakespeare ?

MD : Il nous fallait une pièce rigide. Notre film étant une comédie, si la mise en scène de Nina avait été une comédie, ça aurait fait ton sur ton et le décalage aurait été moins fort. L’Avare ou Le Bourgeois gentilhomme aurait moins marché dans l’opposition. Donc on a été vers une pièce de Shakespeare parce que Macbeth est quand même sa pièce la plus noire, peut-être sa plus difficile. Ça nous a paru comme une évidence ; en plus, Macbeth est considérée comme la pièce maudite. Et ça nous faisait beaucoup rire que dans ces trois heures, il n’arrive que des péripéties à Nina dans sa mise en scène de Macbeth.

Justement, en mettant à nu l’enfer d’une création, votre film s’inscrit dans la veine de Ça tourne à Manhattan ou de Synecdoche, New York mais rappelle aussi la frénésie collective de certaines œuvres de Klapisch telles que Chacun cherche son chat. Aviez-vous des références particulières à l’écriture ?

BU : Klapisch est une grande référence pour Martin et moi, notamment sur l’apparition d’un fantôme à un moment dans le film : il le fait très très bien dans L’Auberge espagnole et dans sa série Salade grecque. Ça tourne à Manhattan, je l’avais revu juste avant effectivement : c’est un film qui parle du métier et qui ne s’adresse pas qu’au métier ; c’est vraiment ce qu’on voulait faire. On ne voulait pas parler qu’aux gens qui s’intéressent au théâtre, mais à tout le monde.

Les autres références, c’était quand même beaucoup Birdman : impossible de ne pas y penser. À un moment on a voulu s’en détacher ; en fait, c’est impossible de faire sans : ça nous a tellement marqués.

Et sur cette notion de compte à rebours, de time lock — il va y avoir un événement, il faut s’y confronter —, on avait aussi Le Sens de la fête pas mal en tête, avec ce moment où le mariage doit arriver. Là, c’est pareil : il faut aller sur scène et que tout se passe bien. On était pas mal dans ces eaux-là.

Chacun gère son stress à sa manière durant la répétition. Et vous, comment l’avez-vous géré ?

MD : En fait, sur le tournage c’était tellement une aventure stressante : deux mois pour écrire le film, trois semaines/un mois pour le préparer et quinze jours pour le tourner ! Mais je pense qu’on n’était pas aussi stressés qu’on aurait dû l’être : a posteriori je me dit qu’on était des malades d’avoir fait : « ouais c’est bon on va le faire en trois semaines ». Heureusement qu’on avait cette inconscience ; sinon peut-être qu’on aurait beaucoup trop tremblé ! Donc on était en tension, mais quand tu y es, bah tu y es, quoi ! Comme Nina dans le film : on le fait, on va forcément y arriver.

Avez-vous hésité pour le titre, à la fois factuel et teinté d’ironie, mais qui pourrait rebuter un public pensant qu’il ne s’adresse qu’aux familiers du théâtre ?

BU : Je ne sais pas s’il rebute. Nous on l’assume vraiment ; on fait ce pari-là. Une mauvaise idée c’est toujours une mauvaise idée jusqu’à ce qu’elle soit bonne. Un acteur à qui on dit : « tu as une diction particulière, ça marchera jamais pour toi », un jour il devient Raphaël Quenard : « c’est extraordinaire, tu as quelque chose de vraiment unique ! ». À un moment, oui, on a pensé appeler le film ”Grande première”, un truc qu’on comprend. C’est juste que du coup, c’est plus notre film, c’est plus notre enfant. Peut-être que des gens vont trouver notre enfant pas très beau. Mais c’est notre enfant, c’est comme ça. Moi, je le trouve très très beau (sourire). 

Est-ce volontaire de faire sortir le film durant le Festival d’Avignon, quand tout le monde est focalisé sur le théâtre ?

MD : Alors plusieurs choses… Il fallait le temps de faire des tournées d’avant-premières pour installer le film et créer ce bouche-à-oreille : on sait que les gens qui voient le film l’aiment beaucoup… mais que c’est un film sur le théâtre. Avec des têtes d’affiches pour qui aime le théâtre, connaÎt la Comédie-Française et est vraiment cinéphile. Pardon, mais il n’y a pas d’énormes noms du cinéma français aujourd’hui — pas Gilles Lellouche, pas Jean Dujardin, etc. Ce n’est pas grave, on en est très fier ; ça ne veut pas dire qu’on n’a pas des comédiens extraordinaires dans ce film. Et c’est un premier film, réalisé par des inconnus…

En sortant à ce moment-là, où il y a un peu moins de concurrence, on a plus de chances de rentrer dans des salles qui n’ont parfois que 4 ou 5 écrans et peuvent faire des choix, on a le temps de s’installer tout le long de l’été. Le pari, c’est de se dire on sera encore là au mois de septembre voire en octobre avec un bouche-oreille qui montera progressivement tout l’été. On espère secrètement être la comédie de l’été.

