Archives des Cannes 2025 - Stimento

“L’Être aimé”, “Autofiction” en salle les 16 et 19 mai 2026

Vincent RAYMOND — Sat, 23 May 2026 11:25:35 +0000

Deux réalisateurs en proie aux affres de la création et aux relations complexes avec leur entourage. Comme un air de déjà-vu à Cannes. Entre autres…

L’Être aimé de Rodrigo Sorogoyen

Auréolé par la gloire de sa carrière outre-Atlantique, le réalisateur Esteban Martínez est de retour en Espagne afin de tourner son nouveau long métrage. À cette occasion, il propose au cours d’un déjeuner à Emilia — la fille qu’il a eue jadis avec la comédienne de son premier film mais n’a pas revue depuis treize ans — d’interpréter le rôle principal de cette superproduction. Partagée entre l’enthousiasme et le ressentiment vis-à-vis de ce père défaillant dont elle n’a pas conservé que de bon souvenirs, Emilia accepte. Commence une longue cohabitation, exacerbée par les tensions inhérentes au tournage…

Le point de départ L’Être aimé ressemble à s’y méprendre à celui de Valeur sentimentale de Joachim Trier — Grand Prix à Cannes l’an passé et espèce d’attrape-tout aux cérémonies internationales. C’est vrai que les films sur le cinéma plaisent. En tout cas, aux “professionnels de la profession”, surtout lorsque ces longs métrages montrent un envers du décor pas trop glorieux, où des tyrans à l’ego cathédralesque sont enfin mis à terre. Mais ils paient moins pour leur pratiques discutables sur le plateau que pour leur vie privée cahoteuse… laquelle interfère évidemment avec le tournage. Les smokings et les robes longues se donnent bonne conscience face à ces miroirs de leurs turpitudes ordinaires.

Quel cinéma !

Et puis, ça réconforte sans doute pas mal de nepo-babies de voir qu’on leur donne le beau à l’écran. Non seulement ils “tuent“ le père pour s’affirmer par leurs seuls mérites, mais aussi se mettre du côté de la nouvelle génération progressiste, #MeToo, contre tous les comportements toxiques du métier (violences psychologiques ou physiques) associés à leurs aînés. Une manière de régler son Œdipe et son syndrome de l’imposteur d’un coup, c’est tout de même mieux que de se faire reprocher sa naissance à tout bout de champ ou contrechamp.

L’Être aimé est un film moins sur que dans le cinéma et c’est peut-être là que le bât blesse. En dirigeant sa caméra sur son milieu, Sorogoyen ajoute un biais de lecture à son histoire ; une interférence qui détourne l’attention du vrai sujet : la relation entre un père absent et sa fille. Chercher des clef et des résonances avec le 7^e Art dessert plus le film qu’il ne lui apporte et l’on aurait pu imaginer le même rapport d’autorité professionnelle entre Esteban et Emilia dans une entreprise dont il aurait été le chef et elle un renfort ponctuel sur une mission capitale.

Si l’on oublie ce décor cinématographique prétexte, alors on retrouve ce qui fait l’intérêt du point de vue de Sorogoyen : les rapports de force et les conflits reposant sur des tensions ou des non-dits ayant fermenté des années durant — (re)voir As Bestas, Madre, Que Dios nos perdone, El Reino…

Il a l’air sympa, en vrai… / Photo : © Le Pacte

Un père et manque

Autre constante chez le cinéaste madrilène, le goût pour les colosses chahutés : après Denis Ménochet et Roberto Álamo, c’est Javier Bardem qui subit ici les foudres d’un scénario décidément peu amène pour les fortes statures — Sorogoyen aurait-il un compte à régler avec les baraqués ? Ce dernier livre enfin son traditionnel “morceau de bravoure” en termes de réalisation au sein de la séquence d’ouverture — en l’occurrence, un face à face en plan serré entre le père et sa fille posant les enjeux des retrouvailles et annonçant les lignes de fractures latentes.

S’il propose par la suite une séquence de crise pendant le tournage ou un effet stylistique à l’interprétation incertaine (de brefs passages au noir et blanc pouvant évoquer des instant de vérité sans fard ou des moments se gravant directement dans la mémoire, ce qui n’est pas incompatible), le reste n’atteint pas ce niveau de tension auquel il nous a habitués. Vivement le prochain, plutôt.

L’Être aimé (El ser querido) de Rodrigo Sorogoyen (Esp.-Fr, 2h15) avec Javier Bardem, Victoria Luengo, Raúl Arévalo, Marina Foïs… Sortie le 16 mai 2026.

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Autofiction de Pedro Almodóvar

Cinéaste réputé, Raúl achoppe sur son nouveau script, où se projette dans le personnage d’Elsa une réalisatrice ayant elle aussi des difficultés d’écriture. Sa plume se libère lorsqu’il intègre à sa fiction (déjà, transposition de son quotidien) des bribes d’un drame touchant Mónica, sa plus proche collaboratrice. N’y a-t-il pas quelque obscénité à puiser dans les malheurs des autres pour en faire son miel ?

Après Histoires parallèles et L’Être aimé, voici donc un troisième film de la compétition cannoise (et encore, on n’a pas vu l’intégralité) à dévider le même fil : l’éternel rapport entre fiction et réalité. Au centre du jeu, la figure d’un créateur vampirisant la vie de ses proches en plus de la sienne propre (parfois à leur insu, parfois sans mauvaise intention apparente), pour servir un but plus grand que lui : son Œuvre. Cette raison impérieuse selon lui suffirait à légitimer ses razzias presque involontaires. À l’instar du scorpion piquant la grenouille dans la fable de M. Arkadin — et se justifiant d’un « c’est dans ma nature » — il faudrait même le plaindre !

Pauvre (riche) de moi !

Le plaindre et s’apitoyer, également, parce qu’il prétend négliger sa santé au profit de sa fameuse Œuvre ; refuse des ponts d’or du Qatar. Ou laisse un pourboire de près de 7 euros à un serveur qui aimerait surtout pouvoir fermer sa terrasse. Ou se comporte en “bon patron” en proposant à sa collaboratrice de longue date Mónica de la licencier au lieu d’accepter sa démission — ce qui revient à créer une fraude sociale au détriment de l’État… Quels exploits ! Autant d’actes d’héroisme du quotidien qui doivent, à ses yeux, lui donner un blanc-seing pour puiser dans la vie de Mónica.

L’artiste au travail dans son modeste pied à terre / Photo : © El Deseo. Photo by Iglesias Más

Drôle de spectacle que celui de cet auteur, double transparent d’Almodóvar, dévoilant les ficelles de son écriture, inscrit dans son univers graphique bariolé si identifiable, comme auto-muséifié. À cela s’ajoute cet orgueil un brin pathétique de se dépeindre comme un bonhomme pétri de défauts… dans le but de s’attirer l’indulgence rédemptrice (déjà acquise) d’un public d’idolâtres. Fausse modestie, coquetterie et égotisme prennent de plus en plus de place dans le cinéma du brave Pedro, qui ne prendra bientôt plus la peine d’engager des comédiens pour jouer son rôle. Après tout, n’était-il pas devant la caméra à ses débuts ?

Fan service

À l’instar de nombreux cinéastes vieillissants captivés par leur propre image — à moins qu’ils ne finissent par confondre réalité et fiction pour de bon ? —, il risque de franchir le Rubicond comme Lelouch, Moretti, Godard et de se retrouver à se filmer en train de filmer, livrant des emboîtements matriochkesques sans fin sur fond de péroraisons désabusées sur la difficulté de créer, conjuguée à l’angoisse d’être confronté à sa propre finitude comme au poids de son prestige. Cela pourrait s’appeler Douleur et Gloire… Ah non zut, il l’a déjà fait…

« Mon Dieu ! Nous sommes à rayures sur fond à rayures ! »/ Photo : © El Deseo

Sinon, il y a de belles images touristiques de Lanzarote, encore des villas onéreuses avec piscine, des intérieurs piochés dans des revues de déco ou des catalogues de designers avec des aplats tous plus vifs les uns que les autres, des scènes d’hôpital, des messieurs tout nus, une sylphide brune diaphane sur le point de calancher et du fan service à gogo. En somme, rien de neuf.

Autofiction (Amarga Navidad) de Pedro Almodóvar (Esp, 1h41) avec Bárbara Lennie, Leonardo Sbaraglia, Aitana Sánchez-Gijón, Patrick Criado, Victoria Luengo, Milena Smit, Rossy de Palma… Sortie le 16 mai 2026.

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“Romería”, “La Femme de”, “Sauvage” en salle le 8 avril 2026

Vincent RAYMOND — Sun, 12 Apr 2026 09:57:46 +0000

Cette semaine dans les salles, une fille part sur les traces de son père, une femme de sa liberté et une mère de sa fille. Entre autres…

Romería de Carla Simón

Orpheline ayant été adoptée très jeune, Marina part à la rencontre de ses grands-parents biologiques afin d’obtenir le certificat de filiation lui permettant d’accéder à des bourses pour ses études supérieures. Découvrant cette autre “famille”, elle confronte le journal intime de sa mère aux confidences de ses tantes ainsi qu’aux silences lestant sa parentèle. Et recompose par son imagination ce que fut jadis l’histoire d’amour de ses parents…

Le parcours de Carla Simón comme cinéaste est exemplaire, à la fois fois sur le plan personnel et artistique… mais il est vrai que les deux sont intimement liés. Mue par la nécessité de raconter l’histoire de ses origines, sa carrière débute par Été 93 (2017) transposant son adoption après la mort de ses parents du sida. Un brin étouffé par le pathos, le film constitue néanmoins un premier jalon libérateur ; il montre aussi le désir de la réalisatrice de diriger des enfants en épousant leur point de vue, mais aussi de retranscrire — de manière encore trop timide — d’autres sensations que celles produites par l’image et le son.

Nos soleils (2022), drame rural explorant les rapports d’une famille à sa terre (cultivée, pas possédee) ainsi que les liens que les différents membres entretiennent entre eux, lui donne l’occasion d’approfondir ses recherches plastiques, sensorielles et sensuelles. L’Ours d’Or de la Berlinale la récompensera.

Le cinéma, c’est aussi la vie au travail / Photo : © QuimVivesElasticaFilms

Double je

Poursuite à moitié avouée de sa saga autofictionnelle, Romería place son alter ego à la lisère de l’âge adulte autant qu’à la croisée des chemins. Assumant sa double identité familiale — au point de tenir à la rendre officielle — Marina vient ressusciter sa “part manquante“ et convoquer des fantômes honteux pour certains de ses ascendants biologiques : les morts du sida étant comme frappés du sceau de l’infamie et passés sous silence. Par sa quête/enquête des origines, Marina provoque une réconciliation forcée mais calme du fait de son tempérament doux — ce qui ne l’empêche pas d’être résolue !

Mais ce qui fait tout l’intérêt de Romería, et l’écarte d’un fade récit linéaire de raccommodage familial, c’est cette parenthèse imaginée, rêvée, où Marina se projette littéralement dans les mémoires des parents pour tenter d’habiter leur existence à leurs côtés. De vivre physiquement avec eux leurs plus belles années en s’incluant dans une photo de famille inexistante. Ce qui n’a pu être, l’imagination (et donc, le cinéma) le permet dans des séquences de trip, de transe mais aussi de souffrance réparant la béance du deuil. Film d’affranchissement, Romería boucle sans doute un cycle personnel pour la réalisatrice. Et donne encore plus foi en son avenir.

Romería de Carla Simón (Esp.-All., avec avert. 1h52) avec Llúcia Garcia, Mitch, Tristan Ulloa, Alberto Gracia… sortie le 8 avril 2026.

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La Femme de de David Roux

Épouse et mère en apparence comblée d’un industriel aisé de province, Marianne vient d’un “autre monde” qu’elle pensait avoir oublié. L’arrivée inopinée d’un acteur de son passé refoulé chamboule son existence en mettant en lumière des aspects qu’elle se refusait à voir. De quoi remettre en perspective sa vie actuelle… et future.

