Juste une illusion de Olivier Nakache & Éric Toledano

1985. Une famille ordinaire de la banlieue parisienne dont Vincent, 13 ans, est le benjamin. Pendant que son frère aîné s’affranchit gaillardement de la tutelle parentale, que son père peine à dissimuler qu’il a perdu son emploi de cadre et que sa mère s’initie à l’informatique naissante, Vincent entre de plain-pied dans l’adolescence avec ses mystères, ses bonheurs éphémères et ses nouvelles angoisses liées à la vie, l’amour, la mort — comme dans un film de Lelouch. Un âge où il faut paraître avant d’arriver à être…

« Cette histoire est vraie, mais elle s’est passée il y a bien longtemps, quand vos grands-parents étaient encore des enfants… A cette époque, des charrettes et des fiacres roulaient dans les rues, et quand une auto arrivait, on l’entendait venir de bien loin (…) C’est pour vous dire que le monde change vite… » Voilà comment Marcel Pagnol présente ses Souvenirs d’enfance écrits en 1957, soit un peu plus de quarante années après qu’il les a vécus.

À des poussières près, c’est le même écart temporel qui sépare la date de sortie de Juste une illusion de l’époque à laquelle il est fait référence, contemporaine de l’adolescence des ses auteurs. S’il n’y a certes plus de fiacres dans les rues, la différence entre leur “jadis” et notre “aujourd’hui” n’en demeure pas moins vertigineuse : il suffit d’observer l’emprise du numérique dans nos existences pour mesurer combien ce XX^e siècle pas si lointain appartient à une autre ère. Voire à un Moyen Âge !

La nostalgie, camarades ?

Réfutant toute forme de nostalgie, Nakache & Toledano livrent une chronique de ces années 1980 sans idéaliser quelque âge d’or que ce soit — fût-il celui de leur prime jeunesse. À la fois intérieur et lucide, leur regard rétrospectif embrasse les moindres gestes de leur jeune héros tout autant que les mouvements de son entourage. À l’écoute de ses propos également, ils ne perdent pas non plus une miette des bruits de fond — en particulier du tapis sonore (et musical) donnant paradoxalement une consistance cette évocation. Travail d’orfèvre, d’ailleurs, que cette minutieuse restauration de l’époque qui sonne juste puisqu’elle est, comme tout artifice cinématographique réussi, invisible.

Alors, de quoi Juste une illusion est il le nom ? De cette fin de l’enfance où l’on se rend compte de l’abîme qui s’ouvre devant soi, de la conscience de la perte ? De la prise de conscience des grandes questions qui taraudent l’existence et que l’insouciance des premiers âges occultait ? D’un espoir — appelé à être déçu — en une communion irénique entre les peuples matérialisée par les badges de SOS Racisme ou d’une foi en ces miraculeux ordinateurs susceptibles de procurer de nouveaux emplois et ainsi conjurer le chômage galopant ? De tout cela, encapsulé dans une comédie à la fois tendre, malicieuse et grave. 

Face A/Face B

Depuis toujours, l’écriture de Nakache & Toledano tient du grand art voire de la composition symphonique. D’ailleurs, si chacun de leur film paraît si équilibré, n’est-ce pas parce qu’il ressemble à une note ? Autour de la “fréquence fondamentale” (le genre comédie), les “harmoniques” (en l’occurence, les sous-thématiques du récit que sont l’enfance-adolescence, le couple, la religion, l’amour, la famille, l’évolution, le mensonge etc.) s’enroulent et se déclinent entre les personnages, tout en se faisant miroirs objectifs du contexte social choisi. Exemples les plus évidents, Nos jours heureux (2006), Tellement proches (2009), Le Sens de la fête (2017) ou Hors normes (2019) ne procédaient pas différemment. Juste une illusion s’intéresse peut-être ici à une génération spécifique, mais au-delà, comme toujours, ils s’adresse à tout le monde.

Un dernier mot pour évoquer le regain d’intérêt actuel pour ce “lointain“ passé, en particulier dans les comédies… et la diversité d’approches que les années 1980 permettent. Ainsi, Juste une illusion pourrait se considérer comme l’avers sérieux de cette exploration ; une face A pour rester dans le vocabulaire musical. Ce n’est pas pour autant qu’il faudrait se priver de la face B (son inconscient refoulé), surtout qu’elle existe déjà grâce à Jean-Baptiste Saunier & Thomas N’Gijol dans Police Flash 80, qui donne un éclairage complémentaire trash et rigolard sur cette décennie bancale…

Juste une illusion de Olivier Nakache & Éric Toledano (Fr., 1h56) avec Louis Garrel, Camille Cottin, Simon Boublil, Pierre Lottin, Alexis Rosenstiehl, Jeanne Lamartine… Sortie le 15 avril 2026

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La Petite Graine de Colas & Mathias Rifkiss

La trentaine finissante, Denis et Céline vivent ensemble depuis les années lycée. Le bonheur de leur couple est toutefois voilé par un regret : l’impossibilité d’avoir un enfant. Leurs nombreuses tentatives, toutes soldées par des échecs, les poussent — à reculons pour Denis — à demander de l’aide à Piche, un ancien condisciple perdu de vue depuis longtemps. Ignorant le but de cette prise de contact, celui-ci débarque chez eux, bientôt rejoint par sa fantasque fiancée, la pétulante Mégane…

Couleur trompeuse que celle de l’affiche et des premières images de La Petite Graine : le rose bonbon des idylles renverrait ici davantage à la saveur des dragées au poivre, friandises cruelles adaptées à un baptême jamais célébré. Mais cet aplat obsédant, insolent de normalité artificielle, se volatilise rapidement pour laisser place au réel. À une vie de couple en milieu rural que l’absence d’enfant a insidieusement cisaillée… jusqu’à une nuit décisive dans leur maison.