Pensez-vous attirer un public ne venant pas dans les salles de cinéma grâce à Broute ?

BU : Je souhaiterais. J’adorerais ! La martingale, ce serait que tout le monde dise oui… Il faut ramener les jeunes au cinéma, avec les réseaux et tous ces trucs-là. J’espère que ceux qui auront la curiosité de me suivre se diront : « Ah tiens, j’ai bien aimé son humour, donc je vais lui donner sa chance au cinéma ». Nous, on espère attirer le plus grand nombre : on se rend compte que les ados aiment beaucoup le film, donc on se dit que film est déjà plus familial que prévu. On a l’impression que ça peut marcher.

Comment avez-vous accueilli votre moisson de prix à L’Alpe d’Huez ?

BU : On a été hyper surpris, on ne s’attendait pas à une razzia pareille. Déjà, on était venus juste pour montrer le film et voir comment les gens réagissaient. La projection en elle-même a déjà été un sacré moment puisque c’est notre premier film : on ne savait pas ce que ça faisait de montrer quelque chose qu’on avait écrit et réalisé. En fait, il y a une forme d’impudeur que je n’imaginais pas — par rapport à des films dans lesquels j’ai pu “juste jouer“. Acteur, c’est autre chose : on présente une forme d’image. Mais ce qu’on met de soi dans un script et dans des intentions de réalisation, c’est quand même hyper personnel et impudique ! Le montrer d’un coup devant 1 700 personnes à L’Alpe d’Huez et entendre surtout que ça réagit ; le fait d’être compris, c’est quand même assez bouleversant.

Après, la cérémonie de clôture — que je présentais, co-écrite avec Martin bien sûr, qui en plus était sur le côté du plateau… On a passé la soirée à se remettre des prix à nous-mêmes, c’était gênant pour tout le monde I Et en même temps, c’est un souvenir qui me restera toute ma vie.

Avez-vous envisagé une projection dans les murs de la Comédie-Française ?

MD : Elle est en travaux en ce moment, malheureusement…

BU : Ça devait être le cas, mais n’a pas pu être fait, parce qu’elle était en travaux — et c’est une des raisons pour lesquelles on a pu tourner le film en juin 2025. Comme elle était en travaux, il n’y avait pas de répétition de spectacle dans la salle Richelieu pendant 5 jours, ce qui n’était pas arrivé depuis, je crois, 35-40 ans. C’est pour ça que c’était vraiment maintenant ou jamais.

De la Comédie-Française de Martin Darondeau & Bertrand Usclat (Fr., 1h15) avec Pauline Clément, Laurent Stocker, Julien Frison, Marina Hands, Adeline D’Hermy, Danièle Lebrun, Sefa Yeboah, Christian Hecq, Serge Bagdassarian, Séphroa Pondi, Florence Viala, Guillaume Gallienne, Benjamin Lavernhe, Françoise Gillard, Nicolas Chupin, Elissa Alloula, Nicolas Lermeau, Gilles David, Suliane Brahim, Julie Sicard, Éric Ruf, Denis Podalydès… Sortie le 22 juillet 2026.

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C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart 

Si Fred et Marguerite se sont jadis mariés à l’église et sont devenus les parents de Léa, ils ont depuis divorcés et refait leur vie — enfin, pour Marguerite qui vit désormais avec Sofiane, le père de sa seconde fille Raphaëlle. Mais voilà que Fred souhaite épouser Chloé, chrétienne fervente, qui n’envisage pas d’union sans passer devant un prêtre. Pour pouvoir convoler selon ses désirs, il n’y a qu’une option : obtenir l’annulation solennelle des noces entre Fred et Marguerite. Une démarche très sérieuse loin d’être une formalité, qui va remuer tout un passé commun et conduire les requérants à plaider jusqu’au Saint-Siège…

Si l’on réduit la comédie à un enchaînement de gags ou de situations destinées à provoquer le fou-rire,  C’est quoi l’amour ? peut faire figure de Grand Prix inattendu pour le Festival de la comédie de l’Alpe d’Huez. En réalité, il semble conforme à la ligne se dégageant des palmarès (et donc des sélections)  précédents puisqu’on y suit l’aventure rocambolesque d’une famille qui ne l’est pas moins — mais toutes le sont un peu — parvenant à une réconciliation général au terme d’un voyage ou d’un road trip. Comme si le besoin d’apaisement, de concorde dans le premier cercle était devenu le nouveau graal. Voilà qui en dit long sur l’état d’un monde si plein de bruit et de fureur qu’il enjoint de se replier sur ses fondamentaux.