Même si un roman de Hélène Lenoir a été ici adapté par David Roux ; même si l’autrice Gabrielle Macé a prêté son concours à l’écriture du scénario, une évidence s’impose : l’histoire de Marianne évoque Mauriac par tous ses pore. Ou plutôt, ce qu’il décrit de l’univers figé de la bourgeoisie recuite, renfermée dans ses petits comptes mesquins, sa primogéniture mâle, ses tromperies jalouses, sa foi hypocrite et ses bonnes manières de façade. Un (bon ?) siècle après Thérèse Desqueyroux, pas grand chose n’aurait changé dans ces provinces à maintes reprises chabrolisées par la caméra, comme si la notabilité locale demeurait hermétique à tout, y compris à l’évolution en théorie inexorable de la société.

Prison (a)dorée

Décors sombres, personnages abjects (Jérôme Deschamps en patriarche tyrannique, Éric Caravaca en digne successeur) ou image granuleuse ajoutent à la situation de réclusion domestique de Marianne, prenant enfin conscience qu’elle est réduite à une somme fonction social — prolongatrice de lignée, maîtresse de maison — au détriment de son individualité ou de son libre-arbitre. Son rang de subalterne dans cette famille lui apparaît d’ailleurs avec une cruelle acuité lorsque son propre fils cherche à monnayer sa présence en lui proposant de l’argent ! C’est l’un des ultimes signaux (après l’irruption de ce souvenir réincarné) qui achèvera de la sortir de sa torpeur.

Celui qui convoite, celle qu’on ne voit pas / Photo : © ElianeAntoinette, Reboot Film

N’en déplaise à Mélanie Thierry, interprète du rôle-titre — choisie, aux dires du réalisateur, pour sa beauté spectaculaire pouvant expliquer qu’une femme d’origine modeste ait gagné par le mariage sa place au sein d’une telle famille —, c’est une autre comédienne dont le jeu suscite ici un mixte d’enthousiasme et d’admiration. À mille lieues de la ligne “blanche” et intériorisée de Marianne, le personnage de sa belle-sœur rebelle — la sœur de son mari — fait entendre une voix dissonante, tempétueuse et bienvenue en opposition à la domination masculine héréditaire. Le rôle est certes puissant mais il n’aurait pas cette dimension sans l’incarnation de Sarah Le Picard, qui lui confère toute la vérité utile sans déborder dans la “performance”. Il fait l’effet d’une gifle et ancre mieux que mille mots La Femme de dans le plus tangible des réels.

La Femme de de David Roux (Fr., 1h33) avec Mélanie Thierry, Eric Caravaca, Arnaud Valois, Jérôme Deschamps, Jérémie Renier, Sarah Le Picard… Sortie le 8 avril 2026.

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Sauvage de Camille Ponsin

Dans un hameau des Cévennes, plusieurs familles vivent dans un idéal communautaire de liberté et de partage, y compris amoureux. À l’adolescence, Anja, la fille de Sam et Karl, commence à manifester des troubles vis-à-vis du monde et se renferme sur elle-même, le silence avant de s’enfuir dans les forêts, subsistant par des maraudes ici ou là. Sam, sa mère tente de l’aider comme elle peut, en lui laissant de la nourriture. Mais les dégâts causés par Anja lors de ses crises finissent par déclencher une hostilité générale. Jusque dans la communauté…

On ne sait pas trop quoi penser de ce film, ni surtout de l’intention profonde de Camille Ponsin, au-delà de sa volonté de partager l’histoire — authentique — de Anja et de sa mère. La seule certitude étant qu’il ne voulait pas d’un documentaire, il a donc opté pour une transposition dans la fiction lui permettant d’avoir toute latitude pour offrir une ou des dimensions supérieures à sonrécit. Mais lesquelles ? Celle d’un chant lyrique et bucolique, montrant Anja apaisée car en symbiose avec la nature, le tout emballé dans les belles images que l’on est en droit d’attendre de la campagne cévenole ? Celle d’un conte moral prônant les vertus thérapeutiques de la terre, l’hypocrisie des néo-ruraux, l’abnégation sans limite des mères courage ? Celle où un comédien musicien — Bertrand Belin — effectue un concert live ?

Preuve qu’il y a donc des Lou dans les bois… / Photo : © dharamsala

Et si le problème résidait tout simplement dans le fait que Ponsin est, à l’origine, un témoin (trop) proche des faits réels ? Un manque de distance d’avec son sujet peut brouiller la clairvoyance, même inconsciemment, et nuire au déploiement d’un geste qui eût pu être singulier — ou, au moins, plus ample qu’illustratif et erratique.

Sauvage de Camille Ponsin (Fr, 1h41) avec Céline Sallette, Lou Lampros, Bertrand Belin… Sortie le 8 avril 2026.

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“Les K d’Or”, “Victor comme tout le monde”, “Planètes” en salle le 11 mars 2026

Vincent RAYMOND — Wed, 11 Mar 2026 17:09:40 +0000

Le fils putatif d’un dictateur, l’esprit d’un génie des lettres et des graines de pissenlit trouvent cette semaine un terreau fertile dans les salles de cinéma. Entre autres…

Les K d’Or de & avec Jérémy Ferrari

Depuis sa petite enfance, Noé a été convaincu par sa mère qu’il était le fils secret de Khadafi. Devenu adulte et chasseur de trésors, il tente de localiser l’or de l’ancien homme fort de Libye. Pensant avoir localisé le magot au Sahel, il participe au Marathon des sables en prétendant représenter une association caritative. Pour cela, il s’est adjoint les services d’un malvoyant psychorigide, d’un chien-guide approximatif et tripode ainsi que d’une dé-radicalisée. Comme est-ce que cela pourrait bien se passer ?

Les années cinéma se suivent et ne se ressemblent décidément pas. Morose en 2025, la fréquentation a subitement retrouvé des couleurs et le goût de découvrir des films français. Cela profitera-t-il aux comédies sortant du ronron bedonnant pour s’engager dans la voie désormais transgressée de l’humour noir et incorrect ? On l’espère d’autant plus que mars en compte au moins deux méritant d’avoir leur chance. Premier long métrage de Jérémy Ferrari, Les K d’Or ouvre le bal.

Du beau du bon Dupontel

Son postulat brindezingue donne le ton et confirme que l’humoriste caustique ne va pas (trop) renoncer à sa marque de fabrique sur scène ou à la télévision : créer du rire comme on n’ose plus gère le susciter, en jouant sur l’inconfort et dans ces endroits désertés que sont les marges. Ferrari met mal à l’aise ? Il met surtout en exergue toutes ces petites fuites et lâchetés du quotidien, matérialise les inégalités et la bêtise ordinaire. Surtout, il n’occulte pas ce qui est “hors norme”. En témoigne sa sarcastique série Handicap, Handi pas cap, sommet d’humour noir mais authentique accélérateur de visibilité pour les handicaps, à mille lieues des chromos de dames patronnesses. Les K d’Or en est un autre, aussi incorrect sur ce registre qu’il l’est politiquement.

À deux doigts de le prendre pour Ramzy / Photo : © ICONOCLAST, BE KIND FILMS, STUDIOCANAL

Certes, l’intrigue s’avère par moment un brin tortueuse mais il y a du rythme et des ambitions de réalisation patentes — dont sont trop souvent dépourvues les comédies. Au carrefour de l’aventure et de l’humour grinçant, Ferrari n’est d’ailleurs pas sans évoquer un croisement fécond entre Desproges et Dupontel. Du second, il a la même intransigeance artistique, la même défiance vis-à-vis de toute censure ainsi que le goût pour le trash et l’action : son rôle est physique… et il joue son physique tanké comme le grand Albert à l’époque d’Enfermés dehors (2006).

Prophète, vos papiers

Et puis il y a le côté troupe : la synergie entre trois générations d’humoristes (Judor/Ferrari/Felpin), chacun sur trois registres mais tous habitués à la vitesse et à l’absurdité, fonctionne plutôt bien, relayés par un aréopage de seconds rôles. À cela s’ajoute l’excellente idée de confier la B.O à Chinese Man : le réalisateur constitue son univers en piochant dans des ambiances qu’on imaginait pas forcément compatibles. Il prouve qu’elles le sont.

Laura Croft ou Lara Felpin / Photo : © ICONOCLAST, BE KIND FILMS, STUDIOCANAL

Terminons sur une note insolite. Lors d’une avant-première du film, Ferrari s’était amusé d’une série de coïncidences qui faisaient de lui une sorte d’annonciateur de catastrophes. Ainsi, pendant ses repérages, il avait “prophétisé” l’arrivée de la pluie dans un Sahara qui n’avait plus vu une goutte d’eau depuis une décennie — pluie qui s’était transformée hélas en inondations. Un spectateur lui avait alors demandé s’il avait une nouvelle prédiction à formuler. S’il avait répondu le déclenchement de l’attaque américaine en Iran et le conflit qui en résulte dans la région persique, il serait à l’heure actuelle soit vénéré comme sorcier, soit interrogé par le contre-espionnage…

Les K d’Or de & avec Jérémy Ferrari (Fr., 1h37) avec également Laura Felpin, Éric Judor, Fred Testot, David Ayala… Sortie le 11 mars 2026.

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Victor comme tout le monde de Pascal Bonitzer

Comédien vouant à Victor Hugo une passion confinant au culte, Robert Zucchini consacre à l’auteur un spectacle entre lecture et seul en scène. Hors scène, Robert n’a plus guère de contacts avec sa fille et voici que de tristes circonstances lui permettent de renouer avec elle. Il va avoir du chemin à faire et du retard à combler pour enfin espérer rétablir une relation père-fille normale, le tout sous le signe du grand Victor…

On pourrait presque voir cela comme un nouveau pied-de-nez à la Camarde. Presque trois ans après la mort prématurée de Sophie Filières, la filmographie de la cinéaste s’allonge d’un nouvel opus posthume — le cinquième après Ma vie ma gueule qu’elle avait réalisé in extremis, des deux où elle figure en tant qu’interprète (dont Anatomie d’une chute) et des deux dont elle aura été la scénariste : Sidonie au Japon (2024) et celui-ci, donc. À l’instar du long métrage précédemment cité, Victor comme tout le monde s’avère un film de fantômes. Hanté par la mort, mais où l’art et les artistes ont ce luxe suprême de pouvoir la refuser et de la contourner — ce film tenant du legs ou de l’exécution testamentaire en est l’illustration.

Hugo échos & co

N’en déplaise à Robert Zucchini, alter ego (et quel ego !) transparent de Fabrice Luchini, il n’est pas le sujet de cette histoire mais son véhicule. Tout comme Pascal Bonitzer réalisant le film pensé et écrit par son ex compagne, le personnage-comédien est ici plus que jamais dépositaire de la parole d’un autre, à son service. Habité par Hugo au point d’être mono-maniaque de l’écrivain défunt dont il raconte l’existence sur et hors scène, Zucchini oblitère les vivants autour de lui… comme le grand Victor après le trépas de sa fille Léopoldine. Mais à sa différence, il tire les enseignements de sa douloureuse expérience pour ne pas vivre un deuil similaire.

Cauchemar absolu pour un comédien : une salle dont il est le seul public… / Photo : © Les Films du Losange

Cet effet d’écho, ou de va-et-vient entre la fiction et la réalité, est loin d’être isolé. Si la présence de Luchini devant la caméra de Bonitzer renvoie évidemment à leur collaboration précédente dans Rien sur Robert — Robert étant le réel prénom de Luchini à l’état civil —, le fait qu’il joue un personnage à l’image publique, au métier et aux obsessions textuelles proche de ce qu’il est réellement renforce ces jeux de miroir. Et lorsqu’il montre Zucchini/Luchini dans son exercice favori de science diction, n’en tend-il pas un autre aux documentaires et captations déjà réalisés sur le rapport aux textes de l’interprète — Par cœur et Par cœurs de Benoît Jacquot ?

Centristre !