En avoir ou pas

Cœur de ce film jonglant pourtant entre plusieurs registres comiques, cette fameuse nuit lui confère un air de tragédie classique dont il respecte les trois unités : intrigue, lieu, temps. L’absurdité apparente de la quête des personnages (obtenir des gamètes d’un presque inconnu) révèle peu à peu le long chemin de souffrance qu’ils ont parcouru. Un joli morceau de bravoure au passage puisque tout tient sur (et par) la parole, donc grâce au quatuor de comédiens — avec certes quelques brefs renforts de voisins croquignolets. Et si aucune séquence en flashback ne nous détourne de l’instant présent, celui de l’urgence, de la demande, le passé ne se prive pas de faire irruption à l’intérieur du dialogue… ou des monologues. 

Tel celui que déroule une déchirante Louise Massin, premier rôle idéal et révélation stupéfiante, dont la voix mérite d’être davantage entendue. Il fallait une certaine présence pour offrir un contrepoint à la dynamite Delphine Baril ; c’est peu dire que Louise Massin, mélange de retenue et de détermination, l’incarne à merveille : la vérité sourd de son personnage. Certes, elle le “connaissait” déjà pour en avoir interprété une première version (avec Sébastien Chassagne) dans le court métrage La Charge mentale que Colas & Mathias Rifkiss ont tourné juste avant La Petite Graine — et qui vient ici conclure le film. Elle lui donne ici une autre dimension.

Bonnes notes

La vérité, ou la sincérité, est souvent la clef de la réussite d’un film. Autre axiome vérifié par La Petite Graine : un premier long métrage a toujours, au moins partiellement, une origine autobiographique. C’est en effet en puisant dans leur histoire commune que les frères Rifkiss ont trouvé ce sujet, transcendant une blessure en une création et trouvant la grâce de lui conférer de l’élégance. Mais on peut aussi saluer chez eux une autre écriture puisqu’ils ont signé paroles et musiques des thèmes fort différents habillant le film. Du pastiche pop à la nappe contemporaine semi-inquiétante en passant par la ballade romantique, leur éventail se révèle plutôt large. Et les range, aux côtés de Astier, Amenábar, Eastwood ou Carpenter dans le tout petit monde des cinéastes capables de signer leur B.O. Du beau monde…

La Petite Graine de Colas & Mathias Rifkiss (Fr, 1h38) avec Sébastien Chassagne, Louise Massin, Oussama Kheddam, Delphine Baril… Sortie le 15 avril 2026.

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“Avignon”, “Enzo” en salle le 18 juin 2025

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Bagarre de Julien Royal

Marseille, de nos jours. Prototype du bon gars serviable dont on profite facilement, Naïm est doté d’un talent inné pour la baston. Alors qu’il vient de se faire mettre à la porte de chez lui par son ex- et qu’il doit trouver en urgence de l’argent pour soigner sa chienne, il est recruté par Gary, un margoulin “louant” des gros bras à la demande. À l’occasion d’une de ses “missions“, il fait la connaissance de Laetitia, une barmaid qui n’est pas insensible à son charme candide. Mais Naïm est vraiment long à la comprenette…

Sous ses aspects de comédie bas du front visant à valoriser la plastique avantageuse du comédien caréné comme bodybuilder et servant les bourre-pifs au ralenti à des montagnes de muscles anamorphosées par l’impact, Bagarre cache bien son jeu. D’abord parce que le héros n’a rien du justicier invulnérable : il est d’entrée perclus de failles — comprenez, de “défauts” peu compatibles avec son profil. Ainsi, outre son ingénuité (on y reviendra), il possède un champ de vision drastiquement réduit et est affligé de bromhidrose plantaire — ses pieds sentent le reblochon, en clair. Ensuite, parce que Royal et Lyes vont alourdir la barque jusqu’au bout, au point que Naïm finit dans un état à peine imaginable. Une relecture du masochisme cher à Clint Eastwood, mais poussé à son paroxysme.

Naïm le naïf

Toutefois, c’est le côté un peu benêt, trop gentil et serviable du personnage, qui interpelle le plus. D’autant qu’il est conjugué à une incapacité à comprendre les blagues (et surtout le second degré) ; à décoder convenablement les expressions faciales de ses interlocuteurs ; à être, enfin, volontiers idéaliste et à ne pas soupçonner chez ses vis-à-vis de mauvaises intentions même quand tout clignote en fluorescent. Ce profil ressemble à s’y méprendre à celui d’un individu présentant un TSA (trouble du spectre de l’autisme), non détecté, et dont l’entourage abuse. Un entourage loin d’être exempt de travers.

Ainsi Laetitia, le love interest de Naïm est-elle affligée d’un furieux alcoolisme ainsi que d’un talent pour le chant plus que douteux. Et que dire de la vétérinaire (Dr Couffard !), auto-proclamée « un petit peu raciste » en plus d’être vénale ; ou du patron du bar de plage employant Naïm, de son ex profiteuse… En fait, si l’on y regarde bien, tous les personnages pourraient sortir d’Affreux, sales et méchants de Scola (1976), tant le jeu de massacre est général, mais fort bien senti. À la différence de l’odeur des pieds de Naïm.

Sauce samouraï

Aussi étonnant que cela puisse paraître, Bagarre rappelle Little Big Man (1970) de Arthur Penn. Et plus précisément l’une des multiples vies de Jack Crabb, le héros-titre, as inné de la gâchette… qui s’avère révulsé à l’idée d’utiliser son talent pour tuer quelqu’un. Naïm va suivre à peu près la même trajectoire : déjà réticent à se battre “pour rien” (et encore moins à être payé pour cela, il n’y consent que lorsqu’une femme est maltraitée, comme poussé par un instinct de chevalier servant), le mercenaire va promouvoir le dialogue comme alternative à la violence. Voire évoluer en une sorte de Zatōichi en bout de course. Ce n’est pas le moindre des décalages jouissifs et inattendus de cette comédie fourmillant de détails tordus ou tordants…

Bagarre de Julien Royal (Fr, int.-12 ans, 1h37) avec Nassim Lyes, Anaïde Rozam, Audrey Lamy, Ramzy Bédia, Hakim Jemili… Sortie le 15 avril 2026.