Tout juste

La famille, justement, Fabien Gorgeart ne l’aborde pas en dilettante : elle se trouve au cœur de ses trois longs métrages, à travers le rapport à la gestation, à la parentalité et désormais au couple comme à la recomposition du noyau familial. Sa définition n’est pas restrictive aux liens du sang, mais ouverte, et généreuse. Ici, il invente même le concept de “comédie de démariage” pour parvenir à exalter la force des liens choisis, complémentaires de ceux reçus par l’hérédité. Ou comment la formalisation officielle  d’une séparation permet de formuler l’indicible de l’attachement : n’est-ce pas là la meilleur réponse à la question posée par le titre ?

Mais ce qui rend surtout cette histoire attachante, c’est l’adéquation entre la troupe et la “méthode” du réalisateur qui laisse à ses comédiens suffisamment d’espace de jeu pour habiter leurs personnages et donner l’illusion d’un naturel non frelaté. Cela fonctionne d’autant mieux avec des interprètes prompts à spontanéité (telle Laure Calamy) ou à l’intranquillité (comme Vincent Macaigne). L’association des deux est féconde ; quant aux scènes de (grands) groupes, rares sont les metteurs en scène à savoir les mener avec un tel brio. Cette vérité à l’écran n’est pas le fruit du hasard, mais diablement travaillée ; elle a le mérite d’offrir cet inestimable sensation au spectateur : la justesse.

C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart (Fr., 1h48) avec Laure Calamy, Vincent Macaigne, Lyes Salem, Mélanie Thierry, Céleste Brunnquell, Saül Benchetrit, Grégoire Leprince-Ringuet, Jean-Marc Barr, Aurélia Petit… Sortie le 6 mai 2026.

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Mon grand-frère et moi de Ryōta Nakano 

Riko apprend par téléphone la mort brutale de son grand-frère, avec lequel elle avait rompu les ponts depuis des années. Bien que peu émue, elle se résout à partir exécuter les formalités funéraires. En compagnie de son ex-belle sœur, elle accomplit une somme de corvées rituelles qui, peu à peu, la rapprochent de son frère défunt mais aussi du fils de ce dernier qu’elle ne connaissait pas…

Révélé au grand public français par la comédie douce-amère La Famille Asada (2020) — portrait de groupe d’une tribu fantasque valsant entre les périodes, les petits tiraillements du quotidien et les grandes ruptures de l’existence — Ryōta Nakano revient en terres de connaissance : cet intime universel de la famille qu’il chronique à merveille, à l’instar de ses compatriotes Kōji Fukada ou Hirokazu Kore-eda. S’il suit ici le cheminement très formel de l’organisation de funérailles ainsi que les tâches concrètes et/ou administratives que Riko doit accomplir pour solder la “présence terrestre” de son frère, son film propose en parallèle une trajectoire moins orthodoxe, empruntant à l’imaginaire. 

Apaisés

Paradoxalement, c’est en effet grâce à l’absence de son aîné que Riko peut renouer avec lui, en explorant ses souvenirs. Le ressentiment n’ayant plus lieu d’être, elle laisse de côté les travers de l’adulte inconséquent pour exhumer certains hauts faits accomplis à son endroit par l’enfant qu’il fut. D’ailleurs, les surgissement fantomatiques du défunt dont elle est témoin sont autant des pieds-de-nez goguenards du défunt que des incitations à aller chercher au-delà des apparences, à ouvrir les yeux différemment sur le réel. Conte métaphorique sur des réconciliations post-mortem scintille de délicatesse autant que de sororité fraternelle. De la résilience pure mise en images, avec en sus un dénouement surprenant.

Mon grand-frère et moi (兄を持ち運べるサイズに) de Ryōta Nakano (Jap., 2h07) avec Ko Shibasaki, Joe Odagiri, Hikari Mitsushima, Himeno Aoyama, Yota Mimoto… Sortie le 6 mai 2026.

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Sauvons les meubles de Catherine Cosme 

Photographe indépendante épousant tous les clichés du parisianisme, Lucille est appelée au chevet de sa mère dont la santé est préoccupante. Sur place, dans son village d’enfance, elle y retrouve Paul, son frère, et découvre non seulement que sa mère est à l’article de la mort mais que, surendettée, elle a des années durant escroqué sa famille. Se posent alors de douloureuses questions morales et affectives, qu’il va falloir trancher avant qu’il ne soit trop tard…

Parce qu’il induit inconsciemment on ne sait quel second degré souriant, le titre ne rend pas forcément justice à ce film penchant du côté dramédie, et abordant des thèmes plutôt repoussoirs. Entre la préparation au deuil de ses ascendants, la découverte du fait qu’ils ont menti et/ou abusé de leurs enfants et la nécessité d’intenter une action en justice pour se protéger d’eux, on frôle le sublime question tabous sociétaux. Imaginez le concentré de dilemmes personnels, de rancœurs réciproques et de jalousies susceptibles d’être alimentés par cette mécanique ; vous serez encore en-dessous de la vérité.

Compte sur moi !