Et si l’on veut poursuivre la quête des interférence fantomatiques, entre la jeune stagiaire prénommée Éponine (comme la fille Thénardier), le dénouement en territoire britannique (comme Ma vie ma gueule), le film entier peut se concevoir tel un vaste terrain de jeu peuplé de références. Cela, sans jamais sombrer dans l’hommage ni le macabre. Son ambiance printanière y contribue autant que le dynamisme des comédiennes faisant contrepoint et contrepoids au Robert autocentré. Mention spéciale à Marie Narbonne qui parvient (un petit peu) à le décentrer.

Victor comme tout le monde de Pascal Bonitzer (Fr., 1h28) avec Fabrice Luchini, Chiara Mastroianni, Marie Narbonne… Sortie le 11 mars 2026.

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Planètes de Momoko Seto

Après la destruction de la Terre par ce qu’on suppose être un cataclysme nucléaire, une poignée de graines de pissenlit est miraculeusement propulsée dans l’espace et échoue sur une planète où elles vont tenter de germer et prendre racine, en dépit des nombreux périls d’un environnement hostile…

Étrange fusion entre un conte post-apocalyptique et un film d’animation mignon, Planètes laisse indécis quant à ses intentions et à son public de destination. Les adultes ? Ils admireront certes la parabole et la métaphore tout autant que la finesse de l’ouvrage — le travail réalisé sur la modélisation des faunes et flores extra-terrestres —, noteront la poésie gracieuse de l’ensemble mais trouveront sans doute ce Microcosmos spatial un peu répétitif. Le jeune public ? La personnification des p’tites graines façon Pixar ne les laissera pas indifférents. Mais tous les enjeux survivalistes et l’abstraction nimbant le film seront-ils bien perçus ? Ils risquent d’être largués entre deux univers visuels, désespérant que les tiges prennent racine — un court métrage aurait été parfait, taillé à leurs mesures.

C’est pas demain qu’on va manger de la cramaillotte / Photo : © Gebeka

Entre les deux, que reste-t-il ? Des spectateurs amateurs de trips esthétiques, de prototypes visuels, d’expérimentations… Jadis — il y a une quarantaine d’années — sur une trame similaire d’itérations renouvelées jusqu’à la réussite finale, Michel Ocelot avait opté pour un format d’épisodes brefs, créant du suspense par l’attente tout en évitant l’indigestion par la redondance. Cela s’appelait
La Princesse insensible. Peut-être que Momoko Seto aurait dû s’inspirer de cette approche pour son odyssée astrale d’Asterales…

Planètes de Momoko Seto (Fr., 1h15) animation… Sortie le 11 mars 2026.

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“Rue Málaga”, “Woman And Child”, “Athos – Au cœur de la patrouille de France” en salle le 25 février 2026

Vincent RAYMOND — Sat, 28 Feb 2026 17:11:27 +0000

Cette semaine sur les écrans, une vieille dame rebelle, une infirmière endeuillée et des pilotes d’élite. Entre autres…

Rue Málaga de Maryam Touzani

Appartenant à la communauté espagnole du Maroc, Maria Angeles a toujours vécu à Tanger et compte bien y finir ses jours dans son appartement de la rue Málaga. Lorsque sa fille Clara débarque pour lui annoncer qu’elle est contrainte de le vendre, Maria Angeles est dévastée. Refusant de suivre Clara en Espagne, elle préfère aller dans un EHPAD tangérois dont, très vite, elle va s’échapper pour revenir habiter en cachette son appartement occupé. Et reconquérir ses souvenirs avec la complicité des habitants du quartier…

Entre Une histoire simple de Claude Sautet et La Vieille Dame indigne de René Allio, Rue Málaga est de ces films où l’héroïne effectue, plus ou moins tardivement, l’apprentissage de sa liberté de femme en dépit de son environnement familial. Elle choisit enfin d’agir à sa guise alors que d’autres lui ont dessiné sans la consulter un autre programme, plus conforme à la norme… ainsi qu’à leurs intérêts propres. Ici, la révolution de velours de Maria Angeles n’en est pas moins ferme ; et son inébranlable obstination finit par faire plier l’autorité. Plus fort que le clerc Bartleby !

L’âge de madame est avancé

Mais Rue Málaga n’est pas que l’histoire de Maria Angeles : celle-ci peut en effet se voir comme un prétexte à l’évocation de cette étonnante enclave linguistico-communautaire, cette utopie tangéroise où cohabitent et devisent ensemble Espagnols et Marocains dans une ambiance de village : dans ce quartier cosmopolite, la Méditerranée en partage abolit les frontières. Maryam Touzani y fait flotter conjointement deux époques : certes la nostalgie est perceptible, mais exempte de mélancolie. Le passé n’empêche pas le présent d’exister : il lui donne de l’épaisseur, une texture donnant plus tangible qu’il trouve des échos dans les meubles et objets de l’appartement de Maria Angeles.

Les courses, c’est son grand dada / Photo : ©Les Films du Nouveau Monde

Ce rapport sensoriel et sensuel aux choses, la réalisatrice l’avait déjà exploré dans son film précédent Le Bleu du caftan ; elle va plus loin encore ici en suscitant la vue, l’odorat, le goût, l’ouïe avec ses séquences de marché, de préparations culinaires… Toutes ces couleurs, épices, saveurs et ambiances constitutives de ce Tanger auquel Maria Angeles est indissolublement liée. Enfin, il y a la dimension sentimentale, parachèvement pudique mais bien réel de cette reconquête de la vie jusque dans sa dimension la plus intime.

Maryam Touzani (“Rue Málaga”) : « j’ai écrit ce film à Tanger pour m’obliger à faire face à l’absence de ma mère »

En Carmen Maura, le personnage de Maria Angeles a trouvé une merveilleuse incarnation de cette rébellion du troisième âge, à la fois têtue et malicieuse. Cela fonctionne à l’écran parce que l’on a envie de l’accompagner dans sa nécessaire transgression mais également — ne nous voilons pas la face — car la comédienne a déjà par le passé campé des rôles de femmes (trop) sages faisant voler les carcans pour exprimer leur vraie nature. Gagner en expérience n’a pas que de mauvais côtés…

Rue Málaga (Calle Málaga) de Maryam Touzani (Fr.-Esp.-Mar.-All.-Bel, 1h56) avec Carmen Maura, Marta Etura, Ahmed Boulane… Sortie le 25 février 2026.

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Woman And Child de Saeed Roustaee

Veuve et mère de deux enfants — dont Aliyar, un garçon très turbulent —, Mahnaz vit avec sa mère et sa sœur et travaille comme infirmière dans un hôpital. Alors qu’elle se prépare à convoler avec son fiancé Hamid, Aliyar est exclu de l’école puis victime d’un dramatique accident. Dévastée par cet événement tragique, Mahnaz va chercher à comprendre ce qui s’est réellement passé…

Montré à Cannes l’an dernier, Woman And Child avait été programmé dans la foulée pour cette sortie dans les salles françaises à la fin de l’hiver. Bien avant, donc, les nouvelles répressions sanglantes opérées par le régime de mollahs à l’encontre de la population. S’il ne rend pas compte explicitement de cette situation, ce film — comme le précédent long métrage du réalisateur, Leila et ses frères (2022) — permet en partie de mieux cerner le contexte de la société iranienne par la métaphore.

Les femmes et les enfants d’abord

Au-delà de la photographie explicite qu’il délivre de certaines institutions du quotidien malades — l’école, l’hôpital, la famille… — Saeed Roustaee évoque surtout l’omniprésence d’une caste vieillissante exerçant un potentat insupportable de délétère sur la jeunesse. Telle Cronos dévorant ses enfants, elle vassalise, opprime et tue ceux qui cherchent à s’affranchir des carcans moraux imposés. Dépositaires de l’argent (ou plutôt, de l’or), soutenus par les autorités religieuses, menteurs, les aînés constituent la force d’inertie du régime tandis que les nouvelles générations aspirent à sortir de cette écrasante tutelle.

Sans légende / Photo : © Amirhossein Shojaei & Saeed Roustaee

À cette menace constante s’ajoute pour les femmes le risque de tomber de Charybde en Scylla, en fuyant un père pour trouver un mari du même acabit. Woman And Child s’achève sur une solution intermédiaire où des femmes, par la force des choses et la cruauté du hasard, se regroupent au seins d’une sorte de gynécée. Dans un équilibre qui ne les satisfera sans doute pas toutes, mais qui au moins les préservera et les protègera après le pire. Et les prémunira d’autres pires ?

Woman And Child (زنوبچه) de Saeed Roustaee (Irn, 2h11) avec Parinaz Izadyar, Sinan Mohebi, Payman Maadi… Sortie le 25 février 2026.

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Athos – Au cœur de la patrouille de France de Mathieu Giombini

Fin 2024. La passage de témoin s’effectue entre le commandant de la Patrouille de France 2024 et son successeur. De nouveaux pilotes rejoignent ce corps d’élite et tous ensemble entament la longue préparation du programme 2025. Dans cette chorégraphie aérienne où rien n’est laissé au hasard, les 8 Alpha-Jet apprennent à ne faire qu’un avion au fil d’incessantes répétitions. Au plus près du ciel… et parfois à quelques millimètres du drame…

« Impose ta chance, serre ton bonheur et va vers ton risque ». Les vers de René Char — qui fut, à L’Isle-sur-la-Sorgue, le “voisin” de la Base aérienne 701 de Salon-de-Provence — viennent naturellement à l’esprit lorsque l’on observe le labeur des pilotes engagés avec un mixte de passion et de concentration dans l’élaboration de leur démonstration. Rarement routine fut aussi périlleuse que celle de ces Icare visant l’excellence au moins autant par nécessité vitale que par orgueil esthétique ! Bien loin des fanfarons de Top Gun se mesurant les biceps, les Athos — du nom leur indicatif radio — forment avant tout un corps de ballet où le moindre frôlement est proscrit.

Leur vie en l’air

Déjà chanceux d’avoir eu l’autorisation de suivre de l’intérieur la vie d’une Patrouille durant un cycle annuel complet, Mathieu Giombini peut remercier sa bonne étoile d’être tombé sur la promotion idéale dramaturgiquement parlant. Car non seulement il a pu mettre en boîte de belles images (que la projection en IMAX rend encore plus immersives), tourner des interviewes avec de “bons clients“ pédagogues à l’enthousiasme communicatif mais il a indirectement bénéficié d’un coup de théâtre : le crash — heureusement sans victimes — de deux appareils durant une session d’entraînement.

Rappelant la cruelle réalité et la dangerosité de l’exercice, cet événement montre aussi la rapidité avec laquelle le groupe est amenée à gérer ce situation de crise pour reconstituer une patrouille opérationnelle dans les délais impartis, pendant que les convalescents se retapent. « Un seul être vous manque et tout est dépeuplé »… En tout cas, il faut presque repartir de zéro puisque les automatismes sont désynchronisés. Mais au bout du bout, tout le monde finit par arriver au 14 juillet en même temps…

Athos – Au cœur de la patrouille de France de Mathieu Giombini (Fr., 1h30) documentaire… Sortie le 25 février 2026.

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“Urchin”, “Les Voyages de Tereza”, “Les Enfants de la Résistance”, “LOL 2.0“, Les Dimanches” en salle le 11 février 2026

Vincent RAYMOND — Sun, 15 Feb 2026 08:32:48 +0000

Cette semaine sur les écrans, des rebelles de tous les âges, dans la rue, en temps de guerre ou en famille. Entre autres…

Urchin de Harris Dickinson

Zonard et toxico à Londres, Mike commet un vol avec violence qui le conduit tout droit en prison. À sa sortie, il est suivi par les services sociaux qui tentent de le réinsérer dans une existence plus orthodoxe. Mais le caractère de Mike s’accommode difficilement avec la stabilité…

Révélé au grand public par Triangle of Sadness/Sans filtre(2022), le comédien Harris Dickinson fait ici des débuts de réalisateur aussi réussis que culottés dans ce long métrage nourri de réel brut, sans verser pour autant dans une esthétique purement documentarisante. Pas de confusion possible en effet : son protagoniste, Mike, est un personnage de fiction, comme pouvait l’être celui de David Thewlis chez Mike Leigh dans Naked (1993). Au-delà de brosser le portrait d’un individu tentant de s’en sortir (et sabotant quelques chances au passage), Urchin dépeint aussi différentes marges parallèles, parfois non miscibles.