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La Corde au cou de Gus Van Sant

Indianapolis, hiver 1977. Tony Kiritsis se présente à l’accueil d’une société de courtage un colis sous le bras. Le patron n’étant pas là, c’est le fils qui le reçoit… et se retrouve pris en otage grâce à un dispositif rudimentaire mais ingénieux. Au bout du rouleau, Tony n’a trouvé que ce geste spectaculaire et désespéré pour faire valoir ses droits auprès du courtier, responsable selon lui de sa ruine. Exigeant des excuses ainsi qu’une rançon, il suscite l’intérêt des médias locaux puis nationaux, déchaînant un débat sur la légitimité de son acte…

N’était l’aspect politique toujours d’actualité — en même temps, il y a peu de chances pour que la rapacité de la finance disparaisse de ce bas monde — on pourrait croire que Gus Van Sant a tourné ce film pour relever à nouveau le défi d’une reconstitution afin d’y apporter des réponses esthétiques et théoriques singulières. Dans le registre des biopics, les familiers de son œuvre se souviendront sans peine de Last Days (2005), évocation (très) abstraite et non officielle des ultimes jours de Kurt Cobain comme du formellement très classique Milk (2008), qui traitait d’un sujet subversif… ou du moins clivant dans le tout venant hollywoodien. Au chapitre des relectures, comment oublier le stupéfiant Psycho (1998), remake absolu et cependant transgressif du slasher matriciel d’Hitchcock ? La Corde au cou doit aussi s’appréhender comme une manière de prétexte.

La même différence

Sans minorer l’enlèvement ni la prise d’otage, c’est sans doute la dramaturgie de l’événement qui intéresse ici surtout le cinéaste ; et tout particulièrement sa retranscription en temps réel dans un espace médiatique encore rudimentaire… et restreint. Il y a un demi-siècle, c’est l’échelon local et la voix de la radio qui priment, pour quelque temps encore, sur la télévision. Kiritsis est le sujet du film mais il est aussi un sujet pour la jeune journaliste-reporter qui couvre l’affaire (et en use comme d’un marche-pied professionnel) ; il l’est aussi pour la star des ondes d’Indianapolis qui le fait parler à l’antenne. Audience et notoriété : chacune des parties partage les bénéfices de cette exposition.

Dernier aspect “ludique” pour Van Sant : la tentative de fabrication à l’identique du fait divers, scrupuleuse, au cadrage près comme le prouvent les archives en fin de film. Même grain pour les images vidéo d’époque, même dépouillement général à l’image — en cela, on retrouve comme dans le récentThe Mastermind de Kelly Reichardt un paysage urbain d’une frappante sobriété, c’est-à-dire encore épargné par la sur-saturation publicitaire et médiatique. En jouant sur l’identique, le réalisateur nous alerte ainsi sur le différentiel : autrement dit, tout ce qui a changé dans les apparences induit de réfléchir sur ce qui peut avoir muté dans les mentalité de la société, notamment en ce qui concerne l’appréhension de l’injustice sociale. Et là, on pourrait être étonné…

La Corde au cou (Dead Man’s Wire) de Gus Van Sant (É.-U., 1h44) avec Bill Skarsgård, Dacre Montgomery, Cary Elwes, Myha’la, Colman Domingo, Al Pacino… Sortie le 15 avril 2026.

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L’Amour c’est surcoté de Mourad Winter

Trentenaire habitué au vide abyssal sentimental, Anis est de surcroît plombé par la perte de son meilleur pote d’enfance survenue il y a trois ans. Pour se changer les idées, il sort en boîte et croise Madeleine, une fille peu conventionnelle, qui va le mettre au défi de la retrouver. Peu à peu, l’ébauche d’une relation va naître entre eux malgré la tendance d’Anis à se dissimuler derrière les mythos, les vannes et sa pudeur…

À la lecture du palmarès d’un festival, il n’est pas rare que l’on soit interloqué par la formulation d’un prix — en général, parce qu’il reconnaît des qualités passe-partout ou un peu trop cryptiques à un film. En décernant leur “Mention Spéciale du Jury” à L’Amour, c’est surcoté, les juré de l’Alpe d’Huez ont judicieusement agi. D’abord, parce que ce film mérite amplement cette épithète de “spécial” (à comprendre comme “original”, “singulier”, “novateur”, “rafraichissant”) ; ensuite parce qu’il se devait de figurer parmi les lauréats, tous moins centrés sur la “comédie pure” que sur des relations affectives et/ou sentimentales repensées, en phase avec cette nouvelle gentillesse prônée par Karim Leklou lors de l’attribution de son César.

Éloge du mâle bêta

Adaptant ici son roman, Mourad Winter ose quelque chose d’inattendu : la romcom dans le cadre peu coutumier d’une banlieue, en choisissant de surcroît un serial loser sentimental chambré par sa bande de potes. Cerise sur le gâteau, sa dulcinée s’avère davantage princesse que Cendrillon, ce qui ajoute à ses complexes et traumas de mâle plus bêta qu’alpha, une possibilité de devenir un transfuge de classe. Certes, l’inversion des clichés n’est pas totalement nouvelle (Coup de foudre à Notting Hill) mais l’inscription dans ce cadre socio-urbain a le mérite de rebattre les cartes des rapports masculin/féminin et de torpiller  le virilisme à front de taureau. 

Rythmé par l’osmose assez stupéfiante entre Hakim Jemili et Laura Felpin (confirmant après Joli Joli sa prometteuse inflexion) et un montage dynamique, L’Amour c’est surcoté bénéficie d’un autre atout : sa cohorte de second rôles. D’Abbes Zahmani à Steve Tientcheu, en passant par Clotilde Courau, cette (belle et) éclectique distribution est toutefois dominée par Benjamin Tranié, franchement hilarant dans le rôle de Paulo, le meilleur pote. Gatling à saillies racistes, il est un peu l’équivalent du faire-valoir infréquentable joué par Rhys Ifans dans Notting Hill. Mais ses provocations sont, tout autant que les pirouettes et vannes incessantes d’Anis, des paravents dissimulant sa fragilité de célibataire. Ne passez pas à côté.