Sans doute cela tient-il à la discordance émotionnelle subie par les personnages confrontés à deux situations réclament des réactions contradictoires : d’un côté l’agonie de la mère exigea de l’apaisement ; de l’autre la découverte anthume de son “héritage” empoisonné exacerbe les tensions. Déjà paradoxale car faite du vivant de la principale concernée, cette veillée mortuaire ressemble à ces films famille se déroulant à Noël où les commensaux s’écharpent autour de la dinde. Là, c’est moins glamour puisqu’il c’est en épluchant des traites à la pelle et une comptabilité défaillante.

Dans ce drôle de film pas drôle, la distribution contribue à maintenir cet équilibre étrange : outre le père débonnaire et fuyant campé par Jean-Luc Piraux, Yoann Zimmer en Paul lunatique, il y a Vimala Pons, impeccable comme toujours. Au départ pimbêche arty de la captiale, Lucille se défait progressivement de ses oripeaux pour retrouver sa vraie identité. Certes, la charge est un peu lourde, mais elle est à l’aune du du portrait fait en retour de certains des villageois, bien croquignolets. À noter en ouverture la participation inattendue de Benoît Hamon.

Sauvons les meubles de Catherine Cosme (Fr.-Bel.-Sui, 1h26) avec Vimala Pons, Yoann Zimmer, Guilaine Londez… Sortie le 6 mai 2026.

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Cinque secondi de Paolo Virzi 

Pourquoi Adriano, avec ses airs de hobereau, a-t-il choisi de s’installer à l’écart de tout, dans la dépendance délabrée d’une demeure ayant connu de meilleurs jours ? Avocat de renom miné par un drame intime, il s’inflige une repentance dans une solitude qu’une communauté vient troubler en s’installant dans la maison de maître voisine. À sa tête, Matilde, héritière en titre de ce domaine abandonné qu’elle entend bien faire revivre malgré l’expropriation. Entre l’homme cabossée et l’aristocrate libertaire, un modus vivendi s’établit…

La partition est connue : un vieil ermite enfermé dans sa douleur ou son aigreur, trouve enfin la paix grâce à l’impétuosité d’une jeunesse plus ou moins insolente. Trois couleurs : Rouge (1994) de Kieslowski, À la rencontre de Forrester (2001) de Gus Van Sant, Grand Torino (2008) de Clint Eastwood ne racontent pas autre chose. Histoire d’une culpabilité et d’une résilience en apparence impossible,  Cinque secondi dissimule la raison de l’exil intérieur d’Adriano au plus profond du film au point qu’elle en devient, sinon secondaire, presque annexe. Virzi montre que l’on ne peut réduire ce personnage en quête de rédemption au drame familial indicible dont il est le responsable — drame qui s’est joué à cinq secondes.

Valierio e Valeria

Si un procès va occuper le dernier tiers du film, l’histoire dans son entièreté renvoie à la question du jugement. À l’importance de lutter contre les a priori ou au fait que des circonstances particulières puissent infléchir un verdict. Ainsi Adriano va-t-il finir par comprendre le mode de vie et le combat  mené par la squatteuse (voire lui prêter main forte à l’occasion) ; sans doute doute projette-t-il dans cette jeune femme davantage que ce qu’il veut bien l’avouer. Cinque secondi est un aussi un portrait des défenseurs (les avocats font profession de l’être) sans lesquels il ne peut y avoir de victoire ni de justice. Et surtout, de tous ces soutiens indéfectibles qui donne plus qu’ils ne reçoivent en échange.

Etonnamment moins diffusé dans les grands festivals étrangers que nombre de ses confrères ou consœurs transalpins, Virzi demeure un cinéaste passionnant ; ne serait-ce parce qu’il construit des personnages complexes, pétri de contradictions et de souffrances mais dont les failles sont autant de reliefs d’humanité. Et il n’est pas défendu de penser que leur épaisseur  doit à la relation de fidélité que le réalisateur a su créer avec ses comédiens fétiches, Valerio Mastandrea et Valeria Bruni Tedeschi. D’autant plus émouvants ici qu’ils forment un couple platonique (et encore, à sens unique).

Cinque secondi de Paolo Virzi (It., 1h45) avec Valerio Mastandrea, Galatea Bellugi, Valeria Bruni Tedeschi… Sortie le 6 mai 2026.

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Pour le plaisir de & avec Reem Kherici 

Depuis vingt ans, Fanny et Tom vivent heureux. Enfin, pas tout à fait puisque Fanny, sur les conseils de sa psy,  révèle à son époux éberlué qu’elle n’a jamais connu le plaisir physique. D’abord déconcerté, celui-ci réagit rapidement en décidant de fabriquer LE sex-toy idéal. Avec amour et acharnement, il se met au travail, enchaînant prototype sur prototype… au mépris du qu’en-dira-t-on. 