Les derniers jours du disco (allégorie) / Photo : © Devisio Pictures

Restauration

Dickinson accompagne plus qu’il n’observe l’itinéraire de Mike dans sa tentative de réhabilitation personnelle. En dépit de son passé et de son passif (qui nous sont révélés par bribes), Mike fait en effet de son mieux pour s’en sortir. On le voit ainsi sacrifier à une médiation de justice restauration, s’essayer à différents emplois pour s’insérer dans une vie régulière, arrêter de se droguer ou de boire… Jusqu’à ce que des perturbations fassent vaciller son équilibre précaire. Des ruptures que le réalisateur a la bonne idée de matérialiser de manière surréaliste : ici, par les surgissements récurrents d’une violoniste menaçante ; ailleurs, par des intermèdes dans des espaces quasi lynchiens.

Mises en images d’hallucinations provoquées par les stupéfiants, le manque ou une forme de schizophrénie ; marqueurs métaphoriques d’une rédemption religieuse… Ces confrontations entre l’imaginaire et le réel confèrent au récit une dimension supplémentaire, explicitant ce que le monde extérieur ne peut percevoir des combats intérieurs de Mike. Avec Urchin, un cinéaste à suivre est né.

Urchin de Harris Dickinson (G.-B., 1h39) avec Frank Dillane, Megan Northam, Karyna Khymchuk, Shonagh Marie, Amr Waked… Sortie le 11 février 2026.

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Les Voyages de Tereza de Gabriel Mascaro

Dans un Brésil dystopique, les personnes atteignant un certain âge sont “invitées” à se regrouper dans une colonie pour achever leur existence. Lorsque Tereza reçoit sa convocation pour s’y rendre, elle préfère s’éclipser en douce : c’est l’occasion pour elle de découvrir clandestinement son pays qu’elle n’a jamais parcouru…

Ah , ce sempiternel casse-tête de la traduction littérale (ou non) des titres de films…L’histoire du 7^e Art foisonne d’inventions géniales prouvant que s’affranchir du nom original peut confiner au génie — Les Dents de la mer, La Guerre des Étoiles, La Mort aux trousses, Les Griffes de la nuit(merci et bravo Claude Chabrol pour ce dernier !) etc. —, quand certaines transpositions s’avèrent moins heureuses. Parce qu’elles changent la perspective de l’histoire (The Searchers devenant La Prisonnière du désert) ou croient utile de troquer une expression abstraite ou poétique pour une platitude purement descriptive (Living In Oblivion changé en Ça tourne à Manhattan !). C’est hélas un peu le cas ici où Les Voyages de Tereza a été préféré au — pourtant — merveilleux O ultimo azul (“le dernier bleu”).

Nom de bleu

C’est ce qu’on appelle une salle d’eau / Photo : © Guillermo Garza – Desvia

Alors que le titre original renvoie implicitement à la substance magique céruléenne irriguant de fantastique cette histoire à la lisière de l’onirique (un véhicule), Les Voyages de Tereza nous aiguille plutôt sur une piste plus “terre à terre”. Nous place dans la disposition de suivre un roman d’apprentissage tardif d’une rebelle aux cheveux gris dont on espère épouser des découvertes de monts et de merveilles. Résultat ? Lorsque s’achève le film, on reste sur sa faim car l’escapade physique vient à peine de débuter, Tereza larguant tout juste les amarres vers d’autres ailleurs. La frustration d’avoir le souffle épique brutalement interrompu s’installe alors que le soulagement de voir Tereza s’affranchir de ses entraves devrait nous gagner.

Voilà le pouvoir de conditionnement d’un titre, qui empêche de profiter pleinement de l’expérience du trip proposé par ce film à la structure plastique envoûtante et à l’indéniable pertinence politique. Après Kleber Mendoça Filho, Gabriel Mascaro montre qu’il faut compter avec (et sur) les cinéastes de Recife.

Les Voyages de Tereza (O Ultimo Azul) de Gabriel Mascaro (Br., 1h26) avec Denise Weinberg, Rodrigo Santoro, Miriam Socarrás… Sortie le 11 février 2026.

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Les Enfants de la Résistance de Christophe Barratier

1939, à Pontain-L’Écluse. Le déclenchement de la Guerre a bouleversé ce petit village qui voit à présent débarquer l’Occupant. Pour motiver des adultes en apparence apathiques, trois enfants distribuent nuitamment des messages signé du Lynx, incitant à la résistance. Peu à peu, leur engagement gagne en intensité et leur fait courir de sérieux risques…

À croire que l’adaptation de la série de BD signées par Ers & Dugomier lui était prédestinée. Car depuis qu’il réalise des films, Christophe Barratier a toujours balancé entre deux sujets : les histoires se déroulant au mitan du XX^esiècle (singulièrement autour/pendant la Seconde Guerre mondiale) et les aventures de gamins délurés. Mélange de potacheries inconscientes et de drames authentiques, Les Enfants de la Résistance répond à sa double appétence ; il crée au passage un nouvel écho avec la filmographie de Yann Samuell — dont on se souvient qu’il avait sorti sa Guerre des boutons une semaine avant celle de Barratier —, réalisateur en 2022 de La Guerre des Lulus… d’après une série BD suivant des enfants abandonnés à eux-mêmes durant le conflit de 1914-1918.

À la guerre comme à la guerre

Portrait standard d’un village-français-à-l’heure-allemande, où la majorité ne veut pas faire de vague et se distinguent ici un collabo étalon (le cafetier, à qui Julien Arruti donne une répugnante veulerie) et quelques discrets opposants, Les Enfants de la Résistance tient du livre d’images héroïsant la propension naturelle de la population à s’insurger… à condition qu’un leader auto-proclamé vienne lui indiquer dans quelle direction s’engager. Mais n’est-ce pas ce qui s’est passé avec le De Gaulle de Londres ? Le film échappe toutefois au joli récit trop lisse en se lestant d’un drame qu’on ne saurait qualifier de bienvenu mais qui rappelle, comme dans Jeux interdits (1952), la différence de perspectives entre les enfants et les adultes. Adapté pour le jeune public et les vacances.

Les enfants, en train d’enfoncer un coin / Photo : © Axel Films Production – Les Enfants de la Résistance

Les Enfants de la Résistance de Christophe Barratier (Fr., 1h41) avec Lucas Hector, Nina Filbrandt, Octave Gerbi, Artus, Gérard Jugnot… Sortie le 11 février 2026.

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LOL 2.0 de Lisa Azuelos

Une quinzaine d’années après les tribulations de Lola, c’est au tour de Louise (dite Lou) d’être au centre des préoccupations de sa mère, Anne. Elle qui pensait vivre sa vie de quinqua tranquille, voilà qu’elle récupère sa fille en petits morceaux après un chagrin d’amour. Mais ce n’est pas tout : son fils Théo lui apprend l’imminence d’un heureux événement… Il lui faut donc se préparer à devenir grand-mère en plus de tout cela…

La nostalgie est-elle toujours ce qu’elle était ? Plus que jamais, à en croire le goût pour le vintage, le revival, les sequels, remakes et autres spin-off comme l’on dit en bon français. Les supports auxquels elle s’arrime — ou qui la déclenchent — ont évolué depuis la madeleine de Proust ; ils se sont même démultipliés. Comme si notre monde pris dans son accélération frénétique réclamait de toutes les manières possibles le privilège de revenir en arrière, à défaut de pouvoir freiner son élan. Ce fantasme du retour à l’âge d’or fantasmé, combiné au pouvoir magique du doudou, le cinéma l’opère régulièrement en ressuscitant des héros des temps jadis.

Et sa sœur ?

C’est ce qu’il fait ici dans cette résurrection du noyau familial (semi-fictif) Doumenach, où la relation mère/fille aînée est réactualisée avec la puînée de manière somme toute conventionnelle : ambiance tempus fugit / tout change mais rien ne change. Pot de miel pour les spectateurs conquis par le premier opus, LOL 2.0. joue en outre sur une méta-nostalgie au carré avec le personnage campé par Sophie Marceau, que plusieurs générations voyaient déjà comme une évolution non officielle de l’héroïne de La Boum (1980).

S’il n’échappe pas aux clichés habituels empoisonnant les films-sur-les-jeunes-faits-par-des-vieux (milieu ultra favorisé, tokénisation, vision d’un Paris sublimé de carte postale…), on note quelques tentatives de réalisation visant à élargir le cadre — comme le recours (bref) à l’animation. Malgré tout, on ne s’empêchera pas de penser que la meilleure suite à LOL que Lisa Azuelos ait faite n’en était pas une (ni son remake américain) mais bien le film Mon bébé (2019), tendre fantaisie à redécouvrir.

LOL 2.0 de Lisa Azuelos (Fr., 1h45) avec Sophie Marceau, Thaïs Alessandrin, Vincent Elbaz, Victor Belmondo, Françoise Fabian… Sortie le 11 février 2026.

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Les Dimanches de Alauda Ruiz de Azúa

Espagne. Lycéenne dans un établissement catholique, Ainara annonce à sa famille renoncer à des études supérieures afin d’entrer dans les ordres. Fervente adepte de retraites spirituelles au couvent et sous le charme de son directeur spirituel, la jeune fille semble bien décidée. Si son père s’y résout, sa tante Maite redoute que cette vocation subite n’ait été possible que parce que Ainara est fragilisée par les circonstances…

Qu’elle semble faible à entendre, la voix critique de Maite ! Tante pilier d’une famille dont le frère veuf — le père d’Ainara — est davantage obnubilé par ses ambitions professionnelles que par sa progéniture. Rien ne sauve ce pater familias caricatural, puisqu’en plus d’apprécier le décision d’Ainara d’un point de vue comptable (comme elle vivra au couvent, il n’aura pas à lui financer d’études supérieures), ce rapiat va par la suite s’empresser de trahir la trop confiante Maite.

Neutre ?

Ce qui gêne surtout dans Les Dimanches, c’est la neutralité de l’autrice confinant à la bienveillance vis-à-vis des institutions religieuses et de leur mainmise sur les jeunes esprits en situation de fragilité. Non qu’il faille appuyer les intentions ni prendre le spectateur pour un perdreau, mais il convient à tout le moins de se positionner clairement. Ici, c’est bien simple : on se croirait face à l’un de ces longs métrages prosélytes aux semelles de plomb dont Saje distribution a le secret. Alauda Ruiz de Azúa veut-elle nous faire avaler que la foi catholique offre un refuge aux jeunes âmes déboussolées ? Transposez l’intrigue dans une famille d’une autre obédience religieuse et vous verrez peut-être davantage de museaux tiquer voire parler de radicalisation ou d’emprise sectaire.

Des ordres qui sèment le désordre / Photo : © Le Pacte

Observatrice complaisante de la situation qu’elle décrit, la réalisatrice achoppe à en dénoncer le scandale, le drame. Pis que cela : sa position ambiguë, très jésuite, interroge sur ses intentions réelles.

Les Dimanches (Los Domingos) de Alauda Ruiz de Azúa (Esp.-Fr., 1h58) avec Blanca Soroa, Patricia López Arnaiz, Juan Minujin… Sortie le 11 février 2026.