L’Amour c’est surcoté de Mourad Winter (Fr., 1h38) avec Hakim Jemili, Laura Felpin, Benjamin Tranié, Abdulah Sissoko, Clotilde Courau, Abbes Zahmani, Steve Tientcheu… En salle le 23 avril 2025.

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Familia de Francesco Costabile

Rome, années 1980. Victime de Franco, son époux violent, Licia obtient une mesure d’éloignement lui permettant d’élever ses deux enfants Gigi et Alessandro à l’abri de cette brute invétérée. Une décennie plus tard, alors que Gigi évolue dans la mouvance néo-fasciste, Franco refait surface dans leur vie comme si de rien n’était et prétend revenir dans le giron familial. Mais a-t-il changé ?

S’il fallait résumer sommairement Familia par un proverbe, ce serait : « les chats ne font pas des chiens » ; si l’on devait user d’une parabole, celle du scorpion et de la grenouille telle que la raconte Orson Welles dans Mr. Arkadin (1955). Car ni Franco, ni Gigi ne peuvent s’empêcher d’être ce qu’ils sont ; de réprimer leur jalousie ni leur brutalité. Cela étant posé, Francesco Costabile ne se borne pas ici à décrire la reproduction d’une violence intra-familiale : bien qu’étant un sujet en soi, l’argument serait un peu mince et surtout — hélas — rebattu. Le cinéaste montre comment la mouvance néo-fasciste détecte et enrôle ses proies susceptibles de présenter ce caractère explosif dans le but d’attiser leur colère à des fins politiques et séditieuses.

Mecs plus ultra

Cette thématique de l’endoctrinement de jeunes hommes (issus de foyers populaires, adeptes d’activités sportives et viriles, souvent élevés par des parents célibataires) n’est pas sans rappeler l’argument de Jouer avec le feu des sœurs Coulin… mais en plus subtil puisque l’imprégnation radicale n’est pas ici l’alpha et l’omega et que: la porosité de Gigi à cette idéologie découle d’un conditionnement atavique. Dans sa complexité trouble, le rapport père/fils peut rappeler celui qui sous-tendait le trop méconnu At Close Range de James Foley (1986), interrogeant également les questions de loyauté et d’hérédité toxique dans un milieu de délinquants.

Construit comme une tragédie grecque (c’est-à-dire avec une issue en forme d’impasse) Familia a cependant le grand mérite d’être imprévisible dans ses développements et rebondissements : si l’on se doute que le fatum frappera, on ignore quand et comment. Mention particulière à l’interprète du père, Francesco Di Leva, qui insuffle en permanence une tension sourde, même lorsqu’il semble apaisé.

Familia de Francesco Costabile (It., 2h04) avec Francesco Gheghi, Barbara Ronchi, Francesco Di Leva… En salle le 23 avril 2025

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Mexico 86 de César Díaz 

1986. Alors que le Guatemala vit en pleine guerre civile, Maria a dû s’exiler au Mexique sous une fausse identité afin de poursuivre son action militante. Ce faisant, elle a confié son fils Marco à sa propre mère pour éviter qu’il ne soit expédié dans une “ruche” à Cuba — une pension regroupant les enfants des activistes. Un acte de rébellion vis-à-vis de sa hiérarchie et des règles, qu’elle transgresse par ailleurs quand elle prend le risque d’aller voir ou de faire venir son fils…

Découvert avec Nuestras Madres (récompensé par la Caméra d’Or 2019 mais hélas pour lui victime collatérale du Covid 19 qui l’avait contraint à sortir en SVOD l’année suivante), le cinéaste guatémaltèque César Díaz continue à exhumer les cadavres empilés dans les placards de son pays. Un pays n’ayant toujours pas apuré ses comptes avec sa propre histoire. Personnellement concerné par le sujet, il use du cinéma comme le Chilien Patricio Guzmán le fit jadis, en position de témoin et de passeur. Mexico 86 s’inspire en effet vaguement de sa propre enfance et de la figure de sa propre mère, même s’il ne revendique pas un autobiopic.

Son fils, sa bataille

Montrant la vie de bêtes traquées des opposants guatémaltèques, ce thriller politique révèle avec la facilité avec laquelle les émissaires de la junte alors au pouvaient les persécuter et exécuter dans les pays étrangers où ils avaient trouvé refuge (ainsi qu’une nouvelle identité). À croire qu’à l’époque des dictature sud-américaines, le terrorisme d’État jouissait des prérogatives octroyées aux diplomates — voir They Shot The Piano Player.  Mais il n’y a pas que cette dimension édifiante, costa-gavresque oserait-on dire, dans le film de César Díaz gravitant autour de la relation entre Maria et son fils, a priori impossible pour une révolutionnaire qui doit se défaire de toute attache familiale. Mais puisqu’une révolution part du postulat qu’il faut remettre en cause des règles instaurées, pourquoi ne pas contester celle qui voudrait qu’un fils soit séparé de sa mère, au motif qu’elle est dans la clandestinité ?

Très convaincante dans son double, triple rôle de mère/activiste/employée de journal tentant de faire connaître la situation de son pays, Bérénice Bejo trouve dans le jeune Matheo Labbé un excellent partenaire, évoluant sur un registre totalement différent : Marco vit en effet a contrario dans une conscience partielle des dangers environnants, créant malgré lui des situations de péril dont il ne mesure pas la portée du haut de ses 10 ans. Par ses imprudences d’enfant déréglant la machine militaire qui régente la sécurité de sa mère (et de son mouvement), il instille un aléa terrible, mais rappelle aussi ce que c’est que de vivre — ce pourquoi elle se bat, au fond.