« Mon Dieu, quel bonheur ! D’avoir un mari qui bricole » chantait Patachou, sans se douter combien les paroles (de Brassens) auraient pu convenir au personnage interprété ici par Alexandra Lamy. Cela dit, celles de La Java des bombes atomiques de Boris Vian — « Mon oncle, un fameux bricoleur/Faisait en amateur des bombes atomiques/Sans avoir jamais rien appris/C’était un vrai génie question travaux pratiques » —  pourrait également habiller ce film composite. À la fois biopic (puisqu’il assume s’inspirer du parcours des inventeurs allemands du Womanizer) et comédie sentimentale au sous-texte didactico-militant, Pour le plaisir a certes des ambitions louables.

Sérieux comme le plaisir

Parler cru et cash de ces sujets en évitant la gaudriole lourdingue ou le pensum culpabilisant s’avère un défi en soi, Reem Kherici le relève avec élégance, bien aidée par ses interprètes dont l’investissement est manifeste. Et bien qu’un peu trop forcé, son portrait multigénérationnel s’avère assez opérant dans la mesure où il permet des situations de comédies fécondes. Toutefois, le scénario aurait pu s’abstenir de certaines scories telles que l’hypocondrie du personnage de Tom (sans intérêt ni utilité). Quant au traitement surexposé de l’image de type “fromage blanc“, il dessert globalement l’esthétique du film en lui conférant une atmosphère de mauvais soap tourné en studio. Un vrai tue-l’amour…

Pour le plaisir de & avec Reem Kherici (Fr, 1h35) avec également Alexandra Lamy, François Cluzet, Delphine Baril, Camille Aumont Carnel, Mitty Hazanavicius, Kyan Khojandi, François-Xavier Demaison… Sortie le 6 mai 2026.

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Pourquoi avoir situé cette histoire à Rouen ?

Fabien Gorgeart : C’est une ville que j’ai découverte pour le tournage et qui pourtant avait cette particularité d’être sur ma carte d’identité puisque j’y suis né. Mes parents y sont restés un mois et demi après ma naissance. Je n’ai donc jamais connu Rouen. Alors, quand on a eu l’aide de la Région Normandie et qu’il a fallu choisir où l’histoire se passait, j’ai foncé à Rouen, c’était une occasion de la découvrir et je savais que Rouen — comme Avignon — a été la Cité des Papes ; que c’était la ville aux cent clochers… C’était assez chargé. Tout de suite, j’ai visité l’église Jeanne d’Arc, où mes parents se sont mariés — on la voit dans le film. J’ai sauté sur cette occasion de renouer avec un passé que je ne connaissais pas.

Par rapport à La Vraie Famille, vouliez-vous davantage pousser les curseurs de la comédie ? 

FG : Quand le sujet s’est présenté à moi, j’ai sauté sur l’occasion de le faire. Je me suis dit que ça allait me faire du bien d’aller vers la comédie lorsqu’on m’a parlé des procès en nullité de mariage. Mon producteur, qui me connaît bien, m’a dit de regarder ça de près. En explorant la question, en faisant ce travail d’enquête, en rencontrant des prêtres, des gens ayant fait cette démarche, des avocats, j’ai vu le potentiel de comédie à l’intérieur. Et puisque j’avais fait un mélodrame, c’était pas plus mal d’y aller.

Cela a-t-il été plus facile au niveau de l’écriture ?

FG : Il faudrait que j’en fasse plusieurs pour voir à la fin qui gagne ! J’ai mis deux ans et demi à l’écriture pour La Vraie Famille ; neuf mois pour celui-là. Il a donc été plus rapide. Je pense pas que ça soit lié au fait que ce soit une comédie mais à un moment donné où on est aligné avec son inspiration, où les choses nous paraissent plus évidentes, sur ce que ça raconte… C’est vrai aussi que la procédure, le procès, étaient un appui narratif.

Avez-vous rencontré des prêtres par souci de réalisme ?

FG : Complètement. J’ai eu la chance en plus de rencontrer le père Danto qui est le doyen en la faculté en droit canonique de Paris qui a été extrêmement généreux : j’ai passé des heures avec lui, j’ai encore ses enregistrements. Il avait à cœur de trouver comment ça pourrait marcher pour mon film. Lors de la première recherche que j’avais faite, j’avais rencontré des gens ayant effectué la démarche ; je m’étais un peu raconté des choses… Évidemment, j’avais très envie que ça aille jusqu’à Rome : ça m’amusait de fait, symboliquement ; surtout c’était intéressant. Ça devenait quasiment un film d’aventures : commencer dans un centre commercial pour finir à Rome ! Tous les procès en nullité n’y vont pas ; il y en a très peu en France. Et puis le système a changé.

C’est avec lui que je discutais : comment on fait, qu’est-ce qu’on met en place pour que ça puisse marcher ? D’ailleurs, c’est quelqu’un qui j’ai hâte de montrer le film ; peut-être qu’il ne sera pas content de certaines libertés que j’ai prises. En tout cas, c’était une procédure qui très inspirante par rapport à ce que j’avais envie de raconter. J’ai aussi rencontré trois avocates ecclésiastiques dont une avec qui j’ai tissé une super relation, à qui j’ai fait lire le scénario et qui m’a donné beaucoup dans tout ce qu’elle m’a dit. Sur la manière dont on pouvait interpréter telle ou telle loi, sur comment on réfléchit à la question… Avec des personnes, d’autres religions, elle participe à des réunions où chacun de s’interroge sur ce que c’est que l’amour, le couple et comment à l’intérieur de ça on inscrit sa foi.