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“À pied d’œuvre”, “The Mastermind” en salle le 4 février 2026

Vincent RAYMOND — Sat, 07 Feb 2026 11:49:43 +0000

Cette semaine sur les écrans, deux hommes qui ambitionnent de réussir à travers l’art se mesurent à l’échec. Entre autres…

À pied d’œuvre de Valérie Donzelli

Photographe professionnel ayant bien vécu de son art, Paul Marquet a décidé un (beau ?) jour de lâcher le succès, l’argent, la stabilité pour écrire. Dans sa quête d’absolu créative, il va se dépouiller de tout — du confort à sa famille — et devoir financer son nouvel idéal. Pour cela, il se met à accepter des petits boulots d’autant moins bien payés qu’ils sont proposés sur une plateforme en ligne selon une enchère dégressive. L’intello troque son ordinateur contre une expertise de factotum et le dénuement contre la précarité…

« À la sueur de ton front tu mangeras du pain ». Depuis la Bible (et sans doute même avant), l’Homme accepte comme naturelle, voire nécessaire, la pénibilité du travail. Comme si tous les désagréments subis durant son labeur contribuaient à éponger quelque vieille ardoise édénique. Les artistes n’échappent pas à cette malédiction : souvent décrits comme vivant dans des sphères éthérées, dépourvus de toute considération terrestre, on exige d’eux la vache enragée et que leurs œuvres soient consubstantielles à d’infinis tourments… En somme, rien ne peut s’obtenir dans la légèreté ni la joie : chacun doit faire l’épreuve de la souffrance pour mériter sa part. Et peut-être, l’éphémère satisfaction d’une réussite.

En bossant en écrivant

En moine soldat de l’écriture, Paul s’obstine avec une forme de vertige dont on ne saurait dire s’il tient de l’orgueil ou de l’humilité. Son sacrifice jusqu’à l’obsession, à l’avilissement matériel volontaire, se transforme en drogue dans le temps qu’elle devient le carburant de son inspiration. Toucher du doigt la misère des sans grades en étant exploité (et revendiquer l’authenticité de l’être) le légitime dans sa démarche littéraire. Il lui faut vivre la galère et se défaire de ses anciens oripeaux pour pouvoir écrire. La démarche pourrait rappeler les enquêtes documentaires à la Florence Aubenas (Le Quai de Ouistreham), mais elle porte moins sur la révélation d’un contexte social que sur une épiphanie artistique personnelle.

Control, Command ou Escape, c’est plus facile sur le clavier que dans la vraie vie / Photo : © Christine Tamalet

Certes, en creux et dans les marges, À pied d’œuvre montre bien cette économie du diable par la queue, l’uberisation ignoble de la tâche par des particuliers plus ou moins sympas ; de même qu’il évoque les paradoxes de ce monde de l’édition qui rétribue chichement ses auteurs — mais où les éditeurs n’ont visiblement pas de problèmes de loyer. Sans insister sur le sujet, Valérie Donzelli diffuse ces thèmes en arrière-plan, rendant la croisade solitaire de Paul moins égoïste qu’elle ne pourrait sembler de prime abord.

Prix, concours…

Justement distingué à Venise par un Prix du Scénario (pour Valérie Donzelli et Gilles Marchand), À pied d’œuvre est, après L’Affaire Bojarski, le second film depuis le début 2026 où Bastien Bouillon impose sa silhouette. Après une quinzaine d’années de métier, quatre films par an en moyenne et une consécration comme “espoir“ (en 2023 !), il devrait enfin pouvoir être considéré par la profession comme digne d’être éligible aux plus prestigieux trophées. Après tout, il est au moins autant du sérail que Swann Arlaud…

À pied d’œuvre de Valérie Donzelli (Fr., 1h30) avec Bastien Bouillon, André Marcon, Virginie Ledoyen… Sortie le 4 février 2026.

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The Mastermind de Kelly Reichardt

1970, aux États-Unis. La trentaine, Mooney végète professionnellement, au grand dam de son père juge et de sa mère qui accepte en secret de lui financer un hypothétique projet entrepreneurial. Elle ignore qu’elle lui permet de mettre sur pied le casse de trois toiles dans un musée, que Mooney a minutieusement conçu. Mais entre l’exécution du plan contrecarrée par des bras cassés et l’écoulement du butin, rien ne se déroulera pour ce cerveau trop intello…

Est-ce un hasard si The Mastermind arrive après Showing Up (2022) ? Ils forment en tout cas un diptyque édifiant sur la création artistique en échec : d’un côté une plasticienne qui hésite, achoppe, se laisse envahir par ses problématiques familiales alors qu’elle devrait rester concentrée sur la conception de son exposition ; de l’autre un homme obnubilé par l’art dans lequel il voit une issue pour fuir le cul-de-sac de sa vie routinière. Pour Kelly Reichardt, l’œuvre d’art n’est pas une fin en soi mais un prétexte — un McGuffin — permettant de parler de ce qu’il y a autour de sa présence.

1970

C’est en effet ici moins le cambriolage que le contexte d’une époque que la réalisatrice capture et encapsule dans son film — pour rester dans la thématique, on pourrait presque parler d’un travail virtuose de faussaire tant elle parvient à restituer. Dès les premières images, on croirait à un authentique film de la fin des années 1960 : décors, costumes, gueules, cadrage, étalonnage et rythme global du film… tout concourt à évoquer un film indépendant du Nouvel Hollywood. Le parcours du personnage-titre, stratège à la petite semaine, rappelle également les itinéraires bancals des anti-héros fleurissant dans ces années de guerre du Vietnam, où la jeunesse (les baby-boomers) oscillait entre contestation et désespérance — revoir Macadam Cowboy (1969) ou Le Canardeur (1974).

Loin de se borner à un exercice de contrefaçon, The Mastermind est à l’instar de Inside Llewyn Davis (2013) des frères Coen un très beau et très pathétique portrait d’individu, d’autant plus captivant qu’il le suit quasiment en permanence, usant d’une sobriété pouvant paraître surprenante. Ce “minimalisme omniprésent” fait écho à celui de l’espace à l’écran, encore vierge de ces produits de la société de consommation saturant le moindre recoin de notre existence. Rappeler que le monde occidental était alors encore “empli de vide” et que l’on pouvait espérer y tracer sa route, a de quoi laisser songeur, sinon nostalgique…

The Mastermind de Kelly Reichardt (É.-U., 1h50) avec Josh O’Connor, Alana Haim, John Magaro… Sortie le 4 février 2026.

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Martin Jauvat (“Baise-en-ville”) : « Quand tu finis la prise, tu sens si tu as fait de la merde ou si ça va »

Vincent RAYMOND — Sat, 31 Jan 2026 22:30:35 +0000

Dans son deuxième long métrage, “Baise-en-ville”, Martin Jauvat s’inspire de (sa pas si lointaine) jeunesse pour raconter les tribulations d’un anti-héros en quête de permis de conduire. Conversation lors du Festival de Sarlat.

Avant la sortie, vous avez présenté votre film en festival à des publics très différents tels que les exploitants à Charlieu ou les lycéens à Sarlat. Avez-vous noté des différences de réception ?

Martin Jauvat : J’ai l’impression que quand ça se passe bien, quand on aime bien l’humour en général, on va peut-être pas rigoler aux mêmes blagues de la même façon si on a 15 ou 75 ans. Même s’il y a quelque chose de très générationnel dans le film, je fais des petits clins d’œil aussi. Rien que le baise-en-ville du titre, c’est quand même pas de mon âge ; ou Bonne nuit les petits qui revient rythmer tout le truc… Après, j’aimerais que tout le monde aime et rigole, évidemment… En tout cas, les gens me donnent beaucoup de bienveillance, quel que soit leur âge.

J’essaie de faire un truc radical. Et quand c’est radical, forcément, c’est clivant : ça laisse des gens de côté. Je sais qu’il y a des gens qui sont pas du tout sensibles à ce type d’humour. Mais pour ceux qui aiment bien, et j’espère qu’ils sont majoritaires, bah, on est assez généreux, on n’est pas avare en blagues. Il y en a beaucoup et même qui sont pas très drôles — et ça fait partie du charme, je trouve (sourire) J’aime bien laisser des blagues pas très drôles, c’est même un luxe ! J’essaie de faire un truc hyper personnel et en allant au cœur de l’intime, ça va finir par devenir un peu universel, c’est mon pari.

Êtes-vous passé comme votre personnage de Sprite par une phase où vous étiez complètement perdu ?

Pas du tout ! Moi, je suis un énorme winner : j’ai fait HEC… non non non pas du tout : j’ai galéré de ouf. Comme le perso, j’ai fait trois licences à la fac ; après je me suis fait larguer, je suis retourné chez mes darons, j’étais en galère, je fumais des joints, je prenais des bains, ma mère m’a confisqué le bouchon de la baignoire… Tout est vrai ! Mon permis, je l’ai eu pour le tournage — pareil, mon code allait se périmer dans les six mois — l’intérim. Il y a juste la start-up que j’ai inventée parce que j’avais besoin que ça se passe la nuit pour qu’il ait le baise-en-ville et tout le truc de devoir dormir. Je bossais plutôt le jour — enfin parfois c’était tellement tôt que c’était encore la nuit.

J’ai fait pas mal d’intérim à Disney et dans tout ce coin de Seine-et-Marne où j’ai grandi, je retournais dans le pavillon de mes parents…

Mais ce n’est pas parce que j’étais en galère que je n’étais pas inspiré. Au contraire, même : toutes ces galères m’ont donné pas mal de matière. Sur le coup c’était chiant, mais si tu laisses passer quelques mois, tu trouves ça cocasse. Je pense pas que là que les success stories soient inspirantes. Je n’ai pas envie de voir des films sur des gens qui sont au top : c’est pas intéressant. J’aime bien quand c’est compliqué, qu’on trouve des solutions, de la fantaisie, de la poésie pour s’en sortir dans ce monde qui est devenu quand même assez difficile. Le film raconte ça.

Je me suis toujours inspiré de ma vie, en prenant des événements assez tristes pour moi et en les tournant à la comédie : ça permet de les exorciser. Il y a un truc un peu thérapeutique là-dedans ; c’est très intime en fait. Je galérais mais j’avais envie de faire des films : je ne pensais qu’à ça, je ne faisais que regarder des films, je faisais des courts métrages auto-produits qui n’étaient pris dans aucun festival…

Et comment vous en êtes vous sorti ?

Je faisais des courts métrages auto-produits dans mon jardin et j’ai eu la chance de pouvoir montrer un de mes films à un producteur qui aime les profils atypiques, qui aime les outsiders, qui n’ont pas fait les meilleures écoles, qui n’ont pas le meilleur CV. En plus, c’est un producteur qui faisait des films que je trouve géniaux, Emmanuel Chaumet. Il avait fait les films de Le Tourneur, de Triet, de Peretjatko, de Forgeard… Moi, j’étais très fan de Benoît Forgeard et c’est Benoît Forgeard qui a montré mon court métrage à son producteur, après avoir joué dans mon tout premier court métrage auto-produits en bénévole.

À ce moment-là, je galérais de ouf : je faisais des licences, j’étais caissier au cinéma de ma ville… enfin c’était chaud, quoi ! Et ce producteur m’a fait confiance sur mon premier long Grand Paris immédiatement, alors que je n’ai jamais fait un truc produit. Et c’est comme ça que je suis rentré dans le cinéma : par la fenêtre de la salle de bains. C’est cool aussi parce que ça apporte un peu de sang neuf. Parce que sinon, tous les mêmes écoles, tous les mêmes cercles, c’est un peu consanguin…

“Gourou”, “Baise-en-ville”, “Nuremberg” en salle le 28 janvier 2026

Vous avez évoqué le territoire dans lequel vous avez grandi. Il est presque un personnage du film mais vous le représentez à la fois comme un espace réaliste et imaginaire, poétique…

J’adore cette tension : je vais aller dans un truc effectivement presque naturaliste — les enjeux du scénario sont hyper triviaux. J’aime bien que ça soit vraiment ancré dans un territoire ; ça donne une âme en plus. En contrebalançant avec un traitement complètement irréaliste : imaginez que ce soit un Tintin en Seine-et-Marne, un Wes Anderson ou un truc aussi esthétisé mais ramené à une réalité banale. Ce décalage me plaît vraiment, je le trouve très poétique : je rajoute toujours des étoiles dans le ciel la nuit ; de la couleur partout… On a beaucoup de plans fixes, très composés, très graphiques contrebalancés par un truc prosaïque : c’est ça qui est beau, justement. L’un sans l’autre, ça ne serait pas intéressant pour moi.

Chelles, son garage… / Photo : ©EcceFilms

Aviez-vous un moodboard pour Baise-en-Ville ?