Mexico 86 de César Díaz (Bel.-Fr., 1h33) avec Bérénice Bejo, Matheo Labbe, Leonardo Ortizgris, Julieta Ergurrola… En salle le 23 avril 2025.

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“May December”, “L’Homme d’argile” et “Captives” en salle le 24 janvier 2024

Des jours meilleurs de Elsa Bennett & Hippolyte Dard

Mère célibataire depuis la mort de son époux, Suzanne a trouvé dans l’alcool la béquille illusoire pour tenir au quotidien. Un jour, c’est la goutte de trop : un accident de voiture avec les enfants et une syncope au boulot. Pour espérer retrouver leur garde, elle doit suivre une cure dans un centre de désintoxication alcoolique. Sur place, en compagnie d’autres malades, elle participe au défi lancé par un intervenant extérieur : monter une équipe pour participer à un rallye automobile au Maroc…

Ce film à quatre mains et aussi un film double, voire doublement double. Du bon côté des choses,
l’incorporation de séquences donnant voix au chapitre aux personnages secondaires, dans lesquelles elles racontent leur itinéraire d’alcooliques; Placés comme des respirations scandant le récit, ces témoignages-confessionnal ancrent davantage celles qui s’expriment dans le réel en réinjectant du naturel, même s’il est brutal (ou tragique, ou comique) à entendre.

Boire ou conduire

A contrario, la dichotomie entre vie au quotidien dans le centre de soins/course au Maroc n’est guère emballante : on devine (et comprend) l’intention de rendre un drame social aride un peu sexy en l’hybridant avec l’expédition improbable de pieds nickelées au Maroc. S’il constitue le morceau de bravoure du film, à la fois décalé et spectaculaire, il donne lieu tout au long de sa préparation et lors de son déroulement, à une série de gags et d’effets convenus quand ils ne sont pas prévisibles — tout ça pour ça…

Restons plutôt sur l’intérêt prophylactique de Des jours meilleurs qui, comme The Lost Weekend de Billy Wilder (1946), Le Dernier pour la route de Philippe Godeau (2009) ou La Fête est finie de Marie Garel-Weiss, dont on vient d’apprendre la disparition (2017), raconte l’enfer de l’intoxication alcoolique ou aux stupéfiants et la non moins problématique question de la désintoxication en centre. À chaque fois, le titre est évocateur…

Des jours meilleurs de Elsa Bennett & Hippolyte Dard (Fr., 1h44) avec Valérie Bonneton, Michèle Laroque, Sabrina Ouazani, Clovis Cornillac… En salle le 23 avril 2025.

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La Chambre de Mariana de Emmanuel Finkiel

1943, en Ukraine. Une nuit, la mère du jeune Hugo mène son fils vers une maison inconnue afin de le confier aux bons soins de Mariana. Prostituée dans un bordel, celle-ci cache Hugo dans le placard de sa chambre, lui intimant de ne pas faire le moindre bruit pour leur sécurité à tous les deux…

« La guerre, la guerre, toujours recommencée ! », pourrait-on dire en parodiant Valéry à propos de la Seconde Guerre mondiale. Verrue du XX^e siècle, cette abomination est la colonne vertébrale de l’œuvre de Emmanuel Finkiel qui l’ausculte et la dissèque sous différentes facettes. Après avoir travaillé avec les survivants à ses débuts dans des fictions-documentarisantes, voici qu’il se replie sur des reconstitutions plus classiques ; des adaptations littéraires de témoignages, d’expériences vécues durant le conflit — La Chambre de Mariana, tiré d’Aharon Appelfeld, arrive après La Douleur, transposé de Duras.

Sans lui faire injure, Finkiel se montre moins inspiré dans l’exercice de l’adaptation, livrant des films au maniérisme froid donnant la détestable impression qu’ils servent d’écrin non à l’interprétation mais à la recherche de performance de sa comédienne fétiche, Mélanie Thierry — on ressent en effet comme une insistance à mettre en avant l’actrice devant le personnage, en dépit de la logique. Ajoutez les artifices maladroits censés donner l’illusion du temps qui passe (la perruque douteuse du jeune Hugo indiquant que ses cheveux ont poussé…) et l’on perd le fil de ce qui devrait être l’essentiel ici : l’émotion — et non la démonstration.

La Chambre de Mariana de Emmanuel Finkiel (Fr.-Bel.-Hon.-Isr.-Port., 1h43) avec Mélanie Thierry, Artem Kyryk, Julia Goldberg… En salle le 23 avril 2025.

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Est-ce vous qui êtes à l’origine du projet d’adaptation de votre livre ?

Mourad Winter : Non : je ne m’étais même pas posé la question de l’adapter. Quand j’ai sorti le bouquin, au bout d’une semaine, j’ai eu 5, 6 propositions. Et puis une prod me contacte, me me dit : « Tu réalises ? » Let’s go, quoi ! 

Comédie romantique, drame, histoire de copains… Comment définissez-vous votre film ?

C’est vraiment personnel, je ne parle qu’en mon nom, mais j’ai beaucoup de mal avec les registres — enfin, avec les films qui restent sur un seul registre. J’aime bien mélanger les genres. On est dans une époque où tout le monde est un peu touche-à-tout. Se cantonner à la comédie, au drame, au film d’horreur, ça ne marche plus à mes yeux. J’aime bien prendre l’exemple de Succession, qui n’a rien à voir avec une série comique, mais où j’ai rigolé comme jamais. Parce que les dialogues sont marrants.