Reverdy disait : « Il n’y a pas d’amour, il n’y a que des preuves d’amour ». Ici, il y a des preuves verbalisées — lors du discours final — et des preuves montrées via les images du premier mariage. Celui-ci n’est pas un flash-back classique mais une vidéo tournée comme une séquence d’archives…

FG : La chance que j’ai eue, c’est que Laure [Calamy, NDR] et Vincent [Macaigne, NDR] se sont mariés, donc c’est leur film de mariage [sourire]. Non, c’est pas vrai, j’adore faire cette blague. Pour moi, cette séquence (et ce qui l’enrobe), était le cœur du film. Dans la scène d’avant, ils sont sortis de chez l’avocate qu’ils se disent : « finalement, on s’est mariés comme ça, on s’est séparés comme ça, notre histoire n’était peut-être pas grand-chose, ça ne veut rien dire pour notre fille. » Et dans cette scène, ils regardent une trace — forte — de leur amour. Le film devait l’incarner à ce moment-là de manière très forte.

Tout le boulot de cette scène-là a été assez passionnant à faire. On l’a tournée en se mettant dans la situation d’un vrai mariage. Vous en voyez très très peu dans le film, mais on a tourné beaucoup : toute une journée a été prise pour ça : la scène de la cérémonie de l’église, la déambulation dans la ville, l’arrivée dans le bar… Moi, j’avais une caméra et je faisais comme si c’était le frère qui filmait le mariage ; la cheffe-opératrice allait choper plein de choses et on pouvait se compléter à deux. Et après, c’est ce que vous voyez dans le film.

Quels effets avez-vous utilisés pour obtenir le grain d’époque : du matériel vintage, du de-aging ?

FG : On avait fait des tests avec des effets spéciaux, qui m’inquiétaient un peu, parce qu’on avance très vite sur cette question : dans certains films, on voit qu’il y a un truc qui ne va pas sur le grain de peau. Ce que je savais, c’est que comme on utilisait des caméras dégueulasses, ça effacerait cette netteté-là. Et que ça marcherait. On a fait tout de suite des essais en prépa et on a vu que c’était quand même super : on avait juste à choisir quel degré de rajeunissement qu’on leur faisait pour que ça ne soit pas trop. En fait, c’est parce qu’elle se regarde elle-même qu’on prend la mesure du rajeunissement. Ça, pour moi, c’est une pure question de cinéma. Tout le film était concentré là : sur ce que le cinéma peut faire pour raconter le passé, le présent, par cette superposition d’eux deux. Et faire un flashback qui n’en est pas un, ça m’amusait beaucoup déjà à l’écriture. 

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Le choix de Laure Calamy pour incarner Marguerite était-il une évidence ?

FG : Au démarrage de l’écriture, j’ai écrit pour Lyes et Mélanie : j’ai très vite pensé à eux, leurs personnages me sont apparus évidents : il fallait qu’ils soient dans cette histoire. Ensuite, pour le couple Laure et Vincent, c’est quand je me suis dit : à quel vieux couple je crois dans le paysage des comédiens que je connaissais que j’ai pensé à eux très vite. Parce que Laure et Vincent c’est une sorte de vieux couple : ils ont fait Conservatoire ensemble ; Laure a joué dans les premières pièces de Vincent et surtout, je les ai découverts dans un très beau moyen métrage qui s’appelle Un monde sans femme de Guillaume Brac, qui raconte une histoire d’amour qui n’arrive pas à se faire. Ils sont devenus ce qu’ils sont devenus depuis et j’avais vraiment envie de ne pas avoir que l’un ou l’autre : c’était vraiment les deux. Donc j’ai eu la chance que les deux acceptent.

Lyes, qu’avez-vous apprécié dans le scénario lorsque Fabien vous l’a proposé ?

Lyes Salem : Ce qui m’a séduit au départ, c’est le fait qu’un ancien couple ait besoin de se replonger dans son histoire et fasse remonter la mémoire de son intimité charnelle, qui va déborder sur le présent. La proposition de cinéma que le scénario faisait était séduisante. Ensuite, il y avait une envie de continuer à travailler ensemble ; et finalement d’endosser les différents chemins que le metteur en scène, l’auteur vous propose.

Pour le personnage de Sofiane, ce que j’ai ressenti assez rapidement (et ce sur quoi on s’est mis d’accord au moment de travailler) c’est cette espèce d’acceptation qu’il allait avoir de ce qu’allait vivre sa compagne ; l’intuition rapide de ce par quoi elle allait passer. Non seulement il l’accepte, mais en plus, il l’accompagne jusqu’au moment où il ne peut plus. La porte d’entrée pour mon travail, c’était que le personnage devenait une des réponses possibles à la question que pose le titre. 