Très très coloré, oui ! J’aime beaucoup les comédies américaines, c’est sûr : j’avais beaucoup de Miyazaki dans mon moodboard. Et figurez-vous qu’il y avait pas mal Les Tuches — qu’on aime ou qu’on aime pas il y a quelque chose de graphique, de radical à l’image. C’est très très très coloré à la différence de beaucoup de comédies françaises où on s’en branle, finalement, de l’image tant que Didier Bourdon fait sa bonne blague — je lui tire dessus mais vrai, je suis fan des Inconnus à la base.

Les comédies un peu interchangeables, c’est peut-être les films qui vont avoir le plus de mal survivre aux IA et c’est dommage parce que pour moi la comédie c’est le genre le plus intéressant. Elle a tendance à s’en foutre de l’image alors que pour moi c’est un médium hyper intéressant. Le son aussi. Moi j’ai tendance à surmixer, à faire beaucoup de bruitage, comme dans un cartoon. À suresthétiser quelque chose de banal mais toujours pour raconter des trucs hyper prosaïques.

Citer Wes Anderson, ce n’est pas un hasard…

Non c’est pas un hasard du tout. Tati aussi. Demy aussi : la couleur, clairement.

Est-ce rassurant que des comédiens-réalisateurs comme Emmanuelle Bercot ou Michel Hazanavicius aient adhéré à votre projet ?

S’ils viennent, on se dit qu’on n’est pas en train de faire totalement de la merde, c’est vrai. Ils apportent une garantie : ils ne vont pas aller sur n’importe quelle connerie. Je n’étais pas sûr de faire ce film, mais à un moment j’ai décidé de le faire et d’y croire à 100% — on ne peut pas y aller à la moitié. Au début, je trouvais ça trop inintéressant un mec qui passe le permis : ça manquait de folie. Mais les gens étaient très enthousiastes sur le scénario, alors ça me donnait de la force. Je n’avais pas envie de céder à cette euphorie, j’étais assez paranoïaque : je n’ai vraiment pas du tout confiant en moi ; je me demande ce que je fous là tout le temps…

Pour la monitrice d’auto-école, il fallait quelque’un de très haute en couleur. Quand j’ai vu des interviews de Bercot, tellement brute de décoffrage, tellement cash, j’étais sous le charme total. Je l’ai rencontrée et je lui ai dit : « je veux que ce soit toi » ; elle a dit oui. Pour Hazanavicius dans le rôle de mon daron, c’est un rêve de gosse ! Et il est trop bon acteur surtout : il est énorme dans Jacky au royaume des filles ; on n’en parle pas assez mais il a un des premiers rôles. Il est trop drôle, il a le bon timing… C’est un plaisir.

Ça sent le sapin pour le permis / Photo : ©EcceFilms

Leurs expériences vous ont-elles servi ?

Michel a fait une petite passe sur le scénario : il m’a proposé des vannes. J’en ai gardé quelques-unes.« On t’aimera quand tu nous laisseras dormir », c’est lui qui l’a trouvé. Il y en a certaines que j’aimais beaucoup, mais je les ai coupées quand même, finalement. Bercot non, elle était là comme actrice. Même si je lui demandais son avis, elle m’encourageait, mais elle n’allait jamais se mettre à ma place et commencer à me dire comment on fait un film. Elle était vraiment au service de la mise en scène.

Hazanavicius, il n’est pas comédien, il était là pour être avec moi, pour faire le truc, on s’amusait. Jamais il m’a dit : « mais pourquoi tu ne fais pas ça ? » Jamais de la vie. Si je leur avais demandé, je pense qu’ils m’auraient donné des conseils. Ce qui est bien, c’est qu’ils sont généreux et étaient à l’écoute ; ils ne sont pas venus m’apprendre la vie mais parce qu’ils savaient que j’étais comme ça, plutôt décontracté avec ma façon de bosser. C’’est pas comme s’ils manquaiten de taf. Ils sont venus parce qu’ils aimaient ce style-là, je pense. Je parle à leur place, mais j’ai compris un peu le truc…

Avez-vous toujours pensé interpréter le premier rôle ?

Je n’étais pas mon premier choix ; c’est mon producteur qui a voulu que je joue… Mais je suis content : en fait, je m’auto-censurais. Je pensais à quelqu’un d’autre en écrivant ; je peux vous dire si vous voulez : Pierre Nin… (rires) Je cherchais une connerie, j’allais dire Lino Ventura (sourire) Ça va vous paraître con, mais à la base je pensais à Lebghil pour jouer mon rôle ; je lui avais même dit. Et après j’ai dû lui dire qu’en fait c’était moi. C’était horrible ! Merci de retourner le couteau dans la plaie (rires)

Le truc, c’est qu’il a passé un âge entretemps : tu le mets en maillot de foot dans la baignoire, c’est un peu glauque. Je ne dis pas que je suis pas glauque, mais il l’est plus que moi. C’est un daron, maintenant !

Finalement, comment êtes-vous parvenu à ne pas vous auto-censurer ?

Sur le jeu ? Bah je sais ce que je veux, je le fais ; c’est assez fluide, justement. Pour le coup, j’étais plus stressé quand c’était pas moi devant la caméra. Après, tout le monde est assez facilement rentré dans son personnage et c’était c’était trop bien ; je ne changerais personne au casting, je suis trop content ! Mais quand c’était moi, je me disais : « ça va rouler » Je ne me posais pas 36 000 questions : le personnage est hyper proche de moi.

Quand tu finis la prise, tu sens si tu as fait de la merde ou si ça va. Je commence à avoir de l’expérience là-dessus, à savoir ce que je fais. Et c’est hyper agréable de jouer, je prends du plaisir à faire des blagues. J’essaie de prendre du plaisir sur mes films parce que sinon ça n’a aucun sens. Parfois je me trompe : je suis persuadé d’avoir fait un truc génial et en fait c’est de la merde (rires) J’arrive au montage : « j’aurais dû refaire une prise » (rires)

C’est un pari…

C’est complètement un pari. Chaque blague, c’est un pari : il y en a certaines qui marchent pas, qui marchent moins bien… Je ne pourrais pas, comme certaines grosses prod, faire un questionnaire de satisfaction : « ah, les gens n’ont pas rigolé ; je la coupe ». C’est horrible. Les films qui me plaisent, qui ont du charme, c’est ceux qui ne sont pas parfaits, qui ont des petits défauts, des petits trucs… Si c’est une énorme machine totalement bien huilée, ça ne me parle plus, c’est moins personnel…

Avez-vous déjà une nouvelle idée en tête ?

En général, j’ai des idées depuis longtemps et je laisse un peu vadrouiller dans un coin de ma tête. À un moment je me dis : « bon allez, celle là je la choppe ! » En ce moment, il y a un truc un peu un peu à la Fargo des frères Coen qui me plairait — mais à Chelles et en un peu moins violent — et je m’éclate à l’écrire. Je ne cherche que le plaisir : si ça me fait chier de l’écrire, j’abandonne ; et là, c’est juste du kiff. Il y aura de l’action, donc je vais m’éclater à faire des cascades — j’ai décidé de jouer dedans.

C’est intéressant de montrer le monde et de réfléchir un peu sur ce qu’on est en train de faire. Je ne veux pas que ça soit trop frontal, trop lourd, trop appuyé mais j’essaie toujours d’avoir une sorte de propos social politique qui sous-tend la comédie. Sinon, je trouve que ça sert à rien.

Baise-en-ville de & avec Martin Jauvat (Fr., 1h34) avec également Emmanuelle Bercot, William Lebghil, Michel Hazanavicius, Sébastien Chassagne, Géraldine Pailhas, Anaïde Rozam… Sortie le 28 janvier 2026.

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“Ma frère” en salle le 7 janvier 2026… et “Ella McCay” nulle part

Vincent RAYMOND — Sat, 10 Jan 2026 15:22:28 +0000

Deux copines partent encadrer une colo dans la Drôme cette semaine dans les salles tandis qu’une gouverneure est prestement exfiltrée avant même d’arriver sur nos écrans. Entre autres…

Ma frère de Lise Akoka & Romane Gueret

Inséparables depuis qu’elles sont gamines, Shaï et Djeneba ont trouvé un plan pour passer l’été loin des tours du quartier de la Place des Fêtes : elles seront animatrices d’une colonie de vacances dans la Drôme. Si Djeneba a l’habitude du contact avec les petits, Shaï se montre plus désinvolte, ce qui créé des tensions dans le groupe et entre elles. Cet été de leur vingt ans va jouer le rôle de révélateur autant que de crash test pour leur amitié…

De Lise Akoka et Romane Gueret, on avait beaucoup aimé Les Pires, premier long métrage fonctionnant sur deux tableaux : le portrait assez classique, au premier degré, d’un groupe d’ados et d’enfant d’une banlieue du Nord ; le second, plus décalé, croquant avec une pointe d’auto-dérision les travers du cinéma social. Une manière de ne pas se prendre au sérieux et bien insister sur leur préoccupation première : la préservation de leur jeunes comédiens. Les autrices avait d’ailleurs expliqué avoir veillé à accompagner par la suite Mallory Wanecque, révélation du film, dans ses premiers pas de comédienne professionnelle.

Suite et redite ?

Ma frère montre qu’elles ont de la suite dans les idées… à plusieurs enseignes. D’abord parce qu’elles conservent des protagonistes identiques — des ados issus d’une “cité” (en l’occurrence, la Place des Fêtes à Paris) —, qu’il s’agit de surcroît d’un duo de comédiennes qu’elles ont précédemment dirigées dans une websérie (Fanta Kebe et Shirel Nataf dans Tu préfères ?) et que le cadre de la colonie de vacances n’est pas éloigné de celui du tournage à l’intérieur des Pires puisqu’il confronte des encadrants adultes pas toujours en adéquation avec des ados/gamins : les aventures parallèles de ces deux générations ainsi que les bisbilles entre elles alimentant le récit.

S’ensuit une chronique estivale pas détestable de la jeunesse des années 2020, face aux problématiques de famille dysfonctionnelle ou sentimentale, de consentement… Tout cela serait fort plaisant si l’essentiel du film — à savoir le segment durant la colonie — ne se démarquait pas assez d’un film revendiqué par les réalisatrice comme leur référence : Nos jours heureux (2006) de Nakache & Toledano. On peut comprendre l’envie de faire allusion à une œuvre de chevet mais là, le nombre de clins d’œil fait parpeléger et parasite la vision de Ma frère. Dommage.

Ma frère de Lise Akoka & Romane Gueret (Fr., 1h52) avec Fanta Kebe, Shirel Nataf, Amel Bent, Idir Azougli, Yuming Hey, Suzanne de Baecque, Zakaria Lazab… Sortie le 7 janvier 2026.

_*^*_*

Ella McCay de James L. Brooks

Dans une petite bourgade américaine, Ella McCay est une brillante jeune femme de 34 ans qui assume les fonctions de lieutenant-gouverneur de l’État. Lorsque son patron, le gouverneur Bill Moore l’informe qu’il est sur le point d’être nommé Secrétaire d’État et qu’elle doit logiquement lui succéder pour les quelques mois de mandat qu’il reste à accomplir, c’est une bourrasque qui s’abat sur sa vie. D’une intégrité absolue, elle tient d’emblée à déminer plusieurs affaires touchant à sa vie privée qui pourraient compromettre son action politique qu’elle souhaite plus efficace que son pragmatique prédécesseur. Ce qu’elle n’imagine pas en revanche, c’est que sa nouvelle position va révéler la vraie nature de certains de ses proches. Ni coïncider avec le retour de son encombrant père dans l’équation…

Ella ? pas là !

Avouez qu’il s’agit d’un bien étrange paradoxe que d’évoquer la non-sortie d’un film. Ou quand cette disparition soudaine se lit comme un symptôme d’une industrie créative malade, voire d’une société dans son ensemble. Ella McCay aurait dû apparaître sur les écrans français le 7 janvier 2026, mais le studio le produisant et le distribuant (20th Century Studios, filiale de Disney) a décidé de le priver d’exploitation en salle après le démarrage calamiteux aux États-Unis mi-décembre. Une punition radicale et collective, en somme. Car si l’on s’en tient à cette stricte lecture comptable : puisque les États-Unis n’en veulent pas (après deux jours d’exploration), le monde n’en voudra pas non plus.