Avec ce bouquin et ce film, j’ai essayé de raconter des histoires du quotidien, mais avec des dialogues marrants, sans pour autant finir avec un nez rouge et une peau de banane au sol. Je pense qu’il y a d’autres manières de créer de la comédie que juste amener des séquences fortes de blagues et de scènes comiques. Maintenant, ça passe par les dialogues. C’est pour ça qu’on est entre la dramédie, la comédie et puis surtout la comédie romantique, l’histoire d’amour qui ne prend pas. C’est sûr que ça peut être assez dense sur 1h40…

C’est quand même comme une comédie romantique…

Oui, oui, oui, mais parce que l’histoire d’amour est quand même centrale et c’est par l’histoire d’amour que Anis règle son problème avec la mort de son meilleur ami et cette place du deuil. Quand j’écris le bouquin, j’ai envie de traiter de l’amour, mais dans sa tridimensionnalité : le couple, la famille et les amis. Parce qu’il ne faut pas se cantonner juste au couple ; généralement, il faut un petit peu des trois pour être heureux. C’est comme ça que j’ai bossé et que je l’ai adapté. Pour la première version, j’avais 180 pages. Pour un scénar qui doit en faire 100, c’est dur de rentrer dans les clous. On a réussi. 

Puisqu’il s’agit de l’histoire d’un couple, il fallait que cela matche entre Laura Felpin et Hakim Jemili…

Hakim, je le connais depuis 2011. C’est vraiment un très bon pote : on a été dans le milieu du stand-up ensemble ; on a toujours bossé et fait des trucs ensemble. Je le connais, je sais que c’est un très bon compagnon ; que tout se passe assez bien. il n’est pas relou. Laura, je l’ai rencontrée juste un peu avant, six mois avant le tournage. On m’a proposé d’aller voir son spectacle. J’ai vu le personnage et son spectacle cinq fois de suite. Les cinq fois, c’était à la virgule près. J’ai vu le niveau de discipline, de justesse. Après, on a commencé à discuter et je me suis rendu compte qu’elle était dans le même délire, pareille que nous. Et ce qu’il lie aussi entre eux, c’est l’Alsace : elle est de Mulhouse je crois et lui de Sélestat. Ils ont ces atomes crochus qui font qu’il y avait un côté potes qui se retrouvaient 10-15 ans plus tard.

Ont-ils ont amené leurs vannes avec eux ?

C’est dans ma façon de bosser. J’écris mon scénario, mais après, je fais des passes avec mes comédiens pour voir comment ça marche ou pas en bouche. Avec des stand-upers comme eux qui ont constamment besoin de bosser en même temps qu’ils sont en train de créer, il y a toujours cette facilité de rendre une vanne cool, de la rendre top. Et je leur laisser un peu de liberté : sur 5-6 prises, j’en ai au moins 2-3 où c’est des impros. Je veux que mon texte soit bien exécuté, mais je leur laisse derrière la possibilité de donner ce qu’ils savent faire. Après, derrière, au montage, je ne vais pas vous mentir : une fois sur deux, je prends la leur. 

Avez-vous procédé de la même manière avec Benjamin Tranié ? 

L’avantage avec Benjamin, c’est que tout ce qu’il raconte, on lui pardonne ! Donc, les pires blagues, avec lui, ça passe. Du coup, oui, on a beaucoup de stock : on a gardé beaucoup de vannes de côté ; on a baissé leur nombre parce que c’était non-stop. Sur les vannes racistes, c’est mon comédien préféré. (sourires) Vraiment, il nous sort à chaque fois des pépites et moi, je suis fan de cet humour-là, donc ça marche.

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Vous venez également du stand-up. Cela ne vous a-t-il pas tenté de passer devant la caméra ?

Pas du tout ! Je suis très timide, en vrai. Je suis monté deux ans à peu près sur scène. J’ai fait un peu de stand-up. C’était assez facile parce que c’est que de la blague. Là, c’est différent : je vais sur des sujets un peu plus marquants, plus touchants. C’est un peu difficile et je ne suis toujours pas à l’aise avec ça. Du coup, je préfère envoyer au casse-pipe mes comédiens (sourire) C’est plus facile. Et puis, je suis très bien où je suis. Il faut laisser la place aux gens talentueux que soi ! C’est à eux de faire le boulot. 

Est-ce  compliqué de réaliser quand on ne joue pas soi-même ?

Ce n’est pas compliqué de filmer, c’est une question de musique : je sens quand la vanne est bien délivrée ou pas. C’est sûr, c’est pas les mêmes formats, J’ai toujours bossé dans le stand-up, c’est-à-dire que la musique et le rythme, c’est quelque chose quand même qui fait 90% du métier d’humoriste. C’est plus important même que la vanne. Parfois, c’est les silences qui apportent les vannes. C’est hyper important pour moi. C’est pour ça que même quand je réalise, je ne vais pas dans mon coin avec mon combo : j’ai besoin d’être proche de la caméra, de voir les émotions, d’être concerné par l’histoire. C’est une question d’oreille. Et après, le montage remet un petit peu plus de rythme et de dynamique. 

Votre film a été présenté au Festival de l’Alpe d’Huez, où il a décroché une Mention spéciale du Jury. L’accueil qu’il a reçu globalement correspondait-il à vos attentes ?

Je n’ai eu que du bien. On a eu une belle standing ovation à l’Alpe-d’Huez. C’est quand même vachement rassurant pour une première projection. J’ai beaucoup de recul sur ce que je fais ; j’ai toujours l’impression que c’est de la merde — c’est perso, je ne sais pas d’où ça vient ; peut-être de l’enfance, il va falloir en parler à mes parents. D’ailleurs, après l’Alpe d’huez, j’ai fait quelques petites petites modifs de montage — pas grand chose : de rythme, de champ/contrechamp… Et même au niveau de la presse, sur le bouche à oreille, je ne m’attendais pas à ça. Donc c’est cool. Pour un premier film, je suis très content. On m’a laissé un peu faire ce que je voulais donc il y avait cette responsabilité de leur rendre un peu la pareille.

Au fait, l’amour est-il surcoté pour vous ?

Justement, c’est tout l’inverse, En fait, c’est magnifique de tomber amoureux. ! C’est une des seules choses qui nous permette de tenir et de survivre. La vie est cool mais elle est dopée quand on est amoureux. C’est ce que j’aime amener à l’écran : le côté antagoniste, tout ça, je m’en branle. Ce qui m’intéresse vraiment, c’est l’amour. On ne va pas réinventer la vie, quoi. Ça peut paraître cliché, ça peut paraître tout ce qu’on veut, mais on ne réinvente rien. C’est que du réassort, ce qu’on fait. Chacun amène sa petite pierre à l’édifice, à sa façon. J’ai essayé de le faire à ma façon et j’espère que ça va plaire.