Sofiane vit avec Marguerite depuis presque une quinzaine d’années — ils ont une fille de 14-15 ans. La prémisse, le contrat de ce que va être le film, c’est le personnage de Sofiane qui ouvre et qui lit la lettre [dans laquelle l’ex mari de Marguerite, Fred, lance la procédure pour obtenir la nullité de leur mariage, NDR] ; il est donc le premier à en prendre connaissance. Il a cette intuition qu’une zone de turbulence arrive. Alors il reste un peu retrait. Il comprend et accepte que Marguerite soit troublée par son passé mais ce qui lui pose problème, c’est qu’elle ne supporte plus le présent. C’est là-dessus que j’ai travaillé pour le personnage.

Travailler avec des personnes que l’on connaît, cela peut-il faciliter les choses ou bien inciter à mettre la barre plus haut pour déjouer l’habitude ?

LS : Il est évident qu’il y a des mécanismes, des réflexes qui se mettent en place, tout à fait nobles, qui peuvent faire avancer les choses très vite. Mais on peut aussi s’encroûter. Une image me vient en tête : je suis un passionné d’aérospatial et une compagnie comme Air France, par exemple, ne fait jamais voler un commandant de bord et un copilote trois ou quatre fois ensemble, parce qu’elle ne veut pas qu’ils prennent trop d’habitudes. Cela fait partie des choses où il faut être attentif l’un à l’autre : si l’on est trop en confiance avec l’autre, alors on ne fait pas attention et ça devient accidentogène.

Dans notre métier, il me semble qu’il y a un risque énorme, c’est la complaisance. Quand on est trop à l’aise, qu’on a trop l’impression que : « ah, ça va marcher. » Je m’en méfie beaucoup — je ne dis pas que c’est systématique, mais ça peut arriver quand on est toujours avec les mêmes personnes. Retravailler avec quelqu’un, c’est toujours se mettre dans un endroit de risque. L’artiste en a besoin. Ça ne veut pas dire que dans tout ce que je fais, il y a du risque ; ça va dépendre aussi de ce qu’on me propose. Mais dès qu’il y en a, ça me plaît beaucoup. Et travailler avec quelqu’un avec qui j’ai déjà travaillé c’est toujours intéressant.

Concernant mon cheminement avec Fabien : peut-être que ça va évoluer mais pour l’instant son univers c’est beaucoup la famille, un endroit que j’ai très envie de servir parce que ça fait partie de mes valeurs. Le compagnonnage comme acteur avec un auteur, c’est pour moi la plus importante des choses. Si je devais devais garder une seule chose de ce métier, je pense que ce serait ça.

Cela détermine-t-il vos choix de rôles ? 

LS : Ça peut. Après, je le vis avec Fabien et puis avec un autre metteur en scène… Les gens dont je comprends la nécessité artistique et avec lesquels je me sens à l’aise, alors il n’y a aucune raison que je décline. J’ai plutôt envie d’abonder dans leur sens : ça fait partie du récit que j’ai envie de me faire en tant qu’artiste, en tant que comédien.

Ressentez-vous aussi le même sentiment chez les comédiens que vous dirigez lorsque vous êtes réalisateur ?

LS : Peut-être un tout petit peu différemment. Mon “sillon” de réalisateur est un peu plus chahuté. Il passe aussi par un autre territoire — le territoire algérien — et donc un autre imaginaire, et les choses, vous l’aurez compris, ne sont absolument pas simples en ce moment. Donc je dirais que j’ai un peu moins le choix ; je fais un petit peu avec ce qu’il est possible de faire…

Fabien, avez-vous fait répéter les comédiens en amont du tournage ?

FG : Non, ils étaient tous très pris. On a passé du temps à lire par exemple avec Lyes et Vincent. Laure était toujours en tournage c’était très compliqué : on a juste pu faire une sorte de lecture-répèt’ avec Jean-Marc Barr et elle. Après, j’avais confiance dans ces comédiens : on avait un plan de travail juste, mais dans la manière dont j’ai tourné — en laissant du temps aux scènes, en tournant sur la longueur… — j’avais confiance dans le système qu’on allait mettre en place pour que ça advienne sur le tournage. On a fait un peu de répétitions de danse pour la scène finale, mais c’était une demi-journée.

LS : Il y a eu à peu près la même chose sur le film précédent : la méthode de travail de Fabien c’est que les premières séquences qu’on tourne, on les fait dans la longueur. Pas forcément l’entièreté de la séquence mais en tout cas un plan où tout le monde est dans le cadre. Et ce plan-là en général va susciter beaucoup de prises. Un peu comme si on se mettait d’accord sur les règles du jeu. Fabien profite de ce moment-là pour amener les uns et les autres à l’endroit de jeu qui lui est nécessaire. On va mettre plus ou moins de temps à le trouver, mais une fois que tout le monde l’a trouvé, on s’est compris, les choses sont en place et on peut partir.