Considérer que “le monde” présente des goûts uniformes est déjà spécieux ; il l’est d’autant plus lorsqu’il s’agit de cinéma ainsi que du public européen — et, singulièrement en France où une foultitude de cinéastes ont par le passé réalisé leurs meilleurs scores parce que le public comme la critique voyait dans leurs film au-delà des produits de consommation : des œuvres. Ajoutons qu’avec une tête d’affiche franco-anglaise, Emma McKey, le marché hexagonal en particulier pouvait éprouver de l’intérêt et de la curiosité pour se film, envers et contre l’autre côté de l’Atlantique.

Trompe l’œil

Cette gouvernance globalisée des majors les privant de nuances s’ajoute à la liste de tous ces choix pris par certaines depuis deux décennies et s’avérant aberrants sur le long terme. Comme réduire ou abandonner la diversification dans les séries B et les films indépendants “d’auteurs“ (certes moins rémunérateurs immédiatement mais ô combien rentables sur le catalogue et en termes de prestige) afin de tout miser sur un nombre restreint de franchises, limitées à des univers fermés (fantasy, super-héros…) et n’en sortant que pour lancer des resucées de succès passés au lieu d’investir dans de nouvelles idées. L’inflation des recettes et les acquisitions massives de concurrents a joué son rôle de trompe-l’œil : les majors sont aujourd’hui des colosses aux pieds d’argile plus enclins à enterrer un film qu’à le soutenir.

Tendres pressions

Même lorsqu’il s’agit d’un film signé par un « scénariste et réalisateur récompensé aux Oscars® » comme le dit l’affiche ? James L. Brooks, auteur rare à l’instar d’un Malick ou d’un Kubrick (6 longs métrages depuis 1983), orfèvre d’une comédie “à l’ancienne” telle que Capra, Hawks, McCarey (ou Rappeneau en France) la ciselaient et adulé par les comédiens — certains lui doivent des Oscars. Ah, il est aussi via sa société Gracie Films le producteur historique des Simpsondepuis 1989, charge permanente et salutaire vis-à-vis d’une certaine vision auto-centrée du monde. Certes, la série s’adresse à un public convaincu en dézinguant l’Étasunien moyen mais elle a le mérite d’avoir conservé son mordant satirique (notamment vis-à-vis de la main qui la paie) malgré son succès. Sans doute parce qu’elle sait que sa poursuite dépend de sa faculté à persister à tourner en dérision ceux qui incarnent le pouvoir.

Chhhhhut, on t’a dit !

Ce qui peut passer dans une série d’animation passerait-il plus difficilement dans un film ? Venons-en au cas plus particulier d’Ella McCay, trépidante comédie dramatique épousant terriblement l’époque… prouvant au passage qu’une structure éprouvée ne signifie pas vieillerie empoussiérée. Ella McCay n’est pas un “film woke” dans la conception récente du terme, si abhorrée par les rétrogrades. Ou alors, le cinéma de Cukor avec Katharine Hepburn l’était avant l’heure ; d’ailleurs, l’héroïne-titre du film de James L. Brooks eût pu l’inspirer. Quant à sa probité et sa foi dans la démocratie, elles n’auraient pas déparé parmi le cosmos des idéalistes de Capra.

Brooks forever !

Sans revendiquer avec des clignotants partout le fait d’être en phase avec les problématique de l’époque, Brooks traite ici du féminisme face à un patriarcat parfois intégré, de la parentalité toxique, de la phobie sociale contraignant à l’isolement, de l’hypocrisie du pouvoir préférant les apparences aux compétences, des petites et grosses vénalités du quotidien, de la nécessité d’une politique d’aides sociales… et de tenir les promesses de campagne — lesquelles donc ne doivent pas uniquement servir à se faire réélire… Autant de thématiques constituant la colonne vertébrale de l’œuvre de Brooks — revoyez Tendres passions, Broadcast News, Pour le pire et pour le meilleur, Comment savoir… Si James L. Brooks avait été cyniquement opportuniste, il aurait pu “vendre” sa protagoniste comme l’incarnation de la charge mentale. Même si elle l’est, elle est surtout un personnage purement brooksien.

Faire la fine bouche aujourd’hui devant ce film rythmé, quasi chorégraphique, à la distribution splendide (Emma/Ella, magnifique) est peut-être aussi triste, voire grave, que le priver de sortie. Même si l’on se convainc qu’il sera redécouvert avec un plaisir étonné dans quelques années par des yeux dessillés, on peine à comprendre le mépris ou la condescendance manifestée vis-à-vis d’un auteur aussi exigeant. Alors qu’il y a sans doute plus de cinéma, de propos et d’émotion dans un plan de Brooks que dans une franchise complète en CGI.

Ella McCay de James L. Brooks (É.U, 1h55) avec Emma McKey, Jaimie Lee Curtis, Julie Kavner, Spike Fearn, Rebecca Hall, Ayo Edebiri, Kumail Nanjiani, Albert Brooks, Jake Lowden, Woody Harrelson… Sortie ~~le 7 janvier 2026~~???

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Lise Akoka (“Ma Frère”) : « Parfois, ça me rend ivre quand je les entends parler ! »

Vincent RAYMOND — Tue, 06 Jan 2026 13:10:09 +0000

Après le succès de leur premier long métrage “Les Pires” qui avait notamment décroché le Prix du jury Jeune au Festival de Sarlat en 2022, Lise Akoka et Romane Gueret reviennent avec une comédie de colo menée par deux copines s’improvisant animatrices histoire de quitter Paris. Conversation avec l’une des réalisatrices…

S’agit-il d’un film de commande ?

Lise Akoka : Avec ma coréalisatrice Romane [Gueret, NDR], on ne se sent pas du tout capables de faire quelque projet de commande que ce soit pour l’instant. On a vraiment besoin de démarrer l’écriture avec une direction narrative viscérale. Celui-ci part donc d’un désir profond de raconter notre rencontre et notre histoire d’amitié, de sororité avec Shirel [Nataf, NDR] et Fanta [Kebe, NDR] depuis 10 ans. De raconter aussi le monde de l’enfance en tentant d’atteindre une certaine vérité très dure pour les adultes que nous sommes devenues, en faisant subir le minimum de transformation possible à ce qu’est l’enfance. Et puis raconter aussi la saveur des séjours en colonie de vacances, pour les avoir beaucoup fréquentées.

Elles ont dû évoluer : les vôtres ne sont pas les mêmes que celles des enfants d’aujourd’hui…

En quelque sorte… Il y a plein de choses qui n’ont pas changé et que j’ai retrouvées. Le défi, c’était qu’il y ait quelque chose d’intergénérationnel ; que le spectre d’âge des spectateurs soit large et que l’on puisse s’y reconnaître quand on a fait des colos il y a 20-30 ans ou aujourd’hui. Au moment de l’écriture, on est toujours dans un processus immersif qui nous permet de rester à jour. Pour ce film, on a beaucoup fréquenté les centres de loisirs, les maisons de quartier et les colonies de vacances. Notamment en faisant embaucher Shirel et Fanta en tant qu’animatrices stagiaires pour les mettre en situation : on les a regardées être animatrices auprès d’enfants ; ça a beaucoup nourri l’écriture !

Selon vous, qu’est-ce qui a le plus changé ?

Par exemple ce qu’on raconte dans le film avec le personnage de Naël, qui est un animateur·ice non-binaire. On a écrit cette trajectoire-là parce qu’on l’a observée dans une des colos qu’on a faites. On a été assez épatées par la façon dont la société évolue avec ces sujets-là. Pour les enfants de la colonie, ce n’était pas un sujet et à la fois, ça pouvait en être un, très fluide. Il y avait un dialogue très libre qui s’ouvrait avec Naël sur ces questions-là. On a eu envie vraiment d’en rendre compte dans le film — là où d’ailleurs le personnage de Shirel, Shaï est beaucoup plus fermée d’esprit. Elle est très en retard par rapport à cette nouvelle génération qui arrive et qui est capable de penser les questions d’identité, de genre, différemment.

**Et pourtant le titre du film est “*Ma” frère***…

C’est le titre du film, effectivement, donc c’est peut-être ce qui est le plus prégnant. Mais ce n’est pas tellement propre à la colonie de vacances ; plus à ce qui a bougé chez les enfants d’aujourd’hui.

“Ma frère” en salle le 7 janvier 2026… et “Ella McCay” nulle part

Justement, l’évolution du langage vous a-t-elle surprise ?

Est-ce que ça évolue plus vite dans le langage ? Je dirais oui : ça va à toute vitesse mais je trouve ça très beau ! C’est aussi ce qu’on essaie de mettre en lumière dans ce film : l’inventivité et la solarité de ce langage. J’espère de tout cœur aussi qu’un public plus âgé pourra parfois apprendre de ce langage et même s’approprier des choses, pourquoi pas ? Parce qu’il y a une grande poésie et un grand talent de répartie. Parfois, ça me rend assez ivre quand je les entends parler !

Comment avez-vous rencontré au départ Shirel et Fanta ?

Sur le film La Mélodie, où j’étais coach enfant. On passait beaucoup de temps ensemble hors plateau à attendre — et donc à discuter. On avait des discussions passionnantes, très drôles et très profondes aussi, très philosophiques et même très politiques, au fond, même si elles ne s’en rendaient pas forcément compte. La force de ces débats-là m’a accompagnée après cette expérience de tournage. La websérie qu’on a faite ensuite ensemble, Tu préfères ?, était une façon de remettre en scène ces débats-là à travers ce jeu qui oppose deux dilemmes. À travers ces dilemmes d’apparence un peu débile, un peu triviale, elles racontaient leur personnage — puisque c’est de la fiction — mais aussi d’une certaine façon leur génération.

La séquence finale de ***Ma frère*, tournée au téléphone, y fait allusion…**

Pour Tu préfères ?, Shirel et Fanta avaient 16 ans et pour cette série, on avait récupéré toutes leurs archives de téléphone pour faire les génériques — parce qu’elles se filment beaucoup toutes les deux et toutes ces images sont vraiment le témoin de leur amitié qui a démarré dans l’enfance ; elles racontent parfaitement le lien qui les unit. On avait envie, dans cette séquence finale, de faire un clin d’œil à ces images de téléphone portable.

Dans Ma frère, il est question de leur amitié mais aussi du passage à l’âge adulte et de leur “dé-fusion” à toutes les deux pour aller vers leur vie à chacune, et être capable de s’éloigner l’une de l’autre. Ce moment les ramène à ce qui est indéfectible entre elles et ce qui ne sera jamais abîmé. On avait envie d’aller prendre des vraies images de leur enfance, parce qu’elles sont véritablement amies depuis toutes petite. Comme il n’y avait pas la matière nécessaire — tout ce qu’on avait ne fonctionnait pas en longueur — on a en quelque sorte “tourné à nouveau” ce moment en s’inspirant des vidéos de leur enfance. Après, on a dû faire des effets spéciaux…

Comment avez-vous recruté vos autres jeunes acteurs pour ce film ?

C’est le fruit d’un très long casting sauvage qui a duré un an, au cours duquel on a vu 1500 enfants. On était accompagnées par Marlène Serour, une directrice de casting travaillant sur tous nos projets, dont on est très proches. Avec Romane, comme on vient aussi du casting, on est assez présentes à toutes les étapes du casting ; cette attention toute particulière, je pense que c’est ce qui fait le cœur de notre cinéma.

Là, on a sillonné les maisons de quartier, écoles, parcs de toutes les banlieues du nord-est parisien. Au début, on ne voyait pas les enfants un par un en casting, mais par groupes de 10-15 à qui on faisait faire des grosses improvisations — c’était des séances de travail très joyeuses et très légères. Il y a eu plusieurs étapes de casting comme ça, où à chaque fois on gardait les enfants qui nous semblaient correspondre le mieux au rôle — mais aussi certains pour qui on a pu réécrire des rôles à partir de coups de foudre qu’on a eus. C’est comme ça qu’on est arrivées à notre petit groupe idéal de 20 enfants.