Êtes-vous déjà en préparation d’un nouveau projet ?

Alors, le prochain… Je bosse beaucoup sur la fratrie. C’est trois frères et sœurs qui, justement, vont affronter des péripéties, apprendre à devenir frères et sœurs, et le dépassement de fonction. Apprendre à se battre pour quelqu’un qui a le même sang. Et je rebosse avec les trois, pour vous dire. Ça s’est tellement bien placé sur le premier qu’on s’est dit avec Hakim, Laura et Benjamin qu’on repartait ensemble. Donc, on devrait tourner cet été. 

L’Amour c’est surcoté de Mourad Winter (Fr., 1h38) avec Hakim Jemili, Laura Felpin, Benjamin Tranié, Abdulah Sissoko… En salle le 23 avril 2025.

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L’Attachement de Carine Tardieu

Au moment de conduire son épouse Cécileà la maternité, Alex confie à leur voisine Sandra le petit Elliott, 5 ans, né d’une précédente union et qu’il élève comme son fils. Hélas, Cécile va succomber en donnant la vie à une petite fille, laissant Alex et Elliott effondrés. Sandra va alors devenir pour eux trois un repère maternant inattendu, y compris pour cette célibataire quinquagénaire plutôt solitaire…

Il est des films pareils à de petits miracles, touchant par leur délicatesse de chaque instant ; suscitant de surcroît une forme d’admiration parce qu’ils se coltinent des sujets d’une violence intime effroyable, digne des pire mélos. Entre casse-gueule et tire-larmes, L’Attachement tient ainsi du numéro d’équilibriste, où la justesse des sentiments et des personnages prend le pas sur toute tentative/tentation d’en faire trop. Par quel mystère Carine Tardieu est-elle parvenue à évacuer le pathos comme à déjouer les facilités de l’émollient happy end ? Toujours est-il qu’au terme de près de deux heures d’un film nous conduisant du deuil à une reconstruction difficile, aux faux-semblants de l’amour et aux illusions de l’amitié éternelle, on sort non pas d’une fiction mais d’une tranche de vie authentique, quittant à regret les personnages qui nous l’ont partagée.

La vie pour de vrai

À quoi peut-on imputer cette douceur élégante et cette capacité à nous faire éprouver de l’empathie pour Alex, Sandra, Elliott et les autres ? Au filmage, peut-être, si… humain. À hauteur d’enfant ou d’adulte ; semblable à des coups d’œil fugaces, la caméra suit ou surprend les yeux des personnages et crée des contacts visuels. Le premier attachement passe par le regard, le reste vient naturellement. 

Et puis il y a ce ballet des événements et des rencontres : les liens qui se distendent et se renouent ; cette impression d’être dans la vie balloté par l’imprévu, sans que rien ne soit écrit, laissant une part aux erreurs et aux ruptures. Sans crise théâtrale ni cris brutaux : les larmes n’ont pas besoin de porte-voix pour se faire entendre ni être comprises. Quant aux mots, ils sont présents, tirés du quotidien et sans littérature, pour dire les choses. Cela semble banal mais c’est aussi exceptionnel que ces séquences montrant le père et le beau-père du petit Elliott dans une relation non conflictuelle. Où il est question de paternité sans joutes testostéronées de mâles alpha — il y en a une comparable dans le prochain Baya Kasmi, l’excellent Mikado. Coïncidence ou pas, ce regard sur une nouvelle masculinité est dans les deux cas porté par des réalisatrices…

On tresse, à raisons, des lauriers à Kore-eda ou à Kôji Fukada, peintres nippons des déchirements familiaux. Il faut désormais penser à regarder plus près de nous et intégrer Carine Tardieu dans le cénacle des cinéastes parlant du cœur sans penser au nombril. Voilà qui donne envie de se replonger dans sa filmographie, et notamment La Tête de maman ou Ôtez-moi d’un doute: il y a plus qu’une cohérence qui se dessine et se prolonge avec L’Attachement.

L’Attachement de Carine Tardieu (Fr.-Bel., 1h45) avec Valeria Bruni Tedeschi, Pio Marmaï, Vimala Pons, Raphaël Quenard, César Botti… En salle le 19 février 2025

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L’art à la machine : l’IA s’impose et s’expose

Mercato de Tristan Séguéla

Agent de joueurs de football, Driss se trouve au creux du creux de la vague. C’est pile le moment que choisit un ancien partenaire en affaires tout juste sorti de prison pour réclamer son dû. Peu compréhensif, il laisse à Driss une poignée de jours pour rembourser sa dette. Un compte à rebours insensé s’engage pour tenter de négocier LE transfert rémunérateur qui le sortirait de la panade. Mais si Driss ne manque ni de tchatche, ni d’audace, le sort semble s’acharner contre lui…

Pourquoi le principal sport collectif occidental attire si peu le cinéma ? On pourrait expliquer cette carence par son omniprésence sur tous les écrans et la saturation qu’il impose dans les esprits de janvier à décembre, malgré ses fausses trêves : les aficionados du ballon rond sont suffisamment servis en dramaturgie ordinaire avec les matches et l’actualité footbalistique pour ne pas éprouver le besoin d’en vivre davantage par l’intermédiaire de la fiction, voire du documentaire. Certes, des comédies au crampon pesant investissent parfois la pelouse, mais le jeu en lui-même fait rarement l’objet d’une attention spécifique. Et lorsque c’est le cas, comme dans l’inclassable Zidane, un portrait du XXI^e siècle (2006) de Douglas Gordon et Philippe Parreno, le résultat a de quoi déconcerter par sa radicalité et son abstraction.