Est-ce lié au fait que vous êtes aussi metteur en scène de théâtre?

FG : Je suis d’abord metteur en scène de cinéma avant d’être metteur en scène de théâtre. Mais je n’ai pas encore beaucoup d’analyse et de recul sur comment l’un nourrit l’autre ; je sais pour l’instant que l’un me “lave” de l’autre. C’est-à-dire qu’il n’y a pas du tout le même rapport à l’image, au comédien, au travail… Donc ça me fait oublier et je suis très content de revenir : « ah, c’est vrai qu’un film, on le fait comme ça » Le temps qu’on passe dans un théâtre n’est pas du tout le même temps qu’on passe sur un plateau. Donc ça, c’est assez agréable pour moi. Le trait d’union étant le travail des comédiens.

Lyes, vous avez été à l’affiche des trois derniers Grand Prix du Festival de l’Alpe d’Huez. Est-ce un hasard ?

LS : Oh, un hasard, je ne pense pas. La comédie est quelque chose dans lequel je me sens très à l’aise. Et puis j’ai eu la chance d’avoir ces propositions et qui m’ont à chaque fois rendu très heureux. 

FG : On a eu la chance qu’à chaque fois que Lyes est dans un film, il a un Grand Prix. C’est comme ça. 

LS : Effectivement, on a eu le Grand Prix trois fois de suite. C’est vrai que la comédie est quelque chose qui me plaît beaucoup. Après, j’ai un film qui va arriver qui est tout l’inverse : Les Derniers Jours de R.M de Amin Sidi-Boumediène, avec qui j’avais fait avec qui j’avais fait Abou Leila il ya quelques années. On est totalement dans un autre univers, dans du Lynch… Comme acteur, tout me séduit à partir du moment où j’ai envie de suivre le ou la réalisatrice. Mais c’est vrai que je suis né dans la comédie. 

Finalement, Fabien, “C’est quoi l’amour ?”, est-ce une question que vous vous êtes posée tout au long de votre parcours ?

FG : (sourire) En tout cas, tout au long de l’écriture de celui-là, c’est sûr ! D’une certaine manière, le film vient clôturer une sorte de trilogie sur l’amour — qui n’est pas que celui d’un couple. Sur comment une famille se dessine, aussi, avec des questions d’amour qui ne sont pas forcément les questions de lien ou du sang… J’avais aussi envie que le film commence comme une sorte de comédie de remariage et que plus on avance, plus la question s’élargisse. Pas qu’au couple, justement. Parce que c’est toute une famille qui se fait embarquer dans une histoire de couple. Un élargissement à l’image du personnage de Céleste qui commence dans un téléphone portable et finit par clôturer et redistribuer toutes les cartes.

Vous parlez de clôturer une trilogie. Pensez-vous réellement être arrivé « au bout de ce chemin », pour reprendre une réplique importante du film ?

FG : En tout cas, je sens que j’ai fait le tour d’une question. Peut-être qu’il faudra refaire un tour plus tard, mais pas tout de suite. J’ai besoin de rire, raconter d’autres histoires, d’aller m’interroger sur d’autres récits. Mais oui, j’ai eu ce sentiment-là. J’avais envie de terminer aussi sur une note plus légère par rapport au film d’avant La Vraie Famille, qui était un film sur le déchirement. Là, c’est un film sur la conciliation. En tout cas, je sens que, puisque je suis en train de faire le prochain, qu’il est temps que j’aille ailleurs.

Puisqu’au fur et à mesure de ces trois films, vous avez créé une troupe, une “famille de cinéma”, avoir clôturé ce chapitre vous permet-il d’en ouvrir d’autres avec cette même troupe ? 

FG : Alors ça, c’est en plein questionnement, plein d’interrogations tout ça, puisque là je suis en cours d’écriture. J’espère plutôt que ça plante les graines. Il est hors de question de clôturer quoi que ce soit sur cette question-là. Est-ce que c’est sur le prochain, celui d’après, mais Lyes, Mélanie — il s’agit d’eux surtout, puisqu’ils étaient dans le film d’avant — sont des gens et des comédiens qui m’inspirent beaucoup. J’aime à dire comme une blague (mais c’est un peu vrai) que si j’étais un homme, j’aimerais bien être comme Lyes Salem. C’est la figure d’homme un peu incarnée qui, je pense, va continuer de m’inspirer.

C’est quoi l’amour ? de Fabien Gorgeart (Fr., 1h48) avec Laure Calamy, Vincent Macaigne, Lyes Salem, Mélanie Thierry, Céleste Brunnquell, Saül Benchetrit, Grégoire Leprince-Ringuet, Jean-Marc Barr, Aurélia Petit… Sortie le 6 mai 2026.

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