Et on les a emmenés en colonie de vacances puisqu’ils étaient pendant trois semaines sur le décor, qui est donc un camping dans la Drôme en bord de rivière. Quand ils ne tournaient pas, ils étaient vraiment en colonie de vacances entre eux ; ils faisaient des activités de colonie, ils mangeaient ensemble, ils dormaient ensemble…

Avez-vous dû accumuler beaucoup de rushes pour obtenir le résultat final ?

On avait 150 heures de rushes à la fin parce qu’on tourne énormément ; en revanche, tout est très écrit et le film ressemble de près au scénario à la lecture. C’est d’ailleurs un peu tout le défi : faire croire à une spontanéité et à un aspect quasi documentaire alors qu’en fait c’est quand vraiment déjà de la fiction. Et puis on a choisi aussi tous nos interprètes — nos acteurs adultes comme enfants — pour leur qualités de jeu et pas pour leur naturel brut. Notamment des enfants capables de jouer, d’apprendre un texte, qui ressemblent aux personnages tels qu’on les avait écrits et qu’on a dirigés au mot près sur le plateau.

L’écriture se fait beaucoup à partir de séances d’improvisation et d’immersion — donc à partir du réel —mais une fois que le scénario est écrit, on en reste assez proche. Sur le plateau parfois, on fait une dernière prise on permet un peu plus de liberté, on lance une petite improvisation, mais finalement dans le film, il n’en reste pas grand chose.

Y a-t-il des sujets auxquels vous avez dû renoncer en cours de route, faute d’espace ou de temps pour les traiter ?

C’est une très bonne question mais c’est très très dur d’y répondre. Il faudrait vraiment que je je me plonge dans mes souvenirs… En écriture, on a eu plusieurs fois des débats sur les violences sexuelles et on a préféré ne pas rentrer dans une vraie trajectoire qui traitait de ça. C’était pas possible : c’est un film entier, on ne peut pas le traiter en filigrane dans un film choral. Le vrai défi de ce film, c’est de réussir à traiter en filigrane de tous ces sujets très profonds tout en ne restant pas en surface.

Comment Amel Bent est-elle arrivée dans ce projet ?

En fait, on a pensé à elle assez simplement… tout en se disant : « il y a de fortes chances qu’elle ne joue pas bien puisqu’elle n’est pas actrice ». On n’a pas tout de suite fait confiance à notre idée, parce qu’on la trouvait assez saugrenue au départ. En même temps, ça faisait sens pour nous parce que Sabrina, c’est vraiment ce qu’aurait pu être Amel si elle n’avait pas eu cette trajectoire de chanteuse populaire ; elle aurait pu être une de ces gamines..

On a eu envie de la rencontrer pour voir comment ça se passait de la diriger, lui faire apprendre un texte… Pour le contact, aussi. Elle était très très enthousiaste en arrivant, elle avait adoré le scénario, c’était porteur. Et quand elle est entrée dans la pièce, c’était vraiment le personnage — c’était assez choquant pour nous : elle était même habillée comme le personnage. On a fait une heure de séance de travail, très convaincante : ce qu’elle proposait était juste et en même temps, il y avait du travail. Mais en une heure on a vu qu’elle était très malléable, très poreuse aux indications. Donc le choix s’est fait comme une évidence après cette séance.

Est-ce elle qui a glissé dans le dialogue l’allusion au permis de conduire que l’on peut acheter ?

Non.

C’est vous ?

Oui. Mais quand on l’a écrit, on ne savait pas que ce serait Amel Bent — et elle a cru en lisant le scénario que c’était un clair-d’oeil pour elle. C’est Shirel qui m’a inspiré l’histoire du permis de conduire — sans vouloir la dénoncer aux services de police (rires)

**Avez-vous pensé durant l’écriture à Nos jours heureux et comment avez-vous fait pour vous en démarquer ?**

Nos jours heureux, c’est forcément une source d’inspiration, parce que c’est un peu un film culte pour Romane et moi, de notre adolescence, dans une période où les colonies de vacances c’était toute ma vie. C’est un film qui nous a accompagnées. Dans le notre film, le personnage de Bérangère, par exemple, c’est un petit clin d’œil à Caroline de Nos jours heureux quelque part. Mais c’est aussi un film qui a été fait à une autre époque. Je suis flattée si jamais pour certaines personnes, c’est une sorte de Nos jours heureux réactualisé.

Ma frère de Lise Akoka & Romane Gueret (Fr., 1h52), avec Fanta Kebe, Shirel Nataf, Amel Bent, Idir Azougli, Yuming Hey, Suzanne de Baecque, Zakaria Lazab… Sortie le 6 janvier 2026.

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“Laurent dans le vent” en salle le 31 décembre 2025

Vincent RAYMOND — Fri, 02 Jan 2026 14:41:52 +0000

Un presque trentenaire à la dérive entame l’année sur les écrans en se faisant des amis en altitude Entre autres…

Laurent dans le vent de Anton Balekdjian, Léo Couture & Mattéo Eustachon

À bientôt 30 ans, Laurent n’a pas vraiment quitté l’adolescence. Ou plutôt, il retarde son entrée dans l’âge adulte et traîne un vague spleen qui le conduit vers une station de ski hors-saison où sa sœur lui a dégotté un studio libre quelque temps, histoire de faire le point. Sur place, il sympathise avec des locaux aussi baroques que lui et se laisse gagner peu à peu par l’ambiance… au point de rester, même s’il n’a plus de logis. Il va devoir se débrouiller en comptant sur ses nouveaux amis…

https://www.arizonafilms.fr/upload/LAURENTDANSLEVENT/LDLV_FA_DATE_LTRT.mp4

Ce deuxième long métrage du trio formé à la CinéFabrique peut en réalité se considérer comme le premier : comme son titre transparent l’avouait en 2022, Mourir à Ibiza (un film en trois été) était une sorte de bout à bout de courts métrages autant qu’un laboratoire leur permettant d’étalonner leur écriture, leur process de travail durant leurs études. En découlait une hétérogénéité technique logique mais d’autant plus attachante que les ambitions et le professionnalisme progressaient de segment en segment. Au-delà de la forme, le fond était le miroir naturel des envies et pensées de ses auteurs. Une sorte journal-chronique transfigurée en fiction. Laurent dans le vent poursuit sur ce chemin, en plus élaboré.

Chronique d’en-haut

On pourrait parler d’un film double de la part de ce triumvirat de scénaristes-cinéastes — eux-mêmes se répartissant les tâches entre l’image, le son et la direction. Le premier tient du conte semi-réaliste en milieu rural (ou, à tout le moins provincial) avec un gros tropisme social, dans la lignée d’un Guiraudie ou des frères Larrieu. Laurent est un candide découvrant (et nous faisant découvrir) le milieu dans lequel il atterrit… ainsi que ses habitants. Ceux du cru, avec leur typicité, leurs croyances flirtant avec le merveilleux symbolisant la permanence ou l’authenticité du terroir ; et puis la cohorte des saisonniers, population parallèle synchrone avec celle des touristes investissant les lieux à des fins utilitaires sans le chercher à le comprendre ni à l’habiter. À la différence de Laurent.

C’est d’ailleurs son paradoxe : dans son aboulie erratique, son incapacité à se projeter concrètement dans quelque futur que ce soit, Laurent s’avère ouvert aux autres et leur histoires… fussent-elles encore plus sombres ou plus barrées que la sienne. Entre la vieille dame recluse ou la mère célibataire d’un vingtenaire se prenant pour un viking, il y a de quoi faire.

Génération L (comme Laurent)

Témoin plus qu’agissant — en d’autres termes, moins héros qu’anti-héros — Laurent est loin d’être une incarnation inhabituelle dans le paysage cinématographique contemporaine. Non seulement ce type de personnage aux abords de la trentenaire, plutôt passif, en recherche de soi-même et à la genderfluidité assumée fait florès (voir Ari de Leonor Serraille (2025), hélas privé de salle ; À pied d’œuvre de Valérie Donzelli en février prochain etc.), mais les comédiens qui les interprètent présentent des similitudes physionomiques : silhouette ectomorphe, voix blanche, teint pâle, cheveu raide… Baptiste Perusat rejoint Andaric Manet, Bastien Bouillon, Thomas Blanchard…

Ces nouveaux jeunes premiers sont les évolutions des Mathieu Amalric ou Philippe Katherine apparus il y a trente ans. Désabusés et débarrassés des codes de la virilité, ils n’ont même plus la protestation furibarde de la génération précédente dont Hippolyte Girardot était l’emblème dans Un monde sans pitié (1990) d’Éric Rochant. L’insistance à présenter ce désenchantement ordinaire et cette absence de perspectives ne doit surtout pas être considéré comme anodin.

Laurent dans le vent de Anton Balekdjian, Léo Couture & Mattéo Eustachon (Fr., 1h50) avec Baptiste Perusat, Béatrice Dalle, Djanis Bouzyani… Sortie le 31 décembre 2025.

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Archives des Cannes 2025 - Stimento

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“Urchin”, “Les Voyages de Tereza”, “Les Enfants de la Résistance”, “LOL 2.0“, Les Dimanches” en salle le 11 février 2026

Urchin de Harris Dickinson

Restauration

Les Voyages de Tereza de Gabriel Mascaro

Nom de bleu

Les Enfants de la Résistance de Christophe Barratier

À la guerre comme à la guerre

LOL 2.0 de Lisa Azuelos

Et sa sœur ?

Les Dimanches de Alauda Ruiz de Azúa

Neutre ?

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“À pied d’œuvre”, “The Mastermind” en salle le 4 février 2026

À pied d’œuvre de Valérie Donzelli

En bossant en écrivant

Prix, concours…

The Mastermind de Kelly Reichardt

1970

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Martin Jauvat (“Baise-en-ville”) : « Quand tu finis la prise, tu sens si tu as fait de la merde ou si ça va »

Avant la sortie, vous avez présenté votre film en festival à des publics très différents tels que les exploitants à Charlieu ou les lycéens à Sarlat. Avez-vous noté des différences de réception ?

Êtes-vous passé comme votre personnage de Sprite par une phase où vous étiez complètement perdu ?

Et comment vous en êtes vous sorti ?

Vous avez évoqué le territoire dans lequel vous avez grandi. Il est presque un personnage du film mais vous le représentez à la fois comme un espace réaliste et imaginaire, poétique…

Aviez-vous un moodboard pour Baise-en-Ville ?

Citer Wes Anderson, ce n’est pas un hasard…

Est-ce rassurant que des comédiens-réalisateurs comme Emmanuelle Bercot ou Michel Hazanavicius aient adhéré à votre projet ?

Leurs expériences vous ont-elles servi ?

Avez-vous toujours pensé interpréter le premier rôle ?

Finalement, comment êtes-vous parvenu à ne pas vous auto-censurer ?

C’est un pari…

Avez-vous déjà une nouvelle idée en tête ?

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“Ma frère” en salle le 7 janvier 2026… et “Ella McCay” nulle part

Ma frère de Lise Akoka & Romane Gueret

Suite et redite ?

Ella McCay de James L. Brooks

Ella ? pas là !

Trompe l’œil

Tendres pressions

Brooks forever !

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Lise Akoka (“Ma Frère”) : « Parfois, ça me rend ivre quand je les entends parler ! »

S’agit-il d’un film de commande ?

Elles ont dû évoluer : les vôtres ne sont pas les mêmes que celles des enfants d’aujourd’hui…

Selon vous, qu’est-ce qui a le plus changé ?

Et pourtant le titre du film est “Ma” frère…

**Et pourtant le titre du film est “*Ma” frère***…

La séquence finale de ***Ma frère*, tournée au téléphone, y fait allusion…**

**Avez-vous pensé durant l’écriture à Nos jours heureux et comment avez-vous fait pour vous en démarquer ?**