Le paradoxe du foot au cinéma réside donc dans cette difficulté à rendre captivantes les phases de jeu à l’écran, a contrario de l’incontournable boxe, où la situation des duellistes accentue la dimension épique de leur face à face. Voilà pourquoi sans doute les cinéastes voient dans les coulisses, lieux de tous les trafics, échanges, coups fourrés et enjeux, de meilleurs terrains, moins exposés de surcroît : les projecteurs étant braqués sur le rectangle de gazon comme pour faire diversion.

Enjeux plus que jeu

Mercato (ou M€rcato si l’on reprend la graphie officielle) affiche d’emblée ses ambitions : traiter du nerf de la guerre, de cette économie de la transaction reposant à la fois sur une affaire de morale douteuse — faire commerce d’êtres humains est en effet, selon les contextes, assimilable à une activité d’esclavagiste ou de Pygmalion — et une part de psychologie digne de Sun Tzu et Machiavel réunis. Ce sujet, certes intéressant, manquerait toutefois de relief s’il n’était complété par le thriller justifiant le compte à rebours rappelant celui d’un match et surtout par la mise à plat de la géo-éco-politique du football contemporain.

Tristan Séguéla pointe une sacrée dissonance cognitive : là où d’aucuns voient de la poésie, du génie dans le jeu ou la technique des footballeurs, les intermédiaires, sponsors et propriétaires entrevoient surtout la possibilité de mannes exponentielles. Et pourtant, les tifosi demeurent attachés à leur club comme à des joueurs, feignant d’ignorer que ceux-ci ne représentent que des capitaux pour des investisseurs à l’autre bout du monde. Sans être pour autant une charge vitriolée — le réalisateur comme les scénaristes étant des mordus du foot —  Mercato laisse percevoir une forme de mélancolie, que les notes de Mozart viennent renforcer.

Si l’on souhaite avoir une vision complémentaire sur le sujet, mais cette fois davantage du côté des joueurs, on se reportera avec profit sur le (très bon) premier long de Camille Perton, Les Arènes, prévu en salle début mai.

Mercato de Tristan Séguéla (Fr., 1h59) avec Jamel Debbouze, Monia Chokri, Hakim Jemili, Mili Machado Graner, Niamh Moriarty… En salle le 19 février 2025.

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September & July de Ariane Labed

Adolescentes proches en âge comme leurs noms le suggère, September et July sont élevées par une mère célibataire, Sheela. Au lycée, July est souvent victime de moqueries ou de harcèlement conduisant September à la défendre… et à se faire exclure de l’établissement. Après une brimade de trop, la famille part se mettre au vert sur la côte, dans la maison grand-parentale. L’ambiance y est pesante et une hostilité sourde semble émaner de September…

C’est le triste lot des films à twist de perdre en attrait dès lors que le spectateur subodore la possibilité d’un retournement final. Voire d’être vidé de tout intérêt lorsque ledit coup de théâtre est deviné dans les premiers instants : car le public, trop soucieux de collecter des indices tangibles validant son hypothèse, se rend aveugle aux autres subtilités du récit, de l’interprétation ou de la mise en scène. On se gardera bien révéler sur quelle mystification narrative repose ici la fin, au plus indiquera-t-on qu’elle relève d’une certaine tradition qui rappellera des souvenirs aux amateurs de fantastique.

Dommage pour cette première réalisation de la comédienne Ariane Labed, qui derrière le film de genre “à chute” traite au fil de son histoire d’une foule de sujets térébrants en créant une atmosphère malaisante plutôt réussie. L’adolescence comme âge charnière, l’univers de la sororité, la promiscuité toxique ou la question du harcèlement sont traités avec assez de subtilité et un attachement notable pour la forme cinématographique pour que l’on espère de sa (future) prochaine réalisation de belles choses… tout aussi dérangeantes. À quoi bon rester dans la norme quand on peut gratter là où cela démange ?

September & July (September Says) de Ariane Labed (All.-Irl-G.-B., int. 12 ans avec avert. 1h38) avec Mia Tharia, Pascale Kann, Rakhee Thakra… En salle le 19 février 2025.

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^{When the Light Breaks de Rúnar Rúnarsson}

Islande, de nos jours. Étudiante en art, Una vient d’entamer une relation secrète avec l’un de ses condisciples. Celui-ci prend la route et se trouve au nombre des victimes d’un terrible accident endeuillant le pays. Se rendant sur les lieux du drame, Una doit alors partager son chagrin avec ses amis mais aussi avec la petite amie officielle du défunt. Tout cela lors d’une (longue) journée…

Film-concept jouant sur les contrastes et les contraires — le deuil vécu par la jeunesse, une unité de temps de l’aube au crépuscule (augmentée par la situation ultra-septrionale et l’été islandais, qui rallonge la période diurne), la nécessité de dissimuler son affliction —, When the Light Breaks tourne malgré tout vite à vide, dans l’attente d’une hypothétique crise ou révélation. Visage marmoréen, Una intériorise ; Rúnar Rúnarsson se repose sur les beautés délivrées par les crépuscules ralentis de l’été boréal.

S’il est toutefois une chose qui parvient à transcender l’horizontalité rasante de ce drame souterrain, c’est bien un plan hypnotique sur la façade d’une cathédrale lisse et blanche, à l’austérité toute protestante. La perte de repères qu’il occasionne, en inversant les perspectives, offre un très rare moment de grâce, d’élévation et de vertigineuse verticalité. Un instant où l’image se transforme en sensation pure.

When the Light Breaks (Ljósbrot) de Rúnar Rúnarsson (Isl.-P.-B.-Cro.-Fr., 1h20) avec Elín Hall, Mikael Emil Kaaber, Katla Njaálsdóttir, Baldur Einarsson, Águst Wigum, Gunnar Kristjánsson… En salle le 19 février 2025.

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“Notre Salut”, “Digger”, “Mémoire de fille” en salle le 30 septembre 2026

“Garance”, “Les Éléphants dans la brume”, “Her Private Hell”, “Les Roches rouges” en salle le 23 septembre 2026